Entrar en la fotografía móvil después de muchos años disparando con sistemas más ‘tradicionales’ es un reto para muchos fotógrafos. Debido a eso, la opción fácil es rechazar los smartphones como un nuevo sistema fotográfico que siempre está con uno. Sin embargo, al experimentar cada vez más con este tipo de sistemas, se aprenden muchas cosas y se disfruta de nuevas perspectivas en la fotografía.

Con la pandemia, mi exploración móvil aumentó. Gracias a ella he podido explorar otras visiones y nuevas herramientas. Por eso el gusto por ella va en aumento. Así que, acá os comparto mis tres cosas favoritas de usar estos sistemas.

Sin mucho peso, sin llamar la atención

La inseguridad en Latinoamérica es común para muchos de los fotógrafos de este lado del océano. Debido a eso, salir a hacer fotografías es más complicado que hacerlo en España u otros países de Europa. Se está más limitado a planear bien cada salida fotográfica y a estar usualmente en grupos para evitar el robo de los equipos. Si bien no es algo del día a día, siempre hay una probabilidad alta.

Por eso el celular se transformó en una herramienta cómoda y perfecta para explorar fuera en la ciudad. Esto me ha permitido ver la ciudad de nuevas formas, recorrer mi país de manera más fácil y tener más confianza al  realizar capturas fuera de la casa o el estudio.

Así mismo, el peso fue un factor clave pues no cargar con el equipo usual invita a caminar y explorar más tiempo por fuera. Si bien soy de equipo ligero, la maleta siempre tenía un par de objetivos, baterías y algún que otro accesorio adicional.

Listo para cada momento

Soy fanático de capturar cosas que me parezcan curiosas. Esto puede ser un momento que esté viviendo, la luz de la escena e incluso una flor. Debido a que no suelo sacar mi sistema principal del estudio, eso implicaba perder escenas, mirarlas y decir que hasta ahí llegaron.

A medida que fui experimentando más con la fotografía móvil, esos momentos han aparecido más seguido. O, mejor dicho, la mirada fotográfica de mis alrededores se está expandiendo cada vez más, permitiendo encontrar nuevos momentos para capturar. Ese incentivo de explorar es algo que a veces nos falta a los fotógrafos y por ello siento tan valioso esta participación de hacer tomas con mi smartphone.

Desprenderse del equipo

Dar clases virtuales y no estar siempre cerca del estudio es un reto y una magnífica forma de cuestionarse sobre la fotografía. Cuando hay estudiantes al otro lado de una pantalla sin recursos económicos para comprarse un sistema (así sea de entrada) y sin la posibilidad de acceder a los equipos de sus instituciones, la frase de “la mejor cámara es la que tenemos a la mano” se hace más cierta.

Este fue mi principal motor para explorar cada vez más en este nuevo mundo. ¿Se puede hacer retrato? Intentemos. ¿Producto? Intentemos. ¿Naturaleza y paisaje? Pues intentemos.

Ese constante intentar y entender se vuelve un aprendizaje en conjunto que nos invita a entender mejor los conceptos. Así mismo, nos hace buscar cómo trasladarlos sin importar el sistema o el equipo fotográfico que tengamos.

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Soy fotógrafo profesional y estas son las tres cosas que menos me gustan de la fotografía móvil

Si vosotros también estáis explorando con estos sistemas, ¿qué es lo que más os ha gustado? ¿Qué es lo que no os gusta para nada?

Filmin es una de las grandes plataformas de cine para los amantes del séptimo arte. Aquí no verás los últimos éxitos de Hollywood, sino las grandes películas de todos los tiempos y los estrenos de las salas de versión original y de arte y ensayo. Y con motivo de la exposición del World Press Photo han preparado una colección de películas y documentales sobre fotografía que todos deberíamos ver.

Soy fotógrafo y me encanta el cine. Creo que gracias al séptimo arte los fotógrafos podemos hacer mejor nuestro trabajo. Es una fuente de inspiración perfecta para aprender a encuadrar de la mano de los maestros y para ver la luz de la mejor forma posible. Y la colección Grandes fotógrafos es una oportunidad única para los días de peli y manta que se acercan.

Hay muchas plataformas de cine. Cada uno puede elegir la que más se aproxime a sus gustos. Filmin es para los más cinéfilos. Aquí hay muchas joyas escondidas ajenas a las modas. Como por ejemplo una colección dedicada a las películas que recomienda Scorsese del cine americano o muchas de las películas de Tarkovsky, por poner solo unos pocos ejemplos.

Una de las películas de la colección

Vamos a centrarnos en la colección Grandes fotógrafos donde podemos encontrar muchos documentales esenciales y alguna película sobre la que nunca había oído hablar.

Las 23 películas de Grandes fotógrafos, la nueva colección de Filmin

El subtítulo de la colección es 'La fotografía como motor de vida'. Algo en lo que estamos de acuerdo sin lugar a dudas. Con motivo de la exposición del World Press Photo en el CCCB de Barcelona y la proyección de la visita guiada a la exposición, Filmin ha aprovechado para reunir bajo una colección hasta 23 películas relacionadas con la fotografía.

