En 2018 una casa de Sant Cugat del Vallés estaba a punto de ser derribada. Así que sus dueños revisaron todo su interior. Encontraron en la casa del abuelo una caja roja llena de fotografías desconocidas de la Guerra Civil Española. Eran de Antoni Campañà, uno de los fotógrafos pictorialistas más importantes que trabajó durante la contienda y escondió todo el material en aquella caja. Ahora se exponen en el Museu Nacional d’Art de Catalunya.

Todavía se encuentran tesoros, todavía hay esperanzas. En 2018 apareció una caja roja con centenares de imágenes inéditas que ahora se exponen en el Museu Nacional d’Art de Catalunya. Es el trabajo que realizó durante la Guerra Civil uno de los fotógrafos más importantes del pictorialismo español.

Antoni Campañà. Barricada. Calle Hospital, Barcelona, 25 de julio de 1936. Arxiu Campañà

La Guerra Civil española fue un laboratorio de pruebas para muchas cosas. Durante los años que duró numerosos fotoperiodistas trabajaron en ambos bandos para contar lo que pasaba y experimentar con la fotografía. No podemos olvidar que acababan de aparecer las cámaras de 35 mm, las famosas Leica que permitían estar en el centro de la acción con un equipo discreto y rápido.

A todos nos suenan Robert Capa y Gerda Taro, Agustí Centelles y otros grandes de la foto española que poco a poco van llamando más la atención. Pero pocos hubiéramos relacionado a Antoni Campañà con este tipo de fotografía.

Antoni Campañà. Tracción de sangre, 1933. Depósito de la Generalitat de Catalunya. Col•lecció Nacional de Fotografia, 1999. Museu Nacional d’Art de Catalunya, Barcelona

Pues bien, ahora el MNAC expone desde el 19 de marzo hasta el 18 de julio de 2021 el trabajo inédito de uno de los mejores fotógrafos artísticos de antes de la guerra: 'La guerra infinita. Antoni Campañà. Las tensiones de una mirada (1906-1989)'.

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La historia de la fotografía contada por la televisión de Corea del Norte en un vídeo muy bizarro

Los primeros años de Antoni Campañà

La fotografía corría por sus venas desde pequeño. Muy pronto entró en contacto con la Agrupación fotográfica de Cataluña. Y aprovechó el viaje de novios para asistir a un curso de Willy Zielke, lo que llevó a abrazar los principios estéticos de la Nueva objetividad y la Nueva visión.

Durante los años 30 crea un estilo propio en el que se mezclan los preceptos del pictorialismo con la estética novedosa de las vanguardias fotográficas. Esta unión hace que su trabajo sea ampliamente reconocido en los salones internacionales de fotografía de aquellos años.

Antoni Campañà. Sin título [Exhibición de las momias de las monjas, convento de las Salesas], Paseo de Sant Joan, Barcelona, julio de 1936. Arxiu Campañà

Me considero obligado a producir fotografías con puntos de vista originales y creo un deber mostrar al mundo la naturaleza, bien resuelta por la mano divina.

Muchos conocíamos sus bromóleos pictorialistas de aquellos años. Un prodigio de técnica que anunciaba la fotografía digital. En una libreta hacía un boceto y luego creaba la imagen añadiendo elementos de distintos negativos hasta dar con lo que había imaginado en el papel. ¿Os suena de algo cambiar el cielo en una imagen? Él ya lo hacía en los años 30.

Antoni Campañà. Barricada infantil detrás de la Universitat de Barcelona, agosto de 1936. Arxiu Campañà

Pero llegó la vergüenza de la guerra civil. Él era un republicano, nacionalista y católico que buscó respuestas con la fotografía. En la época actual lo llamarían equidistante. No dudó en fotografiar desde la profanación de las iglesias hasta mujeres anarquistas que terminaron en convertirse en iconos de las revistas de aquellos años.

Esas fotografías que ahora conoceremos por la exposición las debió esconder personalmente para poder seguir trabajando. No podía consentir que le impidieran conseguir trabajo. O tal vez quería olvidar algo tan traumático.

La exposición que reconoce su trabajo

Durante mucho tiempo sus fotografías de la guerra fueron consideradas anónimas. Y algunas de ellas formaron parte del libro 'El alzamiento, la revolución y el terror en Barcelona' (1944). Pero fue entonces cuando decidió juntarlas todas y esconderlas en la caja roja que descubrió su nieto en 2018.

Antoni Campañà. Sin título [Iglesia de la Concepción]. Calle Girona, Barcelona, 1936-1937. Arxiu Campañà

Abandonó el pictorialismo que tanta fama le había dado y apostó por la fotografía comercial y por algo tan rompedor en España como las fotografías postaleras. A él le debemos algunos de los anuncios de Seat (la relación con Ortiz Echagüe está llena de puntos de encuentro) y la imagen turística de España.

Fue considerado en su tiempo como el primer fotógrafo español y 25º del mundo en cantidad de premios recibidos en los salones de fotografía, era representante de Leica en España gracias a la tienda que tenía, su obra formó parte de la exposición 'Idas & Chaos: Trends in Spanish Photography 1920-1945', comisariada por Joan Fontcuberta en el International Center of Photography de Nueva York...

