La pintura es una de las grandes artes que ha forjado nuestra profesión. De ahí la importancia de que podamos retribuir a ella conservando las obras maestras de la historia del arte. Hemos visto algunas de estas iniciativas con obras como ‘La ronda de la noche’. Ahora podemos ver otra hazaña de conservación, de la mano de Hirox Europe, con una increíble captura de ‘La joven de la perla’ pintada por Johannes Vermeer.

La captura realizada por Emilien Leonhardt y Vincent Sabatier se realizó el año pasado con el microscopio digital 3D de Hirox. Este dispositivo no solo permite un acercamiento extremo, sino que también permite al equipo crear mapas topográficos de la estructura capturada. Los ajustes permitían capturar 4.4 micrones de la pintura por pixel, y algunas de las áreas más detalladas fueron capturadas cubriendo 1.1 micrones de la pintura por pixel. Para poner en perspectiva, la imagen de abajo es la pintura completa.

Esto es un acercamiento a la boca.

Esto es un acercamiento al detalle de ella.

Compuesta de 9100 capturas, esta imagen tiene unas dimensiones de 93205 pixeles de largo por 108565 pixeles de alto. Esto equivale a una imagen con resolución total de 10,118 megapíxeles, o 10.12 Gigapixeles.

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Emular pinturas para el desarrollo de nuestro estilo fotográfico

La imagen fue capturada para poder estudiar la superficie, el deterioro y el trabajo de restauraciones realizadas a la pintura. Es un esfuerzo para ayudar a historiadores al mantenimiento y estudio de estas obras. Pero no solo es para ellos, como reporta PetaPixel, podemos visitar el portal dedicado para ver la pintura y las áreas de detalle capturadas por el sistema, para analizar por nosotros mismos esta magnifica obra.

La fotografía es una de las herramientas más poderosas que tenemos para el registro y conservación de la memoria histórica. La preservación de las pinturas es uno de los campos más beneficiados, con el valor agregado de permitir a una audiencia más grande detallar el trabajo realizado por los pintores. Este es el caso del más reciente retrato de 45 gigapixeles a la pintura de ‘La ronda de la noche’ de Rembrandt.

Los científicos del Rijksmuseum en Países Bajos han utilizado una cámara Hasselblad H6D-400c de 100 megapíxeles para capturar 528 fotografías de la famosa pintura. Esta nueva captura de la pieza cuenta con 25 veces más información que la captura realizada previamente para el portal de Google Arts and Culture, según comenta el profesor Rob Erdmann, científico senior del museo. Sin embargo, para conocer más detalles de la historia y la elaboración de la pintura, el portal de Google sigue siendo uno de los más recomendados.

El museo cuenta con una operación de investigación y conservación de esta pintura. La única forma de verla es yendo al museo y, aun así, como audiencia solo podemos ver la obra a distancia, sin poder apreciar el detalle de sus 4.37 metros de largo por 3.63 metros de alto. Por eso, elementos en línea como versiones de muy alta resolución son herramientas útiles para el análisis de las obras.

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El miedo de la originalidad y cómo ejercitar nuestra mirada para lograrla

Como reporta Fstoppers, para navegar entre la gran resolución de esta captura tan solo hay que seguir este enlace. Como fotógrafos, el análisis de una pintura tan completa nos puede “iluminar” la mente en el uso de la luz, el color, la geometría y la composición de una escena grupal. Definitivamente algo que no nos podemos perder en nuestro desarrollo artístico.

“Correlaciones y conversaciones metafísicas entre los pintores surealistas: René Magritte, Salvador Dalí, Pablo Picasso, Giorgio de Chirico, Vladimir Kush y el fotógrafo Cristóbal Carretero Cassinello”. Así es como el crítico de arte Josep Fàbrega Agea define ‘Analogías Surrealistas’, una serie fotográfica que nos confirma que el arte visual puede tener innumerables conexiones, incluso en géneros aparentemente diversos como la fotografía de calle y la pintura abstracta.

La serie, como hemos apuntado, es obra de Cristóbal Carretero Cassinello, un profesor de economía, diseñador gráfico y fotógrafo (de origen gallego pero almeriense de adopción) que cuenta con un amplio currículum y cuyas fotografías han sido seleccionadas y publicadas en pasadas ediciones de los Magnum Photography Awards y los Lensculture Street Photography Awards. Cristóbal nos hizo llegar su interesante trabajo y nos contó cómo la idea surgió “de la forma más inesperada y espontánea”.