Algunas son pequeñas joyas que llevan tiempo entre nosotros. Y otros documentales que se están proyectando en todos los festivales ahora mismo, como 'Helmut Newton: Perversión y belleza' o 'Shooting the Mafia' que cuenta la cruda realidad de la mafia desde el punto de vista de la fotógrafa Letizia Battaglia.

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'Robert Frank: la mirada de América', un documental a modo de retrato de un fotógrafo esencial

También encontramos los ya clásicos 'La sal de la tierra' de Wim Wenders sobre Sebastiao Salgado o 'Robert Frank, la mirada de América' por poner un par de ejemplos muy recomendables. Y sorpresas tan agradables como 'Jacques Leonard, el payo Chac' o 'Joana Biarnés, una entre todos', de los que hemos hablado largo y tendido en Xataka Foto.

Las películas que podemos ver son:

1. 'Helmut Newton: Perversión y belleza' deGero von Boehm · Documental 2020 · 93min.
2. 'Martha: A Picture Story' Selina Miles · Documental 2019 · 81min.
3. 'Beauty and Decay' Annekatrin Hendel · Documental 2019 · 79min.
4. 'Shooting the Mafia' Kim Longinotto · Documental 2019 · 97min.
5. 'Sympathy for the Devil' Guillaume de Fontenay · Drama, Bélico, Biopic 2019 · 100min.
6. 'Koudelka: Shooting Holy Land' Gilad Baram · Documental 2015 · 72min.
7. 'Viviendo la Luz: Robby Müller' M. Claire Pijman · Documental 2018 · 86min.
8. 'La Sal de la Tierra' Wim Wenders, Juliano Ribeiro Salgado · Documental 2014 · 110min.
9. 'Robert Frank, la mirada de América' Laura Israel · Documental 2015 · 82min.
10. 'Robert Doisneau: a través de la lente' Clémentine Deroudille · Documental 2016 · 77min.
11. 'Mapplethorpe, blanco y negro' James Crump · Documental 2007 · 87min.
12. 'Joana Biarnés, una entre todos' Òscar Moreno, Jordi Rovira · Documental 2015 · 72min.
13. 'Joan Fontcuberta: El que queda de la fotografía' Carles Prats, Roger Grasas · Documental 2019 · 78min.
14. 'Roxanne Lowit: magic moments' Yvonne Sciò · Documental 2016 · 70min.
15. 'Diarios de Kandahar' Louie Palu, Devin Gallagher · Documental 2015 · 76min.
16. 'My Little Princess' Eva Ionesco · Drama 2011 · 100min.
17. 'The September Issue' R.J. Cutler · Documental 2009 · 90min.
18. 'Jacques Leonard, el payo Chac' Yago Leonard · Documental 2011 · 61min.
19. 'Cola, Colita, Colassa' Ventura Pons · Documental 2015 · 78min.
20. 'Break In' Mikel Aristegi, José Bautista · Documental 2016 · 25min.
21. 'Dora Maar, a pesar de Picasso' Victoria Combalía, Alejandro Lasala · Documental 2014 · 50min.
22. 'Caras y Lugares' Agnès Varda, JR Jean René · Documental 2017 · 90min.
23. 'World Press Photo 2020: Visita Guiada' Photographic Social Vision · Documental 2020 · 40min.

Personalmente veré sin lugar a dudas el nuevo documental sobre Helmut Newton y la 'Caras y lugares', el documental que cuenta la visión cinematográfica de Agnés Varda y la mirada fotográfica de JR Jean René durante un viaje por los pueblos de Francia. Ojalá tuviera el tiempo para ver todos, desde luego.

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"Una entre todos", la película sobre Joana Biarnés, en Memorimage

Y si no estás suscrito a Filmin no hay problema, porque en esta plataforma puedes alquilar por 72 horas la película que quieras, igual que los más viejos del lugar cuando íbamos a ese lugar idolatrado por Tarantino llamado videoclub.

El manejo del color es uno de los elementos más complicados en las artes visuales. A su vez, es uno de los elementos más poderosos que hay en narrativa visual. ¿Cómo podemos aprender a entender mejor el color para desarrollar nuestra fotografía?

El pensamiento del color

Los principales aspectos que nos enseñan a los artistas visuales son la teoría del color y la psicología del color.

La teoría del color nos habla de las propiedades del color desde que se deconstruye la luz. Establece parámetros de cómo funciona en términos de valor, saturación y tono. Muestra su relación con otros colores y crea modelos de armonías de color a partir del comportamiento de estos colores. En ocasiones pasadas hemos visto cómo esta teoría se aplica en la gestión del color de nuestras fotografías.