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Once puntos de inflexión que marcaron la historia de la fotografía

Pero será a partir de ahora cuando su nombre empezará a sonar de nuevo con fuerza dentro de las historias de la fotografía. Con la retrospectiva del Museu Nacional d’Art de Catalunya se recuperará la obra de uno de los fotógrafos más importantes del siglo XX que hubiera llegado muy lejos si no hubiéramos caído en el error de una guerra.

Antoni Campañà. Francesc Nel•lo pintando el tren antifascista del sindicato de dibujantes, 1936. Arxiu Campañà

‘La guerra infinita. Antoni Campañà. Las tensiones de una mirada (1906-1989)’

Del 19 de marzo al 18 de julio de 2021

Museu Nacional d’Art de Catalunya

Parc de Montjuïc

08038 – Barcelona – España

Precio de la entrada: 6 euros

www.museunacional.cat

La historia se repite siempre. Es un ciclo del que no se puede salir a no ser que alguien conozca los problemas de una época para reconocerlos y saber cómo evitarlos. Estamos atrapados en una rueda si no. Y en la historia de la fotografía pasa exactamente lo mismo. Las primeras corrientes fotográficas se están copiando, paso por paso, en la actualidad digital. Y pocos se dan cuenta.

La historia es fundamental. Si conoces el pasado no caerás en los mismos errores en el presente. Y tratarás de evitarlos en el futuro. Esa es su importancia. Sin este conocimiento la gente seguirá determinadas creencias por modas. Y si encima quitas la filosofía... En el mundo de la fotografía pasa exactamente igual.

Tres estilos para una misma imagen

Si no conoces el pasado caerás en los errores cometidos y no podrás reflexionar sobre los aciertos de los tiempos idos. Por este motivo es importante saber todo lo que ha pasado para buscar los caminos adecuados y evitar caer en los lugares oscuros. Para cualquier fotógrafo actual es fundamental conocer todas las corrientes fotográficas para tener información de primera mano. No basta con conocer a los youtubers actuales, ni que te suene Cartier Bresson.

En los libros de historia, en sus fotografías, están Lewis Carroll, Julia Margaret Cameron, D. O. Hill, Edward Steichen, A. Steaglitz, Gustave Le Gray, Nadar, Henry Peach Robinson, Oscar Gustav Rejlander, Ansel Adams, Edward Weston, Imogen Cunningham, Alfred Stieglitz, Paul Strand, Albert Renger-Patzch, Karl Blossfeldt, Hein Gorny, Fritz Brill, W. Zielke, August Sander, László Moholy-Nagy, Aenne Biermann, Erich Consemüller, Andreas Feininger, Lucia Moholy, Walter Peterhans, Alexander Rodtschenko, Umbo, Walker Evans, Dorothea Lange, Theodor Jung, Edwin Rosskam, Louise Rosskam, Ben Shahn, John Collier, Sheldon Dick, Jack Delano, Russell Lee, Carl Mydans, Gordon Parks, Arthur Rothstein, John Vachon, Marion Post Wolcott, Garry Winogrand, Diane Arbus, Lee Friedlander, William Klein, Robert Frank...

Las primeras corrientes fotográficas

Después de leer muchas historias, desde la de Sougez a la de Newhall, podemos ver que todo lo que está pasando ahora es una repetición, paso por paso, de lo que pasó en los tiempos en los que se presentó la fotografía al mundo. Queremos pensar que hemos evolucionado, que somos distintos. Que con nuestros píxeles no tenemos nada que ver con los daguerrotipos y objetivos de menisco de aquellos tiempos primitivos. Pero somos idénticos.

Algo recargado

La primera gran corriente fotográfica fue el Pictorialismo. Sus defensores no eran capaces de ver el lenguaje fotográfico y apostaron por esconder cualquier origen mecánico en sus obras escondiéndolos bajo capas y capas de convenciones pictóricas. Creían que la fotografía solo sería arte (qué necesidad más absurda) si se disfrazaba de pintura. La realidad no importaba. El lenguaje fotográfico no tenía sentido alguno para ellos. O más bien eran incapaces de verlo.

Cualquier parecido con la realidad era pura coincidencia. Los desenfoques, las técnicas complicadas para separarse de la plebe, y todo ornato artístico eran sus señas de identidad. Eran autores de hermosas postales sin sentido fotográfico. Pero hay que conocer a sus autores para entender el contexto. No podemos olvidar que la fotografía se presento en la Academia de París en 1839 como una esclava de las Bellas Artes. Y con ese estigma se quedó. Como algo incapaz de tener un lenguaje propio.

La respuesta a este movimiento que duró hasta entrado el siglo XX -y que es España estuvo presente hasta la década de los setenta por obra y gracia de Ortiz Echagüe- fue la Straight Photography o fotografía directa. La idea era celebrar las propiedades inherentes de la cámara y librarla de los cánones estilísticos de la pintura. Donde antes estaba el flou, los desenfoques y las luces teatrales se impondría ahora todas las características técnicas de una buena cámara.

¿Más natural?

