Ahora que estamos de acuerdo en que las mirrorless son las nuevas reinas de la fotografía (no por nada, sino porque los números así lo dicen) y finalmente han destronado a las DSLR, hay quien puede pensar que cambiar desde una cámara réflex a una sin espejo es un paso similar al que se produjo cuando la fotografía digital desterró (no totalmente, ojo) a la foto analógica (osea, la que se hacía con película química) ¿Podemos equiparar estas dos transiciones tecnológicas?

Nuestra opinión es que no, que para nada hay un salto tan grande, y lo mismo opina Illya Ovchar, un fotógrafo húngaro especializado en moda que ha escrito este artículo en FStoppers en el que habla de ello y saca a colación esta interesante comparación y la posible confusión que provoca en muchos (sobre todo aficionados).

Viendo determinados modelos (como los de esta foto) se entiende mejor como el cambio de réflex a sin espejo no es tan radical.

Según el autor, mucha gente compara el rápido aumento de las cámaras sin espejo con los días en que lo digital superó a la película y cuenta que a él el cambio no le parece tan radical, demostrándolo de la mejor manera: echando la vista atrás. Pero antes, comenta que se siente confuso cuando la gente afirma que se es mejor fotógrafo por tener una cámara más moderna (algo con lo que estamos totalmente de desacuerdo) y también que cree que hay demasiada publicidad en torno a la tecnología sin espejo.

Por si fuera poco, Illya cuenta que se acaba de comprar una réflex y que no se va a pasar a una sin espejo... Pero no por nada, sino porque "lo que tengo hace el trabajo [...] No puedo decir que no haya diferencia entre réflex y mirrorless, pero no es tan grande como a algunos les gustaría".

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Su nueva cámara (no vamos a citar marcas pero si os interesa él sí lo cuenta en el artículo) tiene todo lo que él necesita para los próximos años: "un buen enfoque automático y un mercado de lentes con el mejor rendimiento óptico para cámaras de 35 mm". Por supuesto el coste también es un factor importante, porque la cámara le ha costado 900 dólares, cuando es un modelo de 2016 que salió al mercado por 3.500 dólares, y afirma que no tiene dinero para invertir en un sistema de formato medio o comprarse dos cuerpos de sin espejo profesional.

El cambio no es para tanto

El fotógrafo no está preocupado por si las DSLR son una raza en extinción, porque él no lo ve así; básicamente porque el método de captura de imágenes no ha cambiado tanto como lo hizo cuando el auge de lo digital llevó a la (casi) desaparición de la película fotográfica. Antes de esto, la película química era la única manera de capturar imágenes, ya fueran fotografías o vídeo. En aquellos momentos había pocas marcas fabricantes de película y la mayoría de las que se utilizaban habitualmente tenían una sensibilidad máxima de 800 y, como mucho, la posibilidad de hacer 36 fotografías.

Las cámaras de película sí que tenían muchas diferencias frente a las digitales.

Eso significaba que se hacían muchas menos fotos y que las posibilidades de disparar con poca luz eran mucho más escasas que hoy día. Luego también estaba el inconveniente de que era imposible ver lo que se hacía, porque antes había que revelar la película y eso era caro y complicado. Por eso, la fotografía era un medio mucho menos extendido que ahora entre principiantes y aficionados.

También habla de su experiencia como "fotógrafo químico" y como sus primeros trabajos fueron decepcionantes, de modo que se pasó al digital lo más rápido que pudo con una cámara de segunda mano, momento a partir del cual su fotografía cambió enormemente. Aquella cámara tenía la "friolera" de 8.2 Mpíxeles de resolución digital, un ISO de 50 a 3.200, conexión USB 1.1, ráfaga de 8,3 fps y 45 puntos AF.

Pero más allá de la hoja de especificaciones, el salto al digital facilitó mucho su trabajo. Gracias a eso podía ver lo que estaba haciendo en una pequeña pantalla TFT de 2' y no estaba limitado a 36 exposiciones. "La capacidad de evaluar mi trabajo, cambiar las velocidades ISO, capturar una mayor cantidad de imágenes y postprocesar e imprimir con facilidad me convirtió en un mejor fotógrafo al brindarme unas posibilidades creativas mucho mayores".