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Cómo controlar el color en la fotografía digital (I)

La psicología del color, por el contrario, parte de la estadística y las asociaciones culturales del color, como hemos mencionado anteriormente. Son patrones que asociamos desde cómo vemos la naturaleza, la sociedad, la religión, la publicidad y demás elementos que nos rodean. Generando un significado del color a partir de su relación con esos elementos culturales.

Este segundo aspecto, los creadores de imagen usualmente nos limitamos a trabajar el color desde nuestro contexto; cerrando las variaciones narrativas que podemos dar a nuestras fotografías. Expandir el análisis cultural del color nos permite encontrar nuevas formas de darle significado a nuestras imágenes, de llegar a distintas audiencias y de crear nuevos patrones y significados a los tonos que manejamos.

El sentimiento del color

Para abrir las fronteras que limitan la psicología del color en nuestro contexto cultural debemos reforzar el conocimiento del color en otros contextos. La mejor forma es entrar a analizar las artes alrededor de distintas culturas.

Podemos entrar en profundidad, desde el análisis de la historia del arte en distintas culturas. O podemos comenzar a indagar en ellas a través de las artes visuales más modernas (como el cine y el diseño). En cualquier caso, volvemos a un concepto que hemos mencionado en varias ocasiones con anterioridad: referencias.

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El miedo de la originalidad y cómo ejercitar nuestra mirada para lograrla

Aquí os presentamos algunos consejos de cómo expandir la mirada desde distintas artes:

• Literatura: La literatura tiene el gran poder de atacar nuestra mente directamente. La descripción de un tono, un contexto, un ambiente o un elemento son visibles a través de nuestra interpretación de lo que leemos. Ese ‘azul pálido de la muerte’ o ‘el rojo de una historia de guerra’ son tonos que cada uno interpreta desde la imaginación. Ver cómo estas descripciones tonales se aplican a distintas culturas y religiones nos dan un acercamiento al uso de esos colores. Un libro que recomiendo para encontrar referencias literarias del uso del color en distintas culturas es ‘The Secret Life of colors’, por Kassia St. Clair.

• Moda: El vestuario es uno de los elementos que más refleja lo simbólico del color en distintas culturas. En este aspecto podemos encontrar cómo se generan distintas interpretaciones de un tono en un ritual, uno de los claros ejemplos es el blanco. Mientras la religión católica usa un vestido blanco en una boda por ser símbolo de pureza, el mismo blanco es un color de lamento y representativo del rito funeral en la cultura China. A través del análisis del vestuario veremos cómo se utilizan tonos similares para ritos y sentimientos totalmente opuestos.

• Pintura: La pintura es uno de nuestros referentes más cercanos y es usual que tomemos muchos elementos de ella en la composición, el tratamiento de luz y el uso del color. Al estudiarla con más detenimiento, según las corrientes de una época, según el uso de motivos pictóricos, encontraremos cómo se ha utilizado narrativamente el color para hablar sobre distintos sentimientos, ideas y símbolos.

• Diseño: el diseño enfocado en lo publicitario es muy significativo del uso del color. Usualmente hay una visión detrás de la identidad de marca de una empresa. Hay unos colores que se asocian con ellos, hay estilos, hay limitantes. Todo esto nos ayuda a entender el contexto comercial bajo el cual se utilizan ciertos colores; además de ver con qué tipos de comercio se asocian ciertas armonías de color. El mejor ejemplo de esto es como se asocia el amarillo y el rojo en conjunto a las cadenas de comida rápida.

• Cine: Sin duda alguna mi fuente favorita de referencias de color. El trabajo de diseño de color es muy completo y está a cargo de muchas cabezas que interactúan para darle identidad y significado a un mundo o personaje durante esas aproximadas dos horas de pantalla. También es un medio que ofrece muchas alternativas al uso del color, por lo que es uno de los medios que más nos ayudan a expandir este concepto psicológico del color en nuestro arte.

Ejercitar nuestro campo cultural nos permitirá encontrar nuevas herramientas para crear imágenes que llamen a más audiencia, que sean más directas en lo que queremos comunicar y que aprovechen al máximo los elementos y estilos de color que aplicamos en ellas. Esperamos que estos tips os sean útiles para el desarrollo de vuestro trabajo. ¡Hasta la próxima!

Si queremos hacer buenas fotografías tenemos que plantar batalla. No es dar un botón y olvidarse o sentarse delante del ordenador confiando en nuestra pericia con el programa de turno. La fotografía es un trabajo que exige esfuerzo. Y una de nuestras obligaciones es saber cómo encontrar buenas imágenes.

Una de las funciones del fotógrafo es encontrar un estilo propio para mostrar su realidad. Esto exige, como dice Cristina García Rodero, pelear contra el tiempo. Es un combate de boxeo. Algunos prefieren dar el golpe, otros cansar al rival y todos, deberíamos ser capaces de ver el futuro, como un jugador de ajedrez.

