Pasos para el retoque digital de la piel

Siempre sigo los mismos pasos, empezando por el retoque de imperfecciones, como son granitos, manchas o poros. El siguiente paso es la eliminación de brillos provocados por la iluminación, sobre todo en la nariz. Eliminar las arrugas junto a los ojos y en la frente es el paso previo a alisar las piel y añadirle una textura homogénea.

El trabajo es laborioso e implica múltiples capas y máscaras para tener un aspecto perfecto, por lo que tengo que reconocer que, de entrada, soy un poco escéptico sobre el uso de un software como Portrait Professional que, de manera casi automática, realiza todas las funciones de retoque de piel, más el retoque de ojos, nariz, boca y proporciones de barbilla y frente.

Primeros pasos con Portrait Professional

Cuado tenemos instalado el software, es muy sencillo empezar a trabajar, abrimos el archivo y nos pregunta si es un retrato de una mujer, de un hombre, de un niño o de una niña. Una vez que seleccionamos el tipo de retrato, el software busca e interpreta los contornos de la cara y los marca con unas líneas azules. Estas líneas delimitan dónde se aplica el efecto de manera automática, siendo el resultado bastante aceptable en cuanto a imperfecciones y suavizado de la piel y menos satisfactorio para los brillos. Lo que no me gusta casi nada es la tendencia a redondear la cara y el exceso de aclarado en el iris, que en ojos claros como en la fotografía que usé como ejemplo, es demasiado evidente, por no decir erróneo.

Otro de los problemas, lógico por otro lado, es la no aplicación del efecto de manera homogénea por toda la piel. Para ello, necesitaremos coger el Pincel para retocar e igualar todas las zonas.

Está claro que cualquier sistema automático de ajuste de una imagen no es perfecto, pero no olvidemos que el proceso ha tardado apenas unos segundos, en comparación con el rato largo que invertiríamos si hubiéramos realizado el mismo trabajo con Photoshop.

Características destacadas

Centrándose más en las características y ajustes, lo primero que sorprende es la cantidad de parámetros que podemos ajustar. Incluso podemos realizar ajustes por separado y tratar el ojo derecho y el izquierdo individualmente o el labio superior e inferior. Esta cantidad de ajustes hace que podamos personalizar nuestro retoque a cualquier rostro.

El procesado de Estructura es el primer paso que encontramos y en él están todos los controles para compensar las formas del rostro y equilibrar el tamaño de los ojos, la nariz y los labios. Como en todos los bloques de ajustes, hay un deslizador Master que controla todos los ajustes en conjunto, pero centrándonos en cada zona conseguimos los mejores resultados.

Los controles para suavizar la piel nos permiten definir el área dónde aplicamos el suavizado y el nivel de imperfecciones que tenemos que corregir. Por defecto, viene en nivel cinco, que es en el que he terminado en casi todas las pruebas que he hecho. De los ajustes, el que más me ha gustado es el de contorno de ojos que le devuelve un poco de volumen el párpado inferior.

Los Controles de Ojos son la parte que más me ha gustado de todo el software. En sus ajustes no se han dejado ni un solo detalle, destacando la definición que podemos traducir como máscara de enfoque, tanto del ojo como de las pestañas y de las cejas. Con iluminar el iris, controlaremos la sobreexposición o subexposición del iris consiguiendo muchos matices en esta zona del ojo.

Otras funciones interesantes son el control de iluminación con el que podemos eliminar sombras o marcarlas para recuperar el volumen perdido por el suavizado de la piel, los controles de cabello que incluyen la posibilidad de cambiar el color del pelo, aunque los resultados no siempre son buenos, y el control de imagen para realizar pequeños ajustes a la imagen sin salir de programa.

Como conclusión, creo que Portrait Professional no defrauda y, en general, cumple con lo que promete. El precio es quizás lo más atractivo y la existencia de las versiones Studio es lo más difícil de entender, claramente suben el precio para que puedas usar archivos raw. Yo veo indicado su uso para usuarios que necesitan retocar retratos y buscan un resultado aceptable sin invertir demasiado tiempo.

Link | Portrait Professional

En Xatakafoto | Cómo retocar pieles con Photoshop

Nuestros compañeros de Genbeta nos avisan de un servicio online muy cómodo que nos permite eliminar fácilmente el fondo de cualquier fotografía sin tener ningún programa instalado, simplemente con acceso a Internet.

