Como es viernes, cambia la cartelera de los cines. Y en esta ocasión encontramos de nuevo una película documental en la que conoceremos a un fotógrafo y su hijo buscando a los grandes felinos por 4 continentes. Andoni Candela ya nos sorprendió a todos con 'El viaje de Unai', la primera experiencia de Andoni y Unai rodeados de la naturaleza que se nos va y de la experiencia de crecer.

'Panteras' es un documental de naturaleza, una historia sobre la experiencia de ser padre y ser hijo, sobre la fotografía y la relación del hombre con los animales. Y todo bajo la mirada de Andoni Canela y su hijo Unai, por los que el tiempo ya ha pasado. No estamos ante un niño con su padre, sino ante un hombre con su referente. Y la fotografía siempre presente.

Como dicen en la página web del documental y del libro que se edita a la par:

Panteras es el último largometraje del director y fotógrafo Andoni Canela, producido por Wanda Natura con la participación de RTVE y el apoyo de WWF y CBD-Habitat. La cinta recoge la aventura de cuatro años en la que Andoni Canela y su hijo Unai recorren el mundo en busca de los últimos grandes felinos. Se trata de una película documental filmada en los lugares más salvajes del planeta. Padre e hijo viajan en busca del jaguar de Mato Grosso, el guepardo del Kalahari, el tigre de Rajastán, el puma de la Patagonia, el leopardo de Ceilán, el lince ibérico de Sierra Morena y el león de Masái Mara. La travesía se alarga durante varios años y culmina en el “techo del mundo”, donde Andoni y Unai tratan de encontrar al legendario leopardo de las nieves que habita en las montañas del Tíbet y los Himalayas.

Además de la película que se podrá ver en unas cuantas salas españolas, Andoni Canela ha conseguido producir una serie con RTVE que se podrá ver pronto en todas nuestras pantallas, o al menos eso esperamos los que disfrutamos con su trabajo.

Salas de estreno

El trabajo de Andoni Canela

Lleva muchos años con la cámara al hombro, pero como él mismo reconoce hacer fotografías solo ocupa un 10% de su tiempo. Muchos le descubrieron con el capítulo que le dedicaron en 'Detrás del instante', la serie de televisión dedicada a los fotógrafos.

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Escena del tráiler

Muchos le conocimos por la primera película que hizo, 'El viaje de Unai' (2016) en la que partía con su hijo de 10 años a buscar los 7 animales más emblemáticos de la naturaleza. Ganó numerosos premios en los festivales y nos abrió las puertas de la naturaleza y de su vida familiar.

Es un fotógrafo paciente, conocido sobre todo por su trabajo de la fauna ibérica. Pero como podremos ver en este documental, en el que su hijo tiene ya casi 18 años, recorre todo el mundo en busca de los felinos en peligro de extinción.

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Y no solo sentimos el caos en el que hemos sumido a la naturaleza, sino como nuestra vida puede cambiar en contacto con ella, tal como le sucede a Unai. Así que si quieres otro motivo más para ir al cine, aquí tienes 'Panteras, viviendo entre felinos'

Soy de la generación que no vivió la época de The Beatles, pero que recuerda de forma muy difusa el día del asesinato de John Lennon. Su música sonaba siempre en mi casa. El otro día pude ver otra vez 'Qué noche la de aquel día' (1964), la primera película que protagonizaron. Y me encontré de bruces con la afición a la fotografía de Ringo Starr, el genial batería de la banda.

The Beatles fue un grupo que cambió la historia de la música. Solo estuvieron activos durante la década de los sesenta, pero la música sería totalmente distinta sin ellos. Sus temas son míticos ('Hey Jude', 'Get Back', 'And I Love Her'...), muchos de sus discos son obras maestras, como 'Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band', por poner solo un ejemplo.

Ahora pueden parecer inocentes, pero fueron revolucionarios y el paso del tiempo ha demostrado su valía. Todo el mundo conoce el nombre de sus integrantes (sería interesante hacer una encuesta entre los más jóvenes): John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr... Y nos vamos a quedar con el batería.

'¡Qué noche la de aquel día!', retrato de una época

'Qué noche la de aquel día' la podemos ver ahora en Amazon Prime Video, así que es una buena oportunidad para recordarla o descubrirla. Es una película con un guion, sin embargo sabes que están siendo ellos mismos en todas y cada una de las escenas.

El cartel de la película

Es un homenaje de Richard Lester, el director de 'Superman' o 'Robin y Marian', a las locas películas de los hermanos Marx. Parece que nada tiene sentido en el guion.

Simplemente son dos días en la vida de The Beatles antes de dar un concierto en Londres para la televisión. Y por supuesto todo es estresante y alocado, con la figura única del abuelo 'pulcro' de Paul McCartney durante toda la trama.

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El uso de herramientas de inteligencia artificial no le quita mérito al fotógrafo, ¿o sí?

Precisamente el abuelo es el que provoca una pequeña crisis de identidad a Ringo Starr, por el supuesto eclipse al que le someten sus compañeros (anécdota del guion que le acompañará desde entonces de por vida, como le sucedió también a George Harrison).

Fotograma de 'Qué noche la de aquel día'

Y para reflexionar, Ringo decide salir del hotel acompañado de una cámara Pentax. Seguro que ninguna empresa soñaba con una publicidad semejante en aquellos años.

Otra historia es que las fotografías que vemos al final son de Robert Freeman, el mítico fotógrafo de The Beatles, que jugaba tan bien con los contrastes extremos y sus caras y que podemos ver al final de la película.

Ringo Starr y la fotografía

Esta escena es el momento más celebrado de la película. Poco a poco se va complicando hasta convertirse en un gag visual tras otro. Una de las leyendas que circulan es que Ringo había bebido tanto la noche anterior que era incapaz de aprender un diálogo y se arreglaron para hacer una escena muda.

Podría decirse que es un corto dentro de la propia película. Desde la melancolía hasta la sonrisa cuando se convierte en el antecedente de Mr Bean dentro de un pub con las cervezas, los dardos y demás elementos típicos de estos bares.

He buscado por la red la secuencia completa, pero ha sido imposible. Así que pondré un pequeño fragmento para animaros a buscar la película y pasar un buen rato si eres de los que, de vez en cuando, tienes que escuchar alguna de sus canciones.

Pero esto no es algo inventado para la película, pues resulta que Ringo Starr es un gran aficionado a la fotografía. Él era el que hacía las fotografías del grupo cuando se iban de gira y el único que podía conseguir las imágenes más auténticas del grupo.

