Cuando aprendimos a revelar con Adobe Photoshop muchos teníamos miedo a las Curvas y siempre nos quedábamos con los Niveles, mucho más fáciles e intuitivos a la hora de controlar la luminosidad y el contraste de nuestras fotografías... Pero la realidad es que las Curvas son mucho más versátiles y permiten mejores resultados. Vamos a conocer todas sus ventajas en Adobe Photoshop (y por extensión en los demás programas).

Siempre he utilizado los Niveles. Desde que leí los primeros libros de fotografía digital, el primero de Scott Kelby o el de José María Mellado, empecé con ellos porque era más sencillo. Solo tres deslizadores y listo. Es de primero de revelado digital.

Si nos gusta este mundo y queremos aprender más, la evolución lógica es pasar a las Curvas. De hecho, cada vez tengo más claro enseñar a mis alumnos las curvas desde el principio y recordarles que hay una herramienta más simple si van con prisas.

Pero ni siquiera eso, porque en las Curvas de Adobe Photoshop podemos ver el histograma y tenemos los mismos controles que ofrecen los Niveles. No podemos olvidar que los Niveles es una de las cosas que pueden hacer las Curvas.

Así que, animados e inspirados por el video de Piximperfect, vamos a desgranar las seis razones por las que nos deberíamos olvidar de los Niveles y abrazar las Curvas (él habla de ocho pero creo que se pueden resumir en seis).

Las seis razones para usar las Curvas antes que los Niveles

Por supuesto que cada uno es libre de hacer lo que quiera, faltaría más. Pero si queremos tener más control, ir más rápido y conseguir mejores resultados las Curvas deberían entrar en nuestro flujo de trabajo.

La única ventaja de los **Niveles es que son más sencillos de comprender y utilizar**. Y puede que ahí esté su magia y el motivo por el que tantas personas siguen confiando sus fotografías a esta herramienta. Pero si queremos más precisión, las Curvas son la mejor opción.

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Los Niveles son un resumen de las Curvas

Con Niveles puedes ajustar los Negros, los Blancos y los Tonos medios. Con el deslizador Negro, el de la izquierda, ajustamos el negro absoluto, el nivel 0. Con el deslizador Blanco, a la derecha, controlamos los detalles de las áreas brillantes.

Exactamente igual que con los deslizadores Negro Y Blanco de las Curvas si los desplazamos hacia la derecha y la izquierda respectivamente.

Los niveles salen perdiendo

Los niveles también tienen un deslizador central que sirve para subir la luminosidad de los tonos medios, si lo llevamos a la derecha, y para bajarlos si lo desplazamos a la izquierda. Es lo único que podemos hacer.

Sin embargo en las Curvas ese punto central lo podemos situar donde necesitemos para personalizar totalmente el resultado de cualquier fotografía. Eso sí, si queremos que haga exactamente lo mismo solo tenemos que situarlo en el punto 128, 128 y desplazarlo en la horizontal.

Tenemos también los Niveles de Salida con dos deslizadores más. Permiten hacer las zonas oscuras más brillantes y las zonas claras más oscuras. Para conseguir lo mismo en las Curvas solo tenemos que subir en la vertical el deslizador negro y bajar el deslizador blanco.

Y hasta aquí todo lo que tienen en común. A partir de este momento las Curvas empiezan a adelantar y hacer cosas que lo Niveles ni sueñan, como controlar las luces y las sombras sin tener que hacer selección alguna.

La herramienta de arrastre no existe en Niveles

Esta herramienta, de nombre larguísimo en la ventana Curvas, está representada por el icono de una mano con dos flechas. Yo siempre la he llamado Ajuste de destino, tal como viene en Adobe Camera RAW (pero igual no es el nombre correcto).

Solo tenemos que activarla, ponernos encima de la zona de luminosidad de la fotografía que queramos cambiar, hacer clic con el ratón y subir para aclarar y bajar para oscurecer. Y podemos hacerlo en todos los puntos que queramos.

Herramienta de arrastre

¿El secreto? Ajustes moderados para que la imagen quede perfecta. Salvo casos puntuales, los ajustes con la curva siempre quedarán mejor si no hacemos cambios agresivos.

Aumentar el contraste sin perder detalles en luces y sombras es imposible en Niveles

Si el original ya tiene contraste es muy difícil aumentarlo si solo trabajamos con Niveles. Si al final lo hacemos enseguida perderemos detalle en las sombras y las luces. Y conseguiremos contraste pero perderemos información importante en ambos extremos.

Sin embargo, al trabajar con Curvas solo hacen falta dos puntos. Uno para subir los blancos sin tocar el valor 255, 255, 255; y otro para bajar las luminosidades oscuras sin perder la información del negro absoluto. Es la famosa curva en s que tan buenos resultados da.

Contraste extremo con una sola curva

Incluso podemos hacer una doble curva en s para dar contraste a las sombras y a las luces por separado en una única Curva...

Las curvas permiten crear efectos especiales de una forma más rápida

Es muy difícil crear efectos especiales con los Niveles. Pero no solo me refiero a solarizaciones como se hacían en los años 20, sino algo tan cómodo como los virados para las fotografías de blanco y negro.