Para ello, se utiliza un sistema de máscaras, similar al de AfterFocus para Android del que ya os hablamos. No hace falta ser precisos en la selección sino que bastará con ayudar un poco al algoritmo para que distinta el fondo de lo que no es fondo.

Únicamente tendremos que subir la imagen a la que queremos borrar el fondo, utilizar los pinceles para seleccionar lo que queremos borrar y lo que no, y ya está. Nos bajaremos un nuevo fichero de imagen en formato PNG – que es el que nos permite transparencia – con el fondo eliminado. Además podremos compartirlo directamente mediante enlace.

La interfaz es ligera, rápida y muy cómoda. Con la rueda del ratón hacemos zoom y tenemos herramientas para encajar al tamaño de ventana, pintar fondo, pintar frente, mover, tamaño del pincel, color del fondo, deshacer, rehacer, etc.

Mencionar también que de momento es un servicio totalmente gratuito y ni siquiera hace falta registrarse.

Sitio oficial | Clippingmagic

Sin embargo, también existen otros factores importantes a tener en cuenta como son la ambientación, el vestuario, el peinado, el maquillaje o el procesado posterior que realizamos a la fotografía que hemos tomado. Centrándonos en este último aspecto os traigo hoy un vídeo de una hora de duración, de Aaron Nace, desde Photoshelter, donde nos ofrece una serie de consejos sobre cómo podemos estilizar el resultado de nuestras tomas.

Y es que tomar la decisión de realizar un determinado tipo de procesado más natural, estilo moda, vintage, retro o un determinado tipo de Blanco y Negro es una decisión difícil en muchos casos porque dependiendo de eso cambia bastante el resultado. Aunque mucho de lo explicado puede que ya lo conozcas no está de más realizar un repaso y aprender algún técnica o detalle nuevo.

Vídeo | Stylizing Your Portrait Photography with Photoshop Basics from PhotoShelter.com on Vimeo
Vía | ISO1200 Magazine

Qué nos permiten hacer los ajustes locales

Ambas herramientas nos permiten realizar los mismos ajustes que las opciones que tenemos en la pestaña de revelado básico, más las opciones de detalle: enfoque y reducción de ruido, y la eliminación Moiré y Halos. La opción de Color permite dar un tono a parte de la imagen.

Aparte de estos ajustes, encontramos otros preestablecidos en la pestaña Efecto que nos permiten realizar algunos de los trabajos más comunes como sobreexponer, subexponer y otros menos usados y pensados para la fotografía de retratos como el blanqueamiento de dientes, mejora de iris y suavizado de piel.

Lightroom 4 nos permite usar más de un pincel o de un filtro graduado en una misma fotografía para poder procesar por zonas. Basta con seleccionar Nuevo para crear un nuevo punto de inicio. Cada zona puede ser editada con diferentes ajustes. Si queremos reeditar una zona, haremos clic con el ratón sobre el punto de inicio que se marcará en negro y si queremos eliminarlo bastará con pulsar la tecla Suprimir.

Consejos para el uso del pincel en Lightroom 4

La configuración del Pincel nos permite regular el diámetro en pixeles con el deslizador Tamaño. El regulador Desvanecer indica la cantidad de degradado que se aplica alrededor del tamaño del pincel. La cantidad de Desvanecer se ve de forma gráfica en el espacio entre el círculo interior y el exterior del pincel. El Flujo controla la rapidez de aplicación de los ajustes seleccionados. Con un flujo bajo, tendremos que pasar más veces para aplicar el efecto. La Densidad define la transparencia del pincel, podemos bajar la densidad para aplicar un porcentaje del ajuste elegido. Estos ajustes, más el de máscara rápida, se pueden configurar en dos pinceles (A y B), por lo que podemos definir un pincel para trabajar zonas más grandes de nuestras fotografías y otro más pequeño para retoques más finos.

La Máscara Automática es otra de las opciones que podemos definir para nuestro pincel, permite aplicar el ajuste a una rango de color determinado de nuestra imagen. La Máscara Automática está indicada para trabajar con zonas de nuestra fotografía grandes y limítrofes con otras donde tengamos un buen contraste. Puede ser usada en zonas de un paisaje, partes de la ropa o de un objeto. Ojo con la máscara automática, ya que puede cometer fallos como dejar pequeño puntos sin seleccionar o marcar demasiado el perfil del objeto.

