'The Grand Tetons and the Snake River, Grand Teton National Park, Wyoming' acaba de batir un nuevo récord dentro de la obra de Ansel Adams. Se ha vendido por 988.000 dólares en una subasta de Sotheby’s New York. Formaba parte de una colección que ha alcanzado un precio total de 6.400.000 dólares. La copia se caracteriza por su enorme tamaño mural (98.7x131.8 cm) y es una de las 10 que se conservan de semejante tamaño.

Ansel Adams es uno de los fotógrafos más grandes de la historia y la reciente venta de su obra le confirma como uno de los autores más importantes del siglo XX. Se puede hablar largo y tendido sobre su vida y obra, sobre cómo llegó a la fotografía a través de la música (se formó como pianista) y la relación que tiene la mística con su forma de ver la fotografía.

Pero hoy nos vamos a centrar en 'The Grand Tetons and the Snake River, Grand Teton National Park, Wyoming', una de sus obras más importantes. Forma parte de la serie que le encargaron para decorar la nueva sede del Departamento de Interior de EEUU. Un proyecto que le sirvió para viajar por los parques nacionales de los EEUU a principios de los años 40 pero que se vio truncado por la entrada de su país en la II Guerra Mundial...

La historia de una fotografía única

Es una de las obras más conocidas de Ansel Adams, un fotógrafo que subía a las montañas y encontró a su propio dios cuando fue capaz de visualizar por primera vez una imagen en blanco y negro tal como la había soñado. Muchos dicen que su mayor contribución fue el sistema de zonas pero creo que el concepto de la visualización fue el mejor aporte de su dilatada carrera.

Reconocía la técnica como algo imprescindible para dominar el arte de la luz pero una y otra vez hablaba sobre la necesidad de saber mirar para conseguir un buen resultado. Gracias a este concepto, tan lejano para muchos fotógrafos actuales que solo miran la cámara, consiguió fotografías como la que tenemos ahora entre las manos.

El histograma es perfecto, con blancos y negros puros

Y rompe con una de las ideas que hoy circulan por los fotos y las redes sociales. Ya lo he comentado muchas veces, el falso concepto de la fotografía directa, de la fotografía tal cual sale de la cámara, del famoso #nofilter... Esas frases como 'yo no revelo la fotografía con Photoshop, la dejo tal cual sale de la cámara'...

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En el aniversario de Ansel Adams, el fótografo místico que hizo de la fotografía un arte

Ansel Adams pasaba horas en el laboratorio hasta conseguir la copia perfecta de un negativo único que había conseguido a través del uso de filtros y de distintas disoluciones. Una copia, al final, es ni más ni menos que una interpretación de la realidad, la famosa partitura de la que siempre hablaba.

Esta fotografía forma parte del trabajo que le encargó en 1941 el Servicio de Parques Nacionales para crear una colección para el edificio del Departamento de Interior en Washington, DC. El tema era la naturaleza de los Parques Nacionales de Estados Unidos. Pero la guerra acabó con el proyecto. Fueron dos años en los que realizó un total de 226 fotografías, algunas de ellas las más famosas de su corpus:

A mediados de la década de 1930, el Secretario del Interior Harold Ickes concibió la idea de encargar murales pintados para el edificio de la sede del departamento en Washington, DC. Impresionado por el trabajo de Adams, Ickes más tarde amplió el alcance del proyecto para incluir fotografías de tamaño mural y recomendó a Adams para el fotógrafo. Según Adams, en "Ansel Adams, una autobiografía", se le "nombró con el salario anual máximo permitido para cualquier puesto no sujeto a la aprobación del Congreso: 22 dólares y 22 centavos al día por un máximo de 180 días de trabajo al año, más 5 dólares de gastos diarios..." Adams comenzó sus viajes a los parques en octubre de 1941 y un año más tarde presentó los grabados de esta serie a Interior. Sin embargo, ninguna de las fotografías se reprodujo como murales ya que el proyecto se detuvo durante la Segunda Guerra Mundial y nunca se reanudó.