“Como fotógrafo —nos comenta— trabajo varios géneros fotográficos indistintamente, street photography, fotografía conceptual y minimalista. Este crisol de estilos diferentes, me ha permitido agudizar la mirada y desarrollar una percepción de la realidad en su conjunto, que me han llevado a realizar proyectos fotográficos desde una profunda reflexión sobre la interacción y correlación entre imágenes aparentemente inconexas que, unidas, proyectan nuevos universos”.

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Imitando fotos famosas (con imaginación y mucho sentido del humor) para sobrellevar la cuarentena, por Vincent Morla

Además, Cristóbal es aficionado a jugar con cosas como “el trampantojo visual, efectos de perspectiva, superposición y comprensión de planos, que concluyen en yuxtaposiciones visuales surrealistas”. Quizá por eso, continúa, “un día por casualidad me puse a visionar la obra de René Magritte y de repente llegó la inspiración.”

La clave fue la pintura ‘La gran guerra’, donde Magritte muestra “a una elegante señora con un vestido blanco y un ramo de flores que oculta su cara. Al ver la pintura con incredulidad, en ese momento mi subconsciente explotó y me transportó súbitamente a mi fotografía ‘Él Oráculo’, una misteriosa anciana permanece inmóvil en un banco, sin rostro, mientras que el tiempo se detiene por un momento, el pañuelo que lleva en la cabeza comienza a convertirse en la cabeza de un pájaro.”

En ese momento el autor se dio cuenta de que había “una serie de analogías de contenido, de pensamiento y estética surrealista entre fotografía y pintura.” Esto fue el punto de partida para crear ‘Analogías Surrealistas’, la cual llevó a cabo “reflexionando sobre mi fotografía y realizando una investigación sobre los diferentes pintores surrealistas que me apasionan (Magritte, Dalí, Giorgio de Chirico, Picasso y Vladimir Kush), fui trabajando el proyecto a modo de dípticos, descubriendo potentes diálogos metafísicos sobre la sutil relación de fotografía y pintura surrealista, encontrando nuevos universos evocadores y oníricos, producto de la interrelación, lenguaje visual y hermanamiento de ambas artes.”

El resultado son estas imágenes que estáis viendo, en donde se aprecian las analogías, con elementos que interactúan entre cada cuadro y fotografía. Algunas son más que evidentes, otras menos, por lo que es recomendable fijarnos en los detalles y observarlas “profundamente, no de la manera ultrarrápida y compulsiva, que muchas veces se observan las fotografías en las redes sociales”. Sin duda un proyecto interesante ¿no os parece?

Cristóbal Carretero Cassinello | Página web | Instagram | Facebook

Fotografías de Cristóbal Carretero Cassinello reproducidas con permiso del autor para este artículo

En el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza han presentado una nueva exposición dedicada a la relación de la fotografía con la pintura impresionista. Es una ocasión única para conocer esta parte de la historia de la fotografía y ver conjuntamente las pinturas y las fotografías que las inspiraron.

Hace poco pudimos ver una exposición patrocinada de fotografía en una de las salas del museo. Ahí estaban las fotografías perfumadas de Karl Blossfeldt. Pero ahora tenemos la posibilidad de disfrutar de una exposición temporal con 9 salas, con todos los medios: catálogo, las audioguías, su propia tienda de regalos...

'Los impresionistas y la fotografía' es una exposición que analiza y estudia la relación entre la fotografía y la pintura en el momento que nació la primera, hace ya casi 200 años. A lo largo de las salas, podemos ver cuadros y fotografías de los autores más importantes de ambas manifestaciones. Y si sabes leer las imágenes descubrirás la similitud entre la obra de Manet y el trabajo de Gustave Le Gray, por poner solo un ejemplo.

La fotografía y la pintura en la historia del arte

La fotografía liberó a la pintura pero llegó a encadenarse a ella. Los impresionistas vieron en la nueva tecnología la oportunidad para cambiar la forma de representar la realidad. Y los fotógrafos quisieron formar parte de las Bellas Artes copiando los efectos que veían en las obras de Manet, Monet o Degas...