El fotógrafo debe adelantarse al tiempo, lograr ese estado del que ya habló Ansel Adams en su mítica trilogía. Me estoy refiriendo a la visualización. Es una de las funciones del fotógrafo. Me da igual por supuesto que sea aficionado o profesional. Tenemos que ser capaces, desde que pensamos en accionar el disparador, saber cómo va a quedar la fotografía cuando la demos por terminada en una hoja de papel fotográfico o en las redes sociales.

Otro punto de vista

La visualización solo se consigue con esfuerzo, con práctica y con mucho tiempo invertido. Y dará igual la cámara que tengamos. Solo es una herramienta más que nos permite dar forma a nuestra manera de ver las cosas.

Adelantarse al tiempo

La visualización hay que ejercitarla. Hay que disparar con un sentido. El acto del disparo fotográfico en sí es totalmente irracional, como bien explica José Manuel Navia en sus talleres pero después de pasar por el filtro de la preparación.

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Nikon D850, análisis: la réflex total

Para ser fotógrafo hay que entrenarse. Ejercitar la mirada y agilizar el pensamiento. Educarse formal y culturalmente. Así seremos capaces de disparar por intuición. Parecerá que no nos cuesta pero todo el trabajo está detrás. Horas de lecturas, de observación, de vida más allá de las cámaras.

La experiencia en este mundo es un grado. Hay que conocer tan bien la cámara que seas capaz de ponerla en marcha con los ojos cerrados. Y tener tan interiorizado lo que quieres sacar que no tengas ni que pensar el encuadre. Solo tienes que saber cómo encuadrar lo que estás viendo para que al final quede como tú quieres.

Y es ahí donde entra la filosofía del jugador de ajedrez. Los que jugáis sabéis con seguridad a lo que me refiero. Los grandes maestros son capaces de adelantarse al tiempo. Los que después de echar una mirada al tablero pueden decir con seguridad lo que va a pasar diez jugadas después.

El fotógrafo como jugador de ajedrez

El fotógrafo experimentado debería ser capaz de jugar con la misma profundidad. Después de entrenar la mirada, con solo ver una realidad debería adivinar el encuadre, medir la luz y ver el resultado final para comunicar al espectador cómo ha visto el mundo.

No es fácil. E igual muchos fotógrafos no sienten la necesidad de ejercitarse de tal forma. Puede parecer sobrehumano pero no es más que una forma de hacer las cosas. Es una de las formas de salir del hoyo que supone quedarse en la fotografía postalera, la fotografía bonita más que la buena fotografía.

La luz cambia todo

No todos queremos hacer las mismas cosas. Cada uno es libre de enfrentarse a la fotografía como quiera. Puede que haya muchos caminos, muchas rutas posibles. Algunos prefieren llegar a su lugar destino por una cómoda autopista, sin riesgos, a una velocidad de crucero constante.

Otros disfrutamos más en las carreteras de montaña, en las comarcales que cruzan los páramos... Al final puede que lleguemos al mismo sitio. Y hasta puede que disfrutemos exactamente igual. Pero las emociones serán distintas. Ahora toca elegir.

Aprovechar la regla de los tercios, usar puntos de fuga o desenfocar el fondo son formas más o menos convencionales de dirigir la mirada del espectador de las que ya hemos hablado en otras ocasiones. Sin embargo, si lo que queremos es una forma de destacar a un sujeto en concreto y hacerlo de forma creativa hay que echar mano de otro tipo de recursos.

Se trata de aprender a enfatizar la presencia del sujeto principal al que queremos dar el mayor protagonismo y eliminar posibles distracciones. Y se trata de hacerlo de una forma diferente para que el resultado sea creativo y se aleje de las imágenes más convencionales, como puede ser sencillamente abrir diafragma para que el fondo de la imagen pierda nitidez. No es que esta opción sea mala, simplemente es buena idea conocer otras posibilidades como las que vamos a contar a continuación:

Foto de Ricardo Gómez Ángel

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Cómo mejorar los fondos de tus fotografías para lograr mejores resultados

Aprovechar el contraluz

Incluir el sol en nuestras fotografías es una que opción tiene sus inconvenientes pero también sus ventajas si se hace adecuadamente. Una de ellas es la posibilidad de aislar a un sujeto y llamar la atención sobre él.

Foto de Leah Kelley

Se trata de aprovechar el contraluz para que los rayos de sol hagan que todo (o buena parte de) lo que rodea al protagonista aparezca sobreexpuesto, lavado o con un contraste reducido. Por supuesto hay que tener cuidado que esto no afecte demasiado al sujeto principal, ya que si nos pasamos probablemente acabaremos con una foto fallida. El truco está en tener cuidado con la cantidad de luz que dejamos entrar en el cuadro.

Por eso que es importante que el sol no sobresalga demasiado por detrás de la figura, porque incluso una diferencia de un milímetro puede cambiar drásticamente el efecto, y probar haciendo varias tomas para poder escoger posteriormente.

También hay que tener en cuenta que el mejor momento para hacer este tipo de fotos es durante los atardeceres/amaneceres ya que, como es lógico, la potencia del sol es menor, y que es recomendable subexponer ligeramente para conservar detalles en las zonas más cercanas a los rayos del sol.