No fue un proyecto exento de polémica, porque el acuerdo al que se llegó es que las fotografías pertenecían a los EEUU pero él podía hacer fotos para su uso personal. Y ocurre que algunas de las fotografías de ese proyecto, como la famosa 'Moonrise over Hernandez', no tienen un dueño claro.

Podéis ver todas las fotografías del proyecto truncado en esta página. Muchas son muy conocidas pero otras seguro que os llamarán la atención. Solo es cuestión de aprovechar un día para verlas y aprender de verdad.

La imagen en sí no puede ser más sencilla. Como podemos ver en los buscadores de imagen el lugar es fácil de encontrar y lo que cambia todo es la luz, el momento en el que el fotógrafo estaba ahí. Él vio un momento, visualizó una sensación a la que dio forma con la exposición y el revelado. Ni mucho menos es algo espontáneo.

Cómo se reveló la fotografía

Dentro del universo de Ansel Adams es fundamental comprender su trabajo en el laboratorio. Él no quería sacar la realidad tal cual la veía, él quería conseguir la mejor interpretación posible. Y después de analizar el encuadre, que en este caso es muy sencillo, era capaz de ver los valores que quería en cada espacio de la imagen para dar su visión. Y todo gracias al sistema de zonas que desarrolló después de tener una visión... Se puede decir, sin miedo a equivocarse que estamos ante un místico, con todo lo que representa.

El río recibe la luz del sol y nos lleva, gracias a sus sinuosas curvas que nos recuerdan al movimiento de la serpiente, hasta las montañas nevadas del fondo y al cielo de la tormenta que se avecina. No tiene más, tan solo una luz que él mismo reconoció que era bastante plana. El revelado que hizo es el ejemplo perfecto de cómo cambian las cosas cuando sabes utilizar todas las herramientas que tienes a tu alcance.

Lo que más me llama la atención de esta fotografía es que no está incluida en su libro 'The Making Of 40 Photographs'. Pero sí que podemos encontrar cómo la reveló (al menos una de las versiones) en su libro 'La copia':

Este era un motivo bastante gris visualmente, aunque emocionalmente era dramático y poderoso y visualice una imagen muy fuerte. El bosque central se situó en la zona III y las áreas de la izquierda cayeron sobre la zona II. las nubes más luminosas cayeron sobre la zona VII y el agua más brillante sobre la zona VIII. Dando un revelado N+2 en D23, el negativo contiene una información adecuada, aunque es preciso un control considerable de copiado para alcanzar el efecto deseado. Hice una pequeña reserva en las áreas oscuras de la mitad inferior de la imagen y en el cielo en el extremo izquierdo. Luego quemé, aplicando varias pasadas arriba y abajo con una cartulina, desde justo debajo de la base de los picos hasta el extremo superior durante la mitad de la exposición básica. Posteriormente apliqué un quemado adicional al cielo doblando la cartulina durante la mitad de la exposición básica, y la misma cantidad para la esquina superior izquierda. Por último, di aproximadamente la mitad de la exposición básica al área luminosa de la izquierda de los picos altos. Es difícil conseguir que todos los valores sigan siendo lógicos. Es importante insistir una vez más en que la escala tonal de densidades se controla mediante la exposición y el revelado del negativo, pero las áreas comprendidas dentro de las diferentes partes de la fotografía puede que no tengan la gama óptima de densidad (contraste local) para lograr el efecto deseado. De ahí la necesidad de aplicar los controles de quemado y reserva. La fotografía se realizó con una cámara de placas de 20x25 con objetivo Cooke Series XV de 12/14 pulgadas (311 mm) y filtro K2. Utilicé película Isopan ajustada a 64 ISO y le di un revelado N+2.

Seguro que muchos no entenderéis qué es lo que quieren decir muchas de las cosas que podemos leer en este texto. Se centra en la técnica, en el mundo del cuarto oscuro donde tantas cosas se podían hacer gastando tiempo y papel... es un compendio del trabajo con el sistema de zonas, con el que podemos colocar todas las densidades, toda la luminosidad de la realidad exactamente donde queramos.