Curva extrema

Con la herramienta Dibujar para modificar la curva podemos crear una curva a mano y observar el resultado en la fotografía. Dibujar una Z, hacer el logotipo de la M de la famosa cadena de hamburguesas, etc... Si investigamos igual creamos un efecto al que podemos bautizar con nuestro nombre.

La herramienta más versátil para ajustar el color de las fotografías

Hasta ahora solo hemos hablado del control de la luminosidad de la fotografía. Pero con las Curvas tenemos un control muy fino del color, mucho más que lo que podemos hacer con los Niveles.

Control de color

Con la teclas Alt+3, 4 y 5 podemos acceder a las curvas de color. Y ajustar todo lo que necesitemos recordando las combinaciones que ya nos enseñaron en el colegio. Por ejemplo, si queremos una tonalidad naranja, solo tenemos que subir la curva del Rojo y bajar la del Azul para tener Amarillo. Rojo más Amarillo igual a Naranja.

Controlar una herramienta avanzada es mucho más eficaz

Como bien recuerda el youtuber, es más fácil enseñar una herramienta sencilla. Pero luego es más difícil quitar vicios adquiridos... Por este motivo os animamos a olvidaros de los Niveles y apostar directamente por las Curvas.

Cuando dominamos las Curvas realmente dominamos Adobe Photoshop o cualquier otro programa que trabaje con ellas, aunque sea internamente. Es verdad que supone un esfuerzo inicial extra pero con el tiempo lo agradeceremos.

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Cómo exponer correctamente en fotografía digital

Es la herramienta más versátil para los fotógrafos y la que ofrece resultados más profesionales. Por lo tanto, os animamos a perderles el miedo y buscar la forma de integrarlas lo más rápidamente posible en nuestro flujo de trabajo.

El otro día os contamos sobre la importancia de manejar uniformidad a la hora de presentar nuestro trabajo a los clientes. En aquel artículo, mencionamos sobre un par de elementos que permite equilibrar la percepción entre nuestras imágenes: el punto blanco y el punto negro. El usuario Recollu nos pidió indagar más en este tema, así que aquí va una guía en su honor.

Los extremos lumínicos

El punto blanco de la imagen corresponde al valor de brillo más alto en ella. El punto negro es el valor de sombra más profundo en ella. En Photoshop, podéis identificar estos valores con la herramienta de gotero al hacer click sobre el punto más brillante y más oscuro de la imagen. El negro más negro posible, en una imagen de 8-bits de profundidad, es el valor RGB 0, 0, 0. El Blanco más blanco posible es el valor RGB 255, 255, 255.

En la imagen, el punto blanco y negro afectan a la percepción general del contraste de la imagen. Al acercar ambos valores estamos limitando el rango entre el blanco y el negro, por lo que perceptualmente perdemos contraste y saturación; a pesar de que el contraste está determinado por la luz y sombra de la toma y posteriores correcciones en el revelado. Al alejar ambos valores de punto blanco y punto negro, tenemos más percepción de contraste y saturación.

Uno de los usos más comunes al limitar el punto blanco o negro es evitar que se sienta que ‘clipea’ la imagen. Esto es, que los blancos no estallen demasiado (por ejemplo, en los cielos para bajar el brillo de las nubes), o que los negros no sean una mancha negra (por ejemplo, en escenas de mucho contraste de luz para que se sientan más naturales las sombras profundas).

También es usado en retoque para el control de brillos y sombra sobre la piel. Creativamente, su uso nos permite llevarnos a estilos de color distintos, como un look cinematográfico. En fotocomposición digital se utiliza para ajustar los elementos dentro de la imagen. Y, a nivel técnico, se puede utilizar para una imagen que va a multi-dispositivos, por lo cual se ajusta el rango entre negro y blanco para que quepa dentro del rango de la pantalla en la que se va a monitorear.

En nuestro artículo sobre la importancia de la uniformidad, mencionamos que generar una percepción similar entre imágenes ayuda al cliente a mejorar la confianza en el trabajo del fotógrafo. Lo hace sentir que no se va a llevar sorpresas de un estilo distinto al final del día. Esto no solo aplica a los clientes, si observáis cuentas de instagram populares o webs de fotógrafos de nombre, notaréis una uniformidad constante en su trabajo.

Así que ahora veamos cómo podemos ayudar a conseguir más uniformidad con el control del punto blanco y negro.

Comprimiendo y ajustando

Para arrancar comenzaremos con las dos imágenes de abajo. La izquierda será nuestra referencia y la derecha la de ajuste. A simple vista, se puede notar que hay una diferencia obvia entre las sombras y los brillos de ambas imágenes. Los negros de la derecha son profundos y los brillos muy altos, además que carecen de las dominantes de color que existen en la de la izquierda.

Lo primero que haremos para encontrar una percepción similar entre nuestras imágenes es crear una capa de ajuste de ‘Umbral’. Este será nuestro mapa para ver la luz y la sombra.

Si llevamos la barra de control a la derecha, oscurecemos el mapa, hasta solo ver las luces. Podéis ver que la diferencia entre los brillos de las imágenes no es mucho.

