Partimos de la base de que trabajar con la exposición en modo manual es la mejor manera tanto para aprender como para controlar las tomas al máximo. Pero también es cierto que los modos automáticos y semiautomáticos tienen sus adeptos y sus ventajas en ciestras situaciones. Para ello está pensada la función de compensación de la exposición, pero ¿tenemos claro lo que es y para qué sirve realmente?

Ya sea porque queremos corregir una situación en la que sabemos que el fotómetro de la cámara no actúa bien, o bien derechear el histograma u obtener un efecto concreto, muchas veces tenemos que recurrir a esta posibilidad que seguro que incluye tu cámara y, a lo mejor, nunca has utilizado. Por ello vamos a ver cómo se usa y cuándo es conveniente hacerlo.

Las fotos en la nieve son un típico caso en los que se utiliza la compensación de exposición. Foto de Ilya Orehov

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¿Cómo se utiliza?

Depende de la cámara porque, aunque es algo bastante sencillo, hay distintas alternativas según las marcas y los modelos. Últimamente la tendencia parece ser darle importancia incluyendo una rueda específica dedicada, que es la forma más sencilla y rápida de acceder a esta función.

La rueda de compensación de exposición de una Sony A7 III.

Desde hace años ha venido apareciendo normalmente a través de un botón identificado con un diagrama que muestra un “+/-”. Apretándolo, sólo hay que utilizar alguna de las ruedas de la cámara para ajustar la compensación de exposición. Alternativamente, si es algo que usamos mucho y no tenemos una rueda específica para ajustarlo, siempre podemos configurar una rueda de nuestra cámara para que asuma esa función (si la cámara lo permite).

En cualquiera de los dos casos, el resultado es que la imagen final será más clara o más oscura, según el valor de ajuste que hagamos. Dato importante que la cámara debería indicarnos (ya sea a través del visor, la pantalla trasera o la auxiliar) y que se mide en pasos de luz EV y suele ir entre +-2 y +-5 (según modelos). Y lo hace normalmente con la típica barra de exposición, es decir del mismo modo que la cámara nos indica, cuando trabajamos en manual, si la exposición es correcta (cuando está en el cero) o que con los valores asignados en ese momento la imagen va a quedar sobre o subexpuesta.

Así sería la típica barra que muestra el nivel de exposición de una cámara.

Sea como fuere, esta función es algo que no falta en ninguna cámara réflex, ni en las sin espejo a partir de la gama media o las compactas avanzadas, por su evidente utilidad, aunque a veces no quede tan clara. Por eso, esto va a ser nuestro segundo objetivo, ver en qué situaciones conviene utilizarlo.

¿Qué diferencia hay respecto al modo manual?

Por si alguno se pregunta cuáles son las diferencias entre compensar la exposición y utilizar el modo manual os diremos que hay dos fundamentales. La primera que la compensación de exposición suele estar limitada, normalmente entre +5 y -5 (como mucho), mientras que con una exposición manual podríamos sobre o subexponer sólo con el límite de los valores máximos que permita nuestra cámara (en cuanto a la velocidad de obturación, la apertura del diafragma y la sensibilidad ISO).

La rueda de modos de disparo de una Canon EOS M50.

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La otra es que si usamos la compensación, la cámara mantendrá el control automático de los parámetros que le hayamos dejado controlar (al elegir el modo P, S, A o cualquier otro que podamos tener). De esto modo, nosotros elegiremos que la exposición sea mayor o menor y la cámara se encargará de ajustar el triángulo de exposición según nuestros deseos y la elección del modo que hayamos hecho.

¿Cuándo usar la compensación?

Como ya hemos adelantado hay varios escenarios en los que resulta útil, así que vamos a verlos con un poco más de detalle. En general, podemos dividir su uso en dos grandes ámbitos: el primero esas típicas situaciones en las que los exposímetros de las cámaras se ven engañados (porque funcionan de una manera específica); el segundo situaciones en las que somos nosotros, como fotógrafos, los que decidimos que hay que variar la exposición para adaptarnos a una situación o conseguir un efecto concreto.

El botón de bloqueo de exposición (y enfoque) en una Pentax K-70.

En el primer caso tenemos las típicas escenas en las que predominan los tonos claros y la alta luminosidad, como puede ser fotos en la nieve, o justo al contrario, esas donde predominan los tonos oscuras y una luz muy tenue. Situaciones que, como sabréis, el exposímetro de la cámara suele errar (porque están calibrados para interpretar la luz que les llega de los objetos como un gris medio) y hacen que el resultado sea incorrecto. En estos casos, aunque parezca contradictorio, es necesario compensar la exposición al alza (entre uno y dos pasos EV) en el caso de la nieve y a la baja en el caso de situaciones de baja luminosidad.

