El retoque de un retrato es una tarea compleja porque debemos lidiar tanto con el color y el contraste así como con la corrección de pequeñas imperfecciones, convirtiéndose en una de las tareas que más tiempo requiere para realizarlo de forma correcta. El color es uno de los aspectos más críticos ya que debemos trabajarlo de forma realista sin generar una piel de plástico así que hoy veremos tres formas para retocarla de forma que quede lo más homogénea posible respetando todos sus matices.

Capa de pintura plana

Una de las opciones más usadas en el caso de las ojeras o las zonas con un fuerte color dominante como es el azul es el uso de capas de pintura plana o color sólido. Para ello, seleccionamos el pincel y con una opacidad 10% y flujo 100% seleccionamos un color adyacente que nos guste y pintamos directamente encima de la ojera. Aunque vamos a cargarnos un poco la textura de esa zona de la piel, la ojera desaparecerá sin mayor problema, pudiendo regular la cantidad de cobertura a través de la opacidad de la capa.

Modos de fusión: 'Color'

Los últimos modos de fusión como 'Color', 'Saturación' o 'Luminosidad' son especialmente útiles para retocar el color de nuestras fotografías porque a través del color de origen y el color de fusión podemos elegir perfectamente qué tonos modificar.

El más útil en mi opinión es el modo 'Color', con el que tan sólo debemos elegir un tono medio de piel que nos guste con el cuentagotas y pintando encima de las ojeras o la cara, nos ayudará a igualar el tono de piel preservando el contraste entre luces y sombras del origen. El modo 'Saturación' nos permite, en este caso, elegir un color del que se tomará el valor de saturación pero conservándose el tono y el contraste de la imagen base. En el modo 'Luminosidad', por último, se conserva el tono y la saturación del color base pero se aplica la luminosidad del color que nosotros escojamos.

En cualquier caso, lo mejor con estos modos es experimentar para conocer los usos que podemos darle a los modos de fusión.

'Corrección selectiva' y 'Tono/Saturación'

Las capas de ajuste no se libran de este 'ranking' y en este caso hablamos de 'corrección selectiva' y 'tono/saturación'. Concretamente, la 'Corrección selectiva' nos permite editar los tonos que escojamos (rojos, azules, verdes, amarillos...) de toda al fotografía para conseguir que el color contaminado vaya a su sitio mediante cuatro sliders CMYK. Esto quiere decir que si tenemos mucha densidad de rojos podemos hacer que viren un poco hacia el cyan o podemos darles una ligera luminosidad con el slider negro si se han quedado demasiado oscuros.

Con 'Tono/Saturación' tenemos más o menos una herramienta similar aunque menos elástica en el sentido en que solo podremos virar el tono que seleccionemos hacia los inmediatamente próximos, que en el caso de los rojos sería el amarillo el magenta. En cualquier caso, es una herramienta básica de edición del contraste y la luminosidad de un tono específico muy fácil de usar para retocadores novatos, por lo que merece la pena tenerla en cuenta.

Y esto ha sido todo chicos, ¿tenéis algún truco de retoque de retratos que quieras compartir con todos nosotros? No dudes en dejarlo en la caja de comentarios.

Picturesqe es un programa relativamente novedoso que se centra en una etapa importantísima de la postproducción fotográfica que es ayudarnos a elegir y filtrar las mejores fotos de una sesión. Funciona a través de parámetros técnicos para ayudarnos a encontrar filtrar las fotos trepidadas, nos ordena las fotografías analizando los colores y los volúmenes de cada imagen y nos ayuda a descartar las que no nos interesan comparándolas.

Picturesqe es un programa que a través de un motor de análisis de imagen es capaz de indicarnos las mejores fotografías de una sesión. Puede sonar muy ambicioso, pero realmente lo que nos indica es que las fotografías tienen buena calidad técnica y nos califica de forma desfavorable las que están desenfocadas o no tienen una exposición correcta. Es decir, que a través de su motor detectará y calificará las malas fotografías para que nos demos cuenta de que esa fotografía tiene pocas probabilidades de pasar un primer filtrado técnico.

Importación, Selección y Exportación

Importación

Básicamente funciona de forma muy simple: se importan las fotografías de forma local, es decir, se crea una copia de tus fotografías en Picturesqe y se analizan. Según el volumen de fotografías, es posible que el primer paso tarde varios minutos.

Selección

En el segundo modulo llamado 'Select', tenemos un mosaico con todas las fotografías y una barra lateral que nos recita los detalles técnicos de las fotografías conforme las vamos pasando. Si dos fotografías se parecen mucho, el programa las agrupa porque entiende que hemos hecho varias tomas de una misma situación con pequeñas variaciones por lo que nos las agrupa para elegir la definitiva.

Si seleccionamos un grupo, podemos entrar para ver las comparaciones y cuando realizamos zoom con la rueda del raton, las fotografias sincronizan el zoom hasta el 200% para que veamos la misma porción en todas las fotografías.

Exportación

Tras la selección y el descarte de fotos, podemos exportar las fotografías en su archivo original, en JPGs o pasar la colección de fotos a Adobe Lightroom. Las opciones no son muchas y hay muy poco control sobre el cómo se exportan los archivos.

Premisas buenas, pero poco exploradas

En mi opinión, el programa tiene premisas muy buenas. El agrupamiento de fotografías muy parecidas es una idea genial, pero falla en que aún no está pulido ni ampliado lo suficiente más que para ser un plugin de Lightroom, no un programa independiente.