Sin espejo Vs DSLR

Illya sigue contando que, aunque no se haya pasado a las mirrorless (ni tiene intención de hacerlo de momento), sí que ha utilizado alguna y ha comprobado como aportan ventajas en aspectos como el tamaño, peso, AF y posibilidades de grabación de vídeo. Sin embargo, tiene claro que "simplemente son mejores que las DSLR, no diferentes de ellas. La tecnología es mejor, pero no es diferente".

Foto de Peter Anderson

Por eso, al preguntarse si las sin espejo cambiarán la industria tanto como lo hizo la cámara digital, la respuesta es clara: No. "No ofrece una forma completamente nueva de interpretar qué es una imagen, ni cambia la definición de una cámara. Simplemente hace un mejor trabajo en ciertas áreas".

Para el autor, actualmente hay un gran esfuerzo de marketing con cada lanzamiento de una cámara. "Se invierte mucho en I + D en cada cámara nueva y es normal que tengan que vender para recuperar ese dinero". Pero comparar el salto de las réflex a las mirrorless con el que supuso la transición de película a digital sería como comparar coches actuales con coches voladores del futuro. Por eso, para él la comparación adecuada sería "de coches viejos a coches nuevos: más seguros y rápidos, pero no revolucionarios".

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Nuestra opinión

Nosotros estamos totalmente de acuerdo con el autor del artículo; buena parte del equipo de Xataka Foto ha vivido una transición similar a la que cuenta el autor, desde la foto química a la digital, y estamos convencidos de que aquello fue un salto abismal, mucho mayor que el que se plantea ahora con las réflex y las sin espejo.

Por mucho que las réflex hayan sido destronadas, sus cualidades siguen siendo muy valiosas.

Por eso, por más que digamos de que las sin espejo han desterrado a las réflex y ya son el futuro presente de la fotografía, eso no significa que las DSLR ya no sean válidas. Muy al contrario siguen siendo unas cámaras muy válidas para muchos tipos de usuarios y para muchas situaciones.

Por eso, nadie debería obsesionarse con el tema de si son mejores las réflex o las mirrorless, simplemente evaluar las ventajas e inconvenientes de uno y otro sistema y decidir por lo que considere más adecuado para disfrutar de la fotografías. Al fin y al cabo, y esto es algo que repetimos a menudo, lo importante son las fotos, no con qué las hacemos.

Foto de portada | Daniel Jericó

El debate sobre qué tipo de cámara, DSLR o sin espejo, es mejor es algo bastante habitual en páginas web, redes sociales, foros de usuarios, etc. Y muchas veces puede convertirse en una discusión en la que ambos bandos llegan a exaltarse defendiendo “a capa y espada” las bondades de uno y otro sistema. ¿Tiene sentido esta exaltación o es sólo impulsada por un miedo irracional?

En anteriores ocasiones hemos hablado de las ventajas e inconvenientes entre réflex y mirrorless, de las nuevas funciones que estas últimas han aportado a los fotógrafos e, incluso, de las cosas que nadie cuenta antes de “dar el salto”; pero esta vez vamos a hablar de otros aspectos más emocionales: los posibles temores que puede tener un fotógrafo que se plantea cambiar de sistema.

Por cierto que en principio entendemos que estamos hablando de cambiar de una DSLR a una sin espejo, pero como vais a ver muchos de los siguientes miedos también son aplicables incluso si se diera el caso contrario. Por ejemplo que un usuario que lleva pocos años en el mundo de la fotografía hubiera empezado con una CSC y quisiera cambiarse a una réflex. En cualquier caso, vamos a verlos.

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Miedo a perder dinero

Está claro que la cámara es la principal herramienta del fotógrafo y, por tanto, una nueva cámara es una inversión, y cuando se trata del bolsillo ya sabemos que la gente se lo toma muy en serio. Además, lógicamente el modelo perfecto no existe, y para elegir el más adecuado para nosotros hace falta un trabajo previo que también tiene su valor.

Foto de Junpei Abe

Es necesario que nos informemos bien y que seamos capaces de conocer las diferencias entre los distintos sistemas, los modelos que existen, los tipos de sensores que hay… Por ello, una vez que hemos llevado a cabo todo esto y hemos decidido invertir nuestro dinero en un sistema en concreto, tendemos que defender nuestra elección a cualquier precio.

Por otro lado, como todo fotógrafo sabe cambiar de sistema siempre implica unos gastos que van más allá de lo que cuesta una nueva cámara. Especialmente si somos profesionales y necesitamos un equipo amplio para nuestro negocio.