Otro caso en que la compensación de exposición es útil es cuando existe una situación de alto contraste de iluminación y en donde queremos “llevarle la contraria” al fotómetro de la cámara. En este tipo de circunstancias es común que la cámara no interprete correctamente la escena y decida exponer para una zona dominante dejando otra sin detalle que, quizá, es la más importante.

Como sabréis, en estos casos es posible recurrir a un método muy común que consiste en encuadrar de forma que la zona que queremos que salga bien expuesta ocupe la mayor parte de la imagen, pulsar a la mitad el disparador o bien el botón de bloqueo de exposición automática AE-L, y recomponer la imagen a lo que será la toma final. Pero a través de la compensación de exposición esto puede realizarse de forma más cómoda y rápida.

Un ejemplo de situación de alto contraste en la que la compensación de exposición ha permitido que los graffitis de los lados se aprecien. Foto de Óscar Condés

La compensación de exposición también es una ayuda para conseguir tomas en clave baja o alta, aunque conviene no confundirse porque una imagen subexpuesta o sobreexpuesta no tiene porqué significar que sea una foto en clave baja o alta. También, si tenemos una rueda para controlar la compensación, puede ser una forma rápida de hacer varias fotos de tipo bracketing con distintas exposiciones, aunque es mucho mejor hacerlo usando la función de horquillado que incluyen todas las cámaras.

Por último, si hemos detectado que nuestra cámara tiene tendencia a sobre o subexponer es muy útil para dejar fijada la compensación que estimemos necesaria. Y del mismo modo, también es útil para indicarle que queremos que, de forma continua, realice una exposición más alta o baja porque queremos mover el histograma a nuestro gusto y de forma general en todas las imágenes que hagamos.

Algunas precauciones a tomar

Un tema muy importante que tienes que tener en cuenta es que cuando modificas la compensación de exposición para una foto, si no vuelves el ajuste a su estado inicial se quedará igual para la siguiente fotografía (que puede que no necesite esa variación). Por eso, a menos que lo uses en uno de los casos antes comentados (para establecer una sobre o subexposición con carácter general), no debes olvidar volver a colocar a cero el ajuste o alterará tus tomas posteriores.

Un ejemplo de cómo afecta la compensación de exposición al resultado final.

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Ah y cuidado también con mover accidentalmente la rueda destinada a tal fin (si es que tu cámara la tiene). Hay modelos en los que este control no tiene la dureza suficiente y no es difícil girarla sin darnos cuenta.

Por último, hay que decir que si tu cámara dispone de visor electrónico, o bien haces las fotos a través de la pantalla trasera (por ejemplo con una sin espejo sin visor), al compensar la exposición verás inmediatamente el resultado, lo cual resulta muy cómodo. Pero si miras por un visor óptico no tendrás esa referencia, con lo cual la compensación será algo más difícil de controlar en el mismo momento de la toma.

Como fotógrafo nos hemos enfrentado a muchas escenas con un contraste tan elevado entre zonas que rápidamente nos damos cuenta de que era imposible que el sensor de la cámara fuera capaz de registrar semejante diferencia de luminosidades. Son situaciones bastante habituales pero para las que, afortunadamente, hay maneras de conservar el máximo rango dinámico en las tomas.

Como sabemos, el rango dinámico de un sensor es la capacidad que tiene para captar detalles tanto en las luces altas como en las sombras. Por tanto, este rango se mide por la cantidad de tonos o niveles de luz que puede registrar un sensor, valores que lógicamente (a pesar de que se ha mejorado mucho con los años) son limitados.

Foto de Emilio Küffer

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Para entenderlo de forma sencilla podemos recurrir a la comparación con la cámara más perfecta que existe: el ojo humano. Mientras que nuestros ojos son capaces, en una situación de alto contraste, de ver con detalle tanto lo que hay en las zonas más oscuras como lo de las zonas más iluminadas (aunque no sea real sino, simplemente, que el ojo es capaz de adaptarse muy rápidamente a la luz ambiental), la cámara no puede registrar estas diferencias de luz.

Nuestras cámaras normalmente sólo son capaces de recoger detalle en un ámbito alrededor de cinco diafragmas (como norma general, porque hay modelos que sobrepasan los diez), con lo cual no pueden captar una escena en la que las diferencias entre luz y sombra superen ese rango. Por este motivo, al hacer la foto tenemos que hacer una difícil elección entre registrar correctamente una zona u otra, hacer un promedio o bien recurrir a alguna de las técnicas que os vamos a explicar a continuación:

1. Uso de filtros degradados de densidad neutra

La primera es una técnica que proviene de la era analógica y que consiste en algo tan simple como colocar delante del objetivo un filtro de densidad neutra. Este tipo de filtros, de los que os hemos hablado ampliamente, son muy utilizados en fotografía de larga exposición diurna ya que sirven para reducir la cantidad de luz que entra por el objetivo y, por tanto, permiten utilizar velocidades de obturación más lentas de lo que sería necesario de acuerdo a la luz reinante en la escena.

