La asistencia fotográfica es un campo tan diferenciado de la fotografía como el de retocador o el de maquillador. La asistencia es una pieza vital más de la cadena de producción fotográfica encargada de conocer, disponer y diseñar los equipos de luz y sus modificadores para lograr el resultado que el fotógrafo tiene en mente. Hoy hablaremos sobre esta exigente profesión y qué es lo que hace falta para profesionalizarte en la asistencia fotográfica.

Qué es la asistencia fotográfica

En primer lugar hace falta delimitar qué es y hasta donde llega la asistencia fotográfica. Esta profesión se basa en conocer de forma técnica y creativa los diferentes tipos y modificadores de luz para trabajarlos según las directrices del fotógrafo. Esto quiere decir que en un equipo básico de producción, el fotógrafo piensa el tipo de imagen que necesita para la sesión, y el equipo de asistencia monta y coloca el material de forma que al disparar, el fotógrafo vea en el ordenador o el LCD el resultado que tenía en mente.

Cuanto más nos profesionalizamos, más específicas son las funciones de cada persona involucrada. Así, lo ideal es que el fotógrafo diseñe la luz y los encuadres, mientras que la asistencia dispone el equipo técnico, determina la relación de potencia, mide y panela la luz para moldearla correctamente. Esto no pasa siempre, y lo más común es que el fotógrafo tenga ayuda de un colega fotógrafo y que las labores acaben entrelazándose, aunque no es lo correcto.

Qué hace falta para ser asistente fotográfico

Lo más importante para ser asistente es la falta disciplina y tener mucha capacidad de coordinación. Yo diría que esos dos aspectos son los más fundamentales cuando quieres asistir a alguien porque hay que tener una percepción jerárquica de trabajo que es indispensable para funcionar correctamente como grupo.

Este aspecto merece una incisión especial, ya que hay debemos disponernos como en una orquesta: el fotógrafo es el director, quien decide qué imagen quiere. Esto implica que se le debe una obediencia ciega a quien guía la sesión y no se debe sugerir ni modificar las órdenes: el fotógrafo sabe qué fotografía quiere, y si no la consigue debe errar primero para darse cuenta de ello. Poner en duda las instrucciones de quien guía la sesión es una distracción innecesaria.

La coordinación incluye la anticipación: debemos siempre tener a mano todo lo que el fotógrafo necesite en cualquier momento y anticiparnos a lo que pueda pedirnos. No cuesta nada tener a mano el reflector, llevar siempre colgado el fotómetro o memorizar la configuración del flash para recitarla si es necesario. En este punto incluiremos la puntualidad, ya que debemos llegar con tiempo y preveer cualquier falta en el equipo o cambio que se necesite hacer en el estudio o en el exterior.

En cuanto a cómo conseguirlo, lo primero es demostrar que tenemos experiencia como fotógrafos y que comprendemos la parte técnica del medio. Tras ello, lo normal es contactar de forma directa o trabajar indirectamente realizando making ofs para diferentes proyectos, lo que nos proporcionará trato directo con quien podría estar interesado en cogernos como asistentes. El networking a través de eventos suele funcionar muy bien para este tipo de asuntos.

Y tú, ¿trabajas o has trabajado como asistente? ¿eres fotógrafo y quieres dejarnos tu condición imprescindible para contratar a un asistente? ¡Déjalo en los comentarios!

Foto de portada | Yukata Tsutano

Bruce Weber es uno de los nombres más importantes de la fotografía de moda y retrato que pese a su longevidad, sigue en activo con un trabajo excelente. En el año 2007 desarrolló una sesión de fotografías al icono Micheal Jackson para la revista L'Uomo Vogue que fue grabado en vídeo y que ha sido compartido. Te lo mostramos.

Bruce Weber puede considerarse el fotógrafo más importante en lo que a fashion photography se refiere durante la década de los 80 del pasado siglo, habiendo marcado a muchos fotógrafos de moda por su trabajo para firmas como Calvin Klein o Ralph Lauren. Por el objetivo de sus cámaras han pasado todo tipo de celebridades y modelos, incluyendo al mismísimo Michael Jackson.

El vídeo que os mostramos a continuación contiene parte de la sesión de fotografías que Bruce Weber realizo al Rey del Pop en el año 2007 para la revista L'Uomo Vogue y que formarían parte de la portada de la revista así como de apoyo a un reportaje con una gran cantidad de imágenes. Se trata de un video muy ilustrativo y del que podemos aprender mucho.

