He tardado en verla, pero al final me he enganchado a una de las series que más revuelo está causando en los últimos años. 'El juego del calamar' es adictiva y desde luego no es para los más pequeños de la casa. Destaca por muchas cosas, pero la fotografía me ha llamado poderosamente la atención. La dirección de fotografía es uno de los pilares de la exitosa serie.

La historia de violencia que cuenta la serie ha enganchado a miles de espectadores. Es un cuento de perdedores a los que les ofrecen una oportunidad para olvidarse de sus deudas. El problema es que ponen precio a su vida de la forma más cruel posible.

'El juego del calamar' triunfa por el uso de la violencia, por la incertidumbre que plantea en cada uno de los capítulos en los que no te puedes encariñar con ningún personaje porque no sabes cuando desaparecerá.

En pleno rodaje

La fotografía está al servicio de la historia. Nos convierte en espectadores omniscientes, como si fuéramos los personajes VIP hartos y hastiados por su propia vida. Es un juego visual donde los planos y los colores son parte fundamental para entender qué está pasando.

El secreto de la fotografía de 'El juego del calamar'

Una de las cosas que más me ha costado es encontrar al director de fotografía de la serie. En ninguna de las bases de datos que suelo consultar aparece el nombre, o nombres, de los encargados de la dirección de fotografía. Todos los artículos se centran en el director, guionista y productor Hwang Dong-hyuk que se ha vuelto el rey Midas de las series.

En una serie de estas dimensiones es normal que cada capítulo tenga su propio personal técnico. Pero Hwang Dong-hyuk se encargó de todo a lo largo de los nueve capítulos de la primera temporada. Y todo parece indicar que los demás profesionales hicieron lo mismo.

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En los especiales de la plataforma vemos a la directora de arte Kyoung-sun Chae, responsable del aspecto visual de la serie. Ella es la ‘culpable’ de todo lo que vemos.

Pero no he encontrado por ningún lado al director de fotografía. Así que si alguno lo conoce sería maravilloso que lo dijera en los comentarios. Esta serie tiene muchos efectos especiales. Aunque todos los escenarios son reales, están rodeados de un fondo azul y verde para recrear digitalmente esa realidad desasosegante.

La serie está rodada en 4K HDR, siguiendo las directrices de Netflix para garantizar la máxima calidad a sus espectadores. Y está rodada con el método de la multicámara.

Multiple-camera, como se conoce en inglés, es un método de producción que se utiliza sobre todo en el mundo de la televisión. Varias cámaras, desde distintos puntos de vista y con la misma configuración, graban todo lo que sucede en el set para no perderse ni un detalle.

Por este motivo vemos muchas cámaras en los platós de televisión y al típico director dando señales para que entre una cámara u otra… Es el papel que hizo Ed Harris en 'El show de Truman', para entendernos.

En esos escenarios tan grandes no se puede perder ni un detalle. Así que graban de forma simultánea y luego en el montaje se elige el mejor plano de cada escena. No puedo imaginar el esfuerzo para darle sentido a tal cantidad de metraje.

Y sobre todo los problemas de iluminación que pueden surgir si no está todo medido al milímetro. Es importante respetar los puntos de vista, evitar cruzarse y tener mucho cuidado con las sombras... Seguro que tiene que haber un responsable final al que me gustaría encontrar.

La fotografía al servicio de la historia

El aspecto visual de la serie es uno de sus pilares. La inspiración de la historia está clara. En todo momento encontrarás referencias a 'Battle Royale' (2000); y por supuesto a 'Los juegos del hambre' (2012) y la olvidada película de Arnold Schwarzenegger 'Perseguido' (1987) a partir de una historia de Stephen King.

Uno de los carteles promocionales

Pero la fotografía distingue a 'El juego del calamar'. Esos campos de juego enormes en los que se simula la realidad nos hacen ver los juegos infantiles como algo terrorífico. Ya no queda nada de la seguridad que te daban los campos de juego.

Vemos planos abiertos, disparados con objetivos angulares que deforman la imagen como el guion deforma una realidad que nos resulta demasiado familiar. Otros planos nos acercan para ver el detalle, el rostro de sufrimiento o el rastro de la sangre sobre el suelo artificial.

El uso exquisito del color

El uso del color es impresionante. Si puedes ver la serie en una televisión HDR notarás la explosión literal del color. Y te darás cuenta de que todo tiene sentido. Por ejemplo, si queremos diferenciar a los jugadores de los soldados no hay nada mejor que vestir a unos de verde y elegir el complementario para los otros, el rojo.

El color es clave. Salvo alguna que otra escena donde la oscuridad tiene un papel relevante, la luz transforma la forma de contar una historia de terror y sangre. Sabes que vas a morir de una forma horrible, antes o después, pero en un escenario infantil todo parece más cruel.

Las escaleras de Escher

Una de las escenas más impactantes son las famosas escaleras inspiradas en el artista Escher. Nunca sabes si suben o bajan. El punto de vista cenital, que nos sitúa como espectadores omniscientes, se inunda de color. Lo más duro es cuando te das cuenta de que esos colores saturados, que siempre asocias a la fiesta, se han convertido en el camino a la muerte.

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'Ven y mira', las fotografías del terror de la guerra

Si todavía no la has visto, y te gusta la fotografía, seguro que tienes un motivo más para engancharte a uno de los últimos fenómenos televisivos.

Ha terminado ya la segunda temporada de 'Detrás del instante', la serie documental de Xavier Baig y Jordi Rovira, producida por RTVE en colaboración con REC Produccions, sobre la vida y obra de los fotógrafos españoles. A lo largo de 13 capítulos nos han descubierto qué es realmente la fotografía. Una buena noticia sería que anunciaran ya la tercera...

'Detrás del instante' se está convirtiendo en una de las mejores series documentales en español sobre el arte que nos apasiona a todos los que escribimos y leemos Xataka Foto.

La fotografía no consiste solo en máquinas y técnicas digitales; tampoco vive exclusivamente de imágenes virales que se olvidan al instante, en cuanto aparece otra más impactante... La fotografía es una trabajo y una pasión. Y ellos lo han dejado claro.

El capítulo de Tino Soriano

En los últimos tiempos cada vez es más frecuente encontrar en las redes grupos de fotógrafos que atacan a los demás por no pensar como ellos o por escribir en medios ajenos, simplemente por 'crear polémica' (como nos dijeron textualmente)... 'Detrás del instante' demuestra que la pura fotografía es trabajo, trabajo y más trabajo y pensar en el bien común.

Tino Soriano, Isabel Muñoz, Estela de Castro, Marisa Flórez, Gonzalo Azumendi... son algunos de los autores que nos han contado la historia de una de sus fotografías más representativas y luego hemos descubierto su trayectoria personal y profesional. Y como ocurre con las buenas películas, nos quedamos con ganas de más.