De hecho publicó un libro llamado 'Photograph' en 2015. Era una edición limitada de 2500 ejemplares que se agotaron en dos semanas. Ahora lo podemos encontrar en formato digital y todos los beneficios van a la fundación que creó junto con su mujer para financiar proyectos caritativos de todo tipo. Como ya hemos dicho, nadie podía estar más cerca de ellos con una cámara:

Starr dijo que descubrió miles de negativos antiguos en cajas que no había mirado en casi 30 años. "Tenía muchas cosas almacenadas y tuvimos que mover todo y comencé a encontrar libros de negativos, muchos de ellos no sabía que todavía los tenía".

Pero la relación con la fotografía no termina aquí. Cuando The Beatles se separaron, cada uno siguió con su carrera en solitario. Y en el primer álbum que sacó el gran éxito fue la canción 'Photograph', compuesta junto a su leal amigo George Harrison en un yate en 1973.

Cuenta la historia de un amor perdido del que solo queda una triste imagen:

Cada vez que veo tu cara Me recuerda a los lugares a los que solíamos ir Pero todo lo que tengo es una fotografía Y me doy cuenta de que ya no volverás

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Así que no queda más remedio que amar todavía más a uno de los personajes más icónicos del siglo XX porque además de llevar el ritmo en todos los discos de The Beatles tenía tiempo para sacar su cámara y perderse con ella como a tantos de nosotros nos gusta hacer.

Los que amamos la fotografía estamos en racha si nos fijamos en el mundo del cine. De nuevo tenemos a una fotógrafa de protagonista en otra película española. En este caso nos encontramos con 'Chavalas', de Carol Rodríguez Colás, que podremos ver en los cines a partir del 3 de septiembre.

Hace poco hablábamos del papel de Penélope Cruz en la última de Almodóvar. Ahora nos encontramos con una opera prima en la que la protagonista es una fotógrafa que tiene que volver a su barrio de toda la vida después de intentar triunfar en el mundo de la imagen.

Marta es una chica de barrio que reniega con vergüenza de su pasado y que debe enfrentarse a la realidad. Estamos ante una comedia que ha ganado el Premio del Público del último festival de Málaga. Y esto seguro que es una garantía para disfrutar en el cine y olvidarnos durante un rato de nuestros problemas.

Afortunadamente no vamos a encontrar los tópicos de siempre que tantas veces hemos visto en las series, películas y videos musicales sobre la vida en el extrarradio de las grandes ciudades.

La fotografía en 'Chavalas'

Como podemos leer en la página de la Academia de Cine:

Marta, Desi, Soraya y Bea, amigas inseparables en la adolescencia, vuelven a reencontrarse en el barrio para revivir una auténtica y tragicómica amistad. Una realidad que las obligará a enfrentarse a aquellas adolescentes que fueron y a las mujeres que quieren ser. Casi sin darse cuenta, se ayudarán a tomar decisiones importantes en sus vidas. El paso del tiempo y lo distintas que son no será excusa para que su amistad prevalezca sobre todo lo demás.

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La protagonista, Vicky Luengo ('Antidisturbios') pierde su trabajo y tiene que volver a casa de sus padres. Ella es fotógrafa y no ha logrado triunfar. Aparentemente ha cambiado y ya no se ve parte del barrio.

Pero no le queda más remedio que aceptarlo y volver a levantarse. Ella, que creía que iba a comerse el mundo, parece que le cuesta aceptar trabajar como fotógrafa de bodas, bautizos y comuniones en la tienda de un personaje interpretado por José Mota.

Fotograma del tráiler

Por lo que se adivina en el tráiler entran, en clave de comedia, en muchas de las facetas de la fotografía, como la dificultad de triunfar, la difícil cruz de los proyectos y los visionados o el mundo de las bodas, bautizos y comuniones.

Una nueva comedia con fotógrafos

Parece que está más cercana a aquella maravilla que era 'Barrio' (1998) o 'El bola' (2000) que a esa serie que vino después de '7 vidas', 'Aída'.

Es la primera película de Carol Rodríguez Colás. De hecho, después de leer una entrevista en la revista 'Fotogramas', nos encontramos con una película que tira mucho de notas de su vida. Nació y se crio en el barrio de Cornellá. Se licenció en Comunicación Audiovisual y ha ganado premios con sus series fotográficas, dedicadas a la vida en el barrio.

Fotograma del tráiler

De hecho el guion de la película está firmado por su hermana Marina, lo que convierte a esta película en una fuente inagotable de recuerdos para los que han nacido fuera del centro de las grandes ciudades. Y de paso, una buena manera de mirar de otra forma a la fotografía...

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'Ven y mira', las fotografías del terror de la guerra

Porque no hay nada tan triste como no poder reírse de uno mismo... Y para muchos de los que van con la cámara al hombro será un buen motivo para no tomarse tanto en serio. El día 3 de septiembre intentaré estar al lado de una taquilla para ser feliz.

'Ven y mira' es probablemente la película más salvaje que he visto nunca. Nunca podré olvidar cada uno de los planos de los 136 minutos que dura. Desde el principio te hunde en el terror de la guerra. Es la película antibelicista por excelencia. Pero no todo el mundo podrá aguantar los primeros planos de un niño que quiere entrar en combate y sufre lo indecible. La fotografía cobra protagonismo en dos momentos puntuales de la película y simbolizan el comportamiento humano, el amor y la muerte.

La película ha vuelto a la palestra por la nueva edición remasterizada de la copia original. Se estrenó en los cines y ahora la podemos ver, si podemos, en la plataforma Filmin, el lugar perfecto para los cinéfilos.

No es una película sencilla ni en su narración ni en su planteamiento. Al principio es un viaje a la locura. Todos los personajes están desquiciados y sientes el miedo a flor de piel. Pero en el segundo y tercer acto encuentras la explicación. Y es la forma más realista de entender por qué la guerra nunca es la solución.

El origen de la película es conmemorar el 40 aniversario de la victoria aliada en la Segunda Guerra Mundial. El gobierno soviético encargó al director Elem Klimov una película propagandística. Pero filmó una historia contra el horror de la guerra. No es un canto a la victoria sino un golpe en el estómago a la cruel humanidad.