Si llevamos la barra de control a la izquierda, aclararemos el mapa, hasta solo ver las sombras más profundas. Como podéis ver, la diferencia entre las sombras más profundas de las imágenes es muy alta.

Teniendo en cuenta este mapa, lo que haremos para ajustar sombras y luces es crear una capa de ajuste de ‘Curvas’. También se puede utilizar ‘Niveles’, pero creo que las curvas nos permiten controlar de manera más fina estos ajustes. Para que la capa solo afecte a la imagen que vamos a trabajar, podemos hacer una selección y crear una máscara, o podemos hacer click en el botón de ‘Afectar solo a la capa inferior’. Recomiendo mejor la segunda.

Teniendo la capa de ‘Umbral’ ajustada a las sombras; en la capa de ‘Curvas’ subiremos el punto inferior hasta que veamos que los negros desaparezcan y sean blancos. De la misma manera, re-ajustaremos la capa de ‘Umbral’ hasta desaparecer los brillos de la imagen referencia, y los brillos que sobran sobre nuestra imagen los bajaremos utilizando la capa de curva. Una vez veamos que los brillos desaparecen en el mapa, pasaremos a corregir las dominantes.

Como podéis ver, las imágenes ya adquieren una sensación más similar. Pero queremos ajustar esto de la mejor manera posible. Así que lo que haremos es crear referencias en las sombras y brillos de nuestra imagen original y nuestra imagen de ajuste. Para ello, utilizaremos la herramienta de gotero y, presionando shift, haremos click primero en la sombra de referencia de la izquierda y luego en la sombra a ajustar en la derecha. Esto hará que, en la ventana de información, podamos ver los valores numéricos a ajustar. Tenemos que igualar los valores numéricos (o acercarnos lo más posible a aellos) del valor al lado derecho de la imagen a ajustar, con los de la izquierda en el punto de la referencia que se encuentran al lado izquierdo del valor numérico en la ventana.

Para igualar estos valores, podemos utilizar la misma capa de ajuste de ‘Curvas’; yendo individualmente por canal y ajustando los valores de blanco y negro. Si notamos que con la herramienta de curva no es suficiente, podemos crear una capa de ajuste de ‘Corrección Selectiva’. Iremos directamente a los negros y los blancos y ajustaremos desde ahí lo que nos falte.

Abajo podéis ver el resultado de nuestros ajustes. Ambas imágenes ya no lucen tan distantes la una de la otra. Manejan contrastes muy distintos, pero un espíritu de edición.

Como son imágenes similares, la edición es mucho más fácil. Sin embargo, ¿Qué pasa cuando la imagen de referencia y de ajuste son muy distintas?

Abajo podéis ver un ejemplo de disparidad en los colores de la toma, cambios de balance y demás. Sin embargo han sido ajustadas a tener los mismos valores de punto blanco y punto negro.

Aunque son imágenes con composiciones, iluminaciones y elementos muy distintos, las imágenes mantienen una sensación similar de tratamiento de color. Sin embargo, la disparidad se encuentra en la selección de imágenes.

A nivel de armar el porfolio general, haría grupos de fotografías similares para que no haya un salto visual al mirar el compendio. Arrancaría con una serie de cuatro imágenes contrastadas como la de arriba a la izquierda. Una segunda página de imágenes con el mismo contraste y tonos de la de arriba a la derecha. La tercera con un grupo de cuatro como la de abajo a la derecha. Cerraría con un grupo de cuatro como la de abajo a la izquierda.

Es muy importante que el orden de las fotografías permita una transición entre todo lo que se muestra.

Espero esta guía os sea de ayuda. ¡Hasta la próxima!

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La clave baja es una iluminación en la que predominan las sombras y los tonos oscuros con un toque de luz. Hacerlo en el momento del disparo no es muy complicado (si sabes cómo hacerlo). Pero hoy vamos a ver cómo salvar una fotografía oscureciendo el fondo con ayuda de Adobe Photoshop.

Como siempre pasa con el lenguaje fotográfico, se ha popularizado la expresión low key o su traducción directa clave baja. Se ve que fotografía oscura no define claramente una imagen con poca luz. Es una batalla perdida, en fin... La idea que os propongo es aislar de una forma drástica a un sujeto en una fotografía en el que el fondo no aporta demasiado al conjunto de la imagen por ser demasiado confuso o anodino. Esta técnica entraría dentro de mi categoría de trucos sucios, pero hay que reconocer que el resultado final es bastante llamativo.

Además reúne varias técnicas de selección, pintura y edición que nos servirán para practicar y utilizarlas para hacer el bien en un futuro no muy lejano. El resultado final será muy parecido a iluminar con dicha intención en el momento del disparo, con ese fogonazo cerca del modelo para llevar a negro el fondo. Y si la fotografía se presta, llamará la atención en todos los foros y las redes sociales... incluso no me extrañaría que ganara algún premio.

