Recuerdo un profesor que una vez nos dijo “¿Hace cuánto no se regalan una fotografía?”. En su momento era difícil imaginar lo que significaba esa pregunta. Sin embargo, pasados los años, la respuesta se hacía más clara: no solo hacemos fotografías para vivir de este arte, sino para tener mementos de ese camino que exploramos a través de la cámara.

Estas son las fotografías que no están colgadas en una exposición, en el catálogo de una revista o rondando entre la viralidad de las redes sociales. Estas son imágenes para vosotros.

Encontrando el momento

En el camino profesional nos encontramos que, a medida que pasa el tiempo, nuestras fotografías adquieren cierto tono de ser pensadas para agradar a un público general. En esta época de fotografía digital y redes sociales es algo que ha incrementado. Alguien que busca ser influenciador busca que sus imágenes sean impactantes para adquirir seguidores y corazones, por ejemplo. Y, como fotógrafos, nuestra rebeldía de estilo se comienza a sentar cuando dependemos de que un cliente esté satisfecho con nuestro trabajo. Esto influencia nuestro estilo para ser relativamente más agradable a ellos y el público.

Esa rebeldía no se queda quieta, es la que nos hace crecer, es la que nos hace buscar que haya un cambio estético que dicte un nuevo gusto por parte de la sociedad. Esa rebeldía es la que nos pide ser únicos.

Es ahí donde la pregunta de mi profesor adquiere su mayor sentido. Hay que darnos un espacio para poder enorgullecernos de nuestro trabajo, siendo nosotros el cliente o la audiencia que ve esa imagen colgada en una pared. Regalarse una fotografía es darse egoistamente una imagen para disfrutar, sin importar si a alguien más le gusta o no.

Imprimir una foto nuestra en el tamaño más amplio posible, enmarcarla y colgarla en una pared del departamento no tiene descripción. Es un recuerdo, un momento que nos hace sentir que vamos por buen camino y que por más de esos instantes es que debemos seguir creciendo como fotógrafos.

Pero no es gratuito. No significa que debamos imprimir por imprimir. Eso le quitaría valor a la pregunta. Cuando nos regalamos una foto es porque concentra el valor de tanto tiempo de esfuerzo en esa imagen; porque hay un sentimiento que verdaderamente acompaña al momento que tomamos aquella fotografía, como el cumplir el sueño de ir a un lugar que estaba pendiente desde hace años o el recuerdo de la persona que estaba junto a vosotros en aquél instante. Es aquel recuerdo de nuestro ser que debe ser inamovible.

Por eso, espero que consigáis regalaros una foto muy pronto. Y adelante en este hermoso camino que es la fotografía.

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En Xataka Foto

La fotografía también puede servir como antidepresivo

En el mundo de la fotografía hay varios frentes abiertos. Canon contra Nikon, sin espejo contra réflex, clásicos contra modernos... y fotografía directa contra revelada. O hecha en la cámara o en el ordenador... Desde hace tiempo muchos fotógrafos consideran que la fotografía debe quedar terminada en el momento del disparo porque si no se altera la pureza del disparo. Otros confiesan el revelado del archivo... Vamos a ver en qué termina este combate entre la fotografía directa contra la fotografía revelada.

La verdad es que es un tema que me llama mucho la atención. Es la defensa de la pureza de la fotografía. Decidir qué es fotografía realmente. Luchar contra los tiempos. Establecer barreras o delimitaciones claras para situarse en un lado u otro de la creación de imágenes. Y desde la era digital parece que los bandos están creciendo. Menos mal que en este caso valen los matices. No todo es blanco y negro afortunadamente.

Antes que nada vamos a presentar a los dos bandos. A la izquierda, con calzón blanco, tenemos a los fotógrafos que confían ciegamente en sus cámaras, objetivos y filtros. Ven la imagen, preparan todo para que sea perfecto y disparan para lograr un archivo sin retoque, directo de cámara como suelen apostillar. En el otro lado del cuadrilátero, con calzón negro, los fotógrafos que hacen sus fotos pensando en lo que le van a hacer cuando lleguen a casa y enciendan el ordenador. Vamos a conocerlos.

Fotografía directa

Los adalides de la fotografía directa nacieron con la fotografía. En los tiempos míticos de la daguerrotipia las imágenes solo servían si salían perfectas de la cámara. No valían las medias tintas. Si no era perfecta, si la luz del sol no impregnaba exactamente la materia argéntica, el esfuerzo no había servido para nada.

Pero si se lograba, el éxito era rotundo. Una copia única y perfecta de la realidad. Pero los tiempos cambian y empezó muy pronto la era de la reproductibilidad, la característica principal de la fotografía. El negativo hizo acto de presencia y con él la posibilidad de modificar la información en el laboratorio.

Incluso Ansel Adams formuló el sistema de zonas para diferenciar el momento de la toma del positivado. Todo un flujo de trabajo como decimos ahora para lograr la máxima calidad en la copia final, pero ya hablaremos de él...

Muy pronto presentaron la primera diapositiva, en los años 30 salió el Kodachrome. Y todo volvió a los orígenes. Si sabías disparar con diapositiva, eras un fotógrafo de verdad. Equipados con los fotómetros íbamos a la búsqueda de la luz y sabíamos que solo teníamos una oportunidad (bendito bracketing).

Por este motivo nos encontramos hoy en día con fotógrafos que ante todo y sobre todo practican el disparo directo. Hecho en cámara, sin ayuda alguna de un ordenador... todo lo que se ve estaba allí y no se ha cambiado nada... Seguro que os suena... Esta fotografía es un disparo directo con un filtro de 10 pasos y un degradado para compensar la diferencia de luz entre el cielo y la tierra... Sin ajustes en el ordenador... lo que ves es lo que había...