Tras visualizar este vídeo, aparte de disfrutar de ver a un auténtico profesional en acción sin ningún tipo de filtro y ver directamente como se trabajar en una sesión de fotografías de primerísimo nivel, podemos aprender varias cosas:

• Pese a ser el año 2007, Bruce Weber sigue trabajando con varias cámaras de formato medio Pentax 6x7 (que se van sucediendo en cuanto se acaba el negativo de las mismas) y hace uso de un asistente para contrarrestar el reflejo del flash sobre el objetivo en lugar de hacer uso de parasol, algo que permite que no se anule totalmente la influencia del flash sobre el objetivo.
• El modelo en una sesión de fotos tiene que estar concentrado, pero sin duda, el fotógrafo tiene que estarlo más. Podemos apreciar claramente la pasión, concentración y comunión que mantiene Weber con Jackson durante la toma de imágenes.
• En una sesión de fotografías, si se puede, el fotógrafo tan solo tiene que mirar por el objetivo y disparar. Para todo lo demás están los asistentes. Se gana enteros en concentración y por tanto, en facilidad para tener mejores imágenes.

Hoy nos aventuramos a hablar de un elemento invisible cuando solemos trabajar: los escenarios, los fondos, las localizaciones en las que realizamos nuestras fotografías en exteriores. Se ha escrito literatura que pasa desapercibida para muchos fotógrafos e incluso el mismo Robert Doisneau hablaba de él en una de sus citas más célebres. Con estas claves intentaremos establecer un procedimiento para escoger los fondos más interesantes para nuestras fotos.

Robert Doisneau fue el primer fotógrafo que me inspiró, y entre todas sus citas célebres me quedaría con una de las más famosas que decía "París es un teatro en el que se paga con tiempo perdido". En el subtexto, Doisneau nos transmitía su forma de trabajar (y la de otros muchos coetáneos): encontrar un buen fondo, y esperar a que la acción apareciera para apretar el disparador.

No parece una gran revelación, pero debemos ser capaces de deconstruir esta frase para encontrarnos que el fondo no podía ser casual. La fotografía urbana no consiste en la búsqueda de la acción, sino en la búsqueda de un marco en el que encuadrar de forma perfecta lo que pasa en la ciudad. Con mucha más frecuencia funciona una acción mediocre en un escenario perfecto que a la inversa.

El concepto

Para mí, el fondo es un elemento con el que debemos trabajar tan importante como las poses, el encuadre o la gama cromática que queremos para esa sesión. Para ello, me gusta fijarme en algo tan importante como el concepto, es decir, observar si nuestro modelo y el fondo se entienden y comulgan en la temática y tipo de fotografía que queremos conseguir.

Por poneros un ejemplo, podríamos realizar una sesión con un estilismo de fantasía y ciencia ficción usando prendas metalizadas de corte geométrico, pero este tipo de ropa no encajaría en un fondo como un parque lleno de árboles, formas orgánicas y que tiene el concepto elemental de naturaleza. Si queremos una fotografía de corte fantástico, todas las partes de la fotografía deberían compartir total o parcialmente el mismo concepto básico.

Fotografía de [Pixabay](http://www.pixabay.com)

Técnicas creativas

¿Cómo hacemos que en una fotografía se comparta el mismo concepto? Mediante lo que yo llamo las técnicas creativas para gestión de fondos. Se resumen en cuatro palabras: parcialidad, semejanza y oposición.

• Parcialidad: Como bien indica su nombre, el fondo y la figura comparten de forma parcial el concepto. Si necesitas un sitio natural, puedes optar por unos árboles en primer plano con una capa en el fondo en el que se vea alguna forma geométrica como un edificio o unas escaleras.

• Semejanza: El sujeto y el fondo comparten la totalidad del concepto. En una sesión fotográfica en la que queramos sacar a la modelo de la forma más natural posible, optar por un paraje natural hace que todo se relacione de forma directa. En el caso de necesitar un fondo para una sesión elegante, tal vez nos interese acudir a edificios de principios del siglo XX con un corte clásico o aristócrata.