Foto de Julia Caesar

Utilizar rayos de luz

La segunda forma de aislar creativamente a un sujeto en una foto también está relacionada con la luz pero en este caso de forma más selectiva. Se trata de aprovechar rayos de luz más o menos aislados para centrar la atención en los sujetos y destacarlos sobre el resto de la composición.

Foto de Brooke Cagle

Este efecto podría ser similar al que conseguiríamos usando un flash, pero en este caso hablamos de aprovechar la luz que podamos encontrar de forma “natural”. Por eso, las ciudades son un buen escenario, tanto por las noches, donde podemos encontrar muchas fuentes de luz artificial distintas (incluyendo cosas como las luces de los escaparates o las pantallas de los móviles), como durante el día en que los rayos del sol pueden incidir entre los edificios.

Sea como fuere, situar al elemento a destacar en esas franjas de luz es una posibilidad muy efectiva, entre otras cosas porque la diferencia lumínica muy probablemente hará que todas las zonas fuera del área más iluminada queden muy atenuadas y el sujeto principal se enfatice claramente.

Foto de Darius Bashar

Usar el movimiento

La posibilidad de jugar con el movimiento que ofrece la fotografía es algo que tiene mucho de magia, y también ofrece la opción de aislar sujetos. De hecho, si hay algo que permanece inmóvil en una imagen mientras todo lo demás se mueve, el efecto puede ser inigualable.

Foto de Roman Koester

Lo cierto es que las posibilidades son casi infinitas, pero básicamente hablamos de utilizar una velocidad de obturación lenta para que en la imagen prevalezca el desenfoque de movimiento excepto en el sujeto principal. Esto se puede hacer básicamente de dos formas; la primera acompañando el movimiento del protagonista, es decir lo que normalmente se conoce como barrido (o paneo).

La otra posibilidad es dejar la cámara fija en un punto donde haya mucho movimiento, en cuyo caso lo destacado será lo que permanezca inmóvil. Algo difícil de conseguir en escenas callejeras salvo que contemos con un modelo que posea como en el caso de la foto de abajo.

Foto de Thomas Lefebvre

Rompiendo patrones

Recurrir a la repetición de objetos es una opción muy interesante en fotografía que ayuda a componer de forma efectiva y crear ritmo en las imágenes. Pero usarlos también puede ser una manera de llamar la atención sobre un objeto que introduzcamos en el encuadre rompiendo ese ritmo.

Foto de Karl Köhler

La idea es eminentemente sencilla de entender, no tanto de llevar a cabo si lo que queremos es lograr un gran resultado. Lo más importante es tener un buen ojo para encontrar la situación propicia y lograr que la contraposición entre los patrones de la foto y el elemento destacado tengan un significado tan potente como esta icónica foto de Marc Riboud.

Foto de Michal Pechardo

Limpiando el fondo

Otra opción que tenemos para llevar la mirada del espectador hacia un elemento principal es, literalmente, vaciar de contenido el resto de la imagen. De la importancia de cuidar los fondos de nuestras imágenes es algo de lo que hemos hablado a menudo, y sin duda puede ser clave para conseguir buenos resultados.

Foto de Leio McLaren

Pero ahora hablaríamos de un caso en el que lo de cuidar el fondo sería llevado prácticamente al límite, eliminando en lo posible cualquier elemento que distraiga. La forma más sencilla, evidentemente, es que lo hagamos en un estudio con un fondo elegido a propósito. Sin embargo, el resultado en este caso no sobresaldrá precisamente por su creatividad ni, sobre todo, por su naturalidad. Por eso, lo ideal es buscarlo en un entorno no controlado como en la foto de arriba.

Foto de Fernand De Canne

Utilizar marcos

Nuestra última propuesta es también un clásico que hemos tratado en artículos como éste, porque los marcos son una excelente manera de focalizar la atención del espectador hacia una parte de la imagen. Podríamos pensar que son una forma bastante convencional, pero sus infinitas posibilidades lo convierten en una técnica muy creativa.

Foto de öscar Condés

Pueden ser naturales o artificiales, regulares o irregulares y se presentan en forma de ventanas, ramas de árboles, elementos arquitectónicos… Hay mil y una posibilidades y para aprovecharlas, como en el caso de los patrones, lo más importante es tener el ojo bien entrenado y moverse en busca del mejor encuadre.

Foto de Björn Bechstein

Con esto hemos terminado pero, como estamos seguros de que hay más opciones, os animamos a compartir a través de los comentarios vuestras propias sugerencias de maneras para lograr que el protagonista de una foto destaque de forma creativa. Gracias de antemano.