Esta es la carta de presentación de este bando de la fotografía directa. Una forma de entender la fotografía que no debería ser excluyente, sino otra forma de entender la toma fotográfica. No son mejores ni peores. Hacen lo que quieren como quieren. El problema es que hay que reconocer que han elegido una cámara y no otra, un objetivo más o menos angular con una nitidez y bokeh característicos, y unos filtros -con una coloración particular- que intentan igualar luminosidades para evitar los problemas inherentes de los fotorreceptores. Por no hablar de captar la realidad en una unidad de tiempo distinta... Nunca he visto el efecto seda en la realidad...

Fotografía tratada

En el otro bando tenemos a los seguidores de la fotografía tratada. La idea es hacer la fotografía y luego mejorar el resultado con la ayuda de los programas informáticos. Así de sencillo o de complicado. Desde que nació el concepto de negativo los fotógrafos han tratado la información disponible para dar forma a su estilo.

La imagen toma forma cuando se positiva. En el laboratorio todo cambia. En el negativo tienes la esencia. Es la partitura del fotógrafo que interpreta como quiere toda la información que está ahí latente. Y esta frase es de Ansel Adams, el creador del sistema de zonas, el sistema más avanzado de positivado.

Fue consciente, en uno de sus viajes por la montaña, de la visualización. Una cosa es la realidad y otra es la interpretación de la misma para comunicar a los demás cómo es. El negativo tiene unos valores que hay que conocer para dar tiempos de revelado, contraste del papel, etc...

No es cuestión de inventar la realidad, sino de dar tu propia visión de la misma. Es el momento de elegir los matices de grises, la tonalidad del color, la saturación, el contraste... No se puede decir que algo esté bien o mal si tienes todo el control. El resultado final es lo que cuenta.

El problema surge cuando el resultado empieza a ser distinto totalmente del original porque la realidad que captamos no nos gustó. Quitamos cables, papeles, personas, etc... porque en el momento que disparamos no nos fijamos o porque los cánones de la composición no entran en lo que disparamos. Entonces nos olvidamos de la realidad para quedarnos con nuestro mundo. Y caemos en el uso indiscriminado de los filtros estándar.

El resultado del combate

Si no vigilamos la luz, el momento exacto de la obturación y empezamos a modificar la información surge el otro bando, el que apela a la pureza del disparo. Creo que este es el origen de la pelea. Si algunos fotógrafos ven que otros defienden su fotografía en función de lo que pueden hacer con ellas en el laboratorio digital es cuando intentan la revolución de la fotografía directa como respuesta.

Ahora mismo nos encontramos con las dos formas de trabajar. Y ambas son válidas y falsas. Esa es la realidad de la fotografía. Es solo una interpretación que cada uno hace como quiere. Muchos somos equidistantes. Odiamos los bandos. El blanco y negro. Estás conmigo o contra mí. Todo es una cuestión de matices.

Personalmente creo que en la fuerza del momento. Pero defiendo exponer a la derecha. Intento que mis fotografías sean perfectas desde el punto de vista técnico. Y luego interpreto esa información para darle mi estilo. Que no depende solo de la técnica, desde luego.

En el momento del disparo he compuesto, he colocado los elementos como he juzgado necesario. Y sobre todo me he fijado mucho en la luz, lo más importante para mi en la fotografía. Y luego en el ordenador intento plasmar lo que vi bajo mi propio prisma. Y desde luego no quito cables o personas si no fui capaz de quitarlos en el momento. ¿Dónde estáis vosotros? ¿Sois de un lado o de otro? ¿O directamente hacéis fotos y os dejáis de estas cosas que no llevan a ninguna parte?

En Xataka Foto| Los fotógrafos esenciales de la historia de la fotografía

Es uno de los debates más viejos de la fotografía. Parece que en el estudio no queda más remedio que preparar la imagen pero en la calle la cosa se complica. ¿Se debe escenificar o toca esperar a que algo pase para fotografiar? Cada uno tenemos nuestra propia teoría. ¿Es importante saberlo?

Una de las fotografías más importantes de Robert Doisneau, el famoso beso del ayuntamiento es una escena preparada. Todo el trabajo de Eugene Smith en Deleitosa está escenificado una y otra vez hasta conseguir el disparo perfecto de una serie ejemplar para explicar el ensayo fotográfico. Pero todos conocemos la obra de otros fotógrafos que capturaron el instante justo en el momento preciso. Captaron la realidad cuando pasaba por delante de sus ojos porque tuvieron suerte o porque estaban preparados: Cartier Bresson en la India, Bruce Gilden en sus calles de Nueva York, José Manuel Navia en Cuenca...

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Leica CL, análisis: sobria y brillante mirrorless de sensor APS-C concebida para fotografiar la calle (y con AF)

Pero voy a lo que realmente es que si es importante saber o no cómo se hizo la fotografía. ¿Aporta algo? ¿Tiene más valor o menos una imagen preparada u otra encontrada? Como siempre he creído, hay que hablar de lo que se conoce, así que pondré como ejemplo fotografías mías. Jamás diré si están preparadas o no. Es algo que me guardo para los que pregunten.

La fotografía callejera preparada

Sales a la calle día tras día. O casi seguro los fines de semana cuando tienes tiempo o no tienes compromiso alguno. La luz no te gusta, el lugar que has elegido no te inspira, estás realmente cansado... Nada parece augurar un buen disparo para ese momento que estabas esperando desde el comienzo de la semana.