El campo

Con 66 óleos y obras sobre papel y más de 100 fotografías en total es una de las exposiciones más completas que podemos ver sobre el tema. Los fondos son del propio museo y de las colecciones de la Bibliothèque nationale de France, de The J. Paul Gettty Museum de Los Ángeles, del Victoria and Albert Museum de Londres o de la Société française de photographie de París. Entre las pinturas se pueden ver obras significativas de Manet del Metropolitan Museum of Art de Nueva York, de Bazille del Musée d’Orsay de París, de Monet del Musée Marmottan Monet de París y de la Fondation Beyeler de Basilea, o de Degas de Los Angeles County Museum of Art, así como de las colecciones privadas de Henry y Rose Pearlman o de Ann y Gordon Getty.

Pocas veces tendremos la oportunidad de analizar tan a fondo y directamente la doble visión de la realidad. Lo único es que es imprescindible hacerse con la audioguía o comprar el excelente catálogo para comprender todo lo que estamos viendo. Hay muy pocos textos a lo largo de la sala y un visitante novel se puede perder fácilmente y convertirse en un adolescente perdido por las salas.

El agua

Además de los maestros del impresionismo, más o menos conocidos, hay numerosos fotógrafos que han grabado su nombre en la historia del arte con la misma intensidad que los pintores. Pero no son tan reconocidos. Gustave Le Gray, Félix Nadar, Eugene Atget, Henri Le Secq, Louis Jacques Mandé Daguerre, Muybridge, André Adolphe Eugène Disdéri... son los autores de los primeros tiempos que están en el Olimpo de la imagen. Y en ningún momento vemos información sobre ellos.

Es una exposición que se disfruta más en una segunda visita, o después de leer los textos del catálogo. Y por supuesto con guía... Si quieres descubrir la relación por ti mismo puedes terminar defraudado, a no ser que miremos los cuadros con otra mirada. Una mirada en la que veremos cómo los pintores se empezaron a fijar en el instante detenido por el obturador de la cámara.

El retrato

Los impresionistas, ante la avalancha de imágenes realistas, probaron nuevas formas de representación. La luz pasó de ser una percepción capaz de cambiar las formas. La fotografía captó momentos nunca vistos, expresiones y poses corporales imposibles que los pintores pudieron trasladar a los lienzos. Se olvidaron de las expresiones forzadas y captaron detalles que solo se veían en las fotografías. Incluso cambiaron los puntos de vista, la visión frontal a la que estaban acostumbrados.

La exposición en el Thyssen

A lo largo de las nueve salas recorreremos nueve temas que compartieron la fotografía y la corriente impresionista: El bosque, Figuras en el paisaje, El agua, En el campo, Los monumentos, La ciudad, El retrato, El cuerpo y El archivo.

Así veremos que los fotógrafos y pintores compartieron el bosque de Fontainebleau, apenas a una hora en tren de París. Los fotógrafos enseñaron a encuadrar una parte para representar el todo. Las fotografías familiares mostraron a los pintores que cuando estamos con la gente que queremos nos comportamos de otra forma, que no estamos posando para la eternidad, sino que somos conscientes de la felicidad, y eso se nota en la forma de mirar y colocarnos.

El cuerpo

El agua, las olas, se puede congelar. Ya no es una masa sin forma y las fotografías de Gustave Le Gray, que en aquella época ya hacía fotomontajes, fue una fuente de inspiración para muchos maestros del pincel. Los monumentos merecen ser recordados; y no hace falta mostrarlos grandiosos, como reflejo de otra época. Los pintores empezaron a ser conscientes, más que nunca, de la forma en la que la luz cambia nuestra percepción. No es lo mismo el sol de la mañana que el de la tarde de verano.

Y qué decir de los retratos, de los desnudos. Ya no necesitaban estar con el modelo. Ya no es necesaria la observación directa. Y gracias a la congelación del movimiento Degas, gran aficionado a la fotografía, pudo pintar y esculpir como nadie a sus bailarinas. Y Delacroix llegó a contratar a fotógrafos para tener apuntes realistas que usaría más tarde para sus óleos.

El retrato

Como podéis imaginar, esta exposición nos descubre muchas cosas. Sería imposible recopilarlas todas en un único artículo. Y es una ocasión única para entender el camino de la pintura. Es verdad que en la exposición falta mucha información. Pero después de leer el catálogo, o si vamos acompañados de un experto, la segunda vez que la veamos empezaremos a entenderlo todo. Y sabremos que podemos ver hasta un daguerrotipo del mismo Daguerre de 1839, una obra única, por poner solo un ejemplo de los muchos interesantes que encontraremos desde el campo del a fotografía. Y probablemente puede que cambie hasta nuestro estilo.