La nitidez, la riqueza de tonos y la calidad por encima de todo. Su culmen sería el grupo f64 liderado por Ansel Adams y Edward Weston. Y todos apostaban por las ideas volcadas por Sadakichi Hartmann en su ensayo 'A Plea for Straight Photography' (1904):

Confiad en vuestra cámara, en vuestro ojo, en vuestro buen gusto, en vuestro conocimiento de la composición; considerad toda fluctuación de color, de luz y de sombra; estudiad líneas y valores y divisiones del espacio; esperad pacientemente hasta que la escena o el objeto de vuestra visión se revele en su momento supremo de belleza; en otras palabras, componed tan bien la imagen que queréis hacer, que el negativo sea absolutamente perfecto y necesite poca o ninguna manipulación.

Se pasó de un extremo a otro. Aunque afortunadamente Ansel Adams terminó ideando el famoso Sistema de zonas y empezó a vislumbrar la verdadera fuerza de la fotografía como forma de expresión independiente con sus propias normas. Todavía quedaban una décadas para que Robert Frank y William Klein cambiaran el curso de la historia y fueran capaces de entender la esencia de todo esto.

Tropezando dos veces en la misma piedra

Y llegamos a la actualidad. La fotografía se hace digital. Las cámaras desaparecen por obra y magia de los teléfonos móviles. Cada vez más gente entra en este mundo. Pero la historia se olvida. En las grandes escuelas es un tema que no se toca. Es mejor enseñar técnicas fotográficas que el trabajo de Walker Evans. Fotografía móvil en vez de Historia... Y se debería ver todo, aunque haya temas más atractivos que otros.

Pero, como no podía ser de otra manera, todo se vuelve a repetir. La rueda de la historia vuelve a su posición inicial. La supuesta revolución no es más que una segunda parte. No hemos aprendido nada. En la actualidad el pictorialismo es una de las corrientes o tendencias más practicadas por los fotógrafos. Hay mil técnicas para hacerlo, desde el apilamiento de imágenes hasta sacar el sol como una estrella gracias a los diafragmas cerrados e incrustarla en el apilamiento anterior.

Se busca que las fotografías parezcan cuadros con tratamientos excesivos en los que las sombras se igualan a las luces. Se borran o eliminan elementos que rompen la regla de los tercios o el número áureo. Los colores exagerados, el efecto orton, el HDR, el volumen extremo y las composiciones pictóricas inundan las redes sociales, los libros y los vídeos de muchos autores. Se premia la postal, el uso indiscriminado del software para imitar efectos de otros. ¿A que muchas imágenes de la actualidad parecen cuadros? Es el neopictorialismo en su plenitud. La fotografía se hace en el ordenador, pocas veces en la cámara...

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Canon EOS RP, análisis: una full frame sin espejo asequible que cumple para seducir a todos los públicos

Pero lo más curioso es que también estamos viviendo la fotografía neodirecta, como se podría llamar si nos fijamos en la Historia de la fotografía. Muchos fotógrafos, para luchar contra el uso excesivo de los programas, apuestan por una fotografía directa en la que el ordenador casi no intervenga.

La idea es luchar contra el exceso de tratamiento y buscar que la imagen salga directa de la cámara. Incluso existe un manifiesto de la Asociación de Fotografía en Estado Puro en el que dicen:

La fotografía debe acabarse en la cámara, finalizarse en el momento de cerrar el obturador y no con posterioridad. La imagen final debe ser fiel a la captada por la cámara, admitiendo leves ajustes de procesado de la imagen que no le afectan parcialmente. Admitimos bajo el nombre de ajustes de procesado o revelado, aquellos que afectan a la imagen como un todo y no alteran su esencia, como el leve ajuste del balance de blancos, la nitidez o la saturación. Entendemos como retoque de la imagen, realizar modificaciones parciales, como capas, calados, o bien añadir o eliminar elementos de la imagen, alterando la esencia de la misma.

Al final siempre volvemos a los pasos que ya hemos dado. Lo mejor es que cada uno podemos hacer lo que más nos guste. Pero para poder avanzar y lograr hacer mejor lo que más nos gusta, tenemos que ser capaces de ver por nosotros mismos, ajenos a las modas y todo lo que suene a imposición. Para mejorar tenemos que ser conscientes de la necesidad de conocer todo lo que se ha hecho, no vaya a ser que nos comportemos como espejo de nuestros antepasados.

Una y otra vez vemos fotografías en la que la realidad se altera, se cambia, se adapta. Fotografías en las que el lenguaje que nos enseñaron Eugene Atget, Walker Evans o Robert Frank se pierde en los intrincados caminos que nos mostraron Ortiz Echagüe, Julia Margaret Cameron o Edward Steichen. La fotografía pictorialista realmente nunca se ha ido y con el cambio de los tiempos parece que ha tomado un nuevo impulso.

El pictorialismo niega el lenguaje fotográfico a favor de los tratados de la pintura. Afirma la inferioridad de la cámara frente a la fuerza de la mente del pintor. En definitiva, cree que el pintor crea y el fotógrafo se limita a registrar. E intenta igualar los papeles. Quiere que la fotografía sea una intérprete de la realidad y no un registro de la misma.