Así que decides aprovechar que estás acompañado de tu familia, o de un par de buenos amigos, para preparar una escena... Alguien bajando por esa cuesta o espantando a las palomas. Y resulta que lo que ves por la pantalla te gusta. Insistes un poco más, mejoras la exposición, el encuadre y ya tienes una foto perfecta.

O simplemente sales con una idea en la cabeza y planificas todo para conseguirlo, como si tuvieras una suerte de PhotoPills para fotografía callejera. Os sorprendería descubrir cuántas imágenes famosas están hechas de esta manera.

¿Pasó o no de verdad?

En Xataka Foto

Un extraño nos pide borrar la fotografía que le acabamos de tomar, ¿lo hacemos o no?

También puede pasar lo siguiente. Un fotógrafo encuentra un momento que le fascina pero no tiene la cámara lista. Detiene al protagonista y le pide que lo vuelva a hacer. Entonces el momento puede pasar a la historia o considerarse uno de los mejores trabajos del fotógrafo en cuestión.

Y si esto pasa la gente, la masa, se emociona y quieren ser como él, hacer lo mismo. Pero ay de aquel al que le descubran que no es espontáneo. Robert Doisneau acabó odiando su fotografía más famosa al tener que confesar que eran actores pagados.

En cierto modo, si trabajamos así, no podemos evitar sentirnos más directores de cine que fotógrafos. Todo tiene que estar perfecto para comunicar lo que sentimos. Y si eso implica violar a la realidad, no hay problema alguno porque estamos contando las cosas según nuestro punto de vista.

La fotografía callejera espontánea

Cuando nos ponemos a practicar todos nos queremos parecer a Cristina García Rodero, a Alex Webb, al propio Bruce Gilden si perdemos la vergüenza y el decoro... Sus fotografías son pura verdad, realidad atrapada al tiempo, fruto de un ojo avizor siempre pendiente de lo que pasa delante de sus ojos.

El único secreto de este tipo de fotografías no es otro que el tiempo. Dedicarle horas y más horas, gastar más suela de zapato que tarjetas de memoria. Pero no basta solo esto.

¿Es cierta?

También tenemos que aprender a mirar. Anticiparse como un jugador de ajedrez a lo que puede llegar a pasar si te sitúas en una esquina u otra. Ver la luz que necesita una fotografía o darse cuenta de que la luz es lo último que importa ante lo que está pasando delante de tus ojos. Son años de aprendizaje por los que muchos no pueden (o no quieren) pasar. O simplemente su batalla es otra.

Este tipo de fotógrafo no es mejor ni peor que el otro. Solo ha escogido un camino distinto para llegar a un mismo sitio: una buena fotografía. Puede que sus imágenes estén más desenfocadas, quizás un poco trepidadas por apurar hasta el último minuto de la luz del sol. Pero son imágenes que te llegan al corazón.

Para el debate

Antes he adelantado lo que pienso. Lo que importa es conseguir una buena fotografía. ¿Qué importa cómo la hemos conseguido? Mientras no se mienta, todo es posible. Y hay muchas formas de contar la verdad. Hay una historia de un monje que al ser preguntado si había visto al rey en una situación comprometida metió las manos en sus mangas diciendo que justo por ahí no había pasado... pues lo mismo pueden hacer algunos fotógrafos.

¿Se preparó?

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William Klein, el inconformista que supo mezclar el glamour del mundo de la moda con la cruda realidad de la calle

Una fotografía es nuestra verdad. Es subjetiva. Y lo que queda en la retina es lo que se ha conseguido y lo único que cuenta. Ojo, solo estoy hablando de la fotografía callejera. Jamás hablaría igual de una fotografía periodística. Es otra historia en la que lo que se pide es que me muestres tu forma de ver la realidad, no que la alteres.

Al fin y al cabo cada uno vemos la calle de una manera. Unos nos encontramos las cosas, otras veces las buscamos. Y puede que algunos cambien las cosas para contar lo que les gustaría ver. El juego podría ser descubrir si alguna de las fotografías que ilustran el artículo las vi o las escenifique (otra historia es que sean buenas)... Al final queda la imagen.

Hacer una fotografía no es fácil. El otro día una profesora universitaria me dijo que solo hay que apretar un botón. Si fuera así de sencillo sería lo más aburrido del mundo. Por este motivo voy a enumerar todos los pasos que hay que dar para ver una buena imagen en la pantalla de nuestra cámara.

Aun a riesgo de resultar repetitivo, hacer una fotografía no es fácil. En absoluto. No se puede banalizar algo así. Por esa regla de tres escribir un libro es sencillo, tocar una canción es cosa de niños, hasta meter un gol en una final europea solo consiste en dar golpes a una pelota. Todo acto de creación requiere una técnica. Detrás están los años de formación, pero incluso los fabricantes hacen creer a sus clientes que si compran sus cámaras sus fotos sencillamente serán mejores fotógrafos. Lo triste es que es algo que la mayoría cree...

Por este motivo voy a señalar paso por paso, sin olvidarme de nada, todo lo que hay que hacer para conseguir un buen disparo. Que sea realmente inolvidable depende de los otros factores que he señalado antes, principalmente los años de formación, de miles de fotografías hechas, de no dejar nunca de tener curiosidad por las cosas, de no sentirse derrotado por la rutina de tu vida, encerrado en casa y culpando a los demás de la monotonía con la que obligas a convivir a todos los que te rodean simplemente porque consideras que es lo mejor, por no darte cuenta del miedo que tienes a ser mediocre... La fotografía no es otra cosa que pura vida, simplemente porque es algo que te relaciona con el mundo.