'Detrás del instante' y su papel en la historia de la fotografía

Uno de los tesoros más grandes que tengo en mi videoteca personal son algunos de los documentales de fotografía que he ido consiguiendo a lo largo de mi vida por distintos medios. Muchos los he comprado, como todos los dedicados a Henri Cartier Bresson, otros los grabé en VHS y algunos me los han pasado los propios autores.

El capítulo de Kim Manresa

Ahí tengo la maravillosa serie de Momeñe que siempre digo que hay que recuperar para todo el mundo, o cualquiera de las series de la BBC (la referencia en este campo) en las que muchos descubrimos aspectos desconocidos de la historia de la fotografía.

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¿Hacer cine solo con fotos? Tres joyas históricas para disfrutar

Dentro de mi colección tengo ya (espero que no desaparezca Rtve A la carta) las dos temporadas de 'Detrás del instante'. Es una serie accesible para todos los públicos, no solo los aficionados a este mundo.

El capítulo de Isabel Muñoz

Cualquiera puede entender que el trabajo de los personajes entrevistados es fruto del esfuerzo, de la búsqueda y sobre todo de las ganas de trasmitir y cambiar la forma de ver las cosas. Todos tienen un estilo propio. Y no lo han conseguido después de estar tres meses en una academia televisada 24 horas ni por ser alguien en las redes sociales.

En esta serie documental cuenta que nada es gratis, que el esfuerzo y el trabajo son los mejores caminos para conseguir ser reconocido. Isabel Muñoz es incansable, Tino Soriano empezó a trabajar en otras cosas para conseguir su sueño de viajar, Victor Lax se reinventó para salir de la crisis económica que le dejó sin ingresos...

Algunos capítulos los pondría en los institutos donde algunos creen que el éxito solo depende de los seguidores que tengas. Parezco un abuelo cebolleta pero es así. Además tenemos desde autores consagrados como Fontcuberta, con todo su discurso detrás hasta Estela de Castro, una de las autoras más prometedoras del panorama.

El capítulo de Estela de Castro

Y rezuma por todos lados un amor infinito a la fotografía: la búsqueda de las historias, del material fotográfico, las anécdotas, la forma de grabar a pesar de todos los problemas de la pandemia... En cada uno de los documentales encontramos a los compañeros de trabajo del entrevistado que nos ayudan a comprender la forma de mirar del protagonista.

En definitiva, estamos ante una serie documental que debería tener más temporadas. Hay cientos de fotógrafos que no conocemos, escuelas y corrientes de los que se sabe poco...

A algunos de los fotógrafos que han salido esta temporada los conozco personalmente y me he quedado con ganas de conocer a Fontcuberta, a Kim Manresa y a ese torbellino que es Gonzalo Azumendi... Y a juzgar por lo que hemos leído a nuestros lectores, muchos habéis terminado con la misma sensación... La serie ha sido un éxito.

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35 películas y documentales con, de y para fotógrafos

¿Os imagináis que además de las biografías de autores recientes nos cuentan de la misma forma la historia de Alfonso, de Catalá Roca, de la escuela de Madrid o

la inolvidable AFAL...? ¿O qué simplemente nos descubren a más autores y su forma de trabajar? Ojalá podamos volver a ver nuevo material la temporada que viene.

Retomamos la serie de 'Los secretos de la herramienta Pincel de Adobe Photoshop' para aprender a mejorar nuestras selecciones. Sabemos lo difíciles que son de hacer, así que seguro que no nos vendrá mal saber cómo hacer un pincel que simule el pelo de nuestros modelos en Adobe Photoshop.

Todo lo que vamos a ver a continuación depende de lo que hemos visto en la serie que estamos haciendo sobre el buen uso de la herramienta Pincel de Adobe Photoshop. Si utilizamos solo el clásico circular estamos perdiendo muchas posibilidades a la hora de revelar.

Hoy vamos a aprender a hacer un pincel desde cero teniendo en cuenta todos los parámetros que tenemos en la ventana Ajustes del pincel. Seguro que a partir de ahora será otra ventana que tendrás siempre abierta y verás cada vez más claro la necesidad de trabajar con dos monitores.

Imagen original

Cómo crear un pincel de pelo con Adobe Photoshop

Muchas veces, cuando hacemos selecciones rápidas, el pelo del sujeto delata un mal trabajo. Hay muchas opciones, pero crear un pincel que tenga el mismo aspecto para mejorar la máscara de capa supone agilizar nuestro trabajo.

Lo ideal sería trabajar con una tableta gráfica para conseguir un aspecto mucho más natural, pero si el pelo es liso podemos hacerlo sin problemas con un ratón. Así que vamos a ver cómo podemos crear nuestro propio pincel de pelo en función de la fotografía en la que estemos trabajando.

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Cómo conseguir el efecto de la piel de porcelana con Adobe Photoshop

• Abrimos la fotografía en la que queramos hacer algo con el pelo de nuestro modelo. En este caso utilizaré una fotografía hecha con la Sony A7RIV.
• Creamos dos capas vacías en el menú Capa>Nueva>Capa.
• La primera que hemos creado la rellenamos de blanco en Edición>Rellenar>Contenido>Blanco. Y desactivamos su visibilidad desmarcando el ojo de la ventana Capas.
• Ahora nos situamos en la segunda capa que hemos creado y ampliamos la imagen al 100% (Ctrl+Alt+0)
• Seleccionamos la herramienta Pincel (B) y ajustamos su Tamaño a 1-2 pixeles (según como sea el cabello) y la Dureza al 100%.
• El color de la herramienta será Negro. Solo hay que hacer doble clic sobre el icono del Color frontal y poner el valor RGB a 0, 0, 0.
• Ahora tenemos que pintar dos o tres trazos lo más parecidos al pelo de nuestro modelo. Como la capa está vacía y vemos el pelo que queremos replicar es fácil conseguirlo. Este paso es fundamental para conseguir un buen resultado y por lo que se justifica el uso de una tableta.

Los trazos listos para convertirse en un pincel

• Una vez estemos convencidos de la calidad de nuestros trazos, activamos de nuevo la visibilidad de la capa que pintamos de blanco. Así solo veremos los trazos que hemos hecho sobre fondo blanco.
• Activamos la herramienta** Marco rectangular** y seleccionamos los trazos.
• Para terminar vamos al menú Edición>Definir valor de pincel... Le ponemos un nombre descriptivo y Ok.
• Y podemos tirar a la papelera las dos capas que hemos utilizado.