Para saber si no hemos cometido fallos con el pincel y hemos aplicado el ajuste por zonas donde nos interesa, podemos activar la superposición de la máscara seleccionada marcando la casilla correspondiente o usando el atajo de teclado letra O. Si el color rojo de la máscara que viene por defecto no es el indicado para nuestra fotografía, podemos cambiarlo pulsando la tecla Mayúsculas + la letra O.

En ocasiones, los límites de la zona con la que trabajamos no necesitan mucha precisión, pero en otras, el límite entre la zona con la que trabajamos y la que no queremos que se vea afectada, tiene que ser muy claro. Para ser precisos y pintar hasta el borde de una zona, lo mejor es acercarse al borde con la zona desvanecida del pincel y así crear una transición suave entre una zona u otra. Si activais la superposición de máscara, veréis cuando os pasais del borde. No pasa nada, con el pincel de borrado haremos lo mismo, pero en la dirección contraria. Para pasar de forma rápida de pintar a borrar, lo haremos pulsando la tecla ALT. Si necesitais pintar con el Pincel en línea recta horizontal o vertical, podéis mantener pulsada la tecla mayúsculas mientras pintais.

Para terminar con el Pincel, os recomiendo el siguiente flujo de trabajo: primero identificar la zona donde vamos a trabajar, aplicar los valores orientativos a los ajustes que nos interesan, pintar sobre la fotografía viendo como se aplica el ajuste, activar la superposición de máscara para comprobar la zona afectada, realizar retoques, si son necesarios y revisar el valor aplicado al ajuste para tener una fotografía equilibrada.

Consejos para el uso del Filtro Graduado

Para trabajar sobre una zona de la fotografía haremos clic sobre el punto donde queremos iniciar el ajuste degradado y arrastraremos hasta donde nos interesa que termine. Podemos crear el filtro en cualquier dirección y una vez definido podemos editar la zona a la que se está aplicando de dos maneras. Manteniendo pulsado el punto central, podremos cambiar de sitio el filtro si queremos reducir o ampliar el degradado. Bastará con situarnos sobre la línea de inicio o de final y desplazar el ratón para cambiar el tamaño.

Si necesitamos cambiar la inclinación del filtro, bastará situarnos en la línea central del degradado y aparecerá la doble flecha que indicará que podemos cambiar la inclinación.

El mejor consejo que se puede dar sobre el filtro graduado es utilizarlo siempre que podáis antes que el Pincel ya que el degradado puede ser muy suave, incluso de toda la fotografía, y pasa desapercibido en muchas ocasiones.

Yo lo suelo usar mucho en los cielos, para igualar iluminaciones y saturar el color. También es muy útil en la fotografía nocturna para levantar las sombras de la zona de tierra.

Espero que esta pequeña guía os sirva para ver el potencial que nos ofrece Lightroom 4 en el trabajo por zonas, incluso combinando Filtro graduado y Pincel en la misma fotografía. En mi caso ha reducido el uso de máscaras de capa de Photoshop al mínimo, sólo las uso para mezclar dos imágenes.

En XatakaFoto | Trucos y consejos para exprimir al máximo el modulo Revelar de Lightroom 4

Fotografías | José Juan Gonzálvez

Bien, hagásmoslo por partes. Supongamos que tenemos 4 minutos para una correcta exposición del cielo. podemos iluminar tranquilamente la parte inferior hacer un camino perfectamente iluminado. A continuación en una segunda toma iluminar otra zona. En una tercera, el resto. En definitiva, tantas veces como lo necesitemos. Vamos iluminando lo que ns da tiempo.

Visto así nos queda finalmente procesar la escena que hemos conseguido en varias tomas. Para ello, los chicos de Photoshop nos dan una serie de consejos bastante prácticos sobre este asunto. Esta técnica de realizar varias tomas en fotografía nocturna es muy habitual pues además permite la recuperación de mayores trazas de estrellas que es algo muy apreciado por los fotógrafos nocturnos.