1.- Mirar

Este es el acto primigenio de la fotografía. Mirar no es lo mismo que ver. Ver es algo natural; mirar es algo consciente, como dijo el lingüista mexicano José Guadalupe Moreno de Alba:

Vemos todo lo que miramos, pero no miramos todo lo que vemos; basta tener los ojos abiertos para ver, pero para mirar necesitamos ejercer, en alguna medida, la voluntad

Mirar con ojo fotográfico es lo que nos lleva a encender la cámara. Es algo básico si queremos hacer una fotografía, y es algo más que un mero ejercicio mecánico, que se escapa de lo hoy quiero contar aquí. Es el momento de encender la cámara y empezar a comprobar todos los parámetros que vamos a ir señalando.

El paseo de @ferfotopunotes

Da igual que estemos ante una fotografía de acción o un paisaje o un bodegón. En ese momento hay algo que ha llamado nuestra atención y hemos sentido la necesidad de preparar todo. Elegimos un punto de vista (el punto desde el que hacemos la fotografía) y un encuadre (el hecho subjetivo de la fotografía). En este momento también decidimos la distancia focal que vamos a utilizar. No es lo mismo la sensación de un angular que la de un teleobjetivo.

2.- Buscar el punto de interés

Si hemos elegido el encuadre, tendrá que estar supeditado a un punto de interés, aquel objeto, persona o animal que queremos que el futuro espectador mire. No tiene sentido disparar sin un punto de interés. Si en el encuadre no hay nada que mirar o hay cientos de puntos posibles, la fotografía no servirá de nada. Algo en concreto tiene que destacar sobre lo demás.

La Real de @ferfotopuntoes

Y lo que es más importante y a muchos se nos olvida: todo lo que rodea a ese punto de interés tiene que estar a su servicio. Tienen que dirigir la mirada del espectador exactamente a ese objeto, persona o animal que hemos elegido. No tiene que haber nada discordante en nuestro objetivo final.

3.- La exposición

Ya podemos empezar a pensar en la exposición. Si queremos simplificar nuestro trabajo podemos tirar del modo Programa (P) de nuestra cámara. Es perfectamente lícito utilizarlo, nadie debería vernos mal por aprovecharnos de sus virtudes, pero en cierta manera nos estaríamos perdiendo muchas cosas.

Todo depende de la luz que tengamos en el momento del disparo. Y sobre todo de cómo incida en el punto de interés.

En primer lugar debemos elegir el diafragma. Así decidimos la profundidad de campo que queremos en nuestra fotografía. Que queremos enfatizar el interés en el punto de interés enfocándole solo a él o que preferimos una nitidez extrema en todos los planos con la ayuda de un diafragma cerrado o de la famosa hiperfocal.

Castillo de @ferfotopuntoes

En segundo lugar debemos controlar la velocidad de obturación. Podemos acudir a esa regla que dice que tiene que ser como mínima la inversa de la distancia focal de nuestro objetivo. En cristiano, si llevamos un 50 mm, la velocidad de obturación debe ser como mínimo 1/50, así de sencillo. Y si nuestro sensor es más pequeño que un FF, entonces debemos multiplicar la focal por el factor de recorte. Es un cálculo muy conservador, pero para empezar esta bien. Todo cambia si tenemos alguna función de estabilización o llevamos un trípode.

En tercer lugar debemos tener en cuenta la sensibilidad. Es tan importante que es capaz de modificar los otros dos parámetros. Sería ideal trabajar siempre con el ISO nominal, pero siempre hay cosas que nos lo impiden, como ya hemos visto.

Los valores de exposición podrían ser más sencillos, pero realmente es lo que le da cierta vida al acto fotográfico. Pero si quieres disparar en P con ISO automático, eres muy libre de hacerlo. Y que nadie te juzgue por ello. Y si el histograma no te convence, habrá que repetir todo este paso de nuevo.

4.- Enfocar

El enfoque automático, lo que la gente llama autofocus o autoenfoque por falta de expresiones en nuestra lengua común sin lugar a dudas, es una bendición. Cada vez los sistemas funcionan mejor. Llamadme clásico, pero prefiero utilizar solo el punto de enfoque central.

Mi técnica, siempre y cuando el enfoque no sea crítico como puede suceder en un macro, consiste en situar el punto de interés en la zona central, pulsar hasta la mitad el disparador, y finalmente recomponer la imagen como habíamos pensado en el segundo punto sin soltar el disparador. Así consigo un 90% de mis imágenes. Es verdad que podemos jugar con el joystick que llevan algunas cámaras actuales para evitar perder el encuadre, pero cada uno tiene sus manías.

5.- Disparar

Es el momento del disparo. No hay vuelta atrás. Todos los pasos anteriores deberían haber sido rápidos para no perder el momento. Solo queda apretar hasta el fondo y esperar una alineación de los planetas para que esa foto sea perfecta.

El museo de @ferfotopuntoes

Por supuesto la cámara tiene que estar correctamente sujeta. Nada de hacerlo con una sola mano como si fuéramos turistas, o con las dos manos desplegadas, o con los brazos como alas... Así evitaremos imágenes trepidadas y trasmitiremos la sensación de que sabemos lo que estamos haciendo con semejante artilugio entre las manos.

Cinco pasos para conseguir una fotografía correcta. Para obtener una imagen inolvidable tendrán que pasar unos cuántos años. Y para ser fotógrafo deberíamos poder contar historias con nuestros disparos, pero eso es otra historia.

En Xataka Foto| "Tú sabes usar una cámara, no sabes hacer fotos"

Esta semana ha aparecido un artículo de José Latova sobre la supuesta manipulación de una de las fotografías que hizo Robert Capa durante la guerra civil española. Esos niños no estaban ahí, los llevó él para hacer un montaje. No es la primera vez ni la última que pasa algo semejante. ¿Pierde valor la fotografía por no reproducir una escena real?