• 'Los impresionistas y la fotografía'
• Museo Nacional Thyssen Bornesmisza
• Del 15 de octubre de 2019 hasta el 26 de enero de 2020
• Entrada general: 13 €

En los comienzos de la fotografía, el poder copiar la realidad mediante una exposición llevó a discusiones entre la comunidad artística sobre lo que la fotografía aportaba al arte. Discusión que fue sellada a comienzos de 1900 cuando se exhibieron las primeras fotografías en galerías de arte. Sin embargo, la fotografía siempre tuvo inspiración en una de sus artes madres, la pintura. El estudio y la emulación de este arte a través de la fotografía es una práctica que nos ayuda a los fotógrafos a mejorar nuestro estilo y nuestra técnica.

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Los archivos fotográficos perdidos que nos sirven para no olvidar

Luz y forma

Es muy probable que varios de nosotros tuvimos que acercarnos a emular trabajos de pintores clásicos como Caravaggio, Velázquez o Rembrandt durante nuestras épocas de estudiantes. Parte de estos ejercicios busca entender cómo iluminar una escena, en ocasiones entendiendo que en la pintura se puede dar la libertad de tener fuentes inexistentes que parecen naturales a la escena por el manejo de dirección y calidad de luz sobre un personaje.

Esta es la primera lección valiosa que conseguimos al emular otras artes. Aprendemos a comprender mejor nuestras fuentes, nuestros accesorios, el valor de un rebote positivo o negativo. Nuestra profesión se trata sobre la luz y es importante dominarla. Un gran ejemplo de este hermoso trabajo es el del fotógrafo Richard Tuschman y sus emulaciones de cuadros de Edward Hopper.

A su vez, la pintura nos impone más retos: Colores, texturas, figuras y formas. Es aquí cuando lo más interesante de estos ejercicios llega ante nosotros: experimentar con la puesta en escena.

Si no contamos con vestuarios clásicos siempre habrá formas de conseguir materiales inusuales que se acerquen a la textura, que cuenten con colores similares y, si la creatividad y las manualidades van de la mano, podemos buscar ir hacia algún tipo de trabajo como el de Suzanne Jongmans.

Está claro que no todos debemos realizar emulaciones que definen nuestro trabajo a futuro. Pero este tipo de exploraciones de puesta nos enseñan sobre las propiedades de los distintos materiales, de su interacción con las luces que ponemos, cómo se complementan los colores, la composición e incluso el casting.

Incluso, estos trabajos pueden convertirse en pequeñas obsesiones. Series que tienen un significado más allá de la exploración pictórica. Tal como fue el caso para Hendrik Kerstens.

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El mar, el tiempo y una pequeña obsesión creada por Hiroshi Sugimoto

Su serie ‘Paula’ viene tras renunciar a su trabajo, buscar su identidad de la fotografía y el fotografiar a su hija durante más de quince años. Un acercamiento pictorico que tiene una gran inspiración de composición en las obras de Vermeer, pero cuyo transfondo es el de su relación con su hija, a pesar de capturas que por el contrario reflejan lejanía y voyerismo.

Explorar el mundo pictórico es de gran valor para nuestro desarrollo fotográfico. Tal vez no hay que quedarse solo en la pintura clásica. El cómic, la ilustración, la animación y otros artes están a la mano para ser emulados a través del objetivo.

Que la relación de los pintores con la fotografía viene de muy atrás es algo de lo que ya hemos hablado en otras ocasiones, pero poder ver las fotografías que realizaron algunos de los artistas más universales ya es otro cantar. Y eso es justo lo que ofrece ‘The Experimental Self Edvard Munch's Photography’, una exposición abierta hasta el cinco de marzo siete de abril (en Nueva York, eso sí), en el que se expone la sorprendente obra fotográfica de Munch (1863-1944), el artista noruego universalmente conocido por su obra “El Grito”.

Autoretrato de Edvard Munch ‘à la Marat,’ junto a una bañera en la clínica del Dr. Jacobson (1908-09). Foto de Edvard Munch por cortesía del Museo Munch

Sin duda una obra icónica que todos conoceréis y que se aleja mucho del realismo fotográfico. Por eso, como era de esperar, el pintor llevó la fotografía a su terreno utilizándola como medio de experimentación. En las imágenes y los escasos vídeos realizados por el propio Munch se puede observar como utilizó la cámara como un medio expresivo más, explotando sus posibilidades y jugando con prácticas “defectuosas”, como la distorsión, la trepidación, los ángulos de cámara más excéntricos y otros “errores” fotográficos. También es curioso observar como él mismo fue protagonista de muchas de sus fotos, así como su entorno más cercano al que retrató de una forma que ahora se nos antoja poética.