Para quien no quiera dejar sus programas habituales, Lightroom o Capture One ya cuentan con herramientas como las Colecciones o los Álbumes que nos permiten organizar bastante eficientemente nuestras fotografías antes que usar un programa dedicado a este propósito.

Quien quiera probarlo puede hacerlo a través de su sitio oficial a través de una versión de prueba y quedárselo por 10 dólares al mes, 15 al trimestre o 40 al año.

Sitio Oficial | Picturesqe

Brooke Shaden es una jóven fotógrafa de 29 años nacida en Pensilvania, que pese a su corta edad cuenta con un éxito inagotable que le lleva a exponer con gran frecuencia en galerías de Estados Unidos y a contar ya con su tercer libro publicado. Te mostramos su trabajo.

La filosofía de trabajo de Shaden es sencilla. Le gusta la fotografía por su ilimitada posibilidad para crear mundos de fantasía que le gustaría habitar, y si para conseguir crearlos hace falta un post procesado de la imagen que en muchos casos, requiere de más trabajo que la propia toma, no hay ningún problema.

Cuenta con cientos de miles de seguidores que no solo están enamorados de su particular estética, que en ocasiones nos recuerda a viejas películas como Viaje a la Luna de los Hermanos Lumiere o al diseño de arte del álbum musical Mellon Collie and the Infinite Sadness de la banda Smashing Pumpkins, sino que su transparencia a la hora de mostrarnos como trabaja a través de videotutoriales la ha convertido para muchos fotógrafos en una maestra.

Shaden dice que su trabajo no responde a mayor motivación que la estética por la estética, negando cualquier carga autobiográfica o personal, aunque lo cierto es que la naturaleza, elemento que estuvo presente en su vida durante toda su infancia, es una constante en su trabajo, además de una serie de motivos recurrentes como el intento de escapada o de quebrar las ataduras, algo probablemente responda a situaciones vitales de la artista.

Si andáis por Estados Unidos el próximo mes de septiembre, Shaden realizará junto a otros artistas una serie de charlas motivacionales para artistas y fotógrafos.

Web oficial | Brook Shaden

Instagram | Facebook | Flickr

Puede que a muchos de vosotros no os suene el nombre de Joan Roig, pero por sus pupilas han pasado los trabajos del fotógrafo mallorquín Pep Bonet y ha sido el responsable de la colorimetría del último videoclip de Motorhead. Tenemos una larga entrevista con él en la que hablamos sobre los vicios y virtudes de la siempre polémica postrpoducción de la imagen y conocemos el nuevo proyecto en el que anda inmerso: Cromagnon TV.

Cuando se habla de fotografía, se suele acabar hablando del ojo del fotógrafo como el creador de la imagen y pocas veces se tiene en cuenta la edición posterior de la fotografía como elemento base para el resultado de la fotografía final. Este proceso de edición se tiene en un segundo plano, ¿a qué crees qué se debe?

Una mala foto con un buen retoque sigue siendo una mala foto… con un color más limpio o bonito, pero al fin y al cabo una mala foto. En principio en el sector todos nos conocemos y todo el mundo sabe quién realiza cada función. En mi opinión el retocador, en sectores no publicitarios, es una mera herramienta que se encarga de transmitir las instrucciones del fotógrafo. Evidentemente hay trabajos que tienen una carga más fuerte de retoque por su estilo, pero en mi opinión en el sector de reportaje no debe tener ningún tipo de relevancia quién lo ejecuta.

Trabajas en la postproducción de imágenes y desde hace poco tiempo te has sumado al vídeo. Se puede decir que te dedicas exclusivamente a este proceso dentro de un proyecto fotográfico. ¿Una figura como la tuya es común en España dentro del ámbito fotográfico o la norma es que sean los propios fotógrafos los que generalmente retoquen sus imágenes? ¿y fuera de España?

La figura del retocador es una evolución del elaborante en laboratorio o cuarto oscuro y ha existido desde los inicios de la fotografía. Había fotógrafos que requerían de sus servicios por conceptos cualitativos, o bien por cuestiones de tiempo o porque el presupuesto lo permitía. En cambio, otros eran además de grandes fotógrafos grandísimos elaborantes y se gestionaban ellos mismos sus revelados o ampliaciones.

Personalmente he experimentado en cierta forma esa evolución, empezando de pequeño en la imprenta familiar, después retocando para fotógrafos, la docencia y actualmente estoy centrado al 100% en el nuevo estudio de etalonaje Cromagnon.tv.

La conclusión que saco, es que hay algunos fotógrafos de reportaje que quieren realizar todo el proceso, porque saben lo que quieren y tiene calidad suficiente en disparo y post-producción para conseguir el resultado final. Otros, lo hacen por ahorrar aunque tengan limitaciones técnicas. Otros, no tienen limitaciones técnicas pero consideran que deben invertir mejor ese tiempo en vender el reportaje que en ajustar el color. Y por último están los que consideran que no se puede ser especialista en todo y delegan funciones a gente especializada. Todo esto en definitiva parte de tener trabajos bien remunerados, en España eso es complicado. Fuera de nuestras fronteras la fotografía tiene otro valor, se la considera parte de la memoria de una sociedad y las instituciones y entidades privadas invierten en su elaboración y difusión.

Este último año he visto que en el video hay más sensación de grupo, la fotografía documental por cuestiones obvias es más individualista. El video al necesitar una persona encargada del audio, un montador, un colorista, director de fotografía, etc… la especialización de cada uno de los campos es prácticamente imprescindible.

¿Crees que posees un estilo o señas de identidad, o eres capaz de adaptarte a la demanda estética de tus clientes?