La fotografía original

Lo más difícil es hacer una buen selección, que adelanto no tiene que ser muy precisa y descubrir de dónde viene la luz para oscurecer adecuadamente con una especie de dodge&burn (otro anglicismo fotográfico). Y recordar que si el fondo se oscurece, el sujeto no debe estar iluminado como si el sol del mediodía del desierto le diera directamente.

Pasos para hacer un efecto de clave baja con Adobe Photoshop

En principio se puede hacer con toda fotografía que se precie, peor siempre queda mejor en un retrato. Algo que me llama mucho la atención es que siempre se da como resultado final una imagen en blanco y negro, pero en este caso voy a apostar por una fotografía en color. Ya veréis qué sencillo es a pesar de los muchos pasos que hay que dar:

1. Revelamos la fotografía elegida. Sería bueno hacerlo con la expectativa de convertirla en una futura clave baja, pero si lo hacemos así podemos tener problemas más tarde a la hora de seleccionar. Depende de la imagen, en la que estoy utilizando de ejemplo no me ha quedado más remedio que revelarla sin segundas intenciones.
2. Abrimos la fotografía como objeto inteligente siempre que sea posible. Como siempre digo, es un comodín por si necesitamos acudir a la fuente original.
3. En este momento activamos la herramienta Selección rápida (W) con la intención de hacer la mejor selección posible. Pero os aseguro que no merece la pena esforzarse mucho en esta ocasión. Tiene que estar bien pero no tiene que ser perfecta. Los bordes se van a ir a negro.
4. Si estamos haciendo una selección con mucho detalle en los bordes podemos ir a Seleccionar y aplicar máscara para mejorar el resultado. Cuando el ajuste sea mejor vais a Enviar a>Selección.

Seleccionando...

Ahora hay varios caminos a seguir, desde crear una capa de relleno o duplicar el objeto inteligente y oscurecerlo el máximo para tener las mismas texturas, que es la ruta que voy a seguir en esta ocasión.

Antes de invertir

1. Nos situamos en el objeto inteligente original y en Capa>Objetos inteligentes>Nuevo objeto inteligente mediante copia creamos uno nuevo.
2. Hacemos doble clic sobre él en la ventana Capas y lo oscurecemos para conseguir un fondo negro uniforme. He bajado a cero todos los parámetros en Adobe Camera RAW.
3. Damos Ok.
4. Ahora, como tenemos la selección activa y estamos en el objeto inteligente, hacemos clic en el icono Añadir máscara de capa.
5. Estará al revés. Veremos el ángel en negro y el cielo sin tocar, así que tendremos que invertir la máscara en Imagen>Ajustes>Invertir. Pero todavía no hemos terminado.

El objeto inteligente en negro

Aquí es donde se quedan muchos. El efecto no es real. Y el borde delata el trabajo mal hecho. Vamos a ver cómo se puede solucionar. Lo primero es darse cuenta de que si el fondo es negro, el contraste de la figura principal tiene que ser mayor.

Un mal trabajo

1. Nos situamos en la capa principal y vamos a Capa>Nueva capa de ajuste>Curvas. El objetivo es generar contraste con una curva en S. El efecto será mucho más natural.
2. Ahora vamos a la máscara de capa del segundo objeto inteligente (el que está oscurecido) y con el Pincel (B) en blanco y en modo de fusión Aclarar vamos pintando con una Opacidad baja (40%) por los bordes para irlos oscureciendo gradualmente. Parece una contradicción, pero os aseguro que funciona.
3. También podemos pasar por las sombras de la figura para enfatizar más el contraste.

El resultado final

Y ya hemos conseguido la fotografía en clave baja. Nos ha costado lo nuestro, y hubiera sido más rápido iluminar con flash y listo. Pero a lo mejor ni teníamos flash en ese momento. Así que espero que estos pasos os sirvan para cambiar totalmente vuestras fotografías con un mal fondo.

En Xataka Foto| Fotografías en clave baja: algunos consejos

Francesc Catalá Roca es uno de los grandes fotógrafos españoles. Para muchos es uno de los mejores, a la altura de Ramon Masats o la misma Cristina García Rodero.Fue el que abrió la puerta a los fotógrafos de la escuela de Barcelona que por fin ahora están siendo reconocidos, como Oriol Maspons o Colita. Murió el 5 de marzo de 1998. Ayer se cumplieron entonces 19 años de su muerte. Estamos obligados a conocerle y situar su obra a la altura de los famosos fotógrafos del siglo XX.

Francesc Catalá Roca (Valls, Tarragona, 19 de marzo de 1922 - Barcelona, 5 de marzo de 1998) es hijo, hermano y padre de fotógrafos. Lo llevaba en la sangre. Su padre, Catalá Pic, es reconocido por sus collages contra el fascismo. Su hermano es uno de los mayores defensores de la tradición de los casteller, los famosos castillos humanos.

Una de las cosas que más me gustan de él es que se consideraba ni más ni menos que un fotógrafo. Nunca iba de artista, con la boina ladeada y el cigarro en el punto áureo de la boca. Esas sensaciones, esa pose, se la dejaba a otros. Él se sentía un artesano, una persona que trabajaba a destajo para conseguir el mejor resultado. Su fuente de ingresos era la empresa de fotografía industrial que compartía con su hermano. Y con esa especialización aprendió sobre todo la técnica, uno de los pilares fundamentales para llegar a ser un gran fotógrafo.