Autoretrato junto al ama de llaves (Warnemünde, 1907). Foto de Edvard Munch por cortesía del Museo Munch

Todo ello se puede ver en las aproximadamente 50 copias impresas y algunas películas (más algunos grabados seleccionados) que recoge esta exposición inédita en América, que se puede visitar en la Scandinavian House (el centro nórdico sito en la gran manzana). La exposición coincide con otra muestra dedicada al pintor en el Metropolitan de Nueva York y ha sido organizada por la American-Scandinavian Foundation en asociación con el Museo Munch de Oslo (Noruega) que es quien ha prestado los fondos que se muestran.

Retrato de ‘Fips’, el perro de Munch (1930). Foto de Edvard Munch por cortesía del Museo Munch

Pinturas en su estudio invernal en Ekely (1931-32). Foto de Edvard Munch por cortesía del Museo Munch

Edvard Munch con Rosa Meissner en Warnemünde (1907). Foto de Edvard Munch por cortesía del Museo Munch

Autoretrato de Munch en un interior en Åsgårdstrand (1904). Foto de Edvard Munch por cortesía del Museo Munch

‘The Experimental Self Edvard Munch's Photography’

Hasta el siete de abril de 2018

Entrada libre

Scandinavia house

58 Park Avenue

Manhattan, Nueva York (EE.UU)

www.scandinaviahouse.org

En Xataka Foto | ‘Instant Stories: Wim Wenders’ Polaroids’, una oportunidad para conocer la faceta fotográfica más íntima del cineasta

Foto de portada | Autoretrato de Munch con gafas y sentado ante dos acuarelas en Ekely (1930). Foto de Edvard Munch por cortesía del Museo Munch

Portfolio Natural es un colectivo de fotógrafos de naturaleza con una amplia trayectoria, más de trece años apoyando la fotografía de autor y ahora presentan un nuevo proyecto, Pictio, que utiliza técnicas mixtas de fotografía y pintura.

El debate entre academicistas y pictorialistas dio lugar al desarrollo de corrientes dentro de la fotografía de los defensores del purismo y los que asumían que su evolución expresiva solo sería posible si se manipulaban las imágenes. Esta brecha entre la manipulación y el purismo sigue vigente en nuestros días, con defensores radicales a ambos extremos.

Abstracción Enrique F.Ferra. Cortesía de Portfolio Natural.

La intervención fotográfica propone dotar a la fotografía de los recursos conquistados por otras disciplinas, en este caso la pintura, para que los autores puedan crear y expresar con la mayor libertad posible.

Pintura Romantica Luis Gil. Cortesía de Portfolio Natural.

El proyecto Pictio ha hecho una rigurosa selección de imágenes clasificándolas en siete movimientos pictóricos: Impresionismo, Expresionismo abstracto, Minimalismo, Abstracto, Surrealismo, Pintura Romántica y Simbolismo que resumen en gran parte los lenguajes utilizados por los artistas a lo largo de la historia del arte para expresarse.

La selección de imágenes se compila en la edición de un catálogo compuesto por 56 fotografías, dos por autor, en 80 páginas y que el colectivo Portfolio Natural ha puesto a la venta por 12,50 euros.

Más info | Portfolio Natural

Joaquín Sorolla es uno de los pintores españoles más importantes del siglo XX. Su forma de reflejar la luz a través de la pintura es uno de los hitos de la historia del arte. Pero lo que poca gente sabe es la importante relación que tuvo con la fotografía el pintor valenciano. Si nos detenemos a contemplar sus cuadros veremos que es poco menos que evidente.

En Madrid está uno de los museos más importantes del mundo, el museo del Prado. Y tenemos más joyas únicas como el Thyssen o el Reina Sofia, que alberga el cuadro más importante del siglo XX, el Guernica de Picasso, del que hablaremos más adelante en un futuro artículo. Pero no solo de estos tres museos vive la ciudad. Tenemos algunos más desconocidos que bien merecen una visita (y por supuesto no estoy hablando del museo del Jamón o del museo del Real Madrid). Una de las maravillas es el museo Sorolla, en la que fue la casa y estudio del pintor valenciano a lo largo de gran parte de su vida.