Vídeo | Photoshop

Flujo de trabajo ordenado

Un buen flujo de trabajo a la hora de procesar un Raw evitará tener que volver atrás en procesos ya realizados y así ahorrar tiempo de procesado. Si dudáis de qué orden seguir o pensáis que no estáis siendo efectivos, os recomiendo la lectura del libro de Hugo Rodriguez: “Captura Digital y Revelado Raw”.

Calibración de cámara

Pero si grabamos nuestra fotografía en Raw el estilo que usamos en la cámara no se aplicará al abrir la foto en Lightroom 4. Si queremos recuperarlo y aplicarlo los encontraremos en la pestaña de Calibración de Cámara, en el desplegable Perfil.

Por defecto Lightroom 4 aplica el perfíl Adobe Standard, pero vale la pena probar los otros perfiles disponibles, ya que el punto de partida os puede ser más interesante que el genérico que se aplica. Personalmente, yo prefiero en muchas ocasiones usar el perfil Camera Standar. Me da una mejor definición y menos ruido en sensibilidades altas.

Corrección de lente en Lighroom 4

Tened en cuenta que la corrección de lente funciona diferente si la aplicáis a un Raw o a un jpg. También puede pasar que la lente que estáis usando no esté en la lista de perfiles por defecto que tiene Lightroom 4. Si esto pasa, podéis crear vuestro propio perfil. Un trabajo algo laborioso que se realiza con el software Adobe Lens Profile Creator. Pero si no os veis con fuerzas de hacer todo lo necesario para obtener vuestro propio perfil, podéis buscar algún perfil creado y compartido por otros usuarios de Lightroom o Photoshop en Adobe Lens Profile Downloader. Ambas aplicaciones necesitan tener instalado Adobe Air y las podéis descargar desde esta página de Adobe (más o menos a la mitad de página)

Curva de tonos

Esta flexibilidad de uso hace que muchas veces nos olvidemos de la curva de tonos que durante tantos años ha proporcionado un control de la luminosidad y el contraste de la imagen. Para refrescar un poco el uso de la curva y pensando en esas fotografías que simplemente necesitan que apliquemos una curva, aquí tenéis los pasos que he seguido en la fotografía anterior.

El primer paso es observar que el histograma esta centrado. Tenemos una ausencia de blancos y negros lo que da una imagen poco contrastada, un poco empastada.

El segundo paso, partiendo de la curva de puntos lineal, es ajustar el contraste de la imagen, desplazando los extremos de la línea hasta el inicio del histograma. Si os fijáis, el histograma empieza a cambiar y se estira. Esta acción es igual a aplicar niveles en Photoshop.

Por último, para mejorar el contraste aplicaremos a la línea una leve curva en forma de S para tener sombras más oscuras y luces más altas.

El resultado es una imagen más viva, con un mejor contraste y tan solo tocando la curva de tono.

Aquí tenéis otro ejemplo con el antes y el después, donde se ha aplicado una curva para levantar las sombras.

Detalle en Lightroom 4

En cuanto al Enfoque, la verdad es que no solía usarlo ya que buscaba en él algo parecido a un Paso Alto en Photoshop y el resultado genera mucho ruido. Pero pensando en valores más pequeños, mi máximo es Cantidad 50, el resultado me gusta mucho.
Con la herramienta Máscara podéis eliminar el enfoque en las zonas en las que no os interese aplicarlo, como por ejemplo en un cielo azul. Para ver como se aplica la máscara, mantened pulsada la tecla Alt mientras movéis el control de Máscara. A las zonas que se oscurecen, no se les aplica el efecto de enfoque.

Crear un preset de Lightroom 4 con los ajustes favoritos

Incluso en este preset, podéis incluir que se aplique otro ajuste preestablecido de Lightroom. Mi preferido es el de Perforación que aumenta la claridad y la intensidad en la imagen.

En XatakaFoto | Trucos y consejos para exprimir al máximo la Biblioteca de Lightroom 4

Fotografías | José Juan Gonzálvez

Desde siempre, uno de los mayores retos a los que se enfrenta un fotógrafo es el de conseguir plasmar adecuadamente los colores. Pero si algún aspecto del color merece una mención aparte, es el que se refiere al color de la piel humana.