El renacimiento de Catalá Roca

En España está pasando algo muy curioso. Poco a poco se está escribiendo la historia de la fotografía. Los profesionales nunca habían sido reconocidos. En los libros aparecían pocos nombres. Y en los círculos especializados conocían alguno más, pero no podían hacer nada para recuperar la memoria.

Todos conocemos a Cartier Bresson, Capa, Doisneau, Avedon... pensando que eran únicos y que en España solo existían fotógrafos anónimos sin un estilo detrás. Pero gracias a Publio López Móndejar, Chema Conesa y muchas asociaciones a lo largo y ancho del país estamos colocando en los altares del respeto a fotógrafos considerados hasta hace bien poco meros aficionados y sacando de los archivos a personas que tanto visual como estéticamente están a la misma altura que las vacas sagradas de las crónicas europeas y estadounidenses: Virxilio Vietez, Nicolás Muller, Enrique Meneses, Piedad Isla, Rafael Sanz Lobato, Ana Muller... merecen estar con letras de oro en las historias universales de la fotografía.

Y por supuesto Francesc Catalá Roca, el fotógrafo español más representado en el Centro de Arte Reina Sofía, donde podemos admirar algunas de sus imágenes más famosas. Desde Monumento a Colón, pasando por Esperando el Gordo de navidad, hasta las Señoritas de la Gran vía. Imágenes que forman parte de la memoria colectiva y que muchos no asocian a un único fotógrafo.

Su reconocimiento definitivo llega con la exposición Catalá Roca. Obras Maestras. Bajo el comisariado de Chema Conesa empezamos a descubrir a un fotógrafo humanista, a la altura de los grandes clásicos, que es capaz de mirar sin esconderse detrás de la cámara. No es un cazador al acecho. Solo es alguien que es capaz de escribir con la cámara.

A través de sus disparos cualquiera puede entender cómo era aquella España de los años cincuenta. La vida era en blanco y negro, desde luego. Pero en una época oscura todos podemos reír a pesar de todo. Es lo único que nos queda. Y Catalá Roca fue capaz de sacarlo a la luz. Gente esperando a ser millonaria por un sorteo, jóvenes paseando por las calles de Madrid... La vida a pesar de todo seguía su camino.

La técnica de un maestro

Uno de los datos más abrumadores de nuestro fotógrafo es que su archivo, con más de 180000 negativos (los comisarios solo vieron 20000 para seleccionar 150), es perfecto en todos los sentidos. No hay disparo malo, como ocurre con el de Virxilio Vieitez. No es fácil hacer eso. Gran parte está en blanco y negro. A partir de los 70 se inclinó por la fotografía en color. Y consiguió lo que hacen solo los grandes maestros. Un color inspirado por el blanco y negro impoluto.

Creía en la fortuna del recorte. A partir de sus disparos en formato medio ajustaba el encuadre en vertical u horizontal para simplificar la imagen. Era puro minimalismo al servicio de la fotografía. Nada de purismos y dogmas innecesarios. Él no era artista, era fotógrafo. Daba igual que hiciera retratos (los mejores de Miró, alguien que odiaba fotografiarse, son suyos), publicidad, arquitectura o reportaje.

Como reconoce el propio Ramón Masats, él fue quién enseñó el camino a su generación. Y por lo tanto todos los fotógrafos actuales somos deudores de su forma única de mirar. Tan moderno resulta que su último trabajo, que no pudo terminar por razones de fuerza mayor, es sobre Nueva York. Una ciudad que le fascinó. Sus hijos dicen que realizó más de la mitad de lo que había imaginado. Pero dejó escrito que no se podía publicar nada hasta 2020. Un libro tan rompedor que pensaba que nadie entendería hasta entonces. Solo quedan 3 años más de espera. Un buen momento para recordarle.

En Xataka Foto | Francesc Català-Roca, el documentalista que convirtió sus fotos en arte

Es uno de los cinco seleccionados en la última edición de las becas Fotopres La Caixa y su proyecto fotográfico levanta polémica allá donde es presentado. Ruben H Bermudez, autor del trabajo ¿Y tú por qué eres negro?, se encuentra realizando una investigación alrededor de nuestro país y su relación con la comunidad negra así como el rastreo de sus antepasados africanos en Burguillos del Cerro. ¿Quieres conocer su historia?

Empecemos por el principio, ¿y tú por qué eres negro?

Cada día tengo más claro que en mi proyecto tengo más preguntas que certezas, por qué soy negro o por qué los negros somos negros son preguntas bastante complicadas de responder.

Si echamos un vistazo al proyecto Humanae de Angelica Dass podemos ver que no hay nadie con Pantone negro en la piel, entonces, ¿por qué algunos somos negros?