• Oposición o contraste: Por lógica, si existen formas de hacer que todo se interrelacione y encaje, deben existir procedimientos para aunar dos conceptos diferentes para hacer saltar que la imagen tenga un punto extraño, y atraiga. Aquí podríamos hablar, por ejemplo, de usar un estilismo y un maquillaje de cortes metálicos y geométricos en un sitio tan natural como una playa, pero cambiando el color del fondo para incidir en el carácter enrarecido del emplazamiento.

Con esto, podremos ser capaces de darle a nuestras fotografías algo así como un subtexto que quien tenga el ojo y las ganas de ver tras el primer impecto visual, sabrá descifrar.

Fotografía de [Pixabay](http://www.pixabay.com)

¿Qué formas predominan?

En el apartado anterior hemos mencionado las formas. Por ejemplo, aunque dos edificios tengan un carácter vanguardista, las formas y simbolismo pueden ser diferentes. Por ejemplo, la Ópera de Sydney tiene una forma curva y puntiaguda a la vez que transmite una cierta agresividad, todo lo contrario que el 'Dancing Building' de Praga, en el que predominan las formas completamente curvas, o la Casa Batlló con sus motivos florales y orgánicos típicos del Art Nouveau.

Cada forma tiene su simbolismo porque llega directamente al ojo transmitiendo una sensación. Lo mismo pasa con los colores, el tipo de luz, la tipología de plano, la distancia focal e incluso la elección del diafragma. Cada detalle cuenta y suma, por lo que hay que planificar y trabajar para que todos los elementos aporten una pequeña parte al resultado final.

Fotografía de [Pixabay](http://www.pixabay.com)

Atrezzo

Una vez tenemos resueltas todas las anteriores incógnitas, ¿cómo va a interactuar la modelo con el fondo? ¿existe algún tipo de atrezzo con el que la modelo juegue?

Lo más normal es hacer uso de escenarios que nos permitan posibilidades compositivas para ordenar los elementos en el visor con una cierta calidad, pero si el fondo se queda como un elemento lejano, la fotografía puede perder potencia. El uso de bancos, tocones o piezas donde la modelo pueda sentarse no sólo le permite un abanico de poses diferente, sino que también nos permite integrar a la figura en el fondo.

Si nos encontramos en un lugar muy abierto como el claro de un bosque, tal vez usar elementos artificiales como el capó de un coche puede ser una buena elección de atrezzo, según el tipo de fotografías que estemos realizando.

Fotografía de portada | [Pixabay](Fotografía de Pixabay)

Otra semana que llegamos al último día con unos cuantos artículos que repasan la actualidad y las curiosidades más interesantes del panorama nacional. Empezamos en este domingo de noviembre con un nuevo Galaxia Xataka Foto.

• Alvaro González rompe el hielo con este artículo en el que compara las desventajas de Capture One fLighrente a Lightroom, estableciendo ventajas y deventajas entre ambos programas. Imprescindible para quien quiera aventurarse en un cambio de software y tenga que prepararse para lidiar con Capture One, como un servidor.

• En Cultura Inquieta hacen un repaso a la fotografía callejera con dos instagramers especializados en esta disciplina, @Barrut y @Luison, con los que recorreremos las calles de Barcelona y Madrid a través de sus móviles.

• Light Home nos dá seis valiosos consejos para realizar nuestras sesiones de fotografías en estudio para conseguir tenerlo todo bajo control mientras trabajamos. Interesantísimo para los que se inician en los retratos de estudio y necesitan una pequeña guía para orientarse.

• Sin salir de las sesiones de estudio, Foto321 nos propone una guía de compra de accesorios de estudio que nos aclarará las ideas si alguna vez hacemos uso de estos equipos en un estudio de alquiler o estamos pensando en comprarnos nuestro propio equipo.

• Para terminar, pero no por ello menos importante, Kris Por El Mundo nos deleita la vista con paisajes exóticos recomendándonos cinco lugares clave de India en los que realizar fotografías en este precioso país lleno de color y luz.

Esto es todo, como siempre, esperamos que disfrutéis de esta lectura y que si tenéis cualquier sugerencia para esta sección durante la semana que viene no dudéis en contactarnos a través de nuestro formulario de contacto.

Fotografía de portada | F3nd1

El proceso de la fotografía es una tarea compleja que no se basa únicamente en tomar imágenes. Existe un proceso de preparatoria en el que planeamos lo que queremos ver y cómo lo queremos ver. Una buena solución es dibujarlo, pero sin duda el bocetado fotográfico con nuestro smartphone puede ser uno de nuestros mejores aliados.