Es decir, el fotógrafo pictorialista piensa que la realidad hay que interpretarla pero lo hace con herramientas que rompen con la naturaleza de la fotografía. Quita y pone cosas, altera las luces, exagera los colores... de tal forma que del archivo original solo queda el recuerdo. Lo importante no es mostrar el mundo como es, sino como se imagina o se piensa que puede quedar más llamativo. La esencia de este movimiento es complicar el proceso de creación para hacerlo más inaccesible y acercarlo solo a unos pocos elegidos.

Oscar Gustave Rejlander

No vale con estar en el lugar adecuado en el momento justo y tener un dominio exquisito de la técnica. Eso se deja para los demás, para los aficionados. Para todos los que tienen una cámara. Precisamente, ese afán de complicar hasta el extremo el proceso, es lo que llevó a los primitivos pictorialistas a crear dicho movimiento.

Los orígenes del Pictorialismo

La fotografía tiene tanto poder que cuando se presentó no adivinaron cuál sería su alcance real. Se limitaron a presentarla como una sirvienta de las Bellas Artes, con la concepción vetusta del término. Solo está ahí para hacernos más cómoda la vida sin darle nada a cambio. Para ellos era una mera registradora de la realidad.

Y llegaron los que confundían lo artesano con lo artístico. El propio Peter Henry Emerson, uno de los promotores del pictorialismo llegó a escribir:

Las fotografías de calidad artística tienen individualidad, al igual que otras obras de arte, y podríamos hacer apuestas sobre la identidad del autor de cada una de las pocas fotografías que se envían a nuestras exposiciones. Lógicamente el artesano común no tiene individualidad, como tampoco la tiene el reproductor de dibujos arquitectónicos o mecánicos. Pero donde un artista use la fotografía para interpretar la naturaleza, su trabajo siempre tendrá individualidad, y la fuerza de esta individualidad variará, como es lógico, en proporción a su habilidad.

Julia Margaret Cameron

Para distinguirse del resto, para buscar el arte en la fotografía, tomaron las bases de la pintura para disparar la cámara. Fue un error de lectura, un fallo tremendo de concepto, ahora que está tan de moda. Si todo aquel que tenga una cámara puede hacer una foto, vamos a buscar nuevas fórmulas para evitar la masificación. Y desde luego erraron.

Hoy se contemplan aquellos trabajos con ternura, incluso con curiosidad en los entornos fotográficos. Desde fuera incluso con admiración por aquella manida frase 'parece un cuadro'. Frente a la aparente espontaneidad de la imagen fotográfica, apostaron por las fórmulas pictóricas mal entendidas y por las horas infinitas en el laboratorio hasta conseguir fundir una imagen con otra para dar con ese aire más artístico.

El pictorialismo en la actualidad

Murió como movimiento en 1910, agotadas sus fórmulas y con fotógrafos cada vez más conscientes de la nueva realidad. Incluso Steichen abandonó el movimiento por una estética nueva. Sin embargo, como el payaso de 'It', los huevos de 'Alien' y otros personajes terroríficos del cine, está ahí siempre, latente, palpitando, resucitando cada cierto tiempo.

No podemos olvidar que su muerte oficial data de principios del siglo XX, pero en España Ortíz Echagüe y el salonismo camparon a sus anchas durante mucho tiempo después del nacimiento del grupo AFAL en los años 50. Podemos decir que nunca ha abandonado el mundo de los vivos.

Joan Vilatoba

Y podemos afirmar que ha vuelto a resucitar. Está entre nosotros porque nunca se ha ido del todo. No basta con hacer una fotografía, con aprender que el lenguaje fotográfico tiene entidad propia, con ver que la fotografía liberó a la pintura. No. Con la época digital y el avance de los programas de edición ha tomado una fuerza enorme, inconmensurable.

Ya no basta con fotografías que cuenten nuestra forma de ver la realidad. Ahora muchos quieren ver la naturaleza asombrosa transformada bajo múltiples capas, capas de ajuste y añadidos posteriores, con colores saturados porque no basta con los que cualquiera puede ver. Ya no vale con estar ahí, hay que inventar lo que ves. Es el resurgir de las bellas postales.

Exactamente a lo que hacía Canaletto con sus imágenes venecianas. En ellas vemos la ciudad de los canales pero si observamos con detenimiento, las perspectivas no son reales, la luz cuesta entenderla y no pintaba aquello que impedía crear alguna de las más hermosas postales que se recuerdan. Precisamente lo que pasa ahora con algunos fotógrafos digitales. Son inventores por encima de todo.

Y desde luego no es malo. Cada uno es libre de crear a su manera. Al final lo importante es tener un estilo propio que llame la atención. Y ahí es donde está la clave. Un estilo propio que permita ofrecer a los espectadores una forma personal de ver las cosas. Son dos formas de entender la fotografía. Y cada uno debemos elegir nuestro camino: ¿Realidad o ficción?