Robert Capa está en entredicho desde hace mucho tiempo. Dicen que no es tan importante como parece ni tan buen fotógrafo como nos quieren hacer creer. Cada vez más autores, como el propio José Latova, cuestionan la integridad del fotoperiodista que terminó formando parte del equipo original de la agencia Magnum.

En este caso se analiza otra de las fotografías icónicas del autor. Cuatro niños entre las ruinas de una casa destrozada por la artillería. Después de analizar los contactos de la famosa maleta mexicana, se puede observar que esos niños aparecen una y otra vez en distintos lugares de la ciudad asediada. Robert Capa, personaje americano inventado por Endre Friedmann y Gerda Taro, buscaba la forma de ganar dinero rápido con sus fotografías. Y si comunicaban el dolor y el asedio que sufría la sociedad civil, mejor que mejor.

Del libro 'Robert Capa. Cara a cara'

Sus más que probables mentiras sirvieron para llevar a portada la primera guerra totalmente documentada y el sufrimiento de toda una sociedad. El poder de los medios para hacer y deshacer historias y conflictos según los intereses de los gobiernos. Lo mismo pasa con su famosa y manida fotografía del miliciano muerto. Se da por cierto que es mentira, que ni mucho menos es el último suspiro de vida de un soldado. Pero se ha convertido en un símbolo a la misma altura que el Guernica de Picasso.

El problema de la fotografía

Y es que la fotografía no puede ser verdad o mentira. En un artículo que escribí hace tiempo en mi blog, un lector hizo una observación muy inteligente:

Es un tema recurrente que creo que se aborda desde una perspectiva equivocada. La fotografía no es verdad ni es mentira, son propiedades no aplicables al concepto de imagen (o cuadro, o escultura). La fotografía, como la pintura o la escultura construye modelos de la realidad, es decir, captan solo una parte de la misma. El hecho de que no incluyan la totalidad, algo imposible, no las hace falsas, solo parciales. Igual que nuestra vista, por ejemplo, que es ciega a la mayor parte de la longitudes de onda del espectro electromagnético. El hecho fotográfico o pictórico es que esa parte que se recoge transmita sensaciones a quien la observa. La verdad o la mentira no tienen nada que ver con ese proceso.

Los fotógrafos solo enseñamos una parte de la realidad. Encima está tamizada por la técnica que empleemos. Y luego todo depende del acabado final. Algo que está más cuestionado que nunca hoy en día por el uso de los programas de edición. Siempre se ha dicho que la fotografía es verdad y que lo que vemos entre cuatro márgenes es una copia, un calco perfecto de lo que ha pasado. Desgraciadamente mucha gente piensa que las cosas son blancas o negras. Sin matices. Un error en el que no se puede caer.

Partiendo de esta observación nos podemos plantear muchas cosas. Y podemos ver el fotoperiodismo desde muchas ópticas distintas. Queremos que lo que saca el fotógrafo sea exacto, que no haya manipulación alguna. Pedimos pura objetividad a algo que no puede serlo. Si somos de un partido pensamos que un periódico de otro ve las cosas bajo su prisma. Y no nos parece bien. No creo que la fotografía pueda tener una ideología, pero es evidente que puede ser dirigida por un titular o una edición adecuada. Pero me estoy metiendo en camisa de once varas...

La mentira en la historia de la fotografía

Pero la historia de la fotografía ha vivido muchos casos similares. No solo Robert Capa nos hizo creer algo que no pasó realmente como muestran las imágenes. Ojo, no estoy hablando del revelado posterior, sino de la escenificación del momento para crear una impresión en el espectador.

Los fotógrafos decidimos disparar en un momento u otro. Puede que tardemos cinco segundos en hacer la foto. O dejemos pasar a la gente durante mucho tiempo hasta que la composición sea perfecta. A lo mejor podemos hasta esperar que la luz sea inmejorable. O directamente hacemos clic sin pensar en nada, con el único objetivo de ser fieles a la realidad que vemos. La realidad cambiará en cada momento en función de nuestra forma de mirar o necesidades.

Podría ilustrar la manipulación con varios ejemplos más conocidos pero voy a quedarme con el padre del fotoensayo y con el clásico indiscutible de la fotografía de calle: Eugene Smith y Robert Doisneau.

Eugene Smith en Deleitosa

En un viaje de 19 días contó la historia de todo un año de un pueblo. No soy bueno en matemáticas, pero no me salen las cuentas. No entiendo cómo consiguió sacar el arado y la siembra, el trillado y el aventado del grano en tan poco tiempo. Es un ejemplo de todo lo que hizo para contar su historia y lograr su objetivo: Evitar que el gobierno americano ayudara económicamente a la dictadura.

Fragmento de 'Deleitosa'

No dudó en manipular la realidad para crear un discurso coherente con su idea principal. Es verdad que todo estaba muy mal, pero aún en la miseria que se vivía entonces, una familia extremeña jamás hubiera celebrado una comunión con sus hijos sucios y descalzos. Todo lo que estamos viendo en su famoso reportaje Spanish village es una pura escenificación.

¿Pierde valor su trabajo? Es verdad que en este caso no consiguió su objetivo, pero hizo plantearse muchas cosas. Y sobre todo está considerado el padre del ensayo fotográfico, todavía hoy vigente y premiado.

Robert Doisneau y la realidad francesa

Todos conocemos el famoso juicio que llevó a Robert Doisneau a odiar una de sus fotografías más icónicas. No fue famosa en su momento, pero la reproducción en cientos de carteles llevó a muchos a decir que eran los protagonistas del beso en el ayuntamiento de París. Doisneau tuvo que confesar que eran actores pagados. Lo que vemos en esa foto no es real. Es una escenificación.