La planificación creativa de las fotografías

Como cualquier otro proceso audiovisual, tiene tres fases: preproducción, producción y postproducción. Un aspecto en lo que muchos fotógrafos no reparan es en que un trabajo serio de fotografía requiere de una preparación del trabajo, de forma que tenemos que cargar baterías, llevar tarjetas de memoria y tener nuestro equipo configurado y listo.

Sin embargo, y aunque tengamos la mejor cámara del mundo, podemos quedarnos parados en seco si cuando llegamos a una sesión fotográfica no hemos planificado que fotografías que queremos conseguir.

Planear las fotografías que necesitamos responde a una técnica de planificación llamada 'fotografías clave', que establece que toda sesión tiene una serie de fotografías importantes que dan la información básica además de otro bloque de fotografías que ayudan a mejorar el trabajo final pero que responden a una actitud creativa y experimental que no sirven como base del proyecto.

Fotografía de Arshaf Siddiqui

En el caso de una sesión de retratos, las fotografías clave serán el retrato frontal, perfil y de tres cuartos. Las fotografías adicionales que podríamos hacer serían detalles de los ojos o hacer fotografías de cuerpo completo, que si bien ayudan a ampliar el proyecto, no son la pieza angular del mismo.

Cómo planificar nuestras fotografías

Como hemos comentado antes, hay fotógrafos que optan por los dibujos. El dibujo es uno de los pocos métodos existen que sean especialmente efectivos para organizar nuestras ideas. Sin embargo y lo que os venimos a comentar hoy es el bocetado fotográfico a través de nuestro smartphone.

La fotografía móvil nos ha traído muchas penas y muchas alegrías, pero pocos reparamos en que lo que tenemos en el bolsillo supera con creces a las cámaras fotográficas profesionales que se usaban hace unos años. Es una potentísima herramienta a la que probablemente no le damos la suficiente importancia.

Fotografía de Pabak Sarkar

Antes de una sesión de producto o de retrato, podemos hacer pequeños bocetos empleando nuestro teléfono móvil y alguna fuente de luz dirigida como pueden ser una linterna casera o la linterna LED de otro smartphone. La idea de todo este proceso es ver cuál queremos que sea el resultado final de una fotografía empleando para ello materiales de andar por casa que nos acerquen al 'look' que queremos conseguir.

Tras esto y sin miedo a experimentar, podemos acudir con estas fotografías a nuestro programa de edición para hacer conversiones a blanco y negro, retocar colores o jugar con el fondo y los tonos en un ambiente despreocupado sin buscar el detalle más fino para darnos espacio a la exploración de nuevas opciones creativas.

Fotografía de portada | Hernan Piñera

Los aviones despiertan una enorme fascinación en muchas personas. Y no es para menos. Aunque conozcas las leyes de la física que permiten que estos ingenios voladores se mantengan en el aire, es sorprendente viajar en uno y ser consciente de que en unas pocas horas podrás llegar al otro extremo del planeta. Si, además, nos ceñimos a los aviones con más capacidad de carga, como el monstruoso A380 de Airbus (actualmente es el avión comercial más grande del mundo), el impacto es máximo.

Precisamente, los aviones son los auténticos protagonistas de la sesión de fotos de la que voy a hablaros a continuación. El objetivo de este proyecto fue fotografiar cinco gigantescos Airbus A350 (no son tan grandes como el A380, pero su capacidad de carga es muy respetable) en el aire, volando juntos, separados por una distancia mínima y ejecutando maniobras más propias de los cazas de combate, con todos los riesgos que esto conlleva. Más espectacular, imposible.

Obviamente, la finalidad de esta sesión fotográfica es publicitaria, pero lo realmente interesante es que el vídeo que tenéis debajo de estas líneas nos permite ser testigos de excepción de la intensa planificación que tuvieron que llevar a cabo en Airbus para hacer posible el vuelo conjunto de estos cinco gigantes de la aeronáutica en condiciones seguras. Si os gustan los aviones, no os lo perdáis. No tiene desperdicio.

Vía | Fstoppers
En Xataka Foto | Fotografía y paracaidismo: una forma de retratar la vida desde una nueva perspectiva

Aunque en el vídeo, que vemos después no observaremos mucha técnica en cuestión, hemos de quedarnos con una de la máximas que hay que tener en cuenta cuando fotografiamos a gente que tiene una cierta fama: Ser rápidos y directos. Seguramente la sesión de apenas unos minutos que vemos en el vídeo estaría planificada con mucha antelación o a veces no. Todo es producto de una llamada o un email a última hora aceptando la sesión y disponemos de poco tiempo y toca 'improvisar'.