Por ello, además de tratar de calcular el coste total que supondrá el cambio, deberíamos plantearnos si realmente los beneficios justificarán los gastos y si realmente necesitamos un cambio de sistema o no. Por todo ello, no es raro que tengamos miedo a perder dinero si nos decidimos a “dar el salto”.

Miedo al cambio

Otro temor, comprensible, que podemos tener muchos fotógrafos es el de la necesidad de adaptarnos a un nuevo sistema que, inevitablemente, será distinto a lo que estábamos acostumbrados. Tener que volver a aprender el manejo de una cámara, acostumbrarnos a nuevas características y ser capaces de aprovechar funciones hasta ahora desconocidas para nosotros es algo que nos puede echar para atrás.

Foto de Charles Clegg

En este sentido, podemos utilizar un símil referido a los coches que es perfectamente aplicable a muchos otros ámbitos, incluido el de la fotografía: Si sabes conducir un coche sabes conducir cualquier otro. Quizá al cambiar notarás que los mandos son distintos pero, tras un periodo de adaptación, te harás con ellos y podrás disfrutar de las mejoras que (se supone) te ofrece el nuevo modelo porque, lo realmente importante, es tener una base.

Pues en fotografía lo podemos aplicar igual; lo importante es conocer la técnica fotográfica; luego cómo aplicarla no es tan diferente en una cámara u otra, sólo es cuestión de adaptarse para empezar a disfrutar de lo nuevo.

Miedo a verse superado

Otra de las razones que pueden motivar las discusiones entre usuarios de ambos sistemas es, ni más ni menos que, el miedo a quedarse atrás. Porque, ¿y si resulta que esa otra cámara realmente funciona mejor y, en un momento dado, mi sistema se queda obsoleto y no puedo garantizar la misma calidad para mis fotos (o a mis clientes)?

Foto de Burst

Esta cuestión es importante, pero seguramente exagerada. Es cierto que una nueva cámara puede aportarnos algunas ventajas en nuestro trabajo, pero si hemos hecho buenas fotos con el sistema que teníamos no hay razón para pensar que “de la noche a la mañana” dejen de ser válidas.

Así, si nuestra réflex hace buenas fotos no hay razón para pensar que vaya a dejar de hacerlas en los próximos años, sólo porque ya haya modelos más modernos por ahí. Por supuesto hablamos de un corto plazo (¿cinco años quizá?), porque nunca se sabe cómo puede evolucionar el mercado y la tecnología a medio y largo plazo.

Hoy por hoy, las sin espejo parece que definitivamente han cogido impulso en la carrera por ser los modelos que tiran del mercado; pero aunque se vuelva a hablar de aquello de que “las réflex han muerto”, sigue habiendo una importante demanda de cámaras con visor de pentaprisma (según dicen los fabricantes). Por eso deberían convivir unos cuantos años sin problema y lanzarse nuevos modelos (aunque vayan escaseando poco a poco) que recojan novedades tecnológicas.

Miedo a un cambio del mercado

Muy relacionado con lo anterior, está claro que la industria de la fotografía es un mercado altamente competitivo. Si en un momento dado un fabricante de cámaras decidiera descartar un sistema, eso podría hacer que nosotros como fotógrafos nos viéramos obligados a hacerlo también, incluso aunque estuviéramos convencidos de que el sistema anterior es mejor.

Foto de Arno Body

Tenemos que ser conscientes de que los fabricantes antes que hacer “la mejor cámara” prefieren construir “la cámara que se va a vender mejor”. Por tanto, si los usuarios de réflex decidieran claudicar (por decirlo de algún modo), aceptar que los sistemas sin espejo son mejores y proclamar que nadie debería comprar una DSLR, muy probablemente este sistema quedaría definitivamente obsoleto. Sin demanda, no habría desarrollos nuevos a largo plazo y no habría nuevos objetivos, ni software, ni servicio de atención al cliente...

Probablemente, esta es la causa principal de que haya tantas disputas sobre cuál es el mejor sistema. Por eso, siempre que alguien proclame que las réflex han muerto los partidarios de este tipo de cámaras sentirán la necesidad de defenderse. Ambos quieren que su sistema brille de la mejor manera posible porque su opinión es importante, y no solo para ellos sino también para el mercado.

Además, al defender uno u otro sistema también se crea una narrativa que influye en la reputación. Por ejemplo, todos sabemos que está ámpliamente aceptado que una cámara grande es más “profesional”, con lo cual un fotógrafo será mejor visto cuanto más grande sea su cámara, aunque también puede ocurrir que simplemente se fijen en su portfolio.