Robert Doisneau

Profundizando un poco más en el tema, podemos leer uno de los mejores libros que he encontrado sobre su figura: Robert Doisneau. Pescador de imágenes de Quentin Barjac de la editorial Blume. Y en este libro descubrimos que uno de los mejores fotógrafos de calle, inspirador para muchos fotógrafos por el fiel reflejo de la sociedad francesa, más que encontrar imágenes en la calle después de horas de zapato lo que hacía era forzar situaciones.

Me explico. Algunas veces pescaba la imagen. Pero no dudaba en pedir repetir una situación que había visto porque no le había dado tiempo a fotografiarla. O simplemente forzar a que algo pasara. Es muy famosa la serie en la que colgó un cuadro de un desnudo en un escaparate y plasmó las expresiones de la gente que se detenía a mirar. O la serie completa de los besos por París. O aquel momento en el que puso a un pintor a hacer un desnudo en la calle y fotografió a un señor curioso con un perrito...

Conclusión

Parece que la entendida pureza de la fotografía es algo que preocupa más en la actualidad. O que realmente nunca ha importado mientras el disparo, la fotografía, sea capaz de comunicar una idea en concreto, la que más interese al que publique la foto. En el mundo del fotoperiodismo no debería permitirse alteración alguna, pero como bien recuerda esta exposición que podemos ver en Nueva York hasta el dos de agosto, siempre ha habido pequeños apoyos para que el mensaje penetrara con más facilidad en la mente del espectador.

Es un debate complicado. Si somos estrictos muchas fotos históricas están manipuladas como la foto de la bandera de la batalla de Iwo Jima por Joe Rosenthal, que todavía alberga dudas sobre el momento original; o la famosa foto de la niña envuelta en napalm de Nick Ut, que está recortada para que no se vieran los demás fotógrafos... Pero estos ejemplos no dejan de ser fotografías icónicas que han cambiado las cosas.

¿Es mentira o no?

Sinceramente no sé qué pensar. Quiero creer en la ética de todos los fotógrafos. Pero a lo largo de la historia vemos que ha importado más el mensaje final que la pura objetividad que se le exige a la fotografía por defecto. Y esto es algo que sabemos que no es verdad ¿Qué pensáis vosotros?

En Xataka Foto | Fotografía, una mentira consensuada o ¿no?

Exclusivo en un inicio de grandes corporaciones o de empresarios que querían aumentar su capacidad de liderazgo, el "Coaching" se ha democratizado y puesto muy de moda últimamente, pero su metodología no es nueva y toma como punto de partida las sensaciones, las percepciones y el comportamiento del ser humano.

Es bastante común que llegue un momento en nuestra carrera que no sepamos por donde ir para seguir creciendo, desarrollar proyectos o alcanzar metas. Entrevistamos a Elena I. Dapra, Psicóloga Experta en Coaching para fotógrafos (PsEC) y Responsable de Comisiones en el Grupo de Trabajo de Psicología Coaching del Colegio Oficial de Psicólogos de Madrid.

Elena I. Dapra. Fotografía: Rafael Roa

No es habitual encontrar a un PsEC experto en fotógrafos ¿por qué te especializaste en eso?

Siempre he sido una apasionada del arte, he trabajado el cuero y la madera, el diseño en joyería, he pintado, he hecho ballet clásico, me encanta la música y me apasiona la fotografía.

En un momento de duelo en mi vida, descubrí que la fotografía me servía como comunicación con el exterior, para sacar de dentro de mí de una forma no invasiva lo que no conseguía sacar de otra manera.

A partir de este momento, me fui interesando en el tema de la Arteterapia, de aquí di el salto a la Fototerapia, porque era aquello que me llamaba la atención. Me faltaba una cosa: no todo se trabaja desde la psicoterapia o la clínica, así que decidí utilizar algo que no tuviera nada que ver con estas, y me decidí por la metodología Coaching para trabajar con fotógrafos ya que permite trabajar desde la potencialidad del fotógrafo.

¿En qué consiste el uso de la Metodología Coaching para Fotógrafos?

Consiste en usar la fotografía (imágenes y acto de hacer fotografías) con objetivos de descubrimiento, de hacer consciente al fotógrafo de la realidad a través de las emociones. Establecer un canal de comunicación con el exterior, y con uno mismo.

Parte del pensamiento se basa en imágenes. Aquí se usan las fotografías como medio para acceder a esas imágenes mentales.

Es necesario que el profesional PsEC, fundamente su trabajo en las dinámicas psíquicas que se producen en los procesos creativos, por tanto es siempre aconsejable que todo esto de produzca bajo la supervisión de un Psicólogo Experto en Coaching.

¿Qué áreas son las que se trabajan con los fotógrafos?

Con los fotógrafos, se trabajan cuatro áreas fundamentalmente: La propia obra del fotógrafo para potenciarla, la creatividad para conseguir el máximo rendimiento, la marca personal y los bloqueos creativos.

¿Pero solo con imágenes?

La imagen es la herramienta sobre la que versa todo lo demás. Con las imágenes podemos relacionarnos en un proceso de diferentes formas: utilizando herramientas específicas ya creadas para trabajar creatividad, fotos tomadas por el fotógrafo, visualización de imágenes de otro fotógrafo con el objetivo de conectar realmente con su obra, un "saber mirar diferente" al que no está acostumbrado el profesional y un largo etcétera de dinámicas. Hay un sin fin de fórmulas para trabajar y conectar con aquello que el fotógrafo necesita.

