Después de haberlo leído un par de veces, me permito el lujo de adaptarlo debido a el grado de interés que puede despertar a aquellos y aquellas que como yo, sean amantes de los retratos.

Como todos ya sabréis, La Mona Lisa o Gioconda es una obra de arte increíblemente famosa de Leonardo Da Vinci que data de inicios del siglo XVI. A simple vista parece un retrato de lo más común, pero a través de los años ha sabido cautivar a los miles de ojos que la han contemplado. Pero para más datos históricos o artísticos ya tenemos la wikipedia, con lo que aquí nos centraremos en aquellos detalles que deberían servirnos como fotógrafos de retratos.

Composición

La composición del retrato utilizada por Leonardo es una composición llamada piramidal. Partiendo de las manos hacia la cabeza, podemos apreciar una pirámide de base mucho más ancha que su cima, como podéis ver en la imágen de vuestra derecha. Evidentemente no es la única manera de componer un retrato, seguramente no la mejor, pero sí es efectiva y vale la pena intentarlo en nuestros retratos. Fácil de aplicar en planos medios.

Postura

Parece ser que para la época en la que se pintó la Gioconda las posturas eran más rígidas y los planos más abiertos. Independientemente de que hoy en día esto ya no sea así, a mi me gustaría que tomáramos conciencia de lo que gana un retrato cuando la persona que es protagonista está relajada y tranquila. Y con esto no quiero decir que no se deba posar. Lo que quiero señalar es que es muy importante para el fotógrafo tener algo de química con el o la modelo para que esta persona se sienta cómoda. Esto es quizás de lo más complicado al retratar a personas. Debes tenerlo siempre presente y dedicarle esfuerzo.

Fondo

Parece ser que existen o han existido debates intensos sobre el emplazamiento donde está situada la Gioconda. Leonardo consiguió un equilibrio muy bueno entre un retrato donde el fondo no distrae del elemento principal y que además la ubica. Para ello, recuerda que es tan sencillo como ajustar los parámetros de tu camara para poder abrir o cerrar el diafragma según lo que quieras hacer: Diafragma abierto (número f menor) significa menor profundidad de campo y lo que es lo mismo, mayor separación entre la persona y el fondo. Diafragma más cerrado (número mayor)significa más profundidad de campo y así se consigue que todo lo que está encuadrado esté enfocado.

Luz

El uso de la luz en esta pintura es magistral. Estudiad bien las sombras, como producen una sensación de tres dimensiones y como las partes importantes de este retrato, la cara y las manos, están sensiblemente mejor iluminadas. Además de ser una luz suave, tan solo hace falta comprobarlo con las sombras del rostro.

Ropa

De la Gioconda y su vestuario llaman la atención dos cosas: la ausencia de collares y otras joyas y que su ropa sea oscura. Piensa en que si fuera justo al revés, su expresión no destacaría tanto. Estamos pues delante de un ejemplo donde se cuidan todos los elementos para que destaque lo que realmente importa.

Uso de elementos para enmarcar el retrato

Ya hemos hablado antes de este recurso en las fotografías. En el ejemplo que nos ocupa, fijaros en las dos formas más o menos circulares que aparecen a ambos lados de la Mona Lisa a la altura de los hombros. Fijaros después en la hipótesis de lo que sería la imagen original (parece ser que la Gioconda tal y como la conocemos es una recorte de una pintura algo mayor). Leonardo estaría utilizando un sencillo recurso para guiar la atención del espectador, una técnica altamente poderosa, el ayudarnos de otros elementos para encuadrar el objeto retratado.

No lo olvides, pues es un elemento que ayuda a que nuestras fotos puedan producir un alto impacto.

Conclusión

La conclusión que me gustaría obtener de este post es que existen estrategias tan sencillas como las nombradas aquí que su uso en nuestras fotografías consigue hacer que suban muchísimos enteros. Conviene no olvidarlas y practicarlas. Los resultados pueden ser muy buenos.

Vía | digital Photography School

Cuando allá por el XIX nació la fotografía, la gente se quedó asombrada por la cantidad de detalles que el nuevo invento era capaz de captar y la fidelidad con la que lo hacía. Esto llevo en muchas ocasiones a enfrentar a pintores con fotógrafos, pues en algunos círculos existía la creencia de la superioridad de la fotografía sobre la pintura.

Entorno a la década de los 60 irrumpió en el panorama artístico estadounidense el realismo pictórico, el hiperrealismo, como una reacción a los movimienos artísticos abstractos y minimalistas. Parece que los pintores hiperrealistas aceptaron en cierto modo la premisa de la superioridad de la fotografía sobre la pintura, pues se centraron en representar la cruda realidad, eligiendo como vínculo entre el artista y la realidad el objetivo fotográfico.

Fotorrealismo
Dentro de la corriente hiperrealista hay una rama conocida como fotorrealismo que redunda en el concepto de hiperrealismo, con lo que para muchos ambos términos han pasado a ser sinónimos.

El Fotorrealismo es una práctica muy sencilla que consiste en hacer un cuadro a través de una fotografía. Es la plasmación de la realidad tal cual la captaría una cámara fotográfica. Como apuntó en su día Ana María Guash los fotorrealistas sustituyeron el ojo humano por el objetivo fotográfico, para aproximarse a la realidad contemporánea.

Los fotorrealistas usan como material primario las diapositivas de colores. Tratan de asegurar el paso de la fotografía a la pintura a través del empleo de medios mecánicos tales como la proyección de transparencias o retículas sobre las telas. Los resultados son conseguidos aplicando con aerógrafo finas capas de pintura y gracias al uso de nuevos materiales tales como pintura acrílica, látex y resinas sintéticas.

Richard Estes
Dentro de este movimiento, el neoyorquino Richard Estes es uno de los artistas más reconocidos. Si bien es cierto que Estes se vale de la proyección de diapositivas para garantizar el color, la tonalidad y el enfoque verídico, en su proceso compositivo se toma ciertas libertades respecto al modelo fotográfico.

Aún estando tan próximo a la fotografía él se considera un pintor tradicional, y la meticulosidad con la que lleva a cabo su trabajo ha llevado a muchos a emparentarlo con la técnica de los pintores flamencos del XVII.

Sus composiciones están formadas por diversas tomas fotográficas que él mismo realiza y a las que también aplica dibujo, aportando así información suplementaria al espectador y resueltas generalmente con pintura al óleo. El resultado son imágenes reales para el ojo humano pero científicamente incorrectas.

Así consigue esas visiones brillantes de las grandes ciudades, ya sean las calles, los establecimientos, fachadas de edificios, carteles luminosos, cabinas telefónicas, etc. que llevan detrás la huella iconográfica pop.

Aquí os dejo algunas de sus obras, que hablan por sí solas.

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

Gracias Antonio, por tu pista.
Colaboración | Diana Mariño Blanco