Porque esto es algo cambiante, y que se ve influido tanto por lo que demandan los clientes en cada caso, como por lo que los propios usuarios decimos sobre nuestras cámaras, así como (muy importante) por el marketing de las distintas marcas y cómo posicionan sus lanzamientos.

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Miedo a un mal momento

Puede ocurrir que tomemos la decisión de dar el salto e invertir en un nuevo sistema y, por aquello de la Ley de Murphy (ya sabéis, “si algo puede salir mal…”) resulte que al día siguiente se presente algo totalmente nuevo. O, simplemente, que nos compremos una cámara nueva y al poco se presente una mejor, que haga que la nuestra quede casi instantáneamente obsoleta.

Foto de Melvin Thambi

Desgraciadamente esto es algo con lo que tenemos que convivir. Hoy por hoy, con el mercado de la fotografía ya plenamente integrado en la dinámica de la industria electrónica, tenemos que se conscientes que al comprar cualquier cámara más tarde o más temprano veremos aparecer una mejor que hará que el precio de la nuestra disminuya significativamente.

Es algo inevitable porque el progreso tecnológico no se detiene. Continuamente se lanzarán nuevos modelos de cámaras, objetivos y otros accesorios al mercado que harán que nuestro equipo, sea del sistema que sea, quede desactualizado en mayor o menor medida. Y adaptarse requerirá una inversión costosa pero ¿significa eso que ya no podemos hacer buenas fotos con lo que tenemos? Como decíamos al principio, por supuesto que no.

Foto de Andrew Sales

Lo que queremos decir con ello, y esto ya nos sirve a modo de conclusión, es que el mercado no debería ser quien dicta cuándo es el momento de un cambio de sistema. Esto debería venir marcado por nuestras necesidades y capacidades, lo que puede significar que para algunos nunca llegue ese momento porque no lo necesiten (pensemos por ejemplo en los que disparan con película).

Por eso debemos ser capaces de superar nuestros miedos y, sobre todo, de analizar de la forma más objetiva posible si necesitamos un cambio de sistema o si sólo queremos dar el salto por capricho o “por seguir una moda”. Y, sobre todo, como decimos siempre, disfrutar haciendo fotos con nuestra cámara porque, la mejor es la que tengamos.

El miedo es uno de los principales elementos que no nos permite avanzar como fotógrafos. Debido a él, nuestra práctica se atrasa, nuestros objetivos pierden valor y la calidad de nuestro trabajo no llega a su máximo potencial. Para evitar quedarnos atrás, debemos luchar contra el miedo de hacer fotografía. Así que aquí os traemos algunos consejos para enfrentarse a este problema.

Identificando las caídas

El miedo a hacer, usualmente, es un sentimiento que llega de manera desapercibida. Imaginamos nuestros proyectos o ideas para una toma, imaginamos un viaje, un contacto, una estrategia… pero el tiempo pasa y esas ideas mueren entre peros o hasta ques que retrasan el hacer y lo llevan al olvido.

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Retándose a fotografíar cuando no hay motivación para hacerlo

Lo que ocurre en estos casos es que queremos justificar nuestro miedo con una razón lógica para no enfrentarnos a la toma. La excusa más usual siendo nuestra capacidad económica, la cual muchas veces puede ser solucionada planeando la producción de manera meticulosa. El tiempo, el clima, la necesidad de otros son otras de las razones más populares. La razón menos común pero existente es la de no sentir motivación para ello.

Esta última es una de las más cercanas a la realidad, pero ¿de dónde viene esa falta de motivación? El miedo.

Hay un factor al que ningún fotógrafo se quiere exponer: El fracaso. Este es el miedo que nos detiene en su mayoría. Muchas veces esa falta de motivación se debe a fracasar y, antes de enfrentarse a ello, lo que hacemos es evitar el hacerlo del todo.

Para poder enfrentarse a esta falta de motivación el primer paso es identificar qué es lo que nos da miedo en nuestro proceso. Esto puede ser el nivel de planificación, pensar que se requieren elementos especiales o simplemente pensar que no estamos al nivel para hacer la toma de la manera que nos imaginamos.