Al fin y al cabo el uso repetitivo de unas mismas herramientas puede dejar entrever un mismo estilo, sin duda. Personalmente intento evitar repetir patrones en el retoque, digamos que a cada proyecto le creo un sistema específico de retoque acorde con sus necesidades, también evito la aplicación de acciones a la hora de retocar. Creo que el uso de ellas puede dar un aire de similitud entre diferentes proyectos y la pérdida de análisis en cada imagen.

Cuando estaba empezando a retocar los trabajos de Pep Bonet, siempre intentábamos que un nuevo reportaje fuese diferente al anterior, él, en el disparo y yo en retoque, supongo que a veces no lo conseguimos, pero la intención siempre estuvo. Esa actitud te da más frescura y no te encasillas tanto. Evidentemente muchos de los reportajes que he retocado en el pasado ahora se ven muy densos o con los negros muy reventados… al fin y al cabo era la tendencia en ese momento. Por ejemplo: Hace unos años que la clave alta está bastante a la orden del día, también en algunos entornos las imágenes tienden a ser planas, un exceso de volumen o contraste le quita una supuesta veracidad,… todo son tendencias que marca el mercado y que evidentemente nosotros en cierta forma acabamos siguiendo.

Entendemos que la postproducción que se le da a un proyecto fotográfico es una decisión más, al igual que el tipo de objetivos que se utilizan, encuadres, estilo de fotografía etc. Sin embargo, existe una asociación clarísima entre postproducción y manipulación entre la mayoría de los consumidores de imagen e incluso para el jurado del World Press Photo.

¿Crees que se debe a un extendido mal retoque fotográfico por parte de muchos fotógrafos que ha conseguido asociar postproducción con manipulación?

Yo creo, que gran parte de ese problema se ha generado por la ausencia de unas bases realistas en su inicio que lo gestionaran, también, que mucha gente confunde estilo con manipulación como bien dices. No soy muy de discernir sobre estos temas, puesto que me parece que a estas alturas ya deberían estar más que superados. Hace años si mandabas fotos con un estilo muy pronunciado a NYT o bien a NewsWeek, en encargos realizados por ellos, no te lo aceptaban.

Yo creo que el problema ha sido la lentitud de WPF que ha magnificado el tema. Si nos remontamos en la historia de la fotografía digital, podríamos decir que con la aparición de la Canon 5d en 2005 la fotografía digital se popularizó, que en 2016 tengamos aún estas discusiones me parece ridículo. El tema de la eliminación de elementos en una imagen me parece que tiene poco que discutir.

¿Cuál es tu relación con los fotógrafos con los que sueles trabajar?

En principio hay dos opciones, el fotógrafo que me manda el proyecto ya terminado con la selección final y junto a esa selección le pido unas imágenes de referencia para saber que entiende el por contraste, saturación o dominante. Y segundo, el fotógrafo con una relación de años que antes de empezar el encargo me comenta más o menos que va a hacer y cuando está en fase de producción del proyecto, directamente me manda alguna imagen para ir visualizando el posible estilo final.

Sin duda la segunda opción es la que más me motiva, puesto que te sientes más parte del proceso y eso hace que la implicación, por defecto, suba a la hora de retocar. Además de esto, también puede ayudar al fotógrafo a terminar de ver el reportaje o el planteamiento. Yo tengo la suerte de trabajar con fotógrafos de altísimo nivel que saben perfectamente que quieren y que pueden conseguir en cada momento, eso es muy enriquecedor y simplifica el proceso.

¿Se puede arreglar un proyecto fotográfico mediocre con una buena postproducción? ¿Y cargarse un buen trabajo?

Evidentemente todo se puede maquillar, pero al fin y al cabo ese tipo de trabajos no encuentran cabida en el mercado, que al final es lo interesante. Los medios publican cada día menos y esos reportajes no tendrían espacio.

Todos hemos visto trabajos en que no nos gustaba la postpo, evidentemente yo puedo haber realizado alguno. Yo creo que muchas veces nos tomamos la libertad de opinar sobre la creación de los demás. Si a una persona le gusta el efecto HDR o los negros reventados, quien soy yo para opinar que se lo ha cargado, al fin y al cabo es su estilo o el estilo que le gusta en ese momento, como mucho podría decir que ese estilo no me gusta o no lo entiendo y no perder el tiempo consumiéndolo.

¿Cuales son los vicios que ves más extendidos a la hora de retocar fotografías? ¿Y los vicios tuyos que intentas evitar?

Más que vicios lo que se ve mucho es una falta de unidad o igualado en los reportajes. También se echa en falta mucho criterio a la hora de valorar si la post-producción puede aportar al reportaje, con eso quiero decir que una cosa es lo que nos gusta en otros y otra es que le quede bien a nuestro estilo de disparo. En mi caso, en el igualado final, siempre tengo que dar un golpecito de luz en curvas porque siempre termino un poco oscuro. Quitando eso, no considero que tenga vicios que me molesten o al menos no los tengo detectados como tal.

A estas alturas, pocas cosas quedan por crear en la edición fotográfica. ¿Crees que vendrá algún cambio importante en el futuro?

Hace unos años que dirijo el Postgrado de Fotografía Digital y Postproducción 3D y soy profesor en el Graduado de Fotografía de Idep Barcelona, tengo contacto con las nuevas generaciones y vienen con un nivel de comprensión del medio muy superior al nuestro. Entienden el medio global como su standard y eso les va a dar un punto de inicio maravilloso a la hora de crear. Por ese simple motivo y por el conocimiento de más variedad de Software, nos van a dar con cucharilla. Creo que en un futuro la foto, el video, el 3d y el diseño van a fusionarse y crear conceptos visuales muy interesantes. Yo creo que ellos serán más eclécticos sin que se cuestione la ética de su trabajo.