La llegada de la fotografía digital no ha facilitado las cosas, pues ahora los programas de revelado y procesado digital permiten manipular los colores hasta extremos no vistos en el los laboratorios. Una ventaja, pero también un trabajo añadido para el fotógrafo. De hecho, con la fotografía sobre diapositivas, el laboratorio era quien asumía todo el trabajo en base a las especificaciones de la película. Con la fotografía digital, aunque esto siguiera siendo así, el fotógrafo no puede desentenderse de este proceso al 100%. Y esto sin contar aspectos más creativos, como veremos más adelante.

Conseguir el color exacto de la piel

Actualmente, para conseguir colores fieles a través de fotografía digital, lo más rápido es utilizar una adecuada gestión de color. Esto es, en términos generales, intentar recrear la máxima fidelidad de color a través del uso de tarjetas de color, software especializado y dispositivos perfectamente calibrados.

Andreas Pleines

Sin embargo, el proceso no suele terminar ahí. Y es que los colores reales, para muchos fotógrafos, suelen resultar “aburridos”. De modo que este no ha sido más que un primer escalón para dar paso a una fase más creativa en la que el fotógrafo trata de obtener la fotografía tal como él la interpreta en su cabeza.

¿Por qué nos cuesta tanto tratar el color?

Cuando Ansel Adams creó el sistema de zonas, en realidad no enunciaba más que un método para simplificar todos esos pesados cálculos y tablas logarítmicas que convertirían la fotografía en una disciplina sólo asequible para ingenieros. Convertir la imagen en una escala de unos pocos niveles de luminosidad, que son representados por números, nos da una idea de lo necesario que es para nosotros utilizar herramientas cuantificadoras del color más allá de la percepción que nos da nuestro propio ojo.

No vamos a profundizar aquí en el sistema de zonas, tranquilos. Sólo era un ejemplo para ilustrar como para trabajar el color de la piel vamos a necesitar algo más que nuestro instinto y nuestro ojo clínico (también muy importante, pero no suficiente).

El sistema ocular de los seres humanos tiene una característica especial que no tienen las cámaras de fotos. Es capaz de ajustarse de forma dinámica a la temperatura de color de una fuente de luz determinada. Si os dais cuenta, sois perfectamente capaces de evaluar un color independientemente de si la luz de vuestro entorno es cálida o fria. Esta habilidad se llama constancia de color. Y nos permite reconocer perfectamente un blanco aunque la luz sea verde o amarilla.

Sanchez Photo

Esto está muy bien para nuestra vida diaria pero también nos genera un problema cuando trabajamos con fotografías en color: cuando empezamos a mirar un objeto, nuestro cerebro se adapta para que captemos el color de la manera más neutra posible. Tal vez seamos capaces de detectar que hay alteraciones en el color de la luz, pero la constancia de color nos impide ver fácilmente qué dominante produce esa alteración. Por eso necesitamos convertir los colores en números. No nos podemos fiar al 100% de lo que nos dicen nuestros ojos.

Las curvas Lab y RGB

Tanto si trabajamos con imágenes en blanco y negro como en color, hay un paso necesario que es el de crear un contraste y un tono adecuados en la imagen. La forma más habitual de conseguirlo sería utilizando las curvas. De nada nos sirve intentar conseguir un buen tono de piel si no aprovechamos al máximo el rango dinámico de la fotografía, o la piel no está correctamente expuesta.

Sin embargo, hay que advertir que cuando se modifica el contraste de la imagen utilizando curvas RGB, también alteramos la saturación del color. Observad la siguiente imagen. En ella tengo abierto un díptico en Photoshop en el que la imagen de abajo es una capa a la que he aplicado un aumento de contraste a través de las curvas RGB. ¿Observáis como los colores también sufren una sobresaturación?

Fotografía de Sergio Perea

Si queremos modificar el contraste de una imagen sin alterar su color podemos hacerlo de dos formas: convertir la imagen a modo Lab para trabajar sobre la curva de luminosidad, o quedarnos en modo RGB pero crear una nueva capa con el modo de fusión “Luminosidad” y aplicar sobre ella las curvas. Veamos lo que ocurre al aplicar la misma variación de contraste a través del canal luminosidad en la foto de abajo del díptico:

fotografía de Sergio Perea

El modo CMYK

Muchos fotógrafos utilizan el modo CMYK porque consideran que facilita la consecución del color de la piel modificando los valores de Cian, Magenta y Amarillo. Hay tablas y valores predeterminados que los fotógrafos utilizan como referencia. Por ejemplo: la piel caucásica podría ser perfectamente un color en el que hubiera el mismo nivel de Magenta que de Amarillo, un tercio o un cuarto de valor de Cian. Por supuesto existen muchos más tonos de piel (sin ir más lejos los que corresponden a diferentes grupos étnicos), este es sólo un ejemplo.