Y aunque parezca mentira la fotografía está presente en la película. El director de fotografía Aleksey Rodionov siguió la estela de Andrei Tarkovski, por la búsqueda de la luz natural en todo momento y algunos planos que recuerdan al cine ruso de los años 20. Pero hay dos momentos en los que sale una cámara, en los que la gente quiere posar para detener el tiempo y pasar a la posteridad.

La primera fotografía en 'Ven y mira'

El nombre de la película viene de uno de los versos más repetidos del Apocalipsis de San Juan, uno de los libros más crípticos de la Biblia:

Vi cuando el Cordero abrió uno de los sellos, y oí a uno de los cuatro seres vivientes decir como con voz de trueno: Ven y mira.

Se refiere en concreto a la llegada de uno de los Cuatro Jinetes del Apocalipsis dispuestos a acabar con la vida en la tierra. El primer sello introduce al anticristo; el segundo causa una gran guerra. El tercero provoca la hambruna y el cuarto sello trae las plagas, hambre y guerra... Y todavía quedan tres.

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Estamos contemplando el fin del mundo. Y el director de la película nos lo deja bien claro desde el primer plano. Rostros sacados de las películas de Fellini, voces demoníacas, comportamientos tiránicos y una atmósfera que no nos dejará respirar ni un instante. La sinopsis nos puede dar una idea de lo que vamos a ver:

Tras encontrar un viejo rifle, un joven bielorruso se une a las fuerzas de la resistencia soviética, que lucha por expulsar a las fuerzas nazis del frente oriental. Allí, será testigo de algunos los mayores horrores cometidos en la Segunda Guerra Mundial.

La primera fotografía

La primera aparición de la fotografía en la película aparece cuando el ejército partisano soviético en el que se enrola el protagonista decide posar ante una cámara. La próxima batalla todavía no ha llegado y todos posan como soldados valerosos contra el invasor. Entran todos, desde las abuelas del pueblo, hasta el protagonista con su rifle convencido de la aventura épica que piensa que va a vivir.

Mira como un niño, tumbado en el suelo, dirigido por el soldado fotógrafo que fija su pequeña cámara de fuelle en el trípode en medio del bosque. Es la imagen de una reunión, donde todos están orgullosos de estar ahí, como en una boda. Da igual el frío, la suciedad y el ambiente. Todos tienen esperanza dentro del horror que saben que van a vivir.

La fotografía final no se ve, pero la imaginamos dentro de un álbum, pequeña y en blanco y negro. Es la imagen de la épica y la camaradería de un grupo de personas que quiere retener un tiempo feliz a pesar de todo. Pero es gente que va a matar.

La segunda fotografía

La película cuenta uno de los episodios más desconocidos de la Segunda Guerra Mundial. El ejército nazi, al atravesar la actual Bielorrusia, asesinó a la población de más de 600 aldeas quemando a todos sus habitantes dentro de las edificaciones más grandes de cada pueblo: un granero, una iglesia...

El niño vive el asalto de una de estas aldeas. Y consigue salir pero en su huida cae en las manos de un soldado que le empuja y arrastra para posar en la fotografía que está preparando con sus compañeros. El fotógrafo, a mano alzada, enfoca de rodillas con su cámara de fuelle, al grupo de cinco personas que quieren pasar a la historia.

Segunda fotografía

Uno de ellos decide que quedará bien apuntar en la sien a un niño asustado que está seguro de que va a morir. Se muestran felices y satisfechos por el trabajo recién hecho. Son los vencedores y quieren recordarlo para siempre. Les da igual que un niño esté de rodillas con la pistola en la cabeza.

Es la misma sensación que tiene el otro ejército al principio de la película. Quieren un recuerdo de su paso por el mundo, algo que merezca la pena colgar en la pared o poner en un álbum para las generaciones futuras. Al final todo el mundo se hace fotos para recordar. El problema es que unos se la hacen antes de matar y otros después de hacerlo.

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Son fotografías enfermas, que nos hacen dudar de la humanidad. Nuestra generación no ha vivido una guerra. No quiero estar en un bando ni en otro. Solo hacemos fotos en los buenos momentos de nuestra vida. Los demás hacemos lo posible por olvidarlos. Pero la guerra aflora la maldad de la humanidad y 'Ven y mira' nos lo recordará siempre.

Johnny Depp interpreta a Eugene Smith, el maestro del ensayo fotográfico, en 'El fotógrafo de Minamata'. La película está basada en el último trabajo que hizo el genial fotógrafo para denunciar uno de los delitos más graves contra el medio ambiente y la población de los años setenta: la contaminación consciente y prolongada por el vertido de mercurio. Por fin se estrena en los cines.

Ver películas de fotógrafos es uno de mis placeres ocultos. Me encanta ir al cine, buscar en los libros y en las plataformas para encontrar una película en la que salga uno de nosotros. Afortunadamente cada vez se fijan más en esta profesión.

'El fotógrafo de Minamata' es la primera película que veo en el cine en mucho tiempo, casi un año. Fue emocionante sentarme en una butaca, que apaguen las luces y que el proyector se encienda. Es una sensación única que nunca podrá igualar la televisión en casa.

Es una película protagonizada y producida por Johnny Depp. El director es Andrew Levitas que aparece en la red como pintor, escultor, cineasta, escritor, productor, fotógrafo, actor y restaurador. Demasiadas profesiones para hacerlas todas bien. Y la película tiene varios problemas. Y lo que destaca, por encima de todo, es el trabajo de Johnny Depp.

El argumento de la película

Eugene Smith es un fotógrafo en horas bajas. Tiene problemas de salud, de drogodependencia, de dinero... Un día le visitan una pareja para hacerle una entrevista comercial. Él le admira y ella asegura desconocer su trabajo. Luego quedan en un bar y ella le confiesa que le ha elegido para ir a su pueblo para visibilizar el problema de contaminación que azota a su pueblo.

Los protagonistas

Eugene Smith mueve todos los hilos para convencer al director de la revista 'Life', en horas bajas, y se va a Japón con la chica. En principio va por motivos económicos, pero al final ganan la ética y el corazón y, a pesar de una serie de dificultades, consiguen su objetivo. Por supuesto, hay una historia de amor por medio.

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Todo está rodado para dirigir al espectador. Aquí tienes que llorar, en este momento tienes que llorar, reír ahora... Todo roza la épica, cada plano tiene que ser más intenso que el anterior. El objetivo es concienciar. Desde la visita al hospital hasta los momentos en el que el héroe no puede con su vida. Y cuando llega el momento final, cuando dispara esa foto que hizo historia y que muchos citan como la Piedad del siglo XX, el director nos deja bien claro que todo se condensa en ese preciso instante.