Normalmente, la gente famosa suele tener una agenda apretada. Por mi propia experiencia he tenido la oportunidad de fotografiar a algunos actores de teatro españoles que pasan por el teatro de mi ciudad. Normalmente las hago antes de la función si es posible por aquello de captar el ambiente en el camerino pues normalmente muchos nada más terminar tienen que cambiarse y marchar a otra ciudad. La sesión apenas suele 5 ó 10 minutos, máximo. Aunque en esta ocasión el lugar elegido es la habitación de un hotel (el Ritz-Carlton de Dallas, nada menos) probablemente dispongamos también de poco tiempo. En el caso de los hoteles y si disponemos de una buena ventana, con unas cortinas que ayuden a filtrar la luz natural, nos ayudará muchísimo.

La otra máxima, que nos contaba Rodrigo Rivas hace tiempo en sus consejos sobre el trato con modelos y que podemos aplicar a este tipo de situaciones es la de crear un ambiente divertido, distendido e informal de tal forma que vayamos hablando con ellos mientras realizamos las fotografías para poder capturar momentos que sean los más espontáneos posibles.

En Xataka Foto | Consejos para mejorar el trato con los modelos

Vía | The Dallas News

Hace algo más de un año, nuestro compañero Manolo Toledo, nos trajo un interesante artículo sobre "10 vídeos en Stop Motion que no te puedes perder". Uno de ellos fue el del vídeo musical "Her Morning Elegance", perteneciente al álbum The Opposite Side of the Sea de Oren Lavie. Pero hoy vamos os vamos a enseñar cómo se hizo. Sois muchos los que de vez en cuando preguntáis cómo se hace un timelapse o un stop motion, espero que este vídeo os ayude a aprovechar alguna idea y despejar algunas dudas.

Fotógrafo, animadores, actriz, el cantante, productora. Un sin fin de gente cuidando cada detalle. Lo que más me llama la atención es el meticuloso trabajo de los encargados de animación, como colocan cada parte del cuerpo en la posición exacta para el siguiente fotograma. Mención aparte debería recibir el "andamio" donde se ubica el fotógrafo. 6 semanas de scripting, 3 semanas de animación por ordenador, 48 horas de sesión fotográfica, 2096 fotografías apiladas en la línea de tiempo para crear el stop motion. Resultado una nominación a los Grammy de ese año y varios premios en diversos festivales, algunos tan prestigiosos como Cannes. Un gran despliegue de medios, pero no te quedes sólo con eso, aprovecha las ideas para comenzar tu propio Stop Motion o Timelapse.

Este vídeo aderezado con Stop Motion, te sacará una sonrisa. Aseguraría que disfrutarás viendo como esos objetos inanimados toman vida en cada frame alrededor de la protagonista. Cual si fuera la manisfestación de su vida en sus sueños más ocultos esos objetos representan sus ilusiones y sus esperanzas. Acompañado por una música fresca y divertida, el conjunto del producto es muy atractivo.

Para que tengas una buena mañana, podéis ver la parodia, sobre el propio vídeo, que, aunque de peor calidad no desmerece mucho poniéndole un punto mucho más gamberro al asunto aunque cambiando la protagonista, por un personaje un poco más "descuidado", por decirlo así.

En Xataka Foto | "10 vídeos en Stop Motion que no te puedes perder"

Si os digo que la chica de la primera foto y la mujer de la última son la misma persona probablemente todos lo creeréis, pero si os digo que todas son la misma persona, en una sola sesión fotográfica, seguro que empieza a generar más dudas.

Pues si, increíble lo que puede llegar a hacer el maquillaje y el estilismo unidos a una buena técnica fotográfica. Es lo que han hecho, para la revista Vogue Francia los fotógrafos Inez van Lamsweerde y Vinoodh Matadin.

Con este plantel, ¿adivináis la edad de la modelo? Pues para que no le deis muchas vueltas, se llama Eniko Mihalik y tiene 21, aunque le auguro unos buenos 40. Os dejo con las fotos, una a una, para que podáis compararlas tranquilamente:

Vía | fdlog | miss at la playa