En el caso que estamos tratando necesitaríamos uno de densidad neutra degradado, es decir un tipo de filtro que está dividido en dos mitades, siendo transparente en un extremo y oscuro en el otro (sin trastocar el color) mezclándose ambos en el centro del filtro, lo que se puede hacerse de manera gradual o sin que haya transición. Así, este accesorio permite disminuir la luz que llega al sensor sólo en una parte de la escena, siendo muy útil entonces para equilibrar el contraste entre zonas con diferencias luminosas importantes (como el cielo y la tierra).

Foto de Pacheco

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Además, este tipo de filtros normalmente son de tipo cuadrado con lo que podemos moverlo para ajustar las zonas que queremos equilibrar de tal manera que se ajuste correctamente a la línea del horizonte. Si esta línea que separa ambas zonas de contraste está muy marcada podemos usar un filtro degradado en el que no haya transición entre un área y otra, pero lo más normal es que elijamos uno en el que ambas zonas se mezclen de forma gradual.

Por otro lado, existen filtros con diferente graduación de tal manera que la parte oscura puede restar desde unos dos pasos de luz hasta llegar a ser casi completamente opaca, para que podamos elegir dependiendo de las necesidades del momento.

A la hora de utilizarlos, es importante medir bien la luz para ser capaces de compensar las diferencias de iluminación. De hecho, la manera correcta de actuar en estos casos sería medir la luz de forma puntual en las zonas de iluminación máxima y mínima y a partir de ahí elegir un filtro degradado que compense esta diferencia. Sin embargo, si directamente ponemos el filtro en principio podemos fiarnos de la medición matricial de la cámara ya que se realizará teniendo en cuenta ya la compensación de luz que ofrezca el filtro que hemos puesto ante el objetivo.

2. Derecheo del histograma

El derecheo del histograma o sobreexposición intencionada (ETTR, expose to the right, en inglés) es una técnica muy popular que consiste, como su nombre indica, en colocar la curva del histograma de nuestra foto lo más cerca posible del margen derecho sin que se lleguen a quemar las altas luces.

Se trata de una técnica que tiene ya sus años (apareció por primera vez en este artículo de la mano de Michael Reichmann), sólo se puede utilizar disparando en RAW y no sirve para todos los escenarios, pero a base de incrementar la relación señal/ruido de lo que capta el sensor es muy útil para conservar el máximo rango dinámico en las tomas, así como prevenir el posible ruido que se pudiera producir en las zonas de sombra.

Para llevarla a cabo, debemos exponer para las altas luces utilizando el modo de medición puntual y añadir un extra de luz. Si nuestra cámara nos permite ver el histograma en vivo, o nos sobreimpresiona un aviso si hay zonas quemadas, el trabajo será más sencillo, pero si no sería conveniente realizar unas pruebas previas para saber hasta qué punto podemos sobrexponer las zonas más luminosas.

Foto de R. Crap Mariner

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Estas pruebas podrían consistir en realizar una foto en RAW de una superficie lisa y de un solo color a los valores que nos indique la cámara y después ir repitiendo la toma sobrexponiendo escalonadamente hasta unos cuatro pasos aproximadamente. A continuación, revisaríamos las fotos y su histograma para ver en qué valor de luz el gráfico se queda rozando la banda derecha, lo que sería el momento justo antes de empezar a quemar la foto.

Por supuesto, el resultado de las tomas que hagamos en principio serán imágenes demasiado claras, con zonas claramente sobrexpuestas que tendremos que compensar en el procesado de las fotos. Sin embargo, una vez corregida la exposición el resultado será (ya decimos que no es aplicable a todas las situaciones) una mayor cantidad de información en el archivo y, en consecuencia, un mayor rango dinámico.

3.Uso de la técnica HDR

Foto de Feans

El High Dynamic Range es, como su nombre indica, una técnica ampliamente conocida y que fue pensada para situaciones de alto rango dinámico; es decir justo las que estamos tratando. La idea, como sabréis, es conseguir una imagen de alto rango dinámico a base de fusionar varias tomas en las que hayamos cambiado la exposición para ajustarla a las diferentes zonas de contraste.

Por tanto se trataría de mezclar varias imágenes, normalmente tres, que hayan sido expuestas de manera que en una se recoja la información de las altas luces, en otra la de las sombras y en una intermedia la de los tonos medios. Por supuesto, esta técnica tiene unos requisitos importantes, básicamente que no haya variación entre las distintas fotos (más allá de la exposición, claro) lo que implica utilizar un trípode y, en principio, realizar tomas de escenas en las que no haya movimiento.

Lo del trípode, por cierto, así como utilizar la sensibilidad ISO más baja que nos ofrezca nuestra cámara, es otro punto que