La película cierra con los consabidos textos que cuentan las consecuencias de la historia que nos han contado y con innumerables fotografías de los desastres ecológicos que hemos sufrido desde entonces y que han sido denunciados siguiendo el camino que marcó Eugene Smith.

La narración no emociona, no sentimos el paso del tiempo, algo tan difícil de hacer en una película. Todo está sobreactuado, exagerado. No hay una gota de realismo. Salvo el papel de Johnny Depp. Puede que sea una de las mejores caracterizaciones que se han visto en los últimos años.

Algunos críticos le llaman don Pantuflo, el padre de Zipi y Zape. Pero por primera vez me creo el maquillaje. Así de intenso debía ser Eugene Smith, una persona que muy pocos aguantaban. Me creo los movimientos de un fotógrafo que sabe cómo sujetar una cámara (aunque exagera mucho a la hora de revelar en el laboratorio, pocas veces frotas tanto el papel). Eché de menos la versión original para juzgar la actuación completa. Pero salva la película.

La historia real detrás de la película

La película está basada en hechos reales. La vida de Eugene Smith tiende a la leyenda. Está marcada por el intento de suicidio de su padre en la época de la Gran Depresión. Los medios de comunicación no tuvieron piedad con esta historia trágica y provocó el odio visceral del fotógrafo hacia los medios sensacionalistas.

Desde muy joven trabajó con una cámara al cuello y empezó a ser conocido por lo difícil que era trabajar con él. Sin embargo, ** gracias a su tremenda calidad y nivel de compromiso siempre le volvían a llamar**. Toda su vida estuvo peleando por sus ideas, por su forma de entender el mundo.

Entró y salió de la revista 'Life', formó parte de la agencia Magnum aunque no hizo ningún trabajo reseñable durante los tres años y medio que estuvo con ellos. Era incapaz de acabar sus proyectos por sus manías perfecccionistas, pero fue nombrado uno de los diez mejores fotógrafos del mundo en 1958. Llegaron a hablar del mito de Smith en las revistas de la época.

En 1970 fue víctima de una paliza. En su convalecencia conoció a Aileen Mioko, una traductora con la que se terminó casando. Un año después fue con ella a la aldea de Minamata para denunciar los efectos del mercurio vertido por la empresa Chisso en la laguna donde pescaban los aldeanos.

Como se ve en la película, los trabajadores le dieron otra paliza que le dejó casi minusválido y con problemas de visión. No se puede olvidar que en la II Guerra Mundial quedó muy afectado por la explosión de una granada de mano y que sus costumbres no eran tampoco un buen ejemplo.

A pesar de su salud precaria, pudo terminar este proyecto gracias a Aileen Mioko, su mujer. Ella realizó una cuarta parte de las fotografías y organizó todas las notas para que pudiera ser publicado en la revista 'Life' el 2 de junio de 1972. Este ensayo fue fundamental para conseguir que en 2001, la empresa Chisso pagara 2,18 millones de dólares a las familias afectadas.

Fueron tres años de trabajo intenso que no se ven en la película. Todo sucede en un único viaje e introducen la historia de amor durante la elaboración del reportaje.

La famosa fotografía del baño de Tomoko, que ya no se puede publicar por deseo expreso de la familia, es el mejor ejemplo de la forma de trabajar de Eugene Smith. Fue una propuesta de la madre de la niña y se planificó como una producción, incluso con iluminación artificial para rellenar las sombras. Todo por una idea, la clave del ensayo fotográfico.

El papel de Johnny Depp

Johnny Depp es Eugene Smith. Puede que no le haya costado parecerse a una persona enormemente creativa pero con muchos demonios internos. Lleva su barba, su característica boina y su aura de personaje complicado. Sabe sujetar bien una cámara y se desenvuelve bien en el laboratorio, aunque como hemos dicho antes, dudo mucho que frotara tanto las copias en el revelador.

No depende de las cámaras ni presume de marcas... Se ve que utiliza Minoltas, alguna que otra Nikon y creo recordar que nunca lleva en la mano una telemétrica. Si por algo se caracterizaba Smith es por su anarquía a la hora de elegir una máquina.

Como nota curiosa, en la película se niega a hablar bien de una película en color pero no podemos olvidar que anunciaba sin problemas las fantásticas Olympus Pen de medio formato (la mitad de un negativo de 35 mm).

Eugene Smith tendrá siempre la cara de Johnny Depp. Consigue el aire socarrón y desastroso de este fotógrafo único que fue capaz de escribir en la pared de su laboratorio de Minamata el siguiente poema (tal como podemos leer en este fantástico blog):

Mis fotografías dicen muy suavemente…

Mira, tú; mira esto y escucha… Mira, tú; mira esto y piensa… Mira, tú; mira esto y reacciona… Y lo haces. No porque te haya obligado a ello, sino porque has reaccionado. Mis fotografías, te urgen, suavemente, y te hacen pensar y sentir. Eso es lo que espero de ellas. > >

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Y hay que ir al cine, hay que volver a las salas oscuras donde todo es posible. Y si es con una película de fotógrafos, y encima de uno como Eugene Smith, con más motivos. No hay nada igual.

'Mank' es la película de David Fincher con la que Netflix quería triunfar este año en la gala de los Oscar 2021. Al final, de las diez nominaciones, se ha quedado con dos premios: Diseño de Producción y Mejor Fotografía. Erik Messerschmidt ha conseguido seguir la estela de Greg Toland, que fotografió 'Ciudadano Kane', la película de la que se habla en esta obra maestra de Fincher.

Llama la atención que en apenas tres años dos películas en blanco y negro hayan ganado el Oscar a la Mejor Fotografía. 'Roma' en 2018 y ahora 'Mank' en 2020. Y es que una buena fotografía en blanco y negro consigue llamar la atención en la época de saturación marvelita.

Erik Messerschmidt tiene una carrera corta pero no ha parado de trabajar. Se le conoce por su labor en algunas de las series para televisión que más han impactado últimamente, como 'Mindhunter' de Fincher, un episodio de 'Fargo' o la serie de ciencia ficción de Ridley Scott.

Con esta película tenía la obligación de homenajear a Greg Toland, el mítico director de fotografía de Orson Welles que hizo 'Ciudadano Kane', pero también 'Cumbres borrascosas'(1939), 'Las uvas de la ira'(1940), 'La loba'(1941) y 'Los mejores años de nuestra vida' (1946).