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Siete fotos que todo aficionado debería hacer cuando empieza en fotografía

Foto de portada | Alex Ronsdorf

Antes os hemos hablado de formas de ejercitar la mirada para buscar tomas más originales. También os hemos dado trucos y consejos para reforzar la técnica y mejorar en distintos estilos fotográficos. Pero en esta ocasión os presentamos un ejercicio poderoso, que os permitirá desarrollar vuestro potencial de manera exponencial: dejad la cámara en casa, salid y haced fotos con lápiz y papel.

Aprender a ver escenas

Probablemente un día estabas en el tren yendo a una ciudad de vacaciones, volviendo a casa de fiesta o haciendo el recorrido para cubrir una boda o un evento. Era un día como cualquier otro y, de repente, por la ventanilla del vecino entraba una luz espectacular, pero la cámara estaba guardada y no querías ser indiscreto para tomar una foto. Ese momento lo dejaste guardado en tu mente, que asombroso hubiera sido, capaz y ganaba algún premio.

Es probable que ese momento sea igual al que viviste cuando estabas en el parque caminando mientras hablabas con un amigo; cuando cruzaste miradas con una persona de ojos fascinantes; cuando al despertar en la mañana, el sol aparece entre los orificios de la cortina de madera y se proyectan figuras sobre la pared. Esos momentos están en todos lados; los observamos, los apreciamos y luego desaparecen de nuestra mente al ocuparnos en otro asunto.

Probablemente intentaste copiar el vago recuerdo que tenías. Pero, al no recordarlo bien, cuando ves las imágenes que tomas no estás satisfecho con el resultado.

Eso se debe a que no estás acostumbrado a detenerte a observar las escenas. A ver la luz que cae, a ver cómo reflejan los objetos, ver los colores de la escena y transferir esa información al blanco y negro.

Así que el primer paso es dejar la cámara en casa y salir a buscar escenas. Es un ejercicio fácil de hacer que podéis aplicar en algún momento de tiempo libre.

Lo importante de este ejercicio es que no iréis de paseo a caminar y ya. En este ejercicio, el objetivo es parar. Sentarse en una banca o quedarse parado en una esquina y observar las personas que pasan, las situaciones, aprender a anticipar acciones y estar atentos ante situaciones al azar.

Si sois fotógrafos que os guiáis hacia la fotografía de producto o retrato, entonces llevad un objeto o un acompañante que se anime a ser vuestro modelo y buscad sitios interesantes donde podrían ir con ellos a hacer una toma. Observad la relación de sujeto/fondo a nivel de luz, información y angulación respecto a este.

El lápiz y papel

El segundo paso es el más importante. Llevad una libreta y anotad las cosas más llamativas y curiosas que veáis. Apenas terminéis de observar la escena, abrid en una hoja y escribid todo. El listado más básico de este ejercicio es:

• Qué vi: era un sujeto, fue un reflejo, por qué me quedé ido viendo una escena.
• Dirección en la que estaba viendo: Si el sol nace por el oriente y se esconde por el occidente. Hacia dónde estaba viendo.
• Hora: A qué horas vi lo que vi.
• Lugar: Dónde vi lo que vi
• Dibujo de esfera: Podéis tener una esfera de verdad, o simplemente cerrad el puño, estirad el brazo y mirad cómo es la luz. No necesita ser un dibujo complejo. Solo una representación comprensible de cómo es la luz en general de ese espacio.

¿Quéreis ser más pro con el ejercicio? Llevad un fotómetro, pensad en si la escena le daríais prioridad a un diafragma específico, a una velocidad o queréis controlar el ruido de la escena. Estableced un valor de toma y mirad qué hubierais necesitado tener en cámara para capturar la escena expuesta “correctamente”.

Haced este ejercicio una vez a la semana. Veréis cómo vuestro cerebro está más atento a las escenas, a la luz y al cuidado del detalle que mueve nuestro oficio.

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Más en Xataka Foto | La mejor cámara para “dar el salto” al full frame... ¿Réflex o sin espejo?

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Ya seas zurdo o diestro eso no significa que utilices el ojo situado en tu lado dominante para asomarte al visor de tu cámara a la hora de hacer fotografías. De hecho, según cuentan en FStoppers, sólo un 70% de la población tiene como dominante el ojo derecho (aunque el número de diestros sea de aproximadamente un 90%). ¿Sabes cuál es tu ojo dominante?

Ciertamente, no es algo que nos preguntemos habitualmente (simplemente miramos por el visor de forma instintiva) pero, como decimos, hay un buen número de personas que usan el ojo izquierdo en vez del derecho a pesar de no ser zurdos. Y no es un tema baladí porque nuestro ojo dominante tiene un papel principal a la hora de crear la mayoría de la información visual que se envía al cerebro para que éste lo procese. Por eso, la próxima vez que cojas la cámara quizá deberías pensar cuál es tu ojo dominante.

¿Cómo saber cuál es?

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La importancia de cuidar los ojos para los fotógrafos

Lo explican bastante bien en el breve vídeo de AllAboutVisionVideo que hemos puesto arriba pero, por si no domináis el inglés, os lo resumimos brevemente. Es muy sencillo, simplemente hay que crear un triángulo con los dedos índice y pulgar de nuestras manos a través del cual miraremos a algún objeto concreto que veamos completo a través del triángulo que hemos creado (un reloj de pared en el ejemplo).