Ya hemos creado nuestro primer pincel de pelo. Pero si lo ponéis a prueba veréis que no sirve para nada, solo repite el patrón. Ha llegado el momento de utilizar el panel Ajustes del pincel para conseguir nuestro objetivo, como vimos en el anterior artículo de la serie.

Tenemos muchas posibilidades de configuración. Personalmente os animaría a probar todas para entender lo que hace cada una, pero os vamos a señalar cuáles tenemos que modificar para lograr nuestro objetivo.

• En Dinámica de la forma subimos al 100% Variación del tamaño para que los trazos no sean siempre iguales. Y ajustamos Variación del ángulo para que cambie de dirección de forma automática. Para el pelo puede quedar bien en torno al 10% (pero depende de cómo sea el pelo, por supuesto). Todos los controles los dejamos en Desactivado.

Los parámetros que hay que tocar

• En Dispersión marcamos Ambos ejes para que el efecto pelo sea más natural, menos repetitivo y subimos el parámetro de Dispersión en torno a 100% para que pinte en varias direcciones. Por supuesto debemos experimentar con los valores que pongamos.
• En Transferencia jugamos con el valor de Variación de la opacidad (30-50%) para que cambie a lo largo de los trazos y que no tengan siempre la misma intensidad.

Si estamos conformes con el resultado deberíamos grabar los ajustes (solo hay que hacer clic en el icono de ajustes de la ventana y marcar Nuevo valor de pincel) para tener el pincel preparado por si volvemos a encontrar alguien con el mismo tipo de pelo... Seguro que con 10 pinceles distintos podemos cubrir todas nuestras necesidades.

Antes/Después

Como dije más arriba, es nuestra obligación jugar con las distintas posibilidades hasta encontrar el resultado perfecto. Por ejemplo, es muy curioso el resultado de utilizar Pincel doble para hacer dos trazados distintos al mismo tiempo.

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Tres pasos sencillos para mejorar la mirada en Adobe Photoshop

Así que ya tenemos un pincel personalizado que podemos utilizar en la propia capa (como hemos hecho en el ejemplo), en una máscara de capa o incluso para hacer una selección. Con este pincel podemos cambiar de tamaño, de color... lo que queramos, pues tiene todas las propiedades del sencillo pincel circular que siempre hemos utilizado.

Sony es el fabricante que más se está moviendo en la época de la pandemia. Ha presentado todo tipo de cámaras fotográficas y cine a lo largo de este año. Y hoy nos enseña la nueva Sony FX3, una cámara de vídeo con prestaciones profesionales y que supera todo lo que habíamos visto hasta ahora en la línea Alpha.

La nueva Sony FX3 es una cámara de formato completo con el aspecto de la serie Alpha y con las prestaciones de la serie FX de cine. Esa sería la mejor explicación para entender que nos trae Sony tal día como hoy. Es una Alpha de aspecto industrial con múltiples opciones para la configuración. Su competidora más directa es la Sigma FP que analizamos en Xataka Foto.

Tiene un sensor CMOS EXMOR retroiluminado de 10,2 MP y un procesador BIONZ XR, que seguramente será el mismo que el de la nueva Sony A1. Destaca por su alta sensibilidad y los 15 pasos de rango dinámico. Es capaz, gracias a su diseño, de grabar en 4K a 60p de forma ininterrumpida y llega a los 4K 120p para cámaras lentas.

Sony FX3

Es una combinación de las cámaras orientadas al cine de Sony con sus cámaras sin espejo para la fotografía. Y está orientada al público profesional que quiere empezar a grabar con las mejores prestaciones posibles pero sin los precios y tamaños de otros modelos superiores.

Características principales de la Sony FX3

Esta nueva cámara incorpora el sensor CMOS Exmor R™ retroiluminado de 10,2 MP con procesador BIONZ XR de la casa. Tiene una sensibilidad 80-102400 ISO pero podemos forzar para llegar a los 409600 ISO para grabar en situaciones de total oscuridad.

Uno de los aspectos mas señalados es el perfil S-Cinetone por defecto. Un perfil que viene de las cámaras Venice de alta gama que permite lograr sin apenas postproducción una reproducción de los colores naturales y con un cierto aire cinematográfico.

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Las ventajas de usar software libre cuando empezamos en fotografía

El resto de sus características son las mismas que las de la Sony A7SIII o la FX6.

El mismo tamaño que una Sony de la serie Alpha

• Puede grabar tanto en formato completo como en Super35.
• Alcanza los 4K 120p y llega a los 240p en FHD.
• Los formatos de grabación son el XAVC S, XAVC SI y XAVC HS.
• Puede grabar con una profundidad de 10 bits a 4:2:2.

También destaca por su sistema de autoenfoque, muy parecido al de la serie Alpha, con 627 puntos de detección de fase, el seguimiento del objeto con solo pinchar en la pantalla (que comparte con la 7SIII) y la posibilidad de enfocar al ojo controlando la velocidad del enfoque para lograr resultados profesionales.

Y por supuesto tiene un sistema de estabilización de 5 ejes que permite grabar sin movimientos incluso en 4K. Además graba como metadatos el tema de la estabilización para poder hacer correcciones posteriormente en los programas compatibles.

El diseño de la Sony FX3

Una de las quejas que aparecían en los foros cuando se habla de cámaras fotográficas que graban vídeo es la imposibilidad de grabar de manera ininterrumpida durante tiempos largos. Su diseño tiende al sobrecalentamiento cuando está mucho tiempo trabajando.

Para solucionar este problema el cuerpo de la FX3 está fabricado con una aleación de magnesio que permite disipar el calor de una forma mucho más efectiva y cuenta con un ventilador para la refrigeración activa que permite grabar sin miedo a que se apague por sobrecalentamiento.

El cuerpo sigue siendo estanco a la humedad y el polvo para poder grabar en cualquier lugar todo el tiempo que haga falta, pues podemos conectar la cámara mediante el USB para tener alimentación las horas que necesitemos. Y parte de la premisa de ser una máquina ligera para rodar individualmente si fuera necesario.

Una cámara robusta

Además muchos de los botones más usados, como el de grabación o el ajuste blancos, están duplicados en el cuerpo y en la empuñadura. Y tenemos los avisos de grabación iluminados para que el operador esté informado en todo momento. Además el zoom lo podemos controlar con una palanca en el cuerpo que permite unas transiciones más suaves que las que podemos hacer con el anillo de los objetivos.

Lo que más la diferencia de las cámaras de la serie Alpha es la capacidad de ampliación con numerosos accesorios para convertirla en una completa cámara de cine. Cuenta con cinco orificios de rosca (1/4-20 UNC) para ponerle monitores, grabadoras, micrófonos y todo lo que se pueda necesitar. Incluso podemos acoplar micrófonos profesionales gracias a las entradas de audio XLR/TRS.