Cuando Joan Roig no trabaja para otros, viaja y hace fotos. Tus imágenes destacan por transmitir gran paz y ser muy limpias, con una edición no muy intensa y nada cargadas en comparación con algunos trabajos que has realizado. ¿Necesitas desengancharte de tu trabajo con este tipo de fotografía? ¿Han desembocado tus fotografías en algún proyecto?

En mi caso trabajo junto a mi pareja, Maite, con el nombre ROIGLLASERA. Tenemos nuestro estilo, que evidentemente dista del de mis clientes. Nos gusta integrar a las personas dentro del espacio donde habitan, puesto que para nosotros es tan importante el sujeto como su entorno.

Técnicamente los encuadres son lo más simples posible, creemos que hay encuadres que hacen formar parte de la escena al fotógrafo e intentamos huir de eso. También intentamos reflejar lo simple y cotidiano en nuestras escenas combinando el retrato posado con los espacios. En el último proyecto, “Warm Lake”, hemos integrado vídeo y foto. Con eso queremos dar dos lecturas, la foto nos da el análisis lento de sus posturas, de sus ropas y de su entorno. El vídeo nos complementa dando ritmo al país en el que trabajamos y a su gente. Con eso queremos dar cierta objetividad a nuestro trabajo.

Para nosotros, el tener otras fuentes de ingresos que no son la venta de reportajes, nos da más libertad a la hora de realizar ciertos temas, ya que no tenemos la presión de publicarlas, aunque lo busquemos.

Eres un referente para muchos fotógrafos españoles, ya sea por tus workshops o por algunos de los talleres que ofreces online. Cada maestrillo tiene su librillo. ¿Quien tiene Joan Roig como referente a la hora de editar? ¿Y de fotografiar?

Mis referentes son muchísimos, para mi el que mejor lo plasma es Gregory Crewdson. No por su retoque en las imágenes, sino por todo lo contrario, el realiza súper producciones con una infraestructura similar a la utilizada en el cine. Cada zona tiene su iluminación ideal y eso me fascina, en el fondo eso es lo que intento hacer en el retoque, que cada zona tenga la luz que hubiese sido ideal tener en la escena.

Hay otros referentes para mí, como puede ser Stephan Vanfleteren en la fotografía de retrato en B&W. En color tengo como referentes a Joakim Eskildsen por su tratamiento de las dominantes o Bryan Schutmaat por el tempo y el ambiente que consigue en sus imágenes. Este último año lo he dedicado bastante a referentes en el cine o el documental, la verdad es que creo que podemos aprender mucho del cine, tienen un feedback más directo con el público y al verlo en gran pantalla puedes valorar realmente el efecto de todos los matices del color en sombras o altas luces, el efecto de un negro profundo pero con textura... Directores de fotografía como Robert D. Yeoman o Emmanuele Luzbeki me parece que tienen un tratamiento del color y la iluminación extraordinarios.

Tu portfolio tiene cada vez más vídeo y has fundado Cromagnon.tv para editar producciones audiovisuales. ¿Se están pasando los fotógrafos al vídeo?

No creo que se estén pasando al vídeo, sino que es otro leguaje que te da otro tipo de posibilidades narrativas. Creo que muchos de los fotógrafos que en apariencia han dado el salto, lo han hecho para seguir investigando en la narración de historias. Yo creo que hay historias que se pueden plasmar mejor en fotografía, y así debe ser, y otras en dónde puedes sacar un mayor potencial utilizando las posibilidades narrativas de la imagen en movimiento. Lo que creo que es un fallo, es hacerlo por el simple hecho de que mucha gente lo hace, eso dice bastante del poco interés que tienes en elaborar un discurso.

Personalmente desde la creación de Cromagnon.Tv, veo el retoque de fotografía de forma diferente. Al empezar a documentarme como se entiende el color y como se gestionan las herramientas que te permiten su control en cine, he asimilado y comprendido herramientas, usos o estilos que antes desconocía y que me ayudan a entender mejor la reacción de color. Al fin y al cabo foto y vídeo tienen una evidente similitud.

Siempre he considerado que un punto fuerte mío es el igualado, y eso es el etalonaje y eso es lo que hacemos en Cromagnon.tv, igualar planos para evitar saltos en contraste, saturación o dominantes. El movimiento es más difícil de controlar evidentemente, pero las bases son exactamente las mismas añadiendo algunos factores.

Estás presente prácticamente en el cierre de muchos proyectos, con su edición y posterior impresión, que también gestionas. Por lo tanto, conocerás bien como se mueven proyectos los proyectos fotográficos en el mercado. ¿Cómo ves el mercado español e internacional actualmente? ¿Qué está cambiando?

En mi caso, casi siempre he trabajado en un entorno digamos menos conceptual de la fotografía. Creo que ese sector debe sufrir una fuerte reforma o reestructuración, evidentemente los medios ya no compran reportajes, al menos como antes, cada vez hay menos ediciones impresas y los consumidores se han acostumbrado a ver esas historias en formato web con el evidente detrimento de la calidad.

Personalmente, veo más interesante el mercado conceptual, se ha sabido adaptar mejor a los tiempos actuales, el fotolibro ha potenciado ese sector y los festivales y concursos importantes cada vez van más en esa línea. Autores como Laia Abril, Aleix Plademunt, Ricardo Cases,… están buscando nuevas vías para contar sus historias. Ese tipo de historias, en cierta forma investigan en nuestra sociedad y no en sociedades o conflictos lejanos. Creo que hoy en día ese discurso tiene más proyección en el nuevo mercado.