Foto de Diego Duarte Cereceda

A continuación, sólo habrá que cerrar alternativamente el ojo derecho y/o izquierdo y fijarnos en lo que vemos con un solo ojo. En una de las dos opciones veremos que el objeto sigue centrado y ése será nuestro ojo dominante. Puede que se haya desplazado un poco, pero deberíamos seguir viendo el objeto más o menos completo, mientras que con el otro ojo (siempre mirando sólo con uno) lo veremos claramente desplazado.

Es domingo, estás tirado en el sofá con calor, o en una terraza llena de fumadores y el camarero que no llega, o en casa de tus suegros desesperado porque los minutos no pasan. Entonces ves en tu móvil que aparece el Galaxia Xataka Foto y todo cambia. Unas cuántas noticias de la semana que nos permitirán evadirnos durante un tiempo y centrarnos en el mundo de la fotografía.

• El POY Latam es un concurso iberoamericano de fotografía. Resulta que han premiado a uno de nuestros grandes fotógrafos Javier Arcenillas, entre otros muchos maestros de la mirada. La oportunidad de conocer los mejores disparos del certamen más importante de América Latina.

• Valentín Sama es un referente para muchos fotógrafos. Una persona de los pies a la cabeza que siempre tiene algo sabio que decir en el mundo de la fotografía. Nos cuenta una vez más una triste noticia de un universo que agoniza (aunque sigue latiendo con fuerza). Fujifilm ha decidio recortar la producción de la gama Superia, las películas de color para aficionados. Toda una triste noticia para los que siguen soñando en plata.

• Un artículo descorazonador sobre la realidad de la vida laboral de los fotógrafos hoy en día en boca de Javier Gálvez, uno de los profesionales más recordados, de esos que estaban todo el día con la cámara al cuello buscando la noticia, el que hizo las fotos que todos los viejos del lugar recordamos, la de Luis Enrique llorando de impotencia por el codazo que recibió en un partido de la selección en el mundial de 1994.

• ¿Te imaginas encontrar, durante una remodelación, un completo archivo de placas de cristal con las mejores fotografías de un antepasado tuyo en la ciudad de Córdoba? Pues esto es lo que le ha pasado a Daniel Garzón, descendiente de la familia del fotógrafo Rafael Garzón. Una colección que hoy podemos ver en el Archivo Municipal de la ciudad.

• Un trabajo que nos ha llamado la atención es la serie Paddock de José Gallardo. Es una trabajo que aborda el mundo de la hípica a la manera de David Lynch. Una mirada desasosegante con muchas capas y lecturas posibles.

• Y en Vilassar de Dalt, Barcelona, se celebra estos días el quinto festival Revela-T, uno de los mejores festivales internacionales dedicados al mundo de la fotografía analógica. Exposiciones, talleres, charlas y mucho más del 19 al 28 de mayo de 2017 centradas en el mundo argéntico 100%.

Y con esto acabamos por este domingo. Espero que hayáis descubierto cosas interesantes que os hayan llevado a dejar todo y salir con la cámara para hacer fotos. Eso sí, cuando haga un poco menos de calor.

Foto de portada| Fotografías ganadoras POY Latam

Mugur Chiujdea es un artista rumano que lleva ya muchos años afincado en nuestro país. A pesar de ello, a Mugur le sigue cautivando la vida tumultuosa de nuestras ciudades, la imagen fotogénica de nuestras calles, de nuestros bares y restaurantes que nunca dejan de sorprenderle. Por eso sus fotografías de las calles y/o barrios de Madrid ofrecen una mirada fresca y espontánea.

Mugur mamó la fotografía desde pequeño, acostumbrado a ver a su padre trastear en el pequeño estudio que se construyó en su casa. Por eso no es extraño que empezara a hacer fotos y muy pronto saliera a la luz su pasión por la fotografía, que empezó a plasmar denunciando la situación de abandono de la arquitectura urbana rumana, "en precaria situación por la bárbara piqueta destructora del comunismo" según sus propias palabras.

Desde los inicios, su tema predilecto fue el paisaje urbano y la fotografía social, tratando de contar la historia de las ciudades donde ha vivido a través de sus calles retratadas. Así, con su cámara realizó un recorrido inédito, "redescubriendo el aire romántico de los antiguos edificios, iglesias y calles de una Rumania que recuerda el periodo de Entreguerras".

Tras llegar a Madrid, a comienzos de siglo, Mugur por fin pudo realizar esos estudios de cine y fotografía que no pudo hacer en Rumanía (en la Universidad de Alcalá y posteriormente en otras escuelas de fotografía de la capital), y algo más tarde comenzó a trabajar como corresponsal para Radio France Internationale.