La imagen es el punto central, no es el único. La foto evoca, permite, crea, habla y rabia pero, en las sesiones se utilizan muchas otras técnicas que podrán movilizar internamente al fotógrafo para que este no camine por su espacio de confort en el que se siente cómodo y no se expande, no crece.

¿Quiénes son los destinatarios finales de este tipo de método?

Desde fotógrafos principiantes que no saben cómo conseguir trabajar en la fotografía (marca Personal) hasta fotógrafos consagrados que desean mejorar y hacer un trabajo más profundo, un trabajo desde otro lugar (búsqueda del yo)

Fotógrafos con una amplia trayectoria y renombre que se sienten bloqueados y no progresan en su trabajo personal, o que quieren explorar nuevos caminos, realizar un trabajo en el que ven la primera foto y la última pero no logran dar más pasos, resumiendo: a fotógrafos que quieren ver en su trabajo su mejor versión.

¿Tiene algo que ver una sesión con un Coach con una sesión con un psicólogo?

El trabajo con el Coach se hace únicamente desde la salud, con el Psicólogo puede hacerse desde cualquier ámbito siempre que esté especializado.

Los procesos de la mente es de lo que se habla en Psicología. La diferencia esta en el valor de la formación y el rigor que ofrece un Psicólogo a la hora de hacer este trabajo con una persona. Es aconsejable escoger un Psicólogo Experto en Coaching porque trabajando con personas y hablando de temas muy personales quizá no es indicado que lo haga alguien sin experiencia y sin formación, y que pueda meterse en un jardín del que no sepa salir.

¿Qué pautas se siguen?

Manejamos un número muy grande de pautas, que nos permiten ilimitadas combinaciones y variaciones con el objetivo de diseñar ejercicios personalizados para cubrir las necesidades de cada fotógrafo.

Pero básicamente se sigue un esquema básico: proponerse un objetivo real y alcanzable, explorar ese objetivo, reflexionar acerca de él y proponerse un plan de acción para alcanzarlo saliendo de la zona de confort si fuera necesario.

Huelga decir que el secreto profesional está garantizado, algo inherentes a los PsEC ya que en psicología está regulado por ley.

Foto: Compartida con licencia Creative Commons por Stewart Black

¿Podrías ponerme un ejemplo de esas pautas?

Sí. En una ocasión, un fotógrafo se puso el reto de descubrir qué había de él en otros fotógrafos para así poder conectar con su esencia como profesional. En su proceso trabajamos el proceso creativo.

En otro caso, en el que su reto tenía que ver con la creatividad, trabajamos el "ego insano": ese del que todos reniegan y que todos achacan al que tienen enfrente. (risas). Pues ese esta relacionado inversamente con la creatividad, en alguna ocasión he llegado a preguntar cuantos éramos en esa sesión, si dos (fotógrafo y yo), o tres (fotógrafo, su ego y yo) (Más risas) bueno, ya estaba avanzado su proceso y podíamos permitirnos algunas bromas y muchas metáforas….

¿En cuánto tiempo se pueden ver resultados?

Un proceso suele durar entre 6 y 10 sesiones, aunque dependerá del objetivo propuesto por el fotógrafo y de su compromiso con la consecución de su objetivo. He tenido procesos que han durado 20 sesiones y otros se han solucionado en 5.

Bueno Elena, creo que nos ha quedado muy claro hasta que punto puede ayudarnos un PsEC en nuestros proyectos y procesos personales. Ha sido un placer hablar contigo, muchísimas gracias.

Página oficial | Elena I. Dapra

Foto de inicio: Chema Sanmoran

Fotos en el artículo | Compartida con licencia Creative Commons por Stewart Black

Las fotografías de siluetas a contraluz suelen ser tomas muy sencillas, pero a la vez muy atractivas. Si bien es cierto que para lograrlas hay que estar en el sitio adecuado en el momento adecuado y, por supuesto, con los correctos ajustes de exposición. A pesar de su simplicidad, son imágenes complicadas de conseguir, sobre todo, si buscamos potenciar el impacto que causan, y queremos lograr transmitir sentimientos fuertes como calma, inquietud, miedo,...

En principio, una silueta es cualquier forma sobre un fondo claro o muy iluminado, donde el sujeto es una simple forma negra que queda resaltada. Lo más común es que la fuente de luz sea el sol, por ejemplo en un atardecer, lo que provoca que gran parte de la imagen quede subexpuesta.

Hay algunos factores que hay que tener en cuenta para lograr efectivas siluetas y, resulta muy gratificante alcanzar buenos resultados, cuando tomamos una correcta medición, a menudo la clave de la toma. Vamos con algunos sencillos consejos:

• Es importante que el sujeto no reciba demasiada luz, que no existan reflejos que le resten importancia a la silueta en sí.

• Si no hay suficiente luz en el fondo, la silueta aparecerá gris en vez de negra, por lo que es esencial tener una fuente potente que provoque el contraste.

• Suelen dar mejor resultados si elegimos sujetos relativamente grandes, en vez de pequeños e insignificantes, así el resultado es más espectacular.

• Recomendable usar una abertura pequeña (número f alto), para captar una gran profundidad de campo.

• Como consecuencia, tendremos que utilizar trípode o una base estable para la cámara, puesto que tendremos que usar velocidad de obturación baja.

• Para la medición es mejor no tomar el sujeto oscuro ni la luz más fuerte, mejor buscar un punto intermedio, alguna sombra grisácea nos puede dar un valor adecuado (aunque esto depende mucho de cada escena).

• Para lograr una silueta impactante hay que cuidar mucho la composición y buscar el lugar más adecuado para los elementos.