Así que vamos a analizar el trabajo de Erik Messerschmidt dentro de la película de David Fincher, una auténtica maravilla pero solo para aquellos que conozcan toda la historia detrás de 'Ciudadano Kane'. Si no habéis visto nunca esta obra maestra, os costará seguir el hilo de 'Mank'.

'Mank', una película con una fotografía que acompaña a la historia plano a plano.

Esta película habla de 'Ciudadano Kane' desde la perspectiva del guionista Herman J. Mankiewicz. La historia duda de la participación de Welles en la escritura del guion y le da todo el mérito a este hombre que vivía en aquel entonces una de sus momentos más duros, alcoholizado e intentando recuperarse de un accidente de coche.

David Fincher escogió a Erik Messerschmidt por su colaboración en la serie de Netflix. El motivo es simple, se llevaban bien y lo considera un profesional flexible que piensa en el resultado final, no en su lucimiento personal. Y que es capaz de seguir el ritmo endiablado del director.

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Los dos buscaban un aspecto clásico y la referencia es, sin duda, la obra de Greg Toland. Como comentamos en el artículo que le dedicamos, su fotografía destaca por:

• La profundidad de campo
• El uso del objetivo angular
• El uso de la luz
• Los encuadres

Fotograma de la película

Pero Erik Messerschmidt no se quedó ahí. Él mismo confiesa que buscó referencias en muchas de las películas con mejores fotografías en blanco y negro... y lo curioso es que los que están detrás de 'La noche del cazador', 'Rebeca', 'El apartamento', 'A sangre fría' siguieron el camino de Toland.

Los aspectos técnicos de 'Mank'

El trabajo de Messerschmidt es una continuación de la labor de los grandes maestros de la fotografía en blanco y negro. Utilizó cámaras RED Ranger HELIUM 8K S35 con un sensor de blanco y negro, por lo que fue necesario producción previa inmensa para ver qué colores quedaban mejor con la conversión directa.

Decidieron trabajar alta sensibilidad para lograr una textura, un ruido interesante y clásico. Y para conseguir la profundidad de campo de Toland cerraron el número T( luz real que llega al sensor) de los objetivos al máximo. Usaron los objetivos Leitz Summilux-C.

La iluminación fue otro reto. Intentaron usar, siempre que la escena lo permitiera, iluminación justificada y realista para lograr esos contraluces tan llamativos.

Fotograma de la película

Pero, como cuenta él mismo en una entrevista, hay una escena en la que los dos protagonistas están paseando por la noche. Y tuvieron que colgar bombillas de 800 w para lograr ese contraste... a cambio tuvieron que poner lentillas a los actores para que no se deslumbraran...

La película está grabada en HDR. Antes podía parecer una aberración pero todo depende del uso lógico de la tecnología. Así pudieron explotar al máximo el sensor y conseguir el contraste exacto de cada escena.

Como dice el propio Fincher, el cine digital permite ver todo con más claridad y precisión. Y Messerschmidt pudo darle al director todo lo que le pedía. Al final la técnica es importante no por ella misma, sino porque te puede ofrecer todo lo que tú le pides.

Es un placer contemplar la fotografía de 'Mank'. El blanco y negro se integra a la perfección con el argumento. Y a los que amamos el cine nos lleva directamente a los tiempos que cuenta... Rompe con

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La película, en los tiempos de pandemia que corren y por ser de Netflix, tuvo poco recorrido en los cines de pantalla grande, sala oscura y silencio. A cambio la podemos ver ya en Netflix, en pijama, en nuestro sofá favorito y con alguna que otra interrupción... Pero el cine siempre nos enseñará cosas nuevas.

Todo tiene una primera vez. Y este fin de semana hemos vivido el momento histórico de ver recibir el Goya a la Mejor fotografía a Daniela Cajías por su trabajo en la película 'Las niñas' de Pilar Palomero. Fue la película triunfadora de la noche del cine español.

Este año ha sido distinto para todos. El cine también ha sufrido el cierre de salas, los problemas de rodaje y todas las cosas de las que nos hemos privados. Pero sea como sea hemos continuado, con más esfuerzo para conseguir sacar adelante los trabajos que teníamos entre manos. A pesar de todo, muchas películas han podido salir adelante.

'Las niñas' es una película con tintes autobiográficos sobre la vida en un colegio de monjas de los años 90. Los que vivimos aquellos años ya estamos viendo películas que nos cuentan cómo éramos. La magia del cine es que nos cuenta el punto de vista de una persona con la que puedes coincidir o no.

Celia, una niña de 11 años, estudia en un colegio de monjas en Zaragoza y vive con su madre. Brisa, una nueva compañera recién llegada de Barcelona, la empuja hacia una nueva etapa en su vida: la adolescencia. En este viaje, en la España de las Olimpiadas del año 92, Celia descubre que la vida está hecha de muchas verdades y algunas mentiras.

Pero cuando vemos que lo que cuentan se parece a nuestra vida puede llegarnos más. Yo pasé mi infancia en un colegio de curas en el que negaban que Lorca hubiera muerto asesinado, en el que nos enseñaban vídeos de fetos abortados y te echaban del colegio sin avisar a tus padres por llevar pantalones cortos e ir provocando.

La fotografía, como siempre, es uno de los pilares del conjunto. Y la mirada de Daniela Cajías ha conquistado a los académicos este año. Una fotografía realista que ayuda a meternos en la vida de las protagonistas. Algo que no fue precisamente fácil.

Daniela Cajías, la primera directora de fotografía que ha conseguido un Goya

La película narra el paso a la vida adulta de unas alumnas de un colegio de monjas de la España de los años 90. La directora Pilar Palomero necesitaba acercarse a las actrices para dar ese aire íntimo y personal que se respira a lo largo de toda la película.

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Este era el mayor reto para la directora de fotografía. Daniela Cajías (1981) ha nacido en Bolivia. Estudio fotografía en Buenos Aires (Argentina) pero muy pronto se metió en el mundo del cine en la Escuela Internacional de Cine y TV de San Antonio de los Baños en la misma ciudad argentina.

Según cuenta su biografía ha rodado en Bolivia, Cuba, Colombia, Brasil, México y España. Y dos de las películas en las que ha participado han llegado a presentarse en la Berlinale, uno de los festivales de cine más prestigiosos del mundo.

Cartel de la película

Ha ganado premios en festivales de México y Costa Rica, a los que hay que sumar el premio Goya a Mejor dirección de fotografía. Un auténtico hito dentro de la industria del cine español.