Cromagnon TV | Web

ROIGLLASERA | Web

A la hora de editar nuestras fotografías empleamos multitud de herramientas y opciones con unos resultados que se nos muestran directamente en la pantalla y que nos dan un conocimiento aproximado de las herramientas que usamos aunque no sepamos muy bien cómo funcionan. Dos de estas herramientas básicas son los niveles y las curvas, y hoy aprenderemos por qué deberíamos relegar los niveles por las curvas, que nos ofrecen un mayor control.

La potencia sin control, no sirve de nada

Como diría aquel famoso eslógan de unos fabricantes de ruedas, disponer de una herramienta potente que no controlamos no sirve absolutamente de nada. Puede que no sepamos la diferencia entre Intensidad y Saturación, pero si son dos herramientas diferentes es por algo.

Una situación similar viven estas dos herramientas, las más famosas para corregir el contraste en una fotografía. Parece que las curvas son más complejas ya que cuantos más puntos de ancla pongamos, más difícil es controlar la curva. Estos puntos de ancla no corresponden sino a unas 'barreras', es decir, nosotros bloqueamos con un punto de ancla la línea que estamos dibujando para que nuestros ajustes sólo se apliquen a ciertos tonos de la imagen, mientras que en los niveles no disponemos de esta opción.

Usar curvas o niveles según la fotografía

El emplear una herramienta u otra depende de la fotografía que vayamos a editar. Como ya hemos dicho, los niveles no ofrecen la posibilidad de trabajar el contraste de forma selectiva, sino que trabaja sobre el contraste global. Por ello, es la herramienta que emplearemos para fotografías que tengan fallos de exposición, ya que lo que queremos en esas fotografías es darle mayor luminosidad o mayor oscuridad.

Las curvas permiten trabajar mejor sobre los tonos intermedios. Aunque podemos trabajar sobre el contraste global dibujando una S como lo hemos hecho desde toda la vida, lo cierto es que las curvas se trabajan en su zona central, donde se acumulan los tonos medios. Si hacemos un retrato de estudio y hemos clavado la exposición correctamente, es inútil usar los niveles porque entonces nos cargaremos la fotografía. Lo suyo es trabajar con las curvas para, por ejemplo, elevar ligeramente los tonos medios-oscuros o recuperar algo de detalle en las altas luces.

La práctica hace al maestro

También es posible emplear las curvas para trabajar el color en los canales RGB, creando diversos efectos cromáticos como los del efecto Loomax. Lo más importante es trabajar con las herramientas, conocer el funcionamiento de cada una de sus opciones para después aplicar estos conocimientos para crear nuestro propio workflow, automatizarlo y agilizar nuestro postprocesado.

La búsqueda apasionada de la belleza en lo aparentemente vulgar, anodino o decadente es una de las claves que conforma su discurso. En su afán por conseguir transmitir al espectador las sensaciones vividas en el momento de la toma con la mayor complejidad y fidelidad posibles, Mellado ha investigado en profundidad durante los últimos años las técnicas digitales de captura, tratamiento y salida. La cuidada elección de los soportes y la técnica de copiado permite que en sus obras se disuelva la delgada línea que separa fotografía y pintura hiperrealista.

www.josemariamellado.com

Hace tiempo que queríamos entrevistar a José María Mellado ya que deseándolo o no se ha convertido en uno de los referentes fotográficos del panorama fotográfico español. Desde que las cámaras réflex se volvieron más asequibles, el boom de la fotografía digital ha llegado a nuestras vidas e internet ha permitido la difusión de imágenes a una velocidad tal que muchas veces no podemos asumir. Dentro de esta revolución mucha gente aficionada a la fotografía se ha enfrentado al cambio de las técnicas analógicas tradicionales a las nuevas técnicas digitales de procesar las fotografías. Es ahí donde la figura de José María Mellado surge para muchos. Defendido por unos, atacado por otros, lo cierto es que Mellado y su obra no dejan indiferente a nadie, siendo uno de los fotógrafos más reconocidos en nuestro país. Hace unos días hablábamos de llegar a los límites de la realidad con los procesos de post-producción. Hoy os traemos el lado más humano y sincero de José María Mellado.

XATAKAFOTO: ¿Tu primer contacto con la fotografía cómo fue?

JOSE MARIA MELLADO: A mi madre siempre le había gustado la fotografía y cuando detectó cierto interés por mi parte me dejó comprar una Zenith rusa en Andorra. Así empecé haciendo fotos de los pueblos de Almería.

XF: ¿Cuándo decidiste que podrías vivir de la fotografía?

Pienso que en mi caso no se trató nunca de una decisión, sino de una pasión que resultó rentable. Mi empresa (www.yellow.ms) se dedica desde hace muchos años al desarrollo de software y en su día monté un departamento de Imagen a fondo perdido para poder dotarme de los medios para investigar la técnica digital. Al poco tiempo me di cuenta que también podíamos hacer copias y asesorar a otros fotógrafos y que ese departamento empezaba a resultar rentable.

Más adelante publiqué mi primer libro de técnica y fue un éxito llegando a convertirse en el libro de fotografía más vendido en España. Amplié esa labor formativa con talleres dentro y fuera del país. Simultáneamente fui dedicando cada vez más tiempo a la que es realmente mi pasión, el arte. Desde hace años estoy presente en los circuitos artísticos globales con presencia en las ferias más importantes y con representación en galerías de diversos países.

XF: ¿Hubo algún momento en que pensaste abandonar?