Yo diría que negro es una construcción social que cambia dependiendo de quién la haga, de dónde, y de cuándo se haga. ¿Qué era ser negro en los siglos de la esclavitud en España?, ¿la definición que hacía el esclavista o el esclavo era la misma?, ¿qué era ser negro en la colonia española a la que llamamos Guinea Ecuatorial?, ¿lo definiría igual el colono que el colonizado?, ¿qué es ser negro a día de hoy en España?, ¿quién y cómo lo define?

Digamos que en este proyecto exploro mi negritud y trato de definirme a mí mismo. En parte por compensar, creo que los negros tenemos que contar nuestras propias historias y definirnos a nosotros mismos.

¿Cómo ha sido tu vida en Madrid siendo afrodescendiente?

Uno se da cuenta de que es diferente cuando va al colegio y se lo dicen los otros, cuando empieza a ver que absolutamente todo está hecho por y para blancos. Te decía antes sobre la diferente opinión del colonizado y del colono, digamos que yo sólo tenía acceso a la opinión del colono. Por ejemplo, a los quince años podía tener un póster del Ché Guevara en mi habitación pero no uno de Thomas Sankara, ¡porque ni siquiera sabía quien era Thomas Sankara!

Hay síntomas, cosas más o menos inocentes, cosas más o menos violentas, pero últimamente me gusta decir que el racismo es el escenario en el que vivimos, como el capitalismo, que por mucho que seas anticapitalista no puedes dejar de vivir siendo capitalista. Que me canten la canción de los Conguitos en el cole, que tenga que correr delante de los nazis, o que me pare la policía por la calle forma parte de ese escenario.

Ese escenario, el racismo, es una estructura política, económica, social y cultural que está por todas partes, que se adapta en el tiempo, y que nos afecta a todos, a los que tienen “privilegio” por ser blancos y a los que no. Hay que detectarlo para cambiarlo/nos.

Muchos, cuando les contesto que soy español, me preguntan que entonces por qué soy negro, de ahí la pregunta que da título al proyecto, hay como una negación de lo negro por parte de España, como si la negritud y España no tuvieran relación desde hace siglos. Siendo así, es muy difícil sentir arraigo en un país que no te reconoce como propio de ninguna forma.

Respondiendo a la pregunta, mi vida en Madrid ha sido bastante feliz, la verdad, crecí en Móstoles en una familia de clase trabajadora.

¿Cómo desarrollas este proyecto fotográfico de investigación? Si bien documentas tu situación y realizas labor de historiador, también transitas caminos más experimentales.

La fotografía siempre me ha servido de excusa para investigar aquellas cosas que me interesaban, así que cuando decidí que iba a investigar mis orígenes ya sabía desde un primer momento que iba a hacerlo a través de un proyecto fotográfico. Abrí un blog y empecé a subir cosas que me interesaban.

Lo primero que hice fue revisar mi álbum familiar, al que vuelvo de vez en cuando, y en el que encuentro imágenes interesantes, fotografías hechas desde los parámetros del ritual del álbum familiar pero que por alguna circunstancia pueden funcionar en mi proyecto.

Otra línea de investigación es tratar de encontrar a mi ascendente africano, presumiblemente usado como esclavo en el pueblo natal de mi abuelo, Burguillos del Cerro. Para ello busco en los archivos, en el registro civil, en el registro eclesiástico, y hasta me he hecho el carnet de investigador de la Biblioteca Nacional. Es lo que te decía, la fotografía como excusa, ahora resulta que dice un carnet del Ministerio de Cultura que soy investigador.

También me interesa la construcción que se ha hecho del negro a través de la fotografía y otros usos de la imagen en la cultura popular española. Desde la publicidad de Conguitos y el cine colonial, hasta Palmeras en la Nieve y el “negro del pollón” que corre por WhatsApp. Es fácil seguir los rastros del imaginario del negro por parte de los blancos en los últimos siglos, las representaciones también se adaptan, son parte de esa justificación moral que necesita el racismo para poder soportar legislaciones brutalmente salvajes como la esclavitud o la valla de Ceuta. De estas imágenes me apropio sin ningún problema y las uso en mi proyecto.

Juan Valbuena, de PHREE, me dijo que había puesto las piezas en el tapete de cara a un proyecto fotográfico, ahora quiero empezar a construir mis propias imágenes en paralelo a la investigación.

¿Qué te aporta como fotógrafo tener un diario?

Acostumbrado a las redes sociales, y a la necesidad de compartir, casi fue un paso natural que el proyecto y el blog comenzaran al mismo tiempo. Creo que esa no-decisión fue lo mejor que le pudo pasar.

Desde entonces me han pasado muchas cosas, ¡la obra está viva antes de ser producida! Llego a otras personas, hay otros negros que se inspiran en el proyecto para contar sus historias, me ha permitido viajar a Guinea Ecuatorial a dar un taller de fotolibros colectivos, estoy realizando una residencia en la biblioteca de bellas artes para catalogar artistas afrodescendientes, he dado una charla en EFTI o incluso me han dado una de las grandes becas por un proyecto que, en realidad, sólo existe en ese blog/diario. Esto último da vértigo.