• La simplicidad ayuda mucho a destacar nuestra silueta, por ello, elimina todo aquello que pueda distraer la mirada.

• Podemos conseguir buenas siluetas con muchos motivos diferentes, desde personas, animales a edificios o cualquier elemento que disponga de una silueta interesante a contraluz. Por ello, no nos centremos siempre en los mismos motivos, agudizando la vista podemos encontrarlos en cualquier lugar y situación.

Todo estos son sencillas cuestiones a tener en cuenta, pero no hay una teoría exacta que nos permita alcanzar buenas siluetas. Por lo que resulta importante la práctica, la experiencia y un poco de suerte. A practicar.

Algunos ejemplos | 13 buenas siluetas en Flickr Fotos | tookie | AmmarQ8

Hoy nos serviremos de las palabras de uno de los grandes mitos de la fotografía para proponer un nuevo juego-ejercicio para dar rienda suelta a nuestra creatividad fotográfica y echar leña a nuestro aprendizaje. Cartier-Bresson nos dejó una interesante reflexión sobre su particular filosofía y manera de entender la fotografía:

El reconocimiento simultáneo, en una fracción de segundo, de la importancia de un evento, así como la organización de formas precisa que da a ese evento su adecuada expresión... En la fotografía, la cosa más pequeña puede ser un gran tema. El pequeño detalle humano puede convertirse en un leitmotiv

Lo más probable es que no tengamos el tiempo del que disponía el famoso fotógrafo francés (ni los fondos necesarios para disfrutar de éste tranquilamente), pero podemos intentar emularlo con un poco de imaginación y paciencia. Y para ello, nos serviremos de algunos ejemplos para lograr captar nuestro momento decisivo, para jugar a ser Cartier-Bresson.

La fotografía que os mostramos, a mi me cautivó en cuestión de décimas de segundo. Es obra de Hugo* y pertenece a una colección muy recomendable, titulada A stroll in Paris. Fijaros en la composición, realmente cautivadora. Lo que nos interesa de esta foto (y otras de la misma colección que servirían para lo mismo) es el momento captado. El autor busca un marco para las escenas fortuitas que inmortaliza con la cámara. En este caso, además, destacaremos que componer con una porción de la Torre Eiffel le da un plus de originalidad a la instantánea.

Vamos a ver más ejemplos antes de dar unas pocas ideas para que podamos empezar a jugar a captar momentos decisivos.

Con esta fotografía titulada Bird. Watching., cuyo autor es sp clarke, tenemos otro ejemplo de momento captado. Junto a la silueta del pájaro posando sobre ¿una repisa?, a lo lejos, el paseo de un hombre mientras echa un vistazo a un papel que lleva entre manos. La composición vuelve a ser protagonista junto al momento captado. Segundo antes no hay foto. Segundos después, tampoco.

Otra magnífica muestra de lo que podemos captar si buscamos el momento decisivo. Otra vez cuidando la composición de manera que resulte una foto atractiva y aguardando un instante que transforme una foto sin sentido en una con vida propia. El título de esta fotografía es Ready Set ShinGo y es obra de johnatan pui.

Ejemplos como estos los podemos encontrar a decenas, pero tienen bastantes elementos en común que vale la pensa repasar junto a las recomendaciones generales para el juego de hoy:

• Elegir un escenario. Menos el segundo ejemplo mostrado (aunque puedo equivocarme), incluyendo la fotografía de Cartier-Bresson, todas parecen fotografías fruto de paciencia. Elegimos un escenario, conocemos mucho de lo que aparecerá en la foto, pero aún no está acabada. Esperamos a que aparezca algo que la complete. La Torre Eiffel, un paso de peatones, la boca de salida del metro, un cruce de dos calles, unas escaleras... existen infinitas posibilidades.
• Una vez elegido el escenario, hay que estudiar la composición. ¿Estudiar? No, mejor calcular hasta el milímetro. Es casi tan importante la composición como el instante captado. Una mala composición puede arruinarte ese momento maravilloso que has capturado. Por cierto, en breve hablaremos de la composición en nuestro curso.
• Lo más normal es que utilices un objetivo angular. Será más fácil que logres captar toda la magnitud de la escena que retrates.
• Quizás sea una buena opción utilizar un diafragma no demasiado abierto, para que ningún elemento de la escena salga fuera de foco.
• En cuanto a la velocidad de obturación puedes optar por que sea corta y congelar la escena (la opción típica) o larga para captar movimiento.
• Ahora toca esperar. Esperar a que suceda la escena y capturarla. Si eres muy paciente o si la composición de la escena es complicada, puedes ayudarte de un trípode.

Ya sabes que si quieres mostrarnos algún ejemplo de cosecha propia, tan solo tienes que dejarnos un enlace en los comentarios. ¡A pasarlo bien, mes petits Cartier-Bressons!

Si hace poco os hablaba de uno de los fotógrafos más creativos del panorama nacional, Chema Madoz, hoy os dejo con otro fotógrafo que me ha sorprendido, gratamente.

Se llama Matt Stuart y podríamos definirlo como "creativo | buscador de momentos".

Aunque algunas de las fotos dan sensación de estar preparadas, es admirable la originalidad y frescura de las imágenes que nos presenta. Además como veis no hace falta ninguna gran cámara para realizar buenas fotografías. Se demuestra una vez más que el "ojo fotográfico" está por encima de la tecnología.

Sin duda un fotógrafo a seguir muy de cerca. Os dejo con una impresionante galería de mas de 50 fotos que sin duda no os dejará indiferente.

Gracias a Javier por el enlace ;)

Más Información | Matt Stuart