No, nunca. Sobre todo porque yo me he considerado siempre amateur y la fotografía para mí ha sido una pasión, por lo que nunca me he obsesionado por rentabilizarla. Mis ingresos venían del desarrollo de software, así que no tenía presión de ningún tipo. Sólo investigaba, disfrutaba y crecía como fotógrafo.

XF: Llega un momento en que pasas a formarte de la Real Sociedad Fotográfica Española. Qué es lo que te aportó este paso. ¿Cómo fue?

Mi buen amigo Rafael Ramírez, vicepresidente en su momento de la RSF, me insistió en su momento en que debía conocer la sociedad, así que me planté una tarde en la sede. Aquello parecía bastante lúgubre y el ambiente un poco hostil. Pero luego me di cuenta que se trataba más de mi impresión “provinciana”. Es que eran muy serios o yo muy tímido y novato, eso es todo. Recuerdo que había un “grupo” de los intocables al que entonces ni me atrevía a acercarme, pero del que luego aprendí mucho: Castro Prieto, Julio López, Eduardo Dea, Cualladó, Paco Gómez a veces… Grandes amigos…

Pero la RSF me sirvió precisamente para entrar en contacto con estos grandes fotógrafos y rápidamente eclosioné en un fotógrafo mucho mejor rompiendo las barreras que el aislamiento fotográfico en Almería me generaban. Aprendí lo importante de una buena copia, los negros y los blancos con detalle, la gama tonal rica… De ahí me viene mi gusto por el preciosismo en la fotografía. Luego durante cinco años fui presidente de la RSF lo que me sirvió para relacionarme con otros fotógrafos del resto del país.

¿Qué equipo réflex recomendarías para alguien que empieza? Tipo de cámara, objetivos básicos….

Una réflex con buen tacto, no importa que pese (mejor equilibrio) y un zoom no más de 3x, para algo más adelante pasar a una réflex de sensor completo y lentes fijas.

XF: ¿A alguien que solamente tiene acceso a una compacta que le recomendarías?

Pues para mí las mejores compactas han sido siempre las de Canon, y he tenido unas cuantas de otras marcas también. Actualmente mi preferida es la Canon Powershot S95, sin duda.

XF: Se ha criticado que algunas técnicas de revelado como las que tratas en tus talleres son esencialmente efectistas, y que gracias a ellas se han llegado a otorgar premios y reconocimiento a fotógrafos aficionados con pocos conocimientos fotográficos pero mucha habilidad en el retoque. En mi opinión, muy personal, la base es la fotografía tomada. ¿Cómo has vivido este debate desde tu punto de vista?¿Crees que muchos aficionados se defienden mejor en el procesado que a la hora de pensar y plantear las fotos?

Yo te enseño a sacarle el máximo partido a tu coche con un consumo óptimo de combustible. Ahora, si luego lo usas para atropellar ancianitas (o el buen gusto), pues lo harás con suma eficacia aunque el resultado no sea muy loable.

La captura es sólo un esbozo de la imagen final. Tenemos que compensar las luces en la imagen para poder guiar la mirada del espectador adecuadamente. Sólo los ignorantes más profundos en el arte de la fotografía y algunos talibanes del medio piensan que la mejor foto es la que no se toca después. Es habitual que desconozcan que desde los comienzos de la Fotografía, siempre se ha intervenido en el resultado final, porque entre otras cosas, es la manera de plasmar tu impronta en esa imagen.

Ahora bien, la técnica en la captura y procesado de la imagen tiene una importancia muy pequeña aunque hay que dominarla de forma absoluta. Lo importante es el resultado final; me da igual cómo has llegado ahí. La técnica debe estar siempre supeditada a la obra final, no ser el fin en sí misma. Ése es el fallo de muchos aficionados.

XF:Hablas muchas veces de “La mirada” como concepto fotográfico. Háblanos de ello, por favor.

Personas diferentes pueden estar ante la misma escena y tener percepciones completamente distintas. Incluso los lugares y situaciones que llaman la atención a cada uno son diferentes. Y es la mirada lo que provoca estas impresiones singulares, y gracias a eso se pueden hacer fotos tan diferentes en el mismo lugar o conseguir que una estación de servicio abandonada tenga magia.

Por eso es importante saber previsualizar una imagen, es decir, ser capaz de imaginar la foto final estando situado frente a la escena. Es una de las claves del éxito.

XF: ¿Qué opinas cuando se comenta que en tus fotos hay un exceso de retoque? ¿No se pueden lograr buenos resultados sin un trabajo tan dedicado al procesado?

¿Quién decide cuánto es mucho o poco retoque? ¿Qué importa cuánto se retoque una foto? ¿Acaso una foto es mejor que otra si se ha tocado menos? Cuando vas a una feria de arte y ves las obras ¿crees que alguien se pregunta si está mucho o poco retocada? Sólo los que están en el proceso de aprendizaje se preocupan de eso. Ahora bien, yo no retoco mucho mis fotos, de hecho tardo bien poco en terminarlas y a veces salen listas del revelado, sin ni siquiera pasar por Photoshop. Otra cosa es que mi estilo no guste a algunos, y eso es muy respetable, o que confundan mi sistema de trabajo que he compartido con los demás con el tipo de fotografía que yo hago.

XF: Te consideras en palabras tuyas un cazador de imágenes. ¿Cómo es esa forma de cazar?