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Joan Vilatobà, fotógrafo imprescindible y auténtico pionero del pictorialismo fotográfico

Desde hace un tiempo, la fotografía ha visto incrementado el uso de técnicas informáticas para sacar adelante imágenes que, según dicen, no son tan llamativas como deberían. ¿Desde cuando la realidad es superada por la ficción? ¿No deberíamos los fotógrafos dar nuestra propia versión de la realidad? ¿Y eso incluye cambiar la información que ha captado la cámara?

Es muy difícil definir qué es hacer fotografías. Y más en los tiempos que corren. Corres el peligro de ser tildado de clásico, o pasarte de rosca y convertirte en un mero diseñador gráfico. Voy a intentar aportar mi propio granito de arena, más que nada para generar un debate que nos ayude a situarnos dentro de este maremágnum de opiniones que es hoy en día cualquier discusión fotográfica. Cualquier opinión será bien recibida, por supuesto.

Un enfoque clásico

Hacer fotografías no es otra cosa que hacer clic con la cámara. La fotografía se hace en el momento del disparo. Justo antes de ese momento, hemos buscado un encuadre, una luz. Y hemos decidido la exposición: el diafragma, el tiempo de obturación y la sensibilidad. Luego todo está a merced de la distancia focal, del punto de enfoque, etc...

Luego en el laboratorio, o mejor dicho que parezco viejo, en el ordenador, nuestra función es interpretar esa partitura, ese archivo. Como muy bien dijo Ansel Adams. No hay que quitar ni poner nada. Solo ajustar lo que contiene para dar el mejor aspecto posible dentro de nuestras posibilidades o nuestro conocimiento de la materia.

Madrid @ferfoto

Ese es el material que tienes. Se supone que dominas la técnica, que desde antes de disparar tenías muy claro lo que querías conseguir y que sabes perfectamente lo que va a salir de tus manos. Es verdad que algunos nos permitimos recortar porque creemos que el uso de Photoshop debe ser el mismo que hacíamos con una ampliadora: aclarar, oscurecer, contrastar, recortar y listo.

Es una forma de trabajar que no rompe con tu realidad, con lo que pudiste sacar en el momento en el que decidiste hacer la foto. Es verdad que es una verdad subjetiva, pero todo lo que hay en esas fotografías estaba realmente ahí. Más claro o más oscuro, pero estaba. Y muchos creemos que eso es importante. Pero solo es una forma de entender la fotografía.

Un enfoque moderno

Ahora las cosas han cambiado. Realmente no. Porque siempre se ha entendido la fotografía de esta manera. Como una mera deudora de otras bellas artes. El pictorialismo, la primera gran corriente fotográfica no creía en el poder de la nueva imagen. Así que desarrollaron técnicas para intentar hacer más hermoso lo que podía captar la cámara oscura, que no era más que un mero reflejo de la realidad.

Escaparate @ferfoto

Ahora es lo mismo. Las fotografías son pictorialistas. No basta la interpretación. Tiene que ser una reinterpretación más grande, más bonita, más exagerada. Distinta del mundo real, ¿quizás idealizada? No valen las sombras ni los colores que había. Necesitan más saturación, o unos tonos más pastel. Quién sabe. Él que lo hace crea su mundo como quiere.

No es una mala forma de enseñar el mundo a los demás. Si no te gusta la realidad, cámbiala. Es así de sencillo. Y el mundo digital ha facilitado enormemente las cosas. Ya no hace falta recortar ni complicados juegos químicos. Un buen ordenador, un buen programa en las mejores manos y listo.

Como todos sabéis, Photoshop cambia las cosas con los modos de fusión. Es capaz de encender o apagar las luces encendidas de una gran ciudad. Puede borrar con una facilidad pasmosa cosas que no nos gusten, que estropeen nuestra composición en mente, con diversas herramientas a nuestra entera disposición.

La cruda realidad @ferfoto

¿Qué algo no está donde debería porque nos hemos equivocado de emplazamiento? ¿O la luz no nos gusta? Ya no hay problema. Un disparo normal se puede convertir en algo digno de enseñar en un libro o en un tutorial. Incluso colgarlo en un museo. ¿Está mal? ¿Es un engaño? No lo creo. Es otra forma de entender la fotografía. Perfectamente válida. Distinta.

Al final lo importante es contar cómo vemos las cosas. Dar a conocer una historia que nos ronda por la cabeza. Puede que el mundo nos guste como es. O queremos verlo de otra manera. Y si para eso tenemos que hacer mil fotos de un mismo momento para combinarlo como si fuera un collage, lo haremos. Sabemos que no es verdad... ¿Pero acaso lo ha sido la fotografía a lo largo de toda su vida?

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Photopea, el software gratuito con el mismo aspecto de Photoshop que lleva años en la red

Si alguno sintió curiosidad de ver más vídeos de Retroclips a raíz del post publicado sobre Jacques Henri Lartigue, igual navegando mucho haya llegado a ver documentos tan curiosos como el que hoy os comparto dedicado a una exposición de José Ortiz Echagüe cuando tenía nada más y nada menos que 95 años.

Precisamente fue en la Biblioteca Nacional donde se hizo una muestra que presentaba diversos aspectos de la carrera del que fuera considerado en 1935, por la revista American Photography, como uno de los tres mejores fotógrafos del mundo. Galardonado en numerosas ocasiones por sus fotografías y amante de la aviación como se recalca en el vídeo, este documento nos resulta interesante para conocer cómo se desarrollaban las exposiciones hace unas décadas.