Todo lo demás recuerda más a una Sony A7SIII o la A1. De hecho, si nos detenemos en las prestaciones -que veremos a continuación- en lo único que se diferencia es precisamente en su construcción. Y que claramente es una cámara más orientada al cine que a la fotografía (de hecho permite hacer fotos a 12,1 MP).

En conclusión

Tenemos una de las mejores cámaras para lograr grabaciones profesionales con el cuerpo de una Alpha y las prestaciones y posibilidades de ampliación de una cámara de cine de la serie FX. Trabaja con dos tarjetas CFexpress Tipo A y permite incluso conectarse con una LAN inalámbrica de alta velocidad.

Ideal para pequeñas productoras

En definitiva tenemos entre las manos a la hermana pequeña de la serie Cinema Line que complementa a la FX9 y la FX6 dentro de las producciones más sencillas del mundo del cine.

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Esas "cosas raras" que sólo hacemos los fotógrafos...

Saldrá a la venta en el mes de marzo por 4700€. Una cámara que hará las delicias de los videógrafos que quieran tener una herramienta pequeña y eficaz para lograr resultados profesionales.

Han inaugurado en la Fundación Mapfre de Madrid, en su sede del Paseo de Recoletos, la exposición retrospectiva de Tomoko Yoneda, una fotógrafa japonesa. Es la primera que se organiza en España después de ser reconocida como una de las autoras más interesantes del panorama internacional. Su trabajo evoca, sin aspavientos, las duras historias pasadas para ayudarnos a recordar lo que no tendría que volver a pasar.

Hacer fotografías no es fácil en absoluto. Exige mucho tiempo y dedicación. Tomoko Yoneda estudio en la University of Illinois en Chicago, y luego obtuvo el master del Royal College of Art de Londres. Una vez dominada la técnica - sorprende ver la calidad de las distintas series realizadas con antiguas Kodak Brownie u Olympus de medio formato (la mitad de un 35 mm)- hace falta tener ideas e historias que contar.

A lo largo de 17 series, algunas inacabadas, Tomoko Yoneda busca contar a través de la cámara todo lo que le sugiere la historia pasada. Parte de su país pero es capaz de moverse por todo el mundo, hasta por España, donde realiza dos series. En una época donde salimos poco es un alivio contemplar un trabajo tan completo como el de esta autora.

Tomoko Yoneda, más allá de la memoria

Nació en 1965 en la ciudad japonesa de Akashi. Sale joven de su país para estudiar periodismo en los EEUU pero la fotografía se cruza en su camino. En Chicago entra en la escuela de la New Bauhaus, heredera de la creada por László Moholy-Nagy.

Y es algo que se aprecia en su obra. Por lo menos destacan dos de sus preceptos que podemos leer en el manifiesto que elaboraron a principios del siglo XX: Simplicidad y efectividad y un desarrollo constante.

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Luego fue a Londres, donde se instaló a vivir y cursó el máster de fotografía de la Royal College of Art, cuna de muchos famosos fotógrafos.

De la serie Una década después River—view of earthquake regeneration housing project from a river flowing through a former location of evacuees’ temporary accommodation Río. Vista del complejo de viviendas para la regeneración tras el terremoto desde un rio que atraviesa la antigua los evacuados 2004 Copia cromogénica

Su trabajo destaca por la investigación previa. No busca reflejar el momento histórico sino los efectos de los hechos acontecidos allí en el presente. Y consigue emocionar en algunos momentos. Su fotografía sin duda es fría, conceptualista. Pero es ajena a los argumentos vacíos que muchos autores solo saben rellenar con discursos llenos de lugares comunes.

Personalmente me ha emocionado una de las series más sencillas: 'Más allá de la memoria y de la incertidumbre'. Solo son tres fotografías. En blanco y negro. Minimalistas. Pero con una carga emocional única. Transcribo la cartela que podemos leer en la exposición:

De la serie Más allá de la memoria y la incertidumbre American B-52 returning from a bombing raid on Iraq, Fairford, England B-52 estadounidense regresando de un bombardeo en Iraq, Fairford, Inglaterra 2003 Copia cromogénica

De niña, los padres de Yoneda solían contarle historias sobre sus experiencias durante la guerra y cómo veían pasar los Boeing B-29 americanos. El modelo B-29 Superfortress fue un bombardero estratégico estadounidense intensamente utilizado en Japón, entre otras cosas para para lanzar las bombas atómicas sobre Hiroshima y Nagasaki. Este recuerdo de infancia es reimaginado por Yoneda cuando viaja en 2003 a una base militar en Inglaterra para fotografiar el B-52 Stratofortress estadounidense que regresa de bombardear Bagdad durante la guerra de Iraq. Con ello Yoneda sugiere que la misma historia que le contaron sus padres sobre los bombarderos americanos volverá a ser contada a los niños iraquíes en el futuro.

Es un ejemplo de lo que podemos encontrar en las salas de la Fundación. La sala de Bárbara de Braganza, donde siempre hemos visto las exposiciones de fotografía, permanece cerrada...

Son 17 historias, con pequeñas vitrinas donde podemos ver los libros y referencias de la autora. Así como dos de las cámaras que ha empleado en dos series: la Brownie de Kodak y la Olympus Pen que sacaba dos fotografías verticales en el espacio de un negativo de 35 mm... Con un solo carrete podías hacer 72 fotografías.

Las series son muy dispares en cuanto a técnica, dimensiones y desarrollo. Pero el fondo melancólico de la autora está siempre presente. Muy original Entre lo visible y lo invisible, donde podemos ver textos de importantes figuras del siglo XX a través de sus gafas. En el encuadre vemos la montura de Le Corbusier y un texto autógrafo del arquitecto.

De la serie Entre lo visible y lo invisible Las gafas de Freud, viendo un texto de Jung II 1998 Copia de plata en gelatina

Muy crítica con la guerra y sus efectos, con el mismo pensamiento antibelicista de Albert Camus, reflexiona sobre las consecuencias de las batallas de su propio país y por supuesto de todo el daño que ocasionó EEUU en las muchas guerras en las que estuvo implicado.

De la serie El sueño de las manzanas Lorca’s ‘La Barraca’ overalls El mono de Lorca en La Barraca 2020 Copia cromogénica

De hecho las series que ha hecho en España versan sobre los escenarios de la guerra civil y una serie dedicada a Lorca, a ese mono azul de La Barraca, que llevaba cuando actuaba en los pueblos con las obras de los grandes clásicos.

La exposición en la Fundación Mapfre

La Fundación Mapfre sigue la línea perfecta que ha marcado desde hace mucho tiempo. Siempre trae retrospectivas de fotógrafos consagrados o figuras emergentes como la que podemos ver ahora. La exposición de Tomoko Yoneda es un descanso visual para una sociedad cansada como la nuestra.