Sobre todo en mi primera época hacía B/N, fotografía de reportaje en la calle. Instantáneas con un positivado bastante cuidado, como aprendí en la RSF. Después comencé la serie de “Arqueología Industrial”, más tarde el color, y entré en los circuitos de las galerías de arte. Me centré en el Paisaje, siempre con la huella humana como protagonista, pero el hombre ya no era el motivo principal. Y seguí “cazando”, descubriendo escenas que me emocionaban y plasmaba con la cámara. Hay fotógrafos que tienen una idea y la desarrollan, preparando el escenario, los elementos que intervienen, moldeando la iluminación. Yo en cambio intento captar algo que existe en la realidad y lo rescato de ella dándole una entidad propia.

XF: ¿Haces el tipo de fotografía que te gusta?

Siempre. Pero es cierto que no sólo me gusta un tipo de fotografía. De hecho, sigo tomando instantáneas, hago fotos trepidadas, etc. Lo que pasa es que sólo cierto tipo de imágenes son las pasan a formar parte de mi cuerpo de obra. El resto se quedan en el cajón, las tomo sólo por placer y a veces las utilizo para apoyar mis libros de técnica.

XF: En tu opinión, ¿cuáles son los conceptos fotográficos fundamentales que debería manejar alguien que comienza a introducirse en este apasionante mundo de la fotografía?

Sin duda, lo primero es aprender a dominar la técnica fotográfica: el manejo de la cámara, las reglas de composición y los procesos de tratamiento de la imagen. Después hay que intentar buscar un tipo de fotografía que esté en sintonía con las necesidades de expresión del fotógrafo.

XF:José María, en muchos concursos fotográficos, y no me refiero al campo del fotoperiodismo, se limita la edición, e incluso a veces hasta se prohibe. Cláusulas como ajuste básico de niveles, curvas y similares no quedan claros. En mi opinión con facilitar el archivo RAW y el archivo editado bastaría para mostrar que no hay manipulación sino revelado. Si lo que se pretende es presentar el archivo JPG que genera automáticamente la cámara ahí también puede existir manipulación. La edición ha estado presente desde siempre en la fotografía con los primeros tiempos de la misma. En mi opinión, se confunde edición/revelado con manipulación. ¿cuál es tu opinión al respecto?

Estoy totalmente de acuerdo con tu punto de vista. De hecho así es cómo funcionan revistas como National Geographic; te piden el RAW para comprobar que no te has inventado nada pero publican la foto interpretada por el autor. Pero además, fuera de campos específicos como fotoperiodismo, o aquellos que usan la fotografía como documento, no debe haber ningún tipo de limitación.

XF:¿Porqué decides dar el salto a la publicación de técnicas de edición fotográfica?

Durante varios años investigué la técnica digital para conseguir sacarle el máximo partido y obtener resultados similares o mejores que en la fotografía química. Para ello me doté en mi empresa de los medios apropiados para ello. El objetivo era conseguir la calidad suficiente en mi obra personal y la técnica era el vehículo para ello. Una vez que lo conseguí, consideré que ese conocimiento debía compartirlo, primero en forma de talleres y más tarde en forma de libros técnicos.

Como decía Unamuno:

‎

Es detestable esa avaricia espiritual que tienen
los que sabiendo algo, no procuran la transmisión
de esos conocimientos

XF: José María, he de reconocer que lo paso muy bien aplicando luz 3D. Me encanta y lo uso en muchas de mis fotografías. ¿Cómo surge la idea?

Adobe nos ha dotado con una serie de potentes herramientas para trabajar con la imagen. Los diferentes modos en que se fusionan las capas permiten mucha flexibilidad a la hora de tratar a la imagen. Lo que hice fue pensar que los procesos más habituales que hacemos con nuestras fotos son aclarar, oscurecer y contrastar. Y precisamente eso es lo que se consigue con los modos Trama, Multiplicar y , así que desarrollé una acción , Luz3D, que aunaba esos tres modos de fusión para conseguir ese resultado y le di una estructura fácil de usar. He aplicado algo que ya existía por separado.

XF:¿Eres consciente que para gran parte de los fotógrafos españoles has cambiado el concepto que teníamos de edición?

Pues me alegro. Antes era sólo una élite de positivadores de laboratorio los que atesoraban el Santo Grial de la copia estupenda. Yo he puesto mi granito de arena para democratizar esa capacidad de intervención en la imagen.

XF:Hace tiempo leí que no te importaba compartir tus técnicas de edición y descubrirlas. Qué incluso a veces en los talleres descubrías alguna técnica nueva que habías descubierto aún cuando no la hubieras publicado. ¿Porqué crees que los fotógrafos somos tan celosos en compartir nuestras técnicas?

Creo que son algunos sólo. El pensar que el éxito propio como fotógrafo depende de alguna técnica o efectito determinado y que bajo ningún concepto se comparte, es de mediocres.

XF: He de confesarte un secreto: soy daltónico. Tengo problemas para distinguir entre azules y violetas. También entre rojos, marrones y verdes. Qué consejo me darías.

Úsalo creativamente. Si ves diferentes que los demás, seguro que nos sorprendes. Ha habido grandes fotógrafos cuyo estilo especial se debía a que eran miopes.

XF: Hace tiempo que llevo oyendo un rumor acerca de que ibas a sacar un libro orientado al procesado con Lightroom, ¿qué hay de cierto en ello?

Este libro está en proceso de desarrollo, aunque tuve que interrumpirlo por la necesidad de satisfacer la demanda del agotado “Fotografía de Alta Calidad”. Es complementario al de CS5 que sale en julio 2011 y tiene una fecha de lanzamiento prevista para el tercer cuatrimestre de 2011. Tendrá un enfoque intensamente práctico incorporando diversas sesiones fotográficas reales en ámbitos diferentes que se gestionan desde Lightroom y que se emplearán para desarrollar todos los contenidos del libro. Cubrirá los siguientes aspectos:

• Lightroom como centro de gestión y revelado de las imágenes y como conector con las aplicaciones y técnicas específicas de panorámicas, ELE y vídeo.