Y dentro del museo veremos alguno de los cuadros más importantes del pintor, sus referencias, su forma de vida y sobre todo la luz de su estudio. Es un lugar que todo fotógrafo debería visitar en santa peregrinación para conocer la luz que debería inundar todos los estudios que se precien.

Museo Sorolla de Fernando Sánchez

Y si somos observadores al ver sus cuadros, notaremos algo que solo los fotógrafos somos capaces de ver. Muchos se desmarcan de todo lo visto hasta entonces. La gente salta, tiene posturas invisibles para el ojo humano e incluso en ellos llegamos a ver una Brownie... La relación de Sorolla con la fotografía es más que evidente. Como veremos a lo largo del artículo, el gran pintor conoció muy de cerca el mundo de la luz.

La relación de Joaquin Sorolla con la fotografía

Joaquín Sorolla nació en 1863 en Valencia. Murió en 1923 en un pueblo de la comunidad de Madrid, Cercedilla. A los dos años sus padres murieron víctimas del cólera. Se crió con sus tíos. Y desde muy pequeño manifestó su inclinación por el mundo de las bellas artes. Pero su realción con la fotografía siempre ha estado muy discutida. Como podemos leer en la fabulosa tesis de Roberto Díaz Pena en boca de Tomás Llorens:

Pero el impacto más poderoso, el que afectará más profundamente a los pintores de impronta naturalista será el de la fotografía. Será la fotografía la que les enseñará a todos, desde Degas hasta Sorolla, a ver cosas que el pintor del pasado no está capacitado para ver: como mueven sus patas los caballos cuando corren, cómo nos movemos, brazo y ojos, para hacer un brindis, cómo cambiamos de expresión, cómo se separan la luz y la sombra en nuestro rostro. La fotografía enseñará sobre todo a disolver el vínculo ancestral que en el mundo antiguo unía la imagen con lo sagrado. A profanar la imagen.

Muy joven entró en contacto con Antonio García, uno de los fotógrafos más importantes de Valencia, en cuyo estudio se dedicaba a iluminar los negativos (realmente es el antepasado de los maestros del Photoshop). Llegó tan lejos la relación, y la fe del fotógrafo en el joven maestro, que el pintor llegó a casarse con la hija del fotógrafo, Clotilde, y fue el gran amor de su vida. Su mentor pasó a ser su suegro, y fue tan buena la relación, que le realizó algunos de los mejores retratos que se conservan del genio.

Retrato de Antonio García

Sin embargo, esta relación entre la fotografía y la pintura dio lugar a uno de los mayores problemas a los que se enfrentó Sorolla, cuando ya era un pintor de éxito con exposiciones en París, Berlín, Londres y Nueva York. Muchos de sus críticos (España es el país de la envidia) llegaron a decir que estábamos ante un mero ilustrador por el mero hecho de aprovechar las virtudes y posibilidades de la fotografía.

Este hecho ha impedido que se reconozca la influencia de la fotografía en la pintura y cómo los pintores se sirvieron de ella:

Hay algunos ejemplos de archivos fotográficos de artistas que han sido ocultados o han desaparecido debido a la negligencia de sus herederos, siendo uno de los más significativos el caso del artista Gustave Moreau, cuyo archivo fotográfico fue ocultado por la fiel secretaria de Moreau, Henri Rupp hasta que recientemente los historiadores del arte lo han sacado a la luz. En otros casos la irremediable pérdida ha imposibilitado su estudio como en el caso del archivo fotográfico de Camille Corot. Respecto a Sorolla cabe destacar la importancia de la pérdida de gran parte del material fotográfico de su suegro, el fotógrafo valenciano Antonio García Peris, el cual posiblemente arrojase aun más luz respecto a la relación de Sorolla y la fotografía.

Pero es algo que no se puede negar al contemplar sus cuadros. Hace falta una mano maestra para deslizar el pincel por el lienzo y combinar los colores de tan acertada forma, pero hay instantes que son imposibles de pintar si no los has congelado antes con la ayuda de una cámara fotográfica. No podemos olvidar que hizo más de 2000 pinturas. Si en todas ellas tuvo que tomar apuntes del natural sin apoyo alguno hubiera sido imposible que tuviera algún tipo de vida social. Y realmente tuvo la suerte de disfrutar de la vida, tal como certifican las miles de fotografías de los fondos del museo.