¿Y cómo evaluamos esto? Pues con la herramienta estrella para estos casos: el cuentagotas. Poniéndola sobre un punto o varios cualesquiera de la piel, nos proporcionará los valores RGB y CMYK de esos pixels.

Fotografía de Sergio Perea

¿Y cómo podemos modificar los colores para ajustarnos al patrón buscado? Pues en este caso no tenemos más remedio que tocar las curvas RGB, canal por canal. Pero claro, estamos trabajando en CMYK. Así que debes pensar que el sistema RGB funciona por oposición a los valores CMYK: incrementando el rojo, reducirás el el cian; incrementando el verde, reducirás el magenta; e incrementando el azul, reducirás el amarillo. Con estas tres referencias, ya tienes todas las herramientas necesarias para trabajar el color en modo CMYK a través de las curvas RGB. Ahora simplemente, hay que practicar.

Influencias psicológicas

Además de las consideraciones relativas a conseguir un tono bonito de piel (para lo cual, como hemos visto, deberéis basaros en vuestra experiencia e incluso idearos unas tablas de valores CMYK genéricos para cada tipo de piel), hay consideraciones de tipo cultural o psicológico que tendréis que tener en cuenta si necesitáis mantener una cierta armonía en la fotografía.

Fotografía de Sergio Perea

Por ejemplo: la piel de los niños debe ser un poco más rosada que la de los adultos. Las pieles oscuras de etnias africanas suelen tener más Magenta y Cian que otras pieles más caucásicas. En cuanto a la piel asiática, es evidente que tiene más amarillo. Y así, podríamos ir recorriendo uno a uno cada una de las tonalidades de color diferentes que hay en este planeta.

Conclusiones

Me hubiera encantado poderos dar una tabla de valores apropiada para cada etnia o tonalidad de piel, pero la conclusión de este artículo es que no existe el tono de piel ideal. Podría decir que ni siquiera se valoran igual estas tonalidades de piel cuando cambiamos a otra zona culturalmente diferente. Lo que para nosotros puede ser un color atractivo de piel, para un japonés o un indio puede ser una aberración. En ciertas culturas, el ideal de belleza apunta a tonos de piel claros mientras que el ideal de belleza occidental apuesta por pieles más bronceadas. Existen motivaciones culturales, psicológicas, estéticas y creativas que influyen en la elección del tono apropiado.

Foto de portada | Cedida por Vitaly Druchinin

Digitalizar fotografías para restaurarlas

Si optáis por elegir la máxima resolución de vuestro escaner, los archivos os servirán tanto para verse en pantalla, como para montar álbumes o incluso para imprimir nuevas copias a tamaños mayores que el original. El problema está en que conservar muchos de estos archivos se traduce en tener muchos gigas del disco duro parados guardando el archivo fotográfico que quizás no uséis muy a menudo. Mi recomendación es optar por una resolución intermedia que sea suficiente para poder sacar una copia en papel en 15×20 y con bastante información para aguantar el proceso de restauración en Photoshop. Para calcular cuanta resolución necesitáis pensad que si escaneáis a 300ppp podréis imprimir el archivo al mismo tamaño que el original. Si subís la resolución, subirá el tamaño. La fórmula para hacer el cálculo es la siguiente: Tamaño de Impresion= Nº de pixeles/Resolución.

Otro método para digitalizar fotografías es realizar una repro con la cámara. Quizás sin llegar a usar el método descrito en el artículo sobre reproducción de obras de arte, pero sí controlando que la iluminación sea homogénea. La ventaja está en que es mucho más rápido el proceso, pero un poco más lento prepararlo. A veces no se puede hacer una repro de la fotografía porque está curvada. En ese caso, hay que ir al escaner. Este método también puede ir bien cuando no queremos sacar la fotografía de un marco por miedo a romperla.

Usemos un proceso u otro, siempre tenemos que quitar el polvo que tenga la foto antes de digitalizarla. Así ahorramos trabajo. Un bote de aire comprimido o una perilla de aire servirán, pero intentad no frotar la fotografía con ningún trapo ni aplicar ningún producto.