Como vemos, todo el aspecto general del montaje de la exposición nos llega con ese sabor a espacios de los años 70 y 80. Si bien es cierto que la disposición por temáticas es algo que no ha dejado de hacerse tanto en colectivas como en retrospectivas de fotógrafos, llama la atención la disposición de las imágenes en una misma línea protegidas por un único cristal evitando así los marcos individuales.

Esa idea de la fotografía como artística o no recurrente hasta nuestros días parece desaparecer con las palabras del reportero al hablar de José Ortiz Echagüe en el plano de lo artístico y alabar sus diversos premios. Aunque bien es cierto que este fotógrafo venía de una corriente pictorialista la cual siempre había apostado por darle a este disciplina el lugar que se merecía en las artes.

El vídeo también nos aporta curiosidad por descubrir la técnica del carbón fresson que Echagüe practicó toda su vida sin importarle que después quedase desfasada, al igual que nos presenta las cámaras fotográficas que utilizó para realizar sus reportajes. Un documento como vemos que no deja de ser curioso para entender cómo se realizaban las exposiciones en 1980 y sobre todo cómo se hablaba de ellas.

Vídeo Retroclips

En Xataka Foto [Ortiz-Echagüe y sus fotografías del Norte de África a caballo entre lo pictórico y lo documental ](Ortiz-Echagüe y sus fotografías del Norte de África a caballo entre lo pictórico y lo documental)

El «flou» es un recurso estético y técnico poco conocido en fotografía, a pesar de que su validez creativa está fuera de toda duda. Conceptualmente está conectado al movimiento pictorialista, encumbrado en España por grandes maestros de la fotografía, como Joan Vilatobà, al que dedicamos hace poco un post bastante extenso, Pla Janini, Antonio Campañá u Ortiz Echagüe.

Nació a finales del siglo XIX con una intención muy clara: afianzar la fotografía como una auténtica manifestación artística equiparable a la escultura, la música, y, sobre todo, la pintura. Por esta razón su máxima es separarse de la realidad, distorsionándola para recrear un mundo onírico y bucólico. Pero, aunque su origen se remonta más de un siglo atrás en el tiempo, el «flou» sigue muy vivo actualmente bajo la forma de un recurso estético que merece la pena conocer, y que podemos recrear perfectamente utilizando técnicas modernas. Veamos cómo hacerlo.

Del bromóleo a la vaselina

Durante las muchas décadas de la fotografía química el «flou» requería la utilización de métodos artesanales que recurrían al uso del carbón, del bromóleo o de la goma bicromatada. El positivado era manual, y, por esta razón, cada fotografía tenía un acabado diferente que la hacía única, algo muy en la línea de lo que pretendía defender este movimiento estético. Pero los fotógrafos que practicaban esta técnica acentuaban aún más ese acabado tan peculiar de sus instantáneas utilizando pantallas y velos, además del positivado.

Hoy en día tenemos varios recursos a nuestro alcance si queremos dar a nuestras fotografías un acabado similar al de la obra de los grandes pictorialistas. Una forma relativamente sencilla de conseguirlo pasa por utilizar filtros específicos, como el Softar, diseñado expresamente para emular esa estética. Pero quizás la técnica que más gusta a los fotógrafos que practican actualmente el «flou» por su carácter artesanal y más personal es la aplicación de vaselina.

Este último método consiste, sencillamente, en aplicar la vaselina sobre un filtro, pero no de forma regular, sino incrementando la cantidad en aquellas zonas que queramos difuminar con más intensidad. Lo ideal es no aplicar esta sustancia directamente sobre el objetivo, sino hacernos con un filtro UV, colocarlo en el objetivo, y, por último, aplicar una pequeña cantidad de vaselina neutra sobre él, de forma irregular. Aquí lo ideal es «jugar» con esta sustancia y comprobar cómo se comporta la luz cuando incide en ella y posteriormente penetra en el interior de nuestro objetivo.

Desde un punto de vista óptico la vaselina provoca una difusión de las altas luces, una pérdida de definición muy evidente y una difuminación de las formas, características que incrementan el peso del color en la composición. Si os apetece probarlo os sugiero que utilicéis un trípode, y, sobre todo, que experimentéis sin ningún complejo. Seguro que obtendréis resultados, cuando menos, muy llamativos, si no sorprendentes.

Imágenes | Titouan Russo | Jeff Kubina
En Xataka Foto | Joan Vilatobà, fotógrafo imprescindible y auténtico pionero del pictorialismo fotográfico

Echar un vistazo al porfolio de Richard Tuschman es toda una experiencia. Resulta imposible no verse atrapado en una forma de contemplación más propia de una pintura renacentista que de una fotografía concebida en el siglo XXI. Precisamente, la capacidad de seducción de este fotógrafo reside en su habilidad a la hora de recrear mediante instantáneas las obras del pintor Edward Hopper, que evolucionaron desde el expresionismo abstracto hacia un marcado realismo.