• ELE® (Extensión de la Latitud de Exposición / Exposure Latitude Enhancement) es un método de trabajo propio para obtener imágenes de alto rango dinámico con y sin trípode trabajando desde LR y Photoshop evitando el uso de ciertas aplicaciones específicas cuyo resultado es a día de hoy bastante limitado y pobre en calidad. De ahí que se haya querido evita el término HDR y acuñado ELE (que además suena más español).

• Panorámicas: Técnicas de medición, captura, revelado, fusión y corrección de imágenes generadas a partir de la unión de varias, con y sin trípode, y su integración desde LR.

• Panorámicas ELE®: Técnica para la obtención de panorámicas con latitud de exposición extendida.

• Vídeo: Técnicas fundamentales de vídeo para fotógrafos cubriendo aspectos básicos de la captura, edición y montaje.

Tu segundo libro sobre edición digital “Fotografía de Alta Calidad: Técnica y Método” y el que que saldrá en breve, ¿Qué aportan sobre el primero, es una actualización de conceptos o supone realmente una mejora en el flujo de trabajo? ¿Qué otras alternativas propondrías distintas a las que ofreces en tu libro? Porque no nos engañemos existen otros métodos.

El segundo y ahora el tercer libro de técnica son evoluciones de mi sistema de trabajo en base a las nuevas herramientas que tenemos a nuestra disposición. En el primero, Fotografía Digital de Alta Calidad, había más teoría y me veía en la necesidad de argumentar algunas de las cuestiones desarrolladas. En los dos siguientes he eliminado esa base teórica para sustituirla por técnicas que antes no trataba.

Por supuesto que existen otros métodos, buenos y malos. Y de entre los buenos el mío es uno más, aunque para mí supone el sistema de trabajo más eficaz con resultados de la mayor calidad. Cada uno debe obtener el máximo provecho y adaptarlo a sus propias necesidades. No puedo proponer otras alternativas. Eso es cosa de cada uno. Yo he ido adaptando y optimizando mi sistema según evolucionaban las herramientas disponibles. Incluso me gusta proponer diferentes alternativas o caminos distintos que nos lleven a una misma meta, para según el caso elegir la secuencia más óptima.

Como apuntaba más arriba, yo investigué con mi equipo humano las técnicas digitales para dotarme de los mejores medios y la técnica adecuada para conseguir la calidad que yo exigía para mis trabajos y además hacerlo en el menor tiempo posible. Lo que he hecho es compartir los resultados de esas investigaciones con la comunidad de fotógrafos.

XF: Muchas gracias José María, ha sido un placer.
JOSÉ MARÍA MELLADO: A vosotros, muchas gracias.

Esto ha sido todo, esperamos que hayáis disfrutado de la entrevista con José María Mellado aportando su visión característica y personal del mundo de la Fotografía. Una visión que le ha llevado a ocupar uno de los lugares destacados del panorama fotográfico español e internacional.

Más información | José María Mellado | Fotografía de Alta Calidad

El flujo de trabajo en fotografía no tiene nada que ver con la técnica fotográfica, el equipo o el postproceso, pero no dudes de que ejerce una influencia directa sobre el resultado final de las fotos. Los anglosajones han escrito ríos de tinta acerca de este tema. Por cierto, ellos le llaman workflow.

Un método de trabajo bien meditado, ordenado y eficaz nos puede salvar de caer en errores tontos y de dar al traste con un archivo que podría ser valioso, una vez asumido y automatizado en nuestro trabajo diario. Por tanto, meditar cuáles son los pasos que seguimos en el postproceso de nuestas fotos, en qué orden es conveniente llevarlos a cabo o con qué programas es importante.

Diseñar un flujo de trabajo no es más que buscar la optimización de esfuerzos y evitar posibles errores. Aquí os dejo el mío:

1. COPIO las imágenes desde la memoria flash al disco duro del ordenador. Mantener una copia en la tarjeta puede venir bien en caso de desastre.
2. Guardo los archivos en una carpeta cuyo nombre es "aaaammdd.Nombre Descriptivo", donde a=años, m=meses y d=días. Echa un vistazo al post sobre organización de fotos escrito por Israel.
3. Con Adobe Bridge etiqueto todos los archivos de forma genérica.
4. Clasifico las fotos en dos carpetas: SELECCIÓN y RESTO. Dentro de la carpeta selección hay otras dos: INTERNET y TERMINADAS, en la primera guardo JPEG's para enviar por mail o publicar en internet y en la segunda TIFF's, para imprimir o para archivar.
5. Proceso cada imagen en RAW, habitualmente, con Adobe Camera Raw y lo llevo a Adobe Photoshop para la edición (en 16 bits y SRGB).
6. Una vez hechos los retoques pertinentes - contraste, niveles, etc. - guardo el archivo en TIFF - con capas - en la carpeta TERMINADAS. Si la voy a archivar no le hago nada, pero si es para imprimir la paso a CMYK.
7. Ahora preparo una copia que pese poco para enviar por mail a algún amigo o para publicar en internet. En función de su finalidad la redimensiono a un tamaño o a otro.
8. Aplico una máscara de enfoque en este momento.
9. Guardo el JPEG asegurándome de que el modo de color sea SRGB, el que mejor interpretan los navegadores web.

Seguro que este es un poco enrevesado en carpetas y mejorable en pasos, pero es el mío. Se aceptan sugerencias.