Restauración del color en una fotografía antigua

Si queréis un método más preciso usando los diferentes canales RGB, podéis seguir los pasos del artículo Restaurando el color de una foto…

Herramientas de Adobe Photoshop

Herramienta usada: Tapón de clonar

Si tenemos pequeñas manchas, motas de polvo o similares, usaremos el pincel corrector puntual que nos permitirá eliminar la mancha con un sólo click.

Herramienta usada: Pincel Corrector

Herramienta Parche

Estas tres herramientas tienen la ventaja de mantener la luminosidad de la zona restaurada por lo que se adaptan al entorno de la fotografía.
Si nos encontramos en una zona dónde el cambio de luminosidad es muy brusco, como en el ejemplo dónde he eliminado una raya de rotulador, lo mejor es usar el tampón de clonar.

Yo uso siempre el tampón de clonar cuando son superficies lisas y cuando las otras herramientas no me funcionan. Una de las funciones que nos pueden interesar del tampón de clonar es la posibilidad de cambiar el ángulo de inclinación o la escala de la clonación. Esto lo encontraréis en el panel Origen de clonaciones.

Flujo de trabajo en la restauración de fotografías

Lo mejor es revisar primero la fotografía con la imagen ajustada a pantalla e identificar las grandes zonas deterioradas, luego acercarse a esas zonas con el zoom al 100% y ver si tiene elementos para seleccionar como origen en la restauración y por último empezar a usar las herramientas de las que hemos hablado antes.

Para empezar a usar las herramientas lo mejor es prepararse las siguientes capas: La capa fondo como original que conservaremos, una copia del fondo y una capa nueva transparente.

Yo os recomiendo empezar en la capa nueva con el pincel corrector puntual, una herramienta con la que se trabaja muy rápido. Para trabajar en la capa nueva, debéis seleccionar en el menú de la herramienta Muestrear todas las Capas, para que la herramienta coja como origen la capa duplicada pero pinte en la capa nueva. Esto nos permite más control. Podemos borrar lo que hemos hecho o cambiar la opacidad.

Trabajaremos de esta manera con el Pincel Corrector y con el Tampón de Clonar, seleccionando en el menú de la herramienta Actual e Inferior. Si necesitáis usar la herramienta parche, tendréis que usar la capa fondo copia, ya que el parche solo funciona en capas con información.

Este flujo de trabajo por capas puede ser un poco engorroso pero nos permite corregir el trabajo si no nos ha quedado bien.

Si ya domináis las herramientas, cosa que haréis tras la segunda o tercera foto que restauréis, podéis trabajar directamente sobre la capa duplicada con todas las herramientas. Si hacéis esto, os recomiendo aumentar la capacidad del Historial de Photoshop para poder volver atrás como mínimo 50 pasos. Para aumentar el Historial, tenéis que ir a las preferencias de Photoshop.

Recomendaciones finales

Una tableta gráfica es un buen aliado en la restauración de fotografías, dando mucha agilidad al trabajo, por lo que emprender un proyecto de restaurar el archivo familiar puede ser una excusa para comprársela.

Y por último, algo bastante importante, si no os dedicáis profesionalmente a la fotografía: No le contéis a nadie que sabéis hacerlo. La demanda de restauraciones subirá como la espuma, tías, abuelas y suegras os pedirán que les arregléis una foto y os puedo asegurar que el trabajo puede llegar a acumularse.

Fotografías | José Juan Gonzalvez

Una de esas decisiones sorprendentes que los usuarios no nos explicamos demasiado. Una funcionalidad que es útil, es suprimida un buen día de la aplicación, y los que antes la utilizaban se ven obligados a buscarse la vida para resolver esta carencia via plugins o software de terceros.

Un ejemplo es la funcionalidad de “Hoja de Contactos“. Desde la versión de Adobe Photoshop CS4 ya no está. Y de pronto vuelve a aparecer en la CS6. Quizás era posible hacerlo a través de Bridge, pero seguramente fue una decisión bastante desacertada ponerla ahí; se nota que el que decidió quitarla sencillamente no la utilizó nunca.