Fotografiando la Cañada Real

Además de participar en distintas exposiciones colectivas y personales en San Sebastián, Cuenca, Barcelona y Madrid, desde el año 2013 se ha involucrado en varios proyectos fotográficos con las ONGs que trabajan en la Cañada Real, ese asentamiento en un zona periférica de Madrid que tantas veces ha sido noticia por el triángulo que suponen chabolismo, miseria y consumo y venta de droga. Tres elementos que no se corresponden con la realidad de una comunidad "a la que le gustaría ser un barrio tan amplio y diverso como muchos otros de Madrid", según Mugur.

Por ello, en su último proyecto, Chiujdea sacó su cámara para fotografiar las calles de la Cañada Real tratando de plasmar la vida de sus habitantes. Sus fotografías son una mirada hacia la intimidad de esta gente, hacia su día a día o sus fiestas, tratando de congelar con la cámara las sonrisas y las miradas de estas personas, que igual podríamos encontrar en la Cañada como en cualquier otro barrio de Madrid.

Su visión intenta limar las diferencias entre dos mundos a través de la ingenuidad que puede aportar una persona criada en otra cultura. Gracias a sus fotos, la periferia y el centro de Madrid ya no parecen tan diferentes e irreconciliables.

Sus fotografías sugieren el ambiente lúdico de la infancia, pero a la vez quiere darles la dimensión de documento social que requiere un lugar tan controvertido. En sus imágenes "las mujeres salen a las ventanas, los niños abren las puertas de sus casas y los hombres, sentados delante de sus fincas, tienen un aire patriarcal mostrando el vínculo que tienen ya con esta tierra".

En las fotos "sorprende la sonrisa con la que la gente de Cañada está acostumbrada a afrontar siempre sus problemas, pero también aparecen las texturas y las formas que dan forma a un poblado que lucha por el derecho a existir".

Sin más, os dejamos con unas cuantas más de sus fotos, recomendando también una visita a su web donde se pueden ver otros de sus trabajos fotográficos con las calles de Madrid como tema principal.

Página web | Mugur Chiudjdea

En Xataka Foto | Umbrales, de José Luis Sanz: La intimidad de un hombre a través del cuerpo y la energía de las mujeres

Fotografías de Mugur Chiudjdea publicadas con permiso del autor para este artículo

Dicen que una herramienta es un objeto elaborado a fin de facilitar la realización de una actividad cualquiera sea. Pues bien, parece ser que en fotografía la idea de "facilitar" es concebida como "poder o hacer" si nos referimos a una cámara.

La fotografía es pintar con luz, pero si nos damos cuenta, no es algo que nosotros no hagamos en cada momento cuando miramos. ¿Cúal es la diferencia? Que nos gusta que quede reflejado y congelado para enseñarlo, guardarlo o recordarlo. El problema reside cuando no estamos acostumbrados a saber "ver" y nuestra mayor preocupación se centra en la herramienta; esa herramienta que parece que se vuelve obligatoria para poder "mirar". La importancia de fotografiar sin cámara es vital para los fotógrafos, es indispensable. Es parte de un proceso fotográfico o ritual como pueda serlo la carga de baterías o limpiar los objetivos.

Sin duda, la cámara es lo que nos ayuda a inmortalizar lo que "vemos", lo que sentimos más bien diría yo. La producción de una fotografía debe ser menos tangible. Y digo producción, que no proceso final. Parece que nos hemos dado la vuelta en el proceso fotográfico, y hemos acabado por darle mayor importancia al material al comienzo que al final (véase cuando todos acababan su proceso fotográfico en algo palpable y no delante de una pantalla).

Pero esto último no es lo que nos interesa; debemos centramos en el olvido de algo tan importante como es usar la materia prima, usar nuestro ojo, salir sin cámara o dejarla apartada durante un tiempo hasta conocer lo que nos rodea, lo que existe a nuestro alrededor... Entrenar nuestra mirada no se hace sólo con una cámara delante de los ojos; pues al fin y al cabo, la cámara sólo congela el instante. La fotografía está en nosotros, y conseguir ser únicos o diferentes dentro de la misma sólo es cuestión de conocer muchas más cosas que como conseguir hacerla.

Todos los grandes fotógrafos saben por donde caminan, se paran a conocer, dan vueltas sin parar y, muchas veces, sin la intención de usar la cámara. Y es que a la postre, la cámara siempre hará y mostrará lo que tú le digas. Algo que cuesta más conseguir con lo que te rodea, y que sólo tu mirada es capaz de llevar a cabo.

En definitiva, dejemos de empezar la casa por el tejado y veamos que hasta un pilar puede albergar la belleza en su función. Y en este caso hay cosas que son las que dan el verdadero sentido a una obturación y estamos dejando de lado, por muy poco glamourosa que pueda parecer... Al final, siempre molará enseñar tu Leica y decir "Estoy haciendo fotos", aunque la propia cámara esté llamándote imbécil por dentro y sintiéndose infravalorada.

Y es que, si las cámaras hablasen...

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