Si os apetece, podéis echar un vistazo a su trabajo consultando su porfolio on-line. Sus fotografías han ocupado la portada de numerosas revistas, libros, e, incluso, catálogos para empresas con mucho «peso específico», como Sony Music, Adobe o Random House, entre otras.

Tuschman se autodefine como un fotógrafo que crea imágenes poéticas, y es evidente que toda su obra está impregnada por una melancolía y un tono poético, e, incluso, por un estilo pictorialista y victoriano, que me recuerdan mucho a los trabajos del excepcional fotógrafo catalán Joan Vilatobà (1878 – 1954).

Si echáis un vistazo a su currículo, publicado en su página web, comprobaréis que no se prodiga mucho fuera de Estados Unidos, salvo por un puñado de muestras en Francia y el Reino Unido. Una lástima. Esperemos que también podamos disfrutar algún día su obra en España.

Imagen | Richard Tuschman Más información | Richard Tuschman Images En Xataka Foto | Exposición dedicada a Joan Vilatoba, pionero del pictorialismo fotográfico

Emil Otto Hoppé, fotógrafo inglés de origen alemán, nació en 1878 en Múnich. Hijo de un influyente banquero fue educado en las mejores escuelas para que siguiera los pasos de su padre. No obstante, en 1902 llegó a Londres, ciudad que le ayudó, por suerte, a dejar su puesto en el banco para dedicarse completamente a su pasión, la fotografía.

Considerado una de las figuras más importante de la fotografía modernista de la época eduardiana, Hoppe ha pasado a la historia, sobre todo, por ser el fotógrafo de los intelectuales y artistas, pero también por ser el artífice de que el concepto e ideal de belleza femenina pudiera ser aplicado a toda mujer, no sólo a la mujer blanca.

Hoppé, de banquero a influyente retratista

Tal como he dicho más arriba Hoppé fue hijo de un banquero de Múnich y educado en las mejores escuelas de Múnich, París y Viena. Durante 10 años se formó en bancos alemanes para dedicarse al mismo oficio que su padre, pero en un viaje hacia Shanghai donde tenía que trabajar en un prestigioso banco, hizo escala en Londres, donde conoció a la que sería su mujer y decidió quedarse en dicha ciudad. Cabe decir, que desde un primer momento conectó con el mundo intelectual británico, que le facilitó las cosas en Londres.

Estuvo trabajando en el Deutsche Bank, pero cada vez estaba más obsesionado con la fotografía, finalmente decidió dejar su carrera en la banca y en 1907 abrió un estudio fotográfico especializándose en el retrato. En pocos años consiguió ser el líder del retrato pictorialista en Europa, fue un retratista tan importante que es difícil pensar en algún personaje famoso del mundo un de la política, el arte, la literatura y el teatro que no posará para su cámara.

No obstante, por muy buen retratista que fuera Hoppé no quería estancarse en un sólo campo fotográfico, también sentía la necesidad de plasmar lo ocurrido en la calle. Así pues, en 1920 decidió incorporar en su magnifica obra la cotidianidad de la calle, mostrar al mundo el día a día de una gran ciudad, panorámicas que nos enseñan una vida que existe fuera de las paredes de su deseado estudio.

Londres se le quedó pequeño, necesitaba más ciudades y lugares que fotografiar, con esta idea llegaron los viajes fotográficos por todo el mundo. Imágenes de África, de las calles de Alemania o del rascacielos de Estados Unidos. Nadie ni nada se le escapaba de su cámara fotográfica.

Retratos psicológicos, la importancia de controlar el azar

La carrera fotográfica de Hoppé comienza a finales del siglo XIX, época en que la mayoría de los fotógrafos eran pictorialistas centrándose en la belleza de la imagen. En 1907 cuando abrió su estudio fotográfico decidió realizar retratos, reflejar el perfil psicológico del personaje, enfatizando de esta manera la personalidad del sujeto y no tanto su belleza.

Cabe destacar que cuando Emil Otto Hoppé realizaba una sesión fotográfica no dejaba nada al azar, lo preparaba todo de antemano. Primero realizaba un estudio concienzudo del sujeto a retratar para conocerlo y de esta manera captar lo más indispensable de su personalidad. Hoppé le daba tanta importancia a la forma de ser que intentaba lograr un clima de complicidad con el modelo para encontrar el momento ideal de disparar la cámara, el momento en que el modelo se relajaba y se mostraba tal como era, sin ninguna máscara.

Asimismo para captar más la personalidad del retratado dejaba de un lado todo aquello que podría captar la atención al mirar la fotografía, por ello prescindía de superfluos y rocambolescos decorados y se centraba en mostrar solo aquello que nos hablará de la persona fotografiada, que lo diferenciaba de los demás, como podría ser sus manos, una cicatriz o su mirada.

La calle como lugar de trabajo e inspiración

En 1920 decide salir a la calle a buscar inspiración y nuevas experiencias que poder fotografiar. Su fotografía callejera influenciada por Bernard Shaw intenta mostrar las clases sociales de la Inglaterra de principios del siglo XX. Su trabajo, en este campo fotográfico, es producto de una reflexión psicológica previa. Ante los retratos de personajes famosos y ricos se cuestiona los motivos por los que unos triunfan y otros no. Así, con sus retratos del hombre de a pie, Hoppé intenta comprender esa pregunta.