La fotografía en los cuadros

No estoy diciendo en ningún caso que Sorolla tomará las fotos para convertirlas en pintura. Esa sería una afirmación aventurera y falsa. Como gran maestro, al igual que los genios renacentistas de Hockney, utilizó las propiedades de la imagen sacada de la cámara oscura para hacer los estudios de proporciones, profundidad de campo y demás para plasmar mejor su forma de ver en sus óleos. Pero donde mejor se puede ver esta relación es en el movimiento de sus figuras.

Joaquín Sorolla

Dentro del museo podemos ver un cuadro en el que observamos a unas niñas jugando en el parque. Ese instante es imposible captarlo con todo el detalle con una sesión. O uno de sus cuadros menos conocidos, que está en el museo de Bellas Artes de Asturias, Niños corriendo por la playa, detiene en el aire a un niño corriendo por la orilla. Esos instantes se perderían como lágrimas en la lluvia (que referencia más cinematográfica) si alguien no las hubiera fotografiado para luego pasarlas al lienzo.

La fotografía enseñó una nueva forma de ver las cosas. Siempre se habla de las escopeta fotográfica de Eadweard Muybridge que fue capaz de descubrir que el caballo al galopar tenía las cuatro patas en el aire en alguno de los momentos. Pero en cierta manera liberó a la pintura del realismo que muchos no han abandonado. Posibilitó nuevos puntos de vista y una contemplación del espacio/tiempo que nunca antes había sido posible. Como dijo Roland Barthes, la pintura desarrolló la conciencia de estar ahí, pero la fotografía posibilitó la conciencia de haber estado ahí. El tiempo se podía detener de otra forma. Ya se puede jugar con él. Y eso es lo que hizo Joaquin Sorolla en muchos de sus cuadros alejados de los cánones clásicos.

Como dato curioso, señalar que Sorolla es quizás el primer pintor que dibujó con sus pinceles una cámara de fotos para aficionados, la popular Kodak Brownie, esa que desató la manida frase que ahora se vuelve a repetir: Usted dispare que nosotros hacemos el resto.

Joaquín Sorolla

Y durante todo el verano podemos ver en el mismo museo Sorolla una exposición que muestra parte del archivo fotográfico del pintor: Sorolla en su paraíso. Álbum fotográfico del pintor, con obras de grandes fotógrafos y amigos de la época: Antonio García, Christian Franzen, Alfonso, Campúa, Guillem Bestard, González Ragel y Venancio Gombau. Una ocasión inmejorable para profundizar en un tema que no deja de asombrar.

En Xataka Foto| Siete maestros de la pintura para inspirarte en tus fotos

David Hockney (1937) es uno de los grandes pintores de la actualidad. Es uno de los grandes innovadores del mundo de la pintura. Hoy en día reconoce sin tapujos que pinta con la ayuda de una tablet. En 2001 publicó "El conocimiento secreto: El redescubrimiento de las técnicas perdidas de los grandes maestros" donde demuestra que, a partir del siglo XV, los maestros pintaban con ayuda de la cámara oscura.

Es una teoría alocada, casi tanto como su aspecto pop. Y por ello desgraciadamente tenida muy poco en cuenta en los prestigiosos círculos académicos. Nada más publicarse el libro (y el documental homónimo) se reunieron 25 eruditos en Nueva York para debatir la interesante propuesta del pintor inglés. Y aunque tiene una base científica, y contó con el apoyo de Charles Falco (profesor universitario de de la Universidad de Arizona), pocas veces la verás reflejada en los libros.

No podemos olvidar que David Hockney es un hombre humanista, es decir, domina muchas manifestaciones artísticas, y entre ellas está la fotografía. Muchos recordamos sus joiners, esos collages fotográficos con la intención de dar una segunda oportunidad al cubismo picassiano con la ayuda de una Polaroid. Es un hombre que sabe y mucho de óptica y perspectiva fotográfica.

La teoría de David Hockney

No es fácil encontrar hoy en día el citado libro de este maestro. A lo mejor en las librerías de viejo, en las estanterías del fondo se encuentre algún ejemplar lleno de polvo. Yo lo vi en su momento, pero nunca lo compré, ni leí. Y me arrepiento. Sí he tenido la suerte de ver el documental. Y me consta que lo podemos encontrar buscando un poco por Internet.

Fotografía que aparece en la portada del libro

El conocimiento secreto no trata sólo de las técnicas perdidas de los grandes maestros. También trata del presente y del futuro. Nos habla de cómo vemos, arreglamos y construimos imágenes hoy en día en una época de manipulación informática. A través de una búsqueda constante, cuestionando las ideas y la práctica heredadas, y sin dar nada por supuesto, Hockney nos abre los ojos y nos hace ser conscientes de la manera en que percibimos y representamos el mundo.