Me ayuda mucho, mucho, mucho, la gente me manda cosas, ve un conguito gigante o encuentra el acta de un esclavo en un museo de Murcia y le hacen una foto para enviármelo o lo traen para regalármelo. Tengo carpetas con el nombre de personas que me mandan un montón de cosas, empieza a ser algo colectivo e incluso me han escrito afroamericanos y afrocolombianos. Estas cosas reconfortan mucho, y ves que cosas comunican y cuales no.

En cuanto a la reflexión creo que es fundamental en los proyectos fotográficos tal y como yo entiendo la fotografía. Es decir, no dejo de darle otros usos a la fotografía, también mando WhatsApp con fotos, o me voy de viaje y hago las fotos en los mismos sitios que todos los demás, etc, pero cuando me pongo el traje de Fotógrafo, no sé, quiero aportar algo, quiero contar algo que interese o contarlo de una manera que interese. O las dos cosas si fuera posible.

Todas estas cosas, que están vivas, van dando forma al proyecto, son el proyecto.

Ahora te encuentras desarrollando este proyecto, dentro de una práctica fotográfica contemporánea, pero tiempo atrás era todo muy diferente. Abandonaste un trabajo estable y un tipo de fotografía más clásica si no me equivoco. Estuviste en PHotoEspaña 09, compartIste pared con Chema Madoz y en resumen, llevabas una trayectoria bastante "estable" dentro de la fotografía. Sin embargo quisiste dar un giro. ¿Qué ocurrió?

Bueno, estudié fotografía en EFTI porque trabajaba en una oficina y tenía la existencia un poco angustiada. Las cosas se precipitaron, me dieron una beca que me permitió seguir estudiando y enseguida entras en ese circuito de fotógrafos nóveles que salen de la escuela. Dejé el trabajo, viajé un poco, y empecé a pensarme como fotógrafo y a pensar qué quería ser.

En paralelo estalla el fenómeno del fotolibro, recibo un taller de Ana Zaragoza y Andrés Medina, empiezo a conocer las posibilidades que este formato te puede dar, ves a muchos colegas haciendo cosas alucinantes, no sé, cuando ví The Disappeared de Verónica Fieiras me quedé completamente golpeado y pensé que quería hacer algo así algún día.

Fotógrafo estable, dices, JA JA JA. JA JA JA. JA JA JA.

Se podría decir que este es tu gran proyecto, ¿te preocupa que vendrá después?

Sí, éste es el proyecto con el que están pasando más cosas, si alguien me conoce es por Y tú, ¿por qué eres negro?. Sí, hubo un tiempo que me preocupaba qué pasaría cuando terminase, que nunca podría hacer algo tan interesante. No sé, es posible.

También voy viendo que el proyecto va teniendo proyectos satélites, como el que te decía antes de catalogar una sección de artistas afrodescendientes en la Facultad de Bellas Artes de la Complutense, o el de crear una plataforma, a modo de Strolling Series o Question Bridge, en el que muchos negros y negras, de diferentes realidades, definan lo que es ser negro a través de un video. Unos amigos dicen de montar una librería, no sé, seguiremos haciendo cosas.

En cualquier caso, para aclarar, para mi es imposible no trabajar desde mi negritud, siempre hablaré desde aunque no sea de.

Cuando no estás trabajando alrededor de tu negritud, ¿A qué se dedica Ruben?

Trabajo como fotógrafo y ayudo con el vídeo en Barriga, un estudio en el que hacemos trabajos con mucho mimo, cuidando el oficio de fotógrafo y tratando de disfrutar y ser sostenibles económicamente. No es fácil.

También soy profesor de lenguaje fotográfico en la escuela madrileña MadPhoto. Me gusta mucho dar clase, me hace pensar, estoy al día, trato con gente joven y es otra pata de esa sostenibilidad económica de la que hablaba. Insisto, no es fácil.

Pero como te decía, no dejo de ser negro cuando soy un Barriga o el profesor de la escuela.

Web del artista | Ruben H Bermudez

Fotodiario | ¿Y tú por qué eres negro?

En contra de lo que muchos creen, cuando queremos hacer una foto en blanco y negro, en fotografía digital, es mejor hacer la foto en color y una vez en el ordenador, convertirlas a BN con un programa de edición.

Pasar una foto a blanco y negro, en principio, parece una tarea fácil, sin embargo, hacerlo bien requiere de un buen conocimiento del programa de retoque que usemos, para así, intentar emular el tan bien valorado virado fotográfico.

Leo en Caborian una recopilación muy interesante de métodos para convertir vuestras fotos a Blanco y Negro. Indispensable para todos aquellos que os guste esta fotografía llena de encanto.

Os dejo con los 14 métodos que ha recopilado Nightrain en el foro. ¿Conocéis alguno más?

Métodos “básicos”

1. Imagen-Ajustes-Desaturar 2. Imagen-Ajustes-Tono y saturaciòn. Saturación = -100% Si después de hacer saturación = -100% se clickea sobre “colorear”, se pueden hacer virados muy facilmente, jugando con la saturación y el tono. Para el tono, el deslizador va de 0 a 360º según este espectro:

Los sepias andan por 40º, más o menos. 3. Imagen-Modo-Escala de grises

4. Selección de un canal

Seleccionar alguno de los canales R, G o B, y luego Imagen-Modo-Escala de grises

5. Pasar a modo LAB

Imagen-Modo-Color LAB Seleccionar el canal Luminosidad Imagen-Modo-Escala de grises

6. Estilo de capa “superposición de colores”

ALT + doble clic sobre la capa fondo para desbloquearla y convertirla en capa 0. Doble clic sobre la capa, para pasar al cuadro de dialogo “Estilo de capa” En “superposición de colores” elegir un HSB = 0,0,50 y modo de fusión “color”.