Enfrentando los retos

Enfrentarse al fracaso es obligatorio si queremos avanzar en nuestra profesión. Nos enfrentamos a ello en cada momento de nuestro camino fotográfico. Al aprender estamos en constante enfrentamiento contra la estética, la composición y el concepto. Elementos que solo pulimos fallando, entendiendo y puliendo en el camino. Luego, en nuestra carrera profesional, los miedos son aún más fuertes cuando tenemos que enfrentarnos a nuestros clientes.

Pero es ahí donde debemos enfocar nuestra motivación. Fracasamos para poder aprender y mejorar. Fracasamos porque si no lo hacemos nos quedaremos estancados en todas nuestras ideas dentro de una profesión que vive cambiando, que vive evolucionando.

Al ir exponiendo nuestro trabajo a ello, no solo encontramos los elementos de mayor valor en nuestras imágenes; también encontramos nuevas formas de superar las complicaciones. También encontramos el gusto de enfrentarnos a retos cada vez más complicados, que pueden ser desde exponernos a un público pequeño a concursar en competencias de fotografía o incluso planear nuestro primer libro fotográfico.

Exponerse y enfrentar el miedo es un proceso de acciones, que mejoren nuestro flujo. Como si fuera un deporte, al principio puede que nos de flojera y que no lo hagamos de manera consciente, pero hacerlo con constancia y tratando de superarnos cada día más encontraremos que evolucionamos de manera acelerada y cada día se hace más fácil.

Los ejercicios de valor

Algunos de los ejercicios que podemos realizar para entrenar nuestro estilo fotográfico y eliminar el miedo de hacer fotografías es:

• Hacer ejercicios de estilos fotográficos: Explorar estilos que no pertenecen al nuestro nos pone en la posición de investigar, enfrentarnos a los límites técnicos o estilísticos, aprender habilidades y expandir nuestra visión sobre la fotografía. Es uno de los retos más sencillos de realizar, pues podemos elegir estilos y referentes que nos llamen la atención, haciendo más llamativa la experimentación.

• Planear una sesión semanal: Hacer es crecer y mejorar. Entre más fotografías hagamos de manera consciente y planeada, más aprenderemos a identificar los elementos de nuestro estilo. Si queremos disminuir el miedo a no hacer las fotos de manera completa, podemos hacer listados de los elementos que necesitamos y retarnos a conseguirlos y producir la sesión en tiempo record. Esto nos ayudará a aprender organización, a reducir nuestro miedo a no estar preparados para las tomas, mejorar nuestra recursividad y volvernos ágil en la producción fotográfica.

• Planear series continuamente: Este sería el siguiente nivel del punto de arriba. Para complementarlo, incluso puede ser una excusa ideal para comenzar a participar en concursos fotográficos. Enfrentar el miedo a exponer nuestro trabajo.

• Ingresar a foros: En ellos exponemos nuestro trabajo, lo que nos enseña a ser más abiertos de mostrar nuestra visión. Al hacerlo, podemos discutir sobre técnica, concepto, narrativa y encontrar nuevas formas de complementar nuestro trabajo o mejorar nuestros flujos de trabajo. Podemos encontrar ideas, podemos aprender formas de optimizar nuestra producción. Enseñamos a través de nuestra experiencia y aprendemos de la experiencia de nuestros colegas. Aprendemos por compartir mientras perdemos el miedo a hacerlo.

Esto es todo por esta ocasión, esperamos estos consejos sean de utilidad para enfrentarse a los miedos y realizar trabajos magníficos. ¡Hasta la próxima!

Conseguir un estilo fotográfico es una labor que toma años, experimentación y análisis de nuestras obras. Para poder llegar a él es importante tener claro sus componentes. Una buena herramienta para lograrlo es compartir el proceso de nuestro trabajo.

Compartir no te quita trabajo

Hablando con colegas fotógrafos, una de las actitudes que todavía me causa asombro es escuchar cuando dicen “no digas cómo haces las cosas, luego te van a copiar las ideas”. Es una frase muy fuerte, que solo demuestra una falta de confianza en nuestro trabajo. En especial porque ninguno de nosotros tenemos “LA fórmula” del éxito; y, segundo, porque la forma en que conseguimos crear nuestro estilo se basa principalmente de imitar el trabajo de otros y experimentar técnicas que desarrollan ese conocimiento.

Así que, ¿cuál es el miedo a compartir cómo realizamos y llegamos al concepto de nuestras ideas?