El trabajo de Daniela Cajías en 'Las niñas'

No podemos olvidar que la directora Pilar Palomero ha estudiado fotografía. Y tenía muy claro el resultado que quería. Daniela Cajías consiguió este trabajo por la mirada que aportó en la película brasileña 'Las dos Irenes', donde también filmó a jóvenes actrices.

Su forma de trabajar facilita la actuación. Trata de quitar del set de grabación cualquier elemento que obligue a moverse por un espacio demasiado cerrado. Así que elimina todos los cables que sean posibles, lleva la cámara al hombro para quitar los trípodes. Rueda como si estuviera haciendo un documental.

Consigue convertir a la cámara en un personaje más. Los actores saben de antemano cómo va a moverse. Y saben que pueden improvisar porque no hay líneas marcadas en el suelo o luces colgadas por todo el escenario. Es una fotografía natural que recuerda a lo que hacían los franceses en la época de la nouvelle vague cuando no tenían presupuesto. Ellos lo convirtieron en un estilo.

La iluminación, la luz, intenta ser natural en todo momento. Dicen que recuerda en algunos momento a la luz de 'El sur', esa maravilla de Victor Erice fotografiada por Jose Luis Alcaine. Pero creo que tiene personalidad propia. De hecho, en las entrevistas reconoce que al final buscaron las texturas de las películas de aquella época, por lo que simularon, a partir del digital que les daba la Alexa Mini de Arri, el aspecto del negativo Eastman Color de Kodak.

Y el formato es una de las cosa que más ha llamado la atención. Todo el mundo vemos el 4:3, un formato casi cuadrado que nos acerca a la acción y puede resultar más agobiante que el panorámico al que estamos ahora acostumbrados. En realidad es 1:37, el formato académico que se utilizó desde los años 30 hasta los 50, cuando la televisión exigió formatos más grandes para llamara la atención y llevar a la gente al cine.

El éxito de la fotografía es que parece sencilla pero en realidad es sumamente compleja. Es luz natural pero rebotada y filtrada en muchas ocasiones. Y cuando tenía que utilizar iluminación artificial huía de los led que tenemos ahora, porque en los años que está ambientada no existía.

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Una buena película que podremos ver ahora en más cines por el éxito en los premios y que seguro colgaran en las plataformas para uso y disfrute casero. Pero seguro que será en la sala oscura del cine donde todo cambiará y podrás sumergirte mejor en una historia marcada por el paso a a la adolescencia.

Estamos viviendo una época en la que nos sentimos 'Atrapados en el tiempo'. Una y otra vez la vida se repite por culpa de la pandemia. Por este motivo es importante tener referentes para inspirarse y ver la luz al final del túnel. En esta ocasión os traemos la historia de 'La ciudad desnuda', una película de cine negro que sería imposible sin la estética que aportó el fotógrafo Weegee, el fotógrafo de la noche de Nueva York armado siempre con su Speed Graphic, la cámara por excelencia de los reporteros de aquellos años.

No es el momento de viajar, podemos movernos por nuestra zona pero no podemos coger el coche, el avión o el tren para ir a otro lugar... Así que una vuelta como si fuéramos jubilados y aprovechar el tiempo para aprender y pasarlo bien. Una de las mejores cosas, además de leer libros, es ver películas.

Dentro de las plataformas tenemos Filmin. Hace poco hablamos de las películas que pusieron sobre los fotógrafos. Ahora tiene en su catálogo una de las mejores películas de cine negro que se han rodado nunca. Y está dentro de la colección 'Las favoritas de Martin Scorsese'. Estoy hablando de 'La ciudad desnuda' de Jules Dassin, una maravillosa película que bebe directamente de la estética de Weegee, el fotógrafo de las duras noches sensacionalistas de Nueva York.

'La ciudad desnuda' de Jules Dassin

Todo lo que he visto, desde el punto de vista técnico, en esta película es excepcional. Es una de la joyas escondidas que tienes siempre pendiente de ver y nunca lo haces por falta de tiempo. Pero este fin de semana tuve dos horas de paz, Filmin a mi alcance y con las luces apagadas y ningún ruido alrededor me sentí como en el cine.

Es una película de 1948 dirigida por Jules Dassin, una de las víctimas de la caza de brujas. Cayó en la lista negra, impulsada por el senador McArthur, por sus ideas políticas. Antes de tener que irse a Francia rodó tres joyas dentro del llamado cine negro, que muchos recordamos por el gran Bogart.

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Los errores más habituales que cometen los fotógrafos principiantes (desde la elección del equipo hasta el postproceso)

Una de ellas es precisamente 'La ciudad desnuda', una película con un toque documental. Está rodada en exteriores, en la ciudad de Nueva York. Todo lo que rodea a la historia principal es la pura realidad de una ciudad viva. Lo que vemos es el día a día de la ciudad que nunca dormía en los años 40.

Fotograma de la película

A pesar de las dificultades técnicas que esto suponía, el director de fotografía William H. Daniels (el fotógrafo de Greta Garbo) ganó el Oscar por su trabajo en blanco y negro. Os aseguro que tanto el comienzo -con esa cuestionable voz en off- y la increíble persecución final, son una fuente constante de inspiración para nosotros los fotógrafos.

El argumento es sencillo:

Una calurosa madrugada neoyorkina, la modelo Jean Dexter es asesinada a sangre fría. El teniente de homicidios Daniel Muldoon (Barry Fitzgerald) se hace cargo del caso con la ayuda de un joven y competente detective, Jimmy Halloran (Don Taylor). Mientras los policías tratan de desentrañar los motivos que condujeron a la muerte de la chica y de encontrar a su asesino, la vida cotidiana sigue como si tal cosa en el corazón de la populosa urbe.

Es la primera vez, en una película de cine negro, que la policía hace su trabajo sin la necesidad de contar siempre con el detective privado que todo lo resuelve porque todos son corruptos. Se olvidan del toque mítico del cine negro.

Cartel de la película

Cuentan las crónicas que para que el público no interrumpiera el rodaje, decidieron contratar a artistas callejeros que desviaran la atención de las masas y no se cruzaran en los planos. No hay escenas rodadas en estudio, así que imaginaros la complicación del rodaje en una época en las cámaras no eran precisamente pequeñas.

Incluso se vieron obligados a grabar con cámaras ocultas en furgonetas para conseguir que la ciudad fuera una protagonista más de la historia. Y desde luego lo consiguieron.