Hay que leer un negativo, o en la actualidad un RAW, para decidir qué es lo que necesita para dirigir la mirada del espectador. En las clases mis alumnos se sienten totalmente perdidos cuando empieza este tema, pero después de las prácticas lo consiguen. Y es increíble ver cómo cambian sus trabajos antes y después del curso.

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Dónde medir la luz cuando hacemos una fotografía con una cámara réflex y con una sin espejo

Toda una lección para los que queremos saber cómo se hacen las cosas bien. Es una pena que no podamos ver el negativo para ver el alcance y calidad que tiene el positivo. Eso sí, una copia directa seguro que no tiene nada que ver con lo que todos conocemos. La fotografía no consiste en presumir de cámara o de técnica sino en ser capaces de tener un estilo propio y sobre todo tener algo que decir.

Al aprender marketing y creación de marca personal para nuestra industria, uno de los focos es pensar en las redes sociales como una promotora de nuestro trabajo. Sin embargo, las redes sociales están lejos de ayudarnos. Hace un par de meses os contamos nuestra opinión sobre por qué Instagram era tan frustrante. Esta semana, un huevo afirma que la red social no está hecha para fotógrafos.

Durante el fin de semana, un grupo de personas se reunieron para crear una cuenta con la imagen de un huevo, la publicación que pueden ver abajo. Nombrada como ‘el huevo del record mundial’, la fotografía pretendía superar los 'likes' de la fotografía del bebé recién nacido de Kylie Jenner; como reporta Genbeta, la de Jenner era la foto más gustada con más de 18 millones de corazones.

Con un fin de semana y la mágia de internet en proceso, el huevo superó ese record de ‘likes’, alcanzando (hasta el momento en que se escribió esta nota) más de 40 millones de corazoncitos. Una foto de stock, cuenta con el record de la foto más vista y gustada, con más de cinco millones de seguidores, símbolo de verificación y dos millones de comentarios.

DIYPhotography reporta que la cuenta del huevo publicó una historia al romper el record, mencionando “Wow, que tiempos para vivir”. Y está claro que todos quieren obtener algo con esa gloria. Watmag presentó varias cuentas de Instagram que están en búsqueda de replicar el éxito del huevo.

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Instagram: una red social adictiva y frustrante que se puede superar

Una vez más podemos ver que los 'likes' y los seguidores no son nada en esta red. Desgastarse mentalmente por intentar ser popular en una red social es privarnos de creatividad y de enfocarnos en lo que realmente nos debe importar, la fotografía.

Más de una vez hemos entrado en el mundo de las fotografías de miles de millones de pixels. A principios de año, por ejemplo, os contábamos cómo unos locos de las panorámicas hicieron una impresionante composición de Dubai con un total de casi 45 gigapixels. Como en España no queremos quedarnos cortos, se han presentado casi simultáneamente dos proyectos que no se quedan atrás.

El primero, en Madrid, destaca por cantidad y calidad de datos: si bien la mayor de las panorámicas tiene 16 gigapixels (generados a partir de 700 fotografías), que tampoco es moco de pavo, su web nos ofrece un total de seis vistas distintas de la ciudad, desde tres localidades distintas. En Torrespaña se tomó la primera, en verano, en el edificio de BBVA de la Castellana fueron tres, para cubrir un ángulo mayor, y finalmente en el Hospital Gómez Ulla se crearon sendas imágenes, antes y después del ocaso.

Tal y como nos cuentan en el blog de La Información (los promotores del proyecto), toda esta cantidad de información se ha enriquecido con una gran cantidad de datos, utilizando el contenido multimedia del que ya disponían, junto con otros creados ex-profeso para el momento, y un cierto componente social al integrarlo todo con Twitter y Facebook. Sumándolo todo, tenemos un documento muy interesante sobre la Madrid actual, que trasciende lo que puede mostrarnos una simple fotografía.