Qué son las hojas de contactos

Por si alguno desconoce el significado de esta herramienta, una hoja de contactos es una archivo de Photoshop que contiene una serie de miniaturas de un conjunto de imágenes. Esto nos resultará útil como archivo de cabecera para enviar por internet un conjunto de fotos, o bien para mantener un archivo de imágenes que hemos enviado a un cliente.

En el fondo es una herencia del laboratorio fotográfico analógico. Entonces se generaban esas hojas en las que se imprimían todos los fotogramas de un rollo, para que el fotógrafo, el cliente o el editor gráfico pudiera escoger las mejores tomas. Si no habéis vivido aquella época, seguro que tenéis en la cabeza esa imagen del editor con el fotógrafo mirando esta hoja con una lupa o un cuentahilos.

Como utilizarlas

Esta “nueva” funcionalidad está disponible en el menú Archivo > Automatizar > Hoja de contactos II

Esta opción nos mostrará la siguiente pantalla destinada a que decidamos el aspecto que va a tener nuestra hoja de contactos.

Lo primero es elegir la carpeta que contiene todas las imágenes que aparecerán en nuestra hoja, a través de la opción “Elegir”. Después, en el apartado “Documento”, elegiremos las propiedades del archivo final: resolución, espacio de color y la opción de acoplar todas las capas una vez termine el proceso.

En el apartado “Miniaturas“ elegiremos la forma en que se disponen los elementos. En este caso, he elegido 3 filas x 4 columnas. Y si el archivo está destinado, por ejemplo, a un cliente, nos interesa incluir los nombres de los archivos a pie de foto para que se puedan localizar fácilmente.

También es posible fijar un espaciado entre las fotos, o bien dejar que sea Photoshop quien lo decida de forma automática. Pero sólo lo recomendaría si queréis jugar con el tamaño de los márgenes, porque en general Photoshop realiza bastante bien esta tarea por sí sólo. Si en base al número de filas y columnas elegido, el número de fotografías excediera de lo que cabe dentro de una sola página, Photoshop irá creando más.

Cuando hablamos de retoque fotográfico o bien pensamos en las aberraciones que se cometen constantemente, o bien en algún maestro del fotomontaje (digital o analógico, eso es lo de menos).

A mí en concreto se me vienen a la mente un par de nombres: Misha Gordin y Gilbert Garcin, que es el fotógrafo que os quiero presentar hoy, un auténtico fuera de serie en esta materia.

Este francés nació en la ciudad de los ilustres hermanos Lumière, La Ciotat, en 1929. Se pasó la mayor parte de su vida vendiendo lámparas en Marsella, como si el “vender luz” fuese una premonición de lo que vendría, ya que tras jubilarse decidió dedicar todo su tiempo a ese asombroso arte que consigue escribir con la luz.

Ganador del concurso del club de fotografía de Aubagne, cuando tenía 65 años, el azar quiso que tuviera la posibilidad de seguir un curso en Arles con Pascal Dolesmieux, maestro que le enseñó todos los trucos del oficio.

Gilbert empieza entonces a dar rienda suelta a su creatividad, es capaz de imaginar mundos imposibles y fascinantes, mundos que además consigue plasmar en sus fotografías de manera brillante.

Según cuenta el propio Garcin, se pasó una grandísima parte de su vida acumulando imágenes interesantes en su mente y era el momento de dejarlas salir a la luz, nunca mejor dicho.

Con tal cantidad de “material” en su cabeza, se sumerge plenamente en el proceso creativo cargado de ideas y recursos. Como además ya está jubilado, no lo hace por dinero ni como medio de vida sino por puro placer y pasión, hecho que le permite ser totalmente libre.

Para crear estas imaginativas composiciones, Gilbert construye meticulosamente sus micromundos como maquetas y se fotografía a sí mismo de modo que posteriormente se pueda integrar en ellos. Añade a la escena su foto recortada, siempre ataviado con su traje y su sombrero. Algunos retoques y detalles, y ya tiene su foto final construida.

En total, unas treinta horas de trabajo es lo que requiere de media una de sus imágenes finalizadas, tiempo que nos hace conscientes de la dedicación que requiere esta disciplina, aunque bajo mi punto de vista y a juzgar por los resultados tampoco me parece una cifra excesiva.

Todo un ejemplo de creatividad y buen hacer que, incluso con medios mucho más limitados que los actuales, nos hace soñar y viajar por mundos fantásticos.

Copyright fotografías | Gilbert Garcin