Weegee y 'La ciudad desnuda'

¿Y qué tiene que ver Weegee en toda esta historia? Pues que para conseguir el aire realista que se respira en cada plano se inspiraron directamente en el trabajo del gran fotógrafo callejero para la ambientación y la dirección de arte. Él era famoso por llegar antes que la policía al lugar del crimen. Llevaba una radio en su coche que también le servía de laboratorio.

Se desenvolvía tan bien en las calles que llegaba siempre el primero... Empezaron a bromear con que tenía poderes o utilizaba algún artilugio mágico. Parece ser que su mote viene de la güija para escuchar a los muertos.

Rodaje en la ciudad

Iba siempre armado con la enorme Speed Graphic y el enorme flash que la acompañaban para hacer disparos instantáneos sin ningún problema. Sus imágenes son un canto al fogonazo perfecto que hacia salir a la luz las zonas más oscuras de la ciudad.

Weegee

Como curiosidad podemos decir que el mango del flash de esta cámara se utilizó para simular el mango de la famosa espada láser de 'La guerra de las galaxias'. Y esa luz y ambientación fue lo que inspiró a una fotógrafa como Diane Arbus.

De todos aquellos disparos que hizo en los años 30 y 40 publicó un libro que se llamó precisamente 'Naked city'(1945). En este libro publicó las fotografías de la noche que marcaron su vida y obra: fiestas, asesinatos, incendios y más desastres que marcaron la leyenda negra de las grandes ciudades.

Gracias a ese libro empezó a ser respetado, lo que le llevó a una vida más cómoda cerca de las estrellas de Hollywood. Él terminara siendo casi como los que retrataba en las fiestas aburridas de la alta sociedad que tanto criticaba con su cámara.

Utilizaron el nombre del libro para la película. Y luego para una serie que seguía la misma dinámica con la siguiente entradilla en cada capítulo, la misma frase que aparece al final del filme:

Hay ocho millones de historias en la ciudad desnuda. Esta ha sido uno de ellas.

Fue contratado para hacer la foto fija y, sobre todo, para asesorar al equipo técnico y conseguir reflejar con esmero la realidad de la ciudad. Lo que vemos es la mirada de Weegee: las calles abarrotadas, el realismo del asesinato, la caracterización de los malos y los buenos, los niños bañándose con el agua de la boca de riego de los bomberos, los outsiders de la ciudad...

Los encuadres, esa forma descarada de acercarse a los cadáveres y a los padres de la víctima (tremenda escena) y sobre todo esa huida final que nos deja con la boca abierta y a la que tanto debe 'El tercer hombre' (1949), es el ojo público de Weegee.

Aunque estuve atento no descubrí ningún personaje que se pareciera a nuestro fotógrafo. Seguro que tenía que andar por ahí posando, como hizo en una película rodada un año después llamada 'Nadie puede vencerme' (1949), donde aparece fugazmente como el encargado del reloj del combate.

Como última curiosidad tengo que señalar que la revista Look envió a un joven fotógrafo para cubrir el rodaje de la película. Este chico estaba feliz, porque iba a encontrarse con el fotógrafo que más admiraba. Estoy hablando de Stanley Kubrick, que trabajaba en la prestigiosa revista antes de dedicarse al cine. Y como no podía ser de otra forma, decidió contratar al gran Weegee para la foto fija de '¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú' (1964).

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Así que si se acerca el fin de semana y no tenéis la posibilidad de salir a hacer fotos siempre os podéis quedar en casa y disfrutar de una película única en la historia del cine inspirada por el trabajo de un fotógrafo.

La cultura es una de las mejores cosas que existen para el bienestar del ser humano. Ver un cuadro, leer un libro, escuchar un disco nos ayudan a conocer y a pensar fuera de nuestras vidas. Y cuando vivimos algo semejante a lo que estamos sufriendo, ver una película es poco menos que una de las mejores medicinas que podemos tomar: nos permite ver, aprender y escuchar en una sola obra de arte. Así que vamos a hablar sobre unas cuántas películas píldora para estos días.

Por supuesto, como estamos en Xataka Foto, vamos a hablar sobre películas en las que la imagen, la fotografía, es importante. La lista es interminable. Hay tantas películas que no caben aquí... Todos tenemos en mente 'El árbol de la vída' o 'El renacido', las dos fotografiadas por Emmanuel Lubezki... pero vamos a rebuscar un poco más en nuestras videotecas, plataformas digitales y demás para encontrar esas joyas que a lo mejor no hemos visto nunca.

Espero que podamos encontrar todas las que vamos a proponer sin problemas... No es el momento de rebuscar mucho y apostar por películas suecas con subtítulos en hindi. Esas ya las veremos cuando nos cansemos de pisar la calle y el campo y de abrazar a todo el mundo.

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El tercer hombre (1949)

Una de las obras maestras del cine. A partir de una novela de Graham Greene, el director Carol Reed hizo la mejor película del cine británico. Y para fotografiar esta visión del mundo de posguerra contó con el trabajo del gran Robert Krasker.

El blanco y negro de esta película -siempre que podamos ver una buena copia- es perfecto. Ahí está la ciudad de Viena como nunca se había visto. Los rostros de Joseph Cotten, Alida Valli, Trevor Howard y Orson Welles nunca habían lucido de semejante forma. Y las sombras y las luces nunca se combinaron tan bien.

Hay que verla por las influencias del cine alemán en los picados y contrapicados; porque la historia es puro cine negro. Y por esa escena de las alcantarillas que según cuentan las malas lenguas fue dirigida por el mismo Orson Welles. Él lo desmintió pero la leyenda sigue ahí.

Mad Max: Furia en la carretera (2015)

Puede que sea una de las películas más recomendadas para estos días en los que creemos estar viviendo algo salido del mundo del celuloide. George Miller siempre quiso volver al universo violento del loco Max y al final consiguió rodarlo de forma inolvidable.

Todavía recuerdo la sensación al salir del cine. La fotografía de John Seale nos adentra en el desierto como si fuera una mala pesadilla. Es una película de ciencia ficción (o no) que se hizo casi sin pantallas verdes y con un color que va marcando los distintos estados de ánimo de los protagonistas de una forma tremendamente barroca.

Lo más curioso es que el proyecto inicial era hacer la película en blanco y negro. Y todo cambia. Si os llama la atención siempre podéis comprar la edición especial (cuando todo esto termine) donde está la película tal como fue concebida.