La teoría de David Hockney es sencilla: Explica el ingenio de los maestros pintores desde el Siglo XIV y nos sitúa a nosotros, los fotógrafos, en un punto dulce. En cierta manera reconforta descubrir que desde Van Eyck, hasta llegar a Vermeer o Canaletto, todos se sirvieron de la óptica y la cámara oscura para crear sus obras inmortales.

Ellos no calcaban, como bien defiende el propio Hockney, pero tenían ayudas para la perspectiva y el detalle de sus increíbles e influyentes cuadros. La cámara oscura y otros artilugios eran meras herramientas para alcanzar la perfección. Os puedo prometer que hacer el famoso cuadro del Matrimonio Arnolfini es imposible por mucha cámara oscura que uses si no tienes la mano del maestro. Pero es verdad que facilita la labor a quien tenga el don.

Yo puedo tener las mismas zapatillas que Usain Bolt, e incluso tener los mismos estudios biomecánicos que él, pero jamás alcanzaría sus marcas. A esto me refiero. Esta teoría no supone desprestigio alguno, sino que explica cómo, a partir de 1450, los pintores del norte revolucionaron la técnica para mejorar su representación de la realidad.

¿Y qué tiene que ver esto con la fotografía?

Que los pintores utilizaran instrumentos ópticos para crear sus obras maestras demuestra que la historia de la pintura es la prehistoria de la fotografía. Ni más ni menos. Son lenguajes distintos, pero tienen la misma cuna. Siempre se dice que la bella historia de la caverna de Platón es la primera referencia a la fotografía. Pero si vemos con otros ojos los cuadros de los maestros renacentistas del norte de Europa, podemos decir sin vergüenza que ahí están los antepasados de los grandes retratistas del siglo XX como Richard Avedon o Irving Penn.

Retrato del matrimonio Arnolfini reproducido por Mario Solera

Y que la fotografía no data del Siglo XIX. Ya en el XV un creador de imágenes sintió la necesidad de reflejar con más precisión la realidad que le rodeaba. Como era incapaz de fijarla por medios químicos, empleó la pintura de su taller. Y esto lo conservó en secreto, como con la alquimia.

Pero esos autorretratos que llenan las paredes sagradas de los museos salieron de la mente de aquellos genios a través de una cámara oscura, el espacio negro que toda cámara que se precie tiene en su interior para formar una imagen perfecta de la realidad. Y es un hermanamiento entre la pintura y la fotografía.

En Xataka Foto| Siete maestros de la pintura para inspirarte en tus fotos

Foto de portada | Detalle del matrimonio Arnolfini de Jan van Eyck

La actividad de Adobe durante los últimos días en su canal de Youtube revela algunos detalles de los proyectos en los que está trabajando y que verán la luz en un futuro (esperamos) no muy lejano.

Se trata de tres proyectos que prometen diversión y una nueva forma de trabajar que pueden ahorrar mucho trabajo si no se quedan en simples propuestas de ocio.

Un pinta caras prometedor

Se trata de una aplicación que nos permitirá pintar sobre la imagen de una persona, después mezcla la pintura con la imagen teniendo en cuenta la iluminación para dotarla de mayor realismo.

Podremos mover ligeramente la cara y el programa reinterpretará lo que dibujemos para que las figuras se adapten a la forma del rostro.

El asistente de voz de Adobe

Ya son bastante familiares entre el público en general los asistentes de voz como Siri o Cortana, se sabe que Google está mejorando el suyo y que Samsung piensa implementarlo en el próximo S8.

Así que no es de extrañar que Adobe nos proponga una nueva manera de trabajar con nuestras fotos, de momento el vídeo no nos muestra espectaculares opciones, pero este puede ser el comienzo de una serie de novedades muy prometedoras.

Escultura 3D

Photoshop ya lleva tiempo ofreciendo la posibilidad de crear objetos en 3D, pero si no era muy popular seguramente esta herramienta le dará el empujón que necesitaba.

Se trata de una herramienta de escultura interactiva para Photoshop, que permite a un artista o a un diseñador utilizar herramientas familiares de Photoshop para esculpir objetos 3D.

Aún no sabemos cuando podremos ver si todo será tan fácil y funcionará tan bien como se muestra en los vídeos, pero estaremos pendientes.