7. Rellenando de gris al 50% en modo superponer

Duplicamos la capa. En la capa duplicada hacemos saturación = -100% Creamos una nueva capa, completamente vacía, en modo superponer. La rellenamos con Edicion-Rellenar, de 50% gris y en modo color. Si en esta última capa pintamos en negro, oscurecemos. Si pintamos en blanco, aclaramos. Opacidad recomendada < 20% Recordad que pulsando la D se hace que los colores frontal y de fondo sean el negro y el blanco, y que con la X se intercambian.

8. Variaciones (no válido en 16 bits)

Filtro-Convertir para filtros inteligentes

(o también Capa-Objetos inteligentes-Convertir en objetos inteligentes)

Imagen-Ajustes-Variaciones

Seleccionamos saturación, y con escala más bien basta que fina, clickeamos sobre la imagen “desaturar” hasta desaturar por completo la imagen.

Puesto que se trata de un filtro inteligente, se comporta de forma similar a una capa de ajuste, de forma que podemos visualizar el efecto o no, en función de que esté visible el ojo o no, y podemos hacer doble clic sobre “variaciones”, y modificar el alcance del efecto o anularlo.

[ Recordad que ALT convierte “cancelar” en “restaurar” ]

Además el filtro inteligente se crea, por defecto, con máscara asociada. Seleccionando esa máscara y pintando en negro, podemos crear esos efectos tan horteras en que una zona concreta no está desaturada y el resto si, y marcando o no el ojo, podemos ver el efecto o anularlo.

9. Método de las 2 capas

Crear una capa de ajuste de tono y saturación, sin cambiar ningún parámetro. Ponerla en modo de fusión “color”. Crear otra capa de ajuste de tono y saturación, en modo normal, poner saturación = -100%. Hacer doble clic sobre la miniatura de la primera capa de ajuste creada, y cambiar los parámetros de tono y saturación hasta conseguir el efecto deseado.

10. Ajuste individual de la luminosidad de los colores

Imagen-Ajustes-Tono y Saturación Saturación = -100% Sin cerrar el cuadro de dialogo de tono y saturación, con CTRL 1, 2, 3, 4, 5 ó 6, seleccionamos cada color y ajustamos su luminosidad con el deslizador correspondiente.

11. Máscara de luminancia invertida

Pasar a modo LAB Seleccionar el canal Luminosidad Pasar a modo escala de grises Ctrl + Clic sobre la miniatura del canal gris nos genera una máscara de luminancia Invertimos la selección Volvemos a modo RGB (por supuesto esto no recupera el color) Creamos una nueva capa, vacía, en modo multiplicar. Creamos una máscara en esa capa, con lo cual nos carga la selección ya hecha (listo que es el CS3). Seleccionamos la miniatura de la capa y rellenamos de gris al 50% en modo color con Edicion\Rellenar. [ Probad a rellenar con un HSB 42,53,71 y tendréis un virado guapo guapo ]

12. Comando Blanco y Negro (nuevo en CS3)

Imagen-Ajustes-Blanco y negro Con los deslizadores se puede jugar con la luminosidad de cada color. [ Recordad que ALT convierte “cancelar” en “restaurar” ] Pero lo más fácil es situarse sobre la imagen, pulsar CTRL y luego deslizar el cursor a derecha para iluminar ese color o a izquierda para oscurecer. Si marcamos “matiz” podemos hacer un virado, sin más que seleccionar el tono (una vez más en grados en el espectro circular) y la saturación.

13. Mapa de degradado

Imagen-Ajustes-Mapa de degradado (o mucho mejor aun, crear una capa de ajuste de mapa de degradado) El degradado que aparece indica lo siguiente: - A la izquierda de la barra, el color con el que se verán afectadas las sombras - A la derecha de la barra, el color con el que se verán afectadas las luces Por defecto ya sale un degradado negro/blanco, pero clickeando sobre la barra, nos aparece un cuadro de dialogo “Editor de degradado” con degradados “de colorines”, y muchas más cosas que sí son útiles. Por ejemplo se puede “suavizar” el degradado. O también incluir “detenciones”, es decir, ponerle a ese degradado negro/blanco, algún color intermedio para los tonos medios. Para ello basta con clickear sobre la barra. Probad a elegir un color LAB 59,0,6 en el 50%. También se pueden desplazar los deslizadores negro y blanco para jugar con el contraste.

14. Mezclador de canales

Imagen-Ajustes-Mezclador de canales (o mucho mejor aun con una capa de ajuste) Marcar “monocromo” Jugar con los deslizadores procurando que sumen 100.

Vía | Caborian - Post