Hero (2002)

Una de las superproducciones chinas más bellas que jamás se han rodado. Zhang Yimou consiguió un presupuesto monstruoso, los mejores actores del país y a uno de los directores de fotografía más llamativos del panorama internacional, Christopher Doyle, que ya había hecho 'In the mood for love'...

Muchos críticos dicen que la película es poco menos que una anuncio chino sobre las excelencias del país. Y puede ser verdad, porque muestra paisajes increíbles adornando la historia mítica de un país. Pero la historia va más allá y por momentos parece que estamos escuchando las mágicas historias de Marco Polo.

Personalmente destaco la escena del lago. Si no la habéis visto nunca es el momento de buscarla. Ese reflejo perfecto es el sueño de cualquier fotógrafo de paisaje. Y para los que les cueste ponerse a verla merece la pena recordar que Quentin Tarantino luchó para conseguir que se estrenara en el mundo entero la versión sin recortar.

La gran belleza (2013)

Esta película de Paolo Sorrentino es una canto a la belleza de la banalidad y al hastío. Retrata a Jep Gambardella, un personaje complicado en un entorno único como la ciudad de Roma. El director de fotografía solo tuvo que filmar la ciudad eterna a través de los ojos de un escritor obsesionado con la idea de la belleza.

Lo más fácil es que no soportes al protagonista. A lo sumo te puede llamar la atención su modo de vida pero no puedes dejar de mirar cada uno de los planos que nos muestra Luca Bigazzi a través de los ojos de Sorrentino. Es el intento de este director italiano de ser designado como el sucesor de Fellini.

Es una película eminentemente visual, un puro ejercicio fotográfico que cuenta con muchos momentos recreados digitalmente. Y desde que la ves te quedan unas ganas tremendas de ir a la ciudad eterna. Y os puedo asegurar que ahora más que nunca. Menos mal que al menos nos queda el cine...

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Primeros pasos con Capture One, un editor de fotografía profesional (V)

¿Qué películas proponéis desde el punto de vista fotográfico?

'Minamata' es la película que muchos amantes de la fotografía y el cine estamos esperando. Es la historia de Eugene Smith, el padre del ensayo fotográfico, durante la realización de su trabajo 'Minamata' en los años 70 sobre los efectos que provocó la contaminación por mercurio en este pueblo costero de Japón.

En Xataka Foto ya hemos hablado de esta esperada película protagonizada por Johnny Depp. Es uno de nuestros actores fetiche por sus papeles en las películas de Tim Burton y sobre todo por esa maravilla visual que es 'Dead man'. Nunca hubiera imaginado que este actor se convertiría en Eugene Smith en sus últimos años de vida, cuando ya estaba consumido por el alcohol y las drogas por culpa del dolor crónico que sufría.

La película, presentada en el pasado Festival de Cine de Berlín, y que según parece se presenta el 3 de septiembre (aunque cualquiera sabe ya) cuenta la gestación de uno de los ensayos más importantes de Eugene Smith, al final de su carrera. Acaba de fracasar su gran proyecto de 'Pittsburgh' y era su última oportunidad para conseguir su gran objetivo. Al final logró pasar a la historia de nuevo. A pesar de su obsesión logró ayudar de nuevo a los demás gracias a la fotografía.

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Así se consigue un estilo Orton ácido nocturno utilizando Photoshop

La última película de Johnny Depp

La película de 'Minamata' se ha estrenado en el Festival de Cine de Berlín sin pena ni gloria. Llama la atención las opiniones tan dispares de los críticos de cine... Desde que:

han convertido a uno de los grandes fotoperiodistas de la historia, W. Eugene Smith, apasionado del blanco y negro, el hombre en el que se basó el prestigio visual de la revista Life, uno de los primeros retratistas que lucharon por participar en la edición -para él, fundamental- de sus fotografías, en una especie de don Pantuflo, el padre de Zipi y Zape.

a críticas más elogiosas que la del crítico Gregorio Belinchón en la prensa estadounidense:

Impactante, aunque no muy sutil (...) Un proyecto innegablemente atractivo que resucita a un Johnny Depp en caída libre.

Como siempre habrá que ver la película antes de tener una opinión. De momento el trailer promete y la caracterización del genial actor convence. No parece que esté tan maquillado como estrellas cuando se transforman en personajes históricos.. (no entiendo esa manía de querer parecer un personaje de Celebrities)

La historia de 'Minamata'

Seguro que alguna vez habéis visto una fotografía de este reportaje. Una de las imágenes más icónicas del siglo XX es ‘El baño de Tomoko’, una de las piettas del siglo pasado. Una madre da un baño a su hija en una pequeña alberca. En ese disparo está contenida toda la historia.

Una de las imágenes de Eugene Smith

Una impactante fotografía en la que la madre cuida con todo su amor a su hija envenenada por el mercurio. Están las dos desnudas, bañadas por la cálida luz del sol en un momento de intimidad que solo entiende quien ha tenido una madre... Lo más triste es que hace apenas un día esta imagen la han censurado en Facebook al ser portada de uno de los mejores blog que podemos leer durante estos días...

En los años setenta todavía no había mucha conciencia ecológica en los medios de comunicación. Seguramente no vendía periódicos. Pero Eugene Smith encontró el tema con ayuda de su mujer Aileen. De hecho su figura es fundamental, porque después del accidente que sufrió (los propios trabajadores de la fábrica Chisso Corporation le tiraron al suelo) ella fue la que hizo la cuarta parte de las fotografías publicadas.

Eugene Smith resumió muy bien en el prólogo del libro, uno de las primeras denuncias ecológicas documentadas de la historia, el sentido del ensayo fotográfico:

Éste no es un libro objetivo. La primera palabra que eliminaría del folclore del periodismo es la palabra objetivo. Éste sería una gran paso hacia la verdad en la prensa libre. Y quizás el término libre debería ser la segunda palabra en desaparecer. Liberados de estas dos tergiversaciones, el periodista y el fotógrafo pueden asumir sus responsabilidades reales... Este es un libro apasionado.

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Daniel Alonso: El cine llevado a la unión a través de la fotografía de bodas

Fueron tres años de trabajo que han resumido en una película de apenas dos horas. Los que amamos el trabajo de Smith haremos cola, cuando podamos, para verla. Y a lo mejor el bueno de Johnny consigue salir adelante para alegría de todos los que queremos que la vida sea como en el cine. Que al final la humanidad gane. Que así sea.