Entrar en las salas de esta exposición es una cura, una invitación a la reflexión y a ver las múltiples realidades de otra forma. Para contar tu forma de mirar no se necesita hacer ruido. No es necesario el adorno ni ser pedante.

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¿Merece la pena comprarse una cámara sin espejo full frame?

Así que si estás por Madrid y puedes acercarte a la sala seguro que vas a disfrutar de lo que es la fotografía. Es una autora de las que hay que tener en cuenta porque realmente es capaz de comunicar a través de la cámara. Y no os olvidéis de hojear el catálogo, una referencia y un clásico dentro de las retrospectivas organizadas por la Fundación Mapfre.

• Tomoko Yoneda
• Fundación Mapfre (Paseo de Recoletos, 23. Madrid)
• Precio: 4€
• 11 de febrero - 9 de mayo de 2021
• Lunes (excepto festivos): 14:00 - 20:00 h Martes a sábados: 11:00 - 20:00 h Domingos y festivos: 11:00 – 19:00 h

Este frío otoño lo pasamos en casa con un buen café y aprendiendo más del mundo de la fotografía y la imagen. En este nuevo domingo os traemos el recopilatorio de las noticias más llamativas de la semana y un par de curiosidades adicionales para disfrutar. Así que, bienvenidos a una nueva Galaxia Xataka Foto.

• Con la llegada de Photoshop CC2021, estamos explorando y experimentando todo el poder de las herramientas basadas en la IA de Adobe Sensei. Por eso, el lunes llegamos con un nuevo tutorial para hacer más perfecta la selección de cabello y objetos de fino detalle con el nuevo Photoshop CC 2021. La nueva actualización de Adobe hace estos procesos de selección cada vez más sencillo y nuestro flujo de trabajo cada vez más rápido y eficaz.

• Esta fue una semana de concursos con extraordinarias galerías fotográficas. El martes se anunciaron los ganadores del Leica Oskar Barnack Award 2020. El ganador de este certamen fue Luca Locatelli con una interesante serie titulada ‘Future Studies’. A través de 20 capturas, estudia distintas formas en las que la humanidad busca sobrevivir en la Tierra. No dudeis en ver la nota y mirar las demás series destacadas de la competencia.

© Christina Holfelder - "I Could Puke" / Comedy Wildlife Photo Awards 2020

• El miércoles fue de risa con los ganadores del certamen Comedy Wildlife Photography Awards 2020. Esta competencia se dedica a promover una cultura de protección del medio ambiente y la naturaleza a través de la diversión. Una tortuga se lleva el premio mayor, y nos lo hace ver haciéndonos una ‘peineta’.

• El jueves viene con nuevos trucos sobre cómo mejorar nuestros paisajes otoñales. Una serie de consejos que nos ayudarán a tener en cuenta distintos elementos que saquen el provecho del color, las texturas y la hermosa luz que acompaña esta época. Aunque, antes de decidir aplicar estas técnicas es importante ayudarnos entre todos quedándonos en casa.

• El viernes fue de opinión. Pentax tiene una curiosa posición sobre el mundo de las DSLR digitales. Pero, ¿qué lleva a la japonesa a creer que este segmento será el futuro de la fotografía? Puede ser una simple estrategia de mercadeo o una visión cerrada sobre el futuro de la fotografía basada en la incapacidad de seguir la tendencia del mercado. Pero podéis visitar la nota y comentar lo que vosotros creéis.

Por demás, la semana también llegó con otras curiosidades para disfrutar.

• Lo primero es una interesante galería que llega desde Cultura Inquieta. ‘Bailarinas desde el aire’ es una llamativa serie que nos muestra el arte del ballet desde una perspectiva característica del fotógrafo Brad Walls, la cenital. Aprovechando las figuras del cuerpo, la luz, el contraste del espacio y los característicos trajes de las bailarinas, el autor juega con la composición y la forma para crear imágenes impactantes que nos sacan del suelo.

• Desde DPReview llega la noticia de la nueva versión de Lensbaby Spark 2.0. Es un objetivo inspirado en el Lensbaby original de 2004, pero con características que lo hacen más preciso. Es un 50mm F2.5 a F22 con la posibilidad de enfocar a una distancia mínima de 38 centímetros. Por su capacidad de angularidad se puede generar un efecto de foco selectivo característico de la fotografía de placa, aunque con un grado muy bajo de precisión. Un objetivo llamativo, que da una sensación de mundo de fantasía. Ideal para quienes gustan de experimentar con la imagen. Podéis conocer más de él en su página oficial.

Fotografía: Lee Manston | vía LensBaby

• Finalmente, en un vídeo (en inglés) de Run N Gun nos muestran ideas caseras que podemos practicar en casa para realizar fotografías macro. Una serie de trucos y consejos que podemos aplicar desde la foto de producto a la de naturaleza y que será una buena forma de mantenernos activos durante el nuevo confinamiento. Gran aporte que llega desde PetaPixel.

Eso es todo por ahora. No olvidéis dejarnos más pistas y comentarios a través de nuestro formulario de contacto. ¡Hasta la próxima!

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Imagen de portada: Jagdeep Rajput - "Peekaboo" / Comedy Wildlife Photo Awards 2020.

En las próximas semanas de 2020 vamos a poder seguir viendo los nuevos capítulos de la serie documental 'Detrás del instante'. Pero si queremos conocer cómo es la fotografía española contemporánea podemos ver ya, en el canal de RTVE de Youtube y en su página oficial de Playz, la serie microdocumental 'Generación instantánea'. Seis capítulos dedicados a algunos de los mejores fotógrafos de la actualidad.

Estamos de enhorabuena. RTVE acaba de empezar a emitir 'Detrás del instante' y tenemos ya a nuestra entera disposición los seis capítulos de 'Generación instantánea'. Por un lado los grandes clásicos y, por otro, sus discípulos. La primera serie se emitirá en La 2 a lo largo de este año; y la segunda, que se emitió en el canal digital PlayZ, está ya disponible en dicha plataforma y en Youtube.

Dicen que solo la fotografía es capaz de detener el tiempo. Detenerlo, capturar el instante y conquistar con ello a medio mundo es lo que han conseguido los seis protagonistas de esta serie microdocumental que pone al otro lado de la cámara a algunas de las figuras más reconocidas de la nueva fotografía española: Cristina de Middel, Laia Abril, Santi Palacios, Ricardo Cases, Nicanor García y Óscar Monzón.