Si esto os ha parecido “grande”, el proyecto Sevillano entra en la categoría de “enorme”: nada menos que 111 gigapixels (9.750 fotografías) ocupa la panorámica de la capital hispalense, que han tomado los fotógrafos José Manuel Domínguez y Pablo Pompa, en un proyecto faraónico que les ha llevado seis meses, incluyendo una larga espera en los meses centrales del año debido a las deformaciones que creaba en la imagen el caluroso verano de la ciudad andaluza.

Si no nos salen mal las cuentas, y tal y como ellos mismos indican en su nota de prensa, se ha establecido un nuevo record mundial para la fotografía más grande del mundo, bastante lejos de los 70 gigapixels con que se coronó hace unos meses Budapest.

Viendo el detallado cómo se hizo de la panorámica podemos hacernos una idea de los problemas que pueden surgir para realizar un trabajo como éste: desde la búsqueda de la ubicación (que finalmente fue la Torre Schindler, creada para la Expo’92 en la Isla de la Cartuja), hasta la lucha contra el viento, los cambios de luz, o los detalles “menos técnicos” (el ascensor estaba estropeado, y había que subir a pie dieciseis plantas).

La imagen final se tomó durante cuatro días, con un sistema semiautomático que se paraba cuando soplaba un mínimo viento (incluso a 1/400”, la más leve brisa podía estropear la imagen), y que requería monitorización constante y un realineado manual entre cada secuencia de fotos. También, se repetían a mano las imágenes con coches o personas en movimiento, para facilitar la alineación de las tomas.

En ambos casos se usó la conocida Canon 5D Mark II, con una variada gama de objetivos en el caso madrieño (Canon 400 f/2.8 IS USM, Tamron 70-300 y Canon 300 f/2.8 IS USM), y con otro Canon 400 f/2.8 para el caso sevillano, esta vez con duplicador, dando una focal total de 800mm.

Para el movimiento de la cámara, en Madrid se utilizó un motor Gigapan, especializado para este tipo de capturas. En Sevilla optaron por hacer un sistema a medida, que tuvieron que adaptar en las sucesivas pruebas, por un lado para permitir controlar remotamente la cámara desde una ubicación más cómoda, y por otro para aumentar la estabilidad frente al viento.

Quizá el hecho de usar una focal más larga, y por tanto un tamaño mayor de la imagen resultante, explique la mayor cantidad de complicaciones que se encontraron en este segundo proyecto.

En los dos casos el software utilizado fue Autopano Giga, que ha demostrado ser perfecto para este tipo de composiciones. También, se ha cuidado especialmente la intimidad en ambos proyectos, ocultando los rostros y matrículas que han sido detectados.

En resumen, no sólo os recomendamos pasar horas y horas escudriñando cada imagen, descubriendo detalle tras detalle, sino que también deberíais mirar a fondo toda la información técnica que proporcionan los equipos de trabajo: puede que os sorprenda encontrar consejos que podréis aplicar a vuestras panorámicas caseras, o incluso a cualquier tipo de toma que implique focales muy largas y sistemas de estabilización.

Desde aquí queremos dar la enhorabuena al equipo de trabajo que ha hecho posible estas dos maravillas, y animamos a nuestros lectores a intentar seguir con esta sana competencia. ¿Alguien ha dicho 150 gigapixels?

Webs oficiales | Madrid Panorama | Sevilla 111 Gigapíxeles
Vía | La información | El RJ45

Si hace algún tiempo, hablando sobre ¿que es una buena foto? os mostrábamos la foto más cara del mundo obra del fotógrafo Andreas Gursky hoy tenemos que renovar esa información ya que hace algunos días que ese récord ha cambiado de dueño.

Si la de Andreas Gursky se vendió por 2.273.411 euros, la nueva foto más cara del mundo donde podemos ver la silueta de un vaquero es obra de Richard Price y ha alcanzado la escalofriante cifra de ¡2.314.804 euros! (unos 385 millones de las antiguas pesetas)

Y yo me pregunto, ¿Que tiene que tener una fotografía para alcanzar semejante barbaridad de dinero? ¿Una técnica perfecta? ¿una composición única? ¿Un fanático con dinero? ¿Un autor con fama? Puede que sea una combinación de varias de estas y otras causas, aunque yo me inclino por las dos últimas...