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El miedo de la originalidad y cómo ejercitar nuestra mirada para lograrla

El primer punto que veo a favor de compartir nuestros procesos de captura, edición y retoque es que nos permite generar seguridad sobre nuestro trabajo. Aprendemos a hablar de lo que hacemos con propiedad. Impartimos esa seguridad en nuestros asistentes de trabajo y en nuestros clientes. Aprendemos a identificar los elementos que necesitamos para generar nuestras imágenes y el por qué son necesarios para que funcionen.

Además, no hay mejor forma de saber que algo estás haciendo bien que escuchar que hay personas ahí que intentan hacer fotos como tu.

Analizar la evolución fotográfica

En el pasado os recomendamos un ejercicio de buscar imágenes viejas y volver a editarlas como lo hacéis el día de hoy. Hablar sobre esta retrospectiva de nuestro trabajo es una forma muy útil para ir encontrando puntos de cambio fundamentales y saber qué elementos hemos descartado y cuales potenciado para generar nuestro estilo.

El estilo fotográfico es algo que se crea durante toda la vida. Sin embargo, su evolución tiene muchos momentos. Al ir al pasado veremos que muchos cambiábamos de estilo según la tendencia, sea que la sigamos o que vayamos en contra de ella. Pero, veréis que con el tiempo el estilo comienza a tener más estabilidad, manejamos composiciones específicas, técnicas o estilos de color parejos entre las imágenes.

Hablar de esos cambios nos permite identificar posibles caminos a los que podría evolucionar ese trabajo a futuro. Tal vez al analizarlos encontraremos soluciones o inspiración de lo que se puede convertir nuestro siguiente trabajo fotográfico.

Retroalimentación activa

Una parte fundamental del crecimiento de cualquier fotógrafo es la retroalimentación de la comunidad. Una de las principales formas que hacemos esto es compartir nuestras imágenes en redes y ver lo que aparece en los comentarios. Eso siempre da un indicio de qué le gusta al público y qué elementos pueden mejorar.

Sin embargo, el compartir públicamente nuestros procesos puede ser más beneficioso para esa retroalimentación. Que otros puedan saber qué hicimos nos permite resolver las dudas que podamos tener sobre cierta manera de hacer una toma. Algunos verán ese proceso y nos dirán si hay alguna parte del proceso o de la técnica que se puede realizar de manera más eficiente. Incluso, si alguien disgusta de algo en la imagen, podrá decirnos exactamente qué hubiera hecho distinto para arreglar eso que no le gusta.

Este es un buen método para disminuir la cantidad de ‘trolls’ que intentan simplemente echar nuestro trabajo a la basura. Por otro lado, es una forma idónea de atraer a una comunidad más activa que de sugerencias útiles.

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¿Medios de distribución?

Considero que los dos medios más útiles son: un blog o un vlog. En especial porque ambos son “gratuitos”.

A favor del vlog debo decir que es una forma de mayor tendencia y que la gente está más dispuesta a ver y participar. Muchas personas prefieren ver un vídeo que leer una entrada. Su contraparte es que hay que quitarse el miedo frente a cámara.

Yo soy gran partidario de crear un blog. La gran ventaja de este sistema es que escribir nos hace pensar más cada palabra, lo que nos hace pensar más a fondo en el proceso de las imágenes que capturamos. También nos permite desglosar de manera más sencilla el contenido y quien quiera dar una pausa en la lectura luego puede retomar desde donde quedó, sin tener que ir a un historial a buscar el vídeo y luego moverse entre la barra de tiempo a buscar en qué parte quedó.

Otra ventaja del blog frente al vlog es que no hay costos adicionales grandes a futuro. Pasar de ser un YouTuber más a crear un vlog de aspecto más profesional requiere que luego se invierta en cierto equipo de sonido e iluminación que haga más pulido el canal. Pasar del blog básico a uno profesional incurre en pagar un dominio y poner una plantilla premium que sea más elegante, lo que puede ser tan bajo como 10 euros al año.

Ya os hemos hablado en otras ocasiones del uso creativo de la fotografía en otras disciplinas como la música o la publicidad. Y el mundo del cine, por supuesto, tampoco se libra.

Lo que os traemos hoy es una demostración más de lo que puede conseguirse con técnicas como el Stop Motion y un buen puñado de creatividad.

Lucía, Luis y el lobo son dos historias, dos relatos de miedo relacionados entre si, en formato corto realizados por el estudio chileno Diluvio, dirigido por Joaquín Cociña, Niles Atallah y Cristóbal León con el que han conseguido varios premios internacionales.

La verdad es que son espectaculares. Os dejo con ellos:

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