La fotografía en la televisión

La semana pasada anunciamos la nueva serie de la televisión pública dedicada a algunas de las grandes figuras de la fotografía española. Y hoy recordamos que podemos descubrir la mirada de algunos de los fotógrafos más representativos de los últimos años.

Lo mejor de todo es que vamos a poder establecer relaciones o paralelismos entre ambas generaciones con ambas series documentales. Los clásicos y los modernos. Y seguro que nos sorprendemos cuando descubrimos que los más jóvenes siempre aprecian a los mayores. Y sobre todo han estudiado su obra. Es muy difícil destacar si no tienes fuentes de inspiración.

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'Detrás del instante', la nueva serie documental de fotografía que podremos ver en TVE

Apenas llegan a 12 minutos por capítulo pero la información que aportan estos pequeños documentales es muy completa. Sirve para hacerte una primera idea de la realidad de la fotografía en el contexto actual. Es una introducción a la vida y obra de estos artistas. Es el primer paso. Luego tenemos la obligación de buscar sus libros, encontrar sus portadas y decidir si les seguiremos desde ese momento.

Todos ellos tienen un trabajo muy interesante:

• Cristina de Middel, la futura miembro de la agencia Magnum, ha revolucionado este mundo desde su primer fotolibro. Es quizás la figura más importante de los últimos años en la fotografía española.
• Laia Abril aborda los problemas de la mujer a través de su cámara. Marcó especialmente su fotolibro 'On Abortion'. Y le gusta abordar como nadie situaciones incómodas para la sociedad.
• Nicanor García encontró en Instagram la vía de escape y la solución a la falta de trabajo en lo suyo, la arquitectura. Tiene más de 700.000 seguidores gracias a sus fotos de arquitectura. Su mirada profesional es lo que marca la diferencia.
• Óscar Monzón llamó la atención de todos con su trabajo 'Karma', donde nos descubrió cómo somos, cómo cambiamos, cuando vamos en el coche. Utiliza la fotografía para cuestionar la sociedad. Tiene muy claro que la fotografía es una herramienta de comunicación a la misma altura que el lenguaje escrito.
• Ricardo Cases es uno de los fotógrafos más mediterráneos que podemos encontrar. Tiene un trabajo que se siente, es vivo. Parece que no tiene profundidad pero pocas veces veréis reflejada de semejante forma la realidad de la vida. Solo hay que ver 'Paloma al aire' para entenderlo.
• Santi Palacios es fotoperiodista. Y se interesa por la vida de los refugiados. Suyas son muchas de las fotografías que nos desgarran el alma de las pateras que han naufragado en el Mediterráneo. Nos cuenta siempre que todos somos iguales, que todos somos seres humanos.

Y por supuesto, nosotros tenemos la obligación de ver, compartir y hablar de 'Generación instantánea' para conseguir que hagan una segunda, tercera o las temporadas que hagan falta. Si demandamos contenidos semejantes tendremos una buena televisión y nos podremos olvidar de los líos y amoríos de gente que solo está interesada en gritar.

En Playz | 'Generación instantánea'

Una serie documental de fotografía en la televisión pública siempre es una buena noticia. Estrenan en La 2 'Detrás del instante'. Un programa semanal de media hora de duración que dedicará cada uno de sus capítulos a un fotógrafo español. Y empiezan con Carlos Pérez Siquier.

El miércoles 8 a las 20:00 pondrán el primer capítulo dedicado a Carlos Pérez Siquier y una de sus fotografías más famosas, 'La niña blanca', una de las vecinas de La Chanca, el mítico barrio que retrató uno de los fundadores del Grupo AFAL.

A lo largo de la primera temporada, de trece capítulos, iremos conociendo las historias de algunas de las fotografías más famosas de los mejores fotógrafos españoles. Ahí están Carlos Pérez Siquier, Sandra Balsells, César Lucas, Manel Armengol, Sofia Moro, José Manuel Navia, Raúl Cancio, Mariví Ibarrola, Gervasio Sánchez, Ricard Terré, Xurxo Lobato, Pablo Juliá y Joana Biarnés.

Carlos Pérez Siquier, 'Niña blanca'

Los fotógrafos españoles a lo largo de la historia

La selección de la primera temporada es perfecta. Tenemos representantes de todas las escuelas, de todas las corrientes. Hay fotógrafos vivos y míticos. Hombres y mujeres. Todos tienen en común que nos han enseñado cómo es la vida gracias a una cámara que contaba toda su experiencia.

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Mejorar el color de nuestras fotografías con Adobe Color

No se limitan a contar la biografía de un artista. La serie parte de una fotografía y conocemos todo del autor a través de esa imagen representativa. Porque las imágenes cuentan como somos. Es nuestra forma de ver, de sentir. Es un retrato de nosotros mismos, los fotógrafos.

Ricard Terré 'Isabel Clemente'

DETRÁS DEL INSTANTE plantea un viaje a la obra de diferentes fotógrafos a partir de la historia que hay detrás de una de sus imágenes para, después, recorrer la trayectoria de cada uno de ellos. Algunas historias explicaran, por ejemplo, qué pasó con la chica herida de metralla que Sandra Balsells retrató tras un bombardeo en Móstar, como cambió la vida a una niña bizca vestida de primera comunión que Ricard Terré fotografió durante la procesión de Corpus o como consiguió Pablo Juliá que Manuel Fraga saliera publicitando el voto para el PSOE.

Ellos cuentan con la luz como Lorca, Galdós o Auster lo hacen con las letras. Los demás escribimos con faltas de ortografía en las que caemos una y otra vez hasta que alguna vez acertamos y encontramos el camino correcto gracias a los que hemos descubierto de los grandes.

José Manuel Navia 'Juanita'

La idea de la serie 'Detrás del instante' es esta. Enseñar fotografía a partir de la historia de las mismas. Esperamos que los miércoles a las 20:00 durante trece semanas todos los que amamos todas estas cosas nos sentemos para verla. O luego en la página web de RTVE y que cuente como audiencia para que haya más temporadas...

Esperamos que sea una serie a la altura de la mítica 'La puerta abierta' y que se aleje lo máximo posible de las historias vacías de 'La luz de las historias', la insustancial serie de Netflix. Es maravilloso que la televisión pública española dedique tiempo a la fotografía igual que ha hecho siempre la BBC...

Los concursos son uno de los medios mediante los cuales los fotógrafos logramos conseguir experiencia, reconocimiento y una salida distintiva en el mercado laboral. Si bien la mayoría están enfocados al mundo más documental y artístico, participar en ellos nos impone retos que ponen a prueba nuestro estilo y visión. Por ese motivo hemos entrevistado a Scott Gray, fundador y CEO de los Sony World Photography Awards, quien nos cuenta un poco sobre el concurso fotográfico que representa y sobre lo que se requiere para ser un ganador de estos certámenes.