De esta época encontramos fotografías de bares llenos de personas peculiares, así como interesantes imágenes de otros locales susceptibles a ser capturados por su inquieta cámara. Locales como el estudio del tatuador G. Burchett, hospitales o cementerios de animales pasaron por delante de su lente fotográfica.

Para evitar sospechas y problemas con las personas entraba en los lugares con una pequeña Kodak Brownie escondida en una bolsa de papel de estraza y con el objetivo oculto, recurso similar al de Walker Evans, pero pronto paso a trabajar con la Leica por su rapidez de reacción.

Hoppé no se conformaba con las limitaciones de Londres, así que decidió que el mundo entero era susceptible a ser fotografiado. De estos viajes es fruto el libro The Book of Fair Women (1922) donde pone en cuestión el canon de belleza occidental. El libro causó un gran malestar entre la sociedad pudiente de la época, pero dicho proyecto lo comentaremos en otro artículo sobre Hoppé, el banquero que quiso ser fotógrafo.

Vídeo | HOPPÉ EN FUNDACIÓN MAPFRE de Youtube Fotógrafo | Emil Otto Hoppe

No podemos ningunear la relación que existe entre la fotografía y la pintura, sabemos que muchos fotógrafos se basan en pintores como referente para sus trabajos y viceversa. El otro día mi compañero Alfonso nos mostró el fantástico trabajo del retratista Pierre Gonnord cuyas fotos recuerdan a los cuadros de Velazquez. Pero como he dicho Gonnord no es el único fotógrafo que se nutre de las tradiciones clásicas, en Holanda nos encontramos a Hendrik Kerstens cuyos retratos nos recuerdan a las obras de Vermeer o Rembrandt, ya sea por la iluminación o la composición utilizada.

El trabajo de Kersten es sorprendente por dos motivos. El primero por el simple hecho de que en 1995, a los 39 años, decidió dejarlo todo para hacerse fotógrafo. Tomó como modelo a su hija Paula, su única modelo desde hace más de 15 años, por su interesante belleza y de su inexpresivo rostro. Un rostro inmutable que junto a la iluminación utilizada por Kersten en sus retratos dota a las fotografías de esa estética que los pintores flamencos del siglo XVII daban a sus obras. Según el propio fotógrafo:

Nunca fue mi idea imitar a los maestros del siglo XVII, pero quizá lleve como holandés una especie de ADN. El estudio de Rembrandt, un arte que aprecio, me ha influido mucho.

Y la segunda razón es por la creatividad de Kersten. Para realizar sus fantásticos retratos le sirve cualquier cosa como atrezzo, ya sea una bolsa de la compra o un rollo de papel. Por otro lado, también es de admirar la iluminación de sus fotografías, al principio sólo trabajaba con la luz que entraba por la ventana de su casa, aunque ahora usa luz de estudio mucho más profesional y más acorde a la cámara de gran formato 4x5 que utiliza para retratar a su hija. Así, con pocos medios crea verdaderas maravillas. Ya se dice, la imaginación al poder.

Kersten lleva más de 15 años realizando la misma fotografía: su hija con un atuendo diferente en cada imagen o con más años pero siempre es la misma foto. El oscuro fondo contrasta con la clara piel de la chica que nos dirige una misteriosa mirada potenciada por la iluminación, aunque en palabras del propio artista

Es una mirada que se niega a hablar.

Así, el trabajo de este fotógrafo holandés con reminiscencias a los pintores flamencos del siglo XVII es un gran ejemplo de como podemos conseguir una gran fotografía con muy pocas cosas, sólo necesitamos una gran dosis de creatividad y mucho ingenio.

En Xataka Foto | Pierre Gonnord, renovando a Velázquez

Vídeo | Hendrik Kerstens - Paula - Portrait Photography en Youtube Fotógrafo | Hendik Kerstens

Parece que el verano se presenta como la mejor época para visitar museos en busca de la obra de grandes fotógrafos. Si hace poco os hablábamos de la retrospectiva de Paul Strand, ahora es el turno de la dedicada a otro gran maestro de la fotografía: Edward Steichen (1879-1973).

Steichen comenzó en el mundo del arte de la mano de la pintura, pero aprovechando la corriente pictorialista de su tiempo terminó siendo todo un referente de la misma. Llegó a ser un reconocido fotógrafo durante la primera mitad del siglo XX, de ahí sus repetidas colaboraciones con importantes revistas de moda de la época.

Su fotografía más conocida es la que ilustra esta entrada (The Pond Moonlight), por la que llegó a pagarse 2.9 millones de dólares en el 2006. Quizá la fotografía más representativa de la corriente pictorialista, marcada siempre por un profundo romanticismo.

La retrospectiva podrá verse hasta el 22 de Septiembre en el Museo Reina Sofia de Madrid, estará compuesta por casi 300 fotografías y recreaciones de los ambientes donde vivió y fotografió Steichen.

Más información | Museo Centro de Arte Reina Sofia Vía | La 2 Noticias