El camino al éxito

En una ocasión pasada hablamos con Scott Gray sobre la importancia de que los latinoamericanos participemos en los WPA 2020. En este encuentro hablamos sobre cómo los fotógrafos debemos dejar el miedo de lado, buscar nuevas formas para contar historias y tener un trabajo bien curado para participar en un certamen de esta categoría.

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La importancia de que los latinoamericanos saquemos la cara en los Sony World Photo Awards 2020

Scott Gray es un gran coleccionista de fotografías y alguien quien ha pasado mucho tiempo de su vida viendo trabajos fotográficos. En este segundo encuentro, preguntamos a Scott Gray qué elementos son claves dentro de esta pieza o serie fotográfica para competir y ganar el corazón de los jurados.

Gisela Filc, Argentina | Ganadora National Awards 2019

Si bien no existe una fórmula mágica, Gray menciona que tal vez el principal elemento a la hora de pensar un proyecto es “encontrar un tema que verdaderamente les apasione contar”. Esta pasión es clave en el elemento de historia en la fotografía que mencionamos en la entrevista pasada. Una buena historia puede ser contada desde distintas pasiones, por ejemplo, hablar sobre la deforestación puede ser abordado desde una tribu indígena afectada por ella, puede ser abordada desde los procesos de deforestación o incluso puede ser abordada desde el producto final que llega por esa deforestación.

Uno de estos ejemplos es el trabajo de la fotógrafa Wendy Ayala, parte de la selección fotográfica de los WPA 2019 por su serie ‘Epílogo’, en la que habla sobre redescubrir la casa donde vivía su padre tras varios meses después de su muerte. La casa que había sido afectada por un terremoto en ciudad de México, sufrió de varios deterioros del tiempo, el regreso de la naturaleza recobrando el espacio por entre las grietas y la humedad deterioraba el lugar. Una historia que encerraba muchos elementos en ella a través de su temática familiar central.

El encontrar una historia central que amemos y que nos apasione logrará agarrar temas masivos como medio ambiente, documental, arquitectura y demás palabras generales, para irlas centrando a un punto focal que contenga todo lo que queremos contar de manera concreta entre esas cinco a diez imágenes de la serie.

Hay que hacer

Sergi Villanueva, España | Ganador categoría estudiantes 2019

Sin embargo, la idea y la pasión no es lo único. Muy relacionado con el tema del miedo, uno de los elementos más importantes es hacer lo que se propone. La idea del proyecto no puede quedar en una idea. “El proyecto no puede quedar en unas imágenes descansando en un ordenador o solo para exhibirlo a nuestras madres” como dice Gray. Es importante realizar los proyectos y lanzarse a mostrarlos, en especial en una competencia como esta en la que se puede participar gratuitamente.

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Estas son las divertidas imágenes de animales ganadoras de los Comedy Wildlife Photography Awards 2019

Tal vez una de las mayores falencias que tenemos es no llevar a cabo nuestras ideas. Y es muy probable que no lo hagamos por presupuesto o porque no creemos lo suficientemente en ellas. Pero esas terminan siendo nuestras excusas. Si en realidad amamos una idea, si en realidad nos apasiona eso que queremos contar, lograremos realizar y llevar a cabo esos proyectos sin importar lo que cueste realizarlo.

Valorar el trabajo

El trabajo fotográfico es de gran importancia y debemos valorar nuestra labor. Tal vez uno de los grandes problemas actuales que se encuentran en nuestra profesión es el de creer que trabajamos por ‘exposición’, porque la gente reconozca nuestro trabajo. Y al pensar en ello la calidad es menor, el esfuerzo que invertimos es menor.

Una de las mentalidades que se deben adquirir es la de dar un precio a lo que hacemos. “El otro día, una fotógrafa quería regalarme una fotografía suya. Yo la rechacé, pero no es que fuera mala, de hecho es una fotografía hermosa. Sin embargo, le dije, no deberías estar regalándome tus fotografías, yo debería estar comprándolas. Ese es el punto de todo este camino.” dice Gray.

Un buen trabajo ganará exposición naturalmente. Para ejemplificarlo, Gray nos habla sobre varios de las actividades que el certamen de la WPA realiza para reforzar el valor de los fotógrafos. Entre ellas, la fundación no solo otorga premios en las categorías. Esta se encarga de apoyar a los fotógrafos a distribuir sus historias: “millones de artículos se publican alrededor del mundo sobre el trabajo de nuestros participantes, ellos tienen historias valiosas que los medios desean. Pero nosotros no se las entregamos a los medios, nosotros actuamos como puente. Les decimos, aquí tienen un par de imágenes [ que es lo que la WPA pide de derechos para distribuir y promocionar el trabajo de los artistas y el concurso ] pero si quieren mostrar la serie completa, deben comunicarse con el artista y negociar con él o ella.”

Victor Medina Gorosave, Mexico | Ganador National Awards 2019

Además de ser mediadores en las historias. Las imágenes de las exposiciones realizadas por la organización están disponibles para la venta. En caso de que una fotografía sea vendida, la World Photo Organization vuelve a actuar como mediador pero no recibe nada de ese dinero, es la persona quien realizó la fotografía quien recibe todo el dinero. Esto es un incentivo para que aquellos creadores valoren todo lo que hacen y sus magníficas historias.

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Los Sony World Photography Awards 2020 ya en marcha con una nueva categoría y cambios en la competición para los más jóvenes

La conclusión principal de esta charla se enfoca en el valor que le damos a nuestro trabajo. Ese valor es económico, narrativo, visual y emocional. Si tenemos pasión por nuestra historia, esta llegará al interés de la audiencia y conseguirá esa ‘exposición’ que muchos deseamos. A su vez, valorar esa historia y exigir una retribución por ella debe ser un incentivo y no un tabú para los fotógrafos. Recuerden que la exposición no paga las cuentas.

Gray concluye su entrevista recordando a los artistas que recuerden que los concursos son un medio de distribución y son una herramienta de promoción. Hace énfasis en que participar en los Sony World Photography Awards es gratuito. Así que el único riesgo que corren en participar es aprender cómo mejorar para el siguiente año. Las inscripciones están abiertas hasta el 14 de enero.

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Imágenes cortesía de Sony World Photo Awards Imagen de portada: Christy Lee Rogers | United States of America

En la sala Barbara de Branganza de la Fundación Mapfre en Madrid, uno de los templos de la fotografía, podemos disfrutar de la exposición 'Eamonn Doyle', una de las sorpresas más gratas para este otoño que acaba de comenzar. Solo lleva 6 años en el camino y ya ha sorprendido a propios y extraños con su trilogía de Dublín. Es un nuevo autor que aspira a convertirse en un clásico.

La sala Bárbara de Braganza organiza algunas de las mejores exposiciones de fotografía de la capital. Luego viajan a otras sedes del país o a otras ciudades del mundo. Suelen montar retrospectivas de autores míticos y como sucede ahora, fotógrafos contemporáneos con algo que decir en el panorama artístico.

Eamonn Doyle K–37 (serie irlandesa), 2018 tinta pigmentada UltraChrome HDR sobre papel Hahnemühle FineArt, 200 × 150 cm edición única de exposición cortesía de Michael Hoppen Gallery, Londres © Eamonn Doyle, cortesía de Michael Hoppen Gallery, Londres

En esta ocasión han traído una exposición que se vio primero en la RHA Gallery de Dublín. Ahora tenemos la oportunidad de verla en Madrid y es una ocasión única para conocer a un fotógrafo que está en la boca de todos los especialistas con una carrera de solo 6 años y tres series que, como hemos dicho, se conocen como la trilogía de Dublín: i, On y End. Una forma nueva, gigantesca, de ver la ciudad de Dublín y a los habitantes que le dan vida. Además de una nueva serie que se presenta como su trabajo más personal, K.

La vida de Eamonn Doyle

Todo cambia cuando cambias el punto de vista y consigues reproducir tus disparos a gran tamaño. Reconozco que me gusta más la fotografía en pequeño formato. Aquella a la que te puedes acercar como si fuera un libro y que casi puedes oler. Todo lo contrario a lo que veremos en las dos plantas de esta exposición.

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Eamonn Doyle nació en Dublín en 1969. Recibió una formación cultural que le llevó, al terminar la universidad, a recorrer el mundo. Cuando terminó este viaje iniciático volvió a su ciudad y se instalo en el edificio donde estuvo el negocio familiar. Allí organizó un estudio abierto para creadores de todo tipo. Allí fundó la famosa compañía D1 Recordings de música electrónica o el prestigioso Festival de Música Electrónica de Dublín.

En este periodo efervescente musical, aprovecho para fotografiar el barrio en el que vivía. De una forma totalmente fresca y distinta. Nada que ver con lo que estamos acostumbrados. El primer libro fue i... Y todo se desbocó cuando Martin Parr dijo que era el mejor libro que había visto en una década.

Así nació todo lo que vamos a ver en la exposición. Estamos hablando de 2014... una de las carreras más fulgurantes e inesperadas a nivel mundial. Es un cuento de hadas hecho realidad. Es un estilo personal, adornado con las virtudes de la música. El espectador no solo tiene que mirar, además tiene que sentir a través de la música.

En 2016 terminó la trilogía gracias a la invitación de los Rencontres d´Arles. Ahí presentó End, después del éxito de On un año antes. Y para culminar la Fundación Mafpre le invitó a exponer en 2019. No solo veremos estos tres proyectos, sino que además incluye K, un viaje por la costa de Irlanda y las tierras extremeñas en la que intenta asimilar la muerte de su madre a través de misteriosas imágenes y los típicos lamentos de muerte de su tierra natal.

La exposición

En total podemos contemplar las 153 fotografías de su trabajo. Suena raro hablar de retrospectiva, pero es lo que vamos a ver. Todo el trabajo de una vida artística. También disfrutaremos de 5 libros de fotografía y una vídeo instalación de 9 pantallas.

En i Doyle nos enseña la ciudad a través de los personajes anónimos que pueblan la ciudad. Parecen integrados, absorbidos por la calle. Y ante todo imponentes gracias al picado al que son sometidos y al color empleado. Estamos hablando de copias de 225x150 cm.

Eamonn Doyle End. (serie) Naranja, 2015 tinta pigmentada UltraChrome HDR sobre papel Hahnemühle FineArt, 67 × 100 cm edición única de exposición cortesía de Michael Hoppen Gallery, Londres © Eamonn Doyle, cortesía de Michael Hoppen Gallery, Londres

En On el punto de vista cambia. Y el blanco y negro sustituye al color. Ahora vemos contrapicados que permiten reconocer e identificar al paseante dublinés. Unas copias también inmensas de 160x240 cm que nos invitan a meternos dentro de la vida común de la ciudad. No es una visita turística sino la de alguien que sabe donde mirar.

Eamonn Doyle ON (serie) no. 47, 2014 tinta pigmentada UltraChrome HDR sobre papel Hahnemühle FineArt, 160 × 240 cm edición única de exposición cortesía de Michael Hoppen Gallery, Londres © Eamonn Doyle, cortesía de Michael Hoppen Gallery, Londres

End es más discreta. Más pequeña. En color, con planos cerrados que no nos permiten identificar el año en el que fueron hechas. Son más intemporales, más comunes y cercanas al espectador.

También podemos disfrutar de series menores como 'Visita de estado' en la que se dedica a fotografiar las alcantarillas marcadas por la policía para la visita de Isabel II en 2011 a Irlanda. Todas iguales y montadas una junto a la otra. Permiten descubrir el estilo de cada agente a la hora de confirmar que el lugar ha sido revisado por las fuerzas de seguridad.

Para terminar en la primera planta encontramos la videoinstalación 'Made in Dublin'. Si fuera posible hacer bailar a la fotografía con la música, este serie uno de los proyectos que más cerca han estado de conseguirlo.

Eamonn Doyle K–07 (serie española), 2018 tinta pigmentada UltraChrome HDR sobre papel Hahnemühle FineArt, 200 × 150 cm edición única de exposición cortesía de Michael Hoppen Gallery, Londres © Eamonn Doyle, cortesía de Michael Hoppen Gallery, Londres

En la planta baja se esconde la última serie de Doyle. K es un lamento. Es un homenaje a la madre muerta, a la madre pesarosa por la muerte prematura de su hijo. Acompañado por la música del lamento irlandés (sobrecogedora pero dura para el vigilante de la sala) vemos figuras envueltas en telas movidas por el viento, el agua y la soledad. El resultado impacta, sobre todo si sabes en qué consiste la muerte de un ser querido.

Apenas había oído hablar de Doyle, pero la exposición me ha impactado. Es otra forma de ver, alejada de los tópicos y bañada por la música. Si el cine tiene banda sonora era necesario que la fotografía también sonara de semejante forma. No podemos dejar de recomendarla. Es reportaje, pero es artística. Es fría, pero el montaje apabulla por el barroquismo de la presentación. Y la música te obliga a mirar de otra forma. ¿Será el principio de un nuevo movimiento?

• 'Eamonn Doyle'
• Sala Bárbara de Braganza
• Abierta hasta el 26 de enero de 2020
• Entrada 3€ (Gratuita lunes no festivos de 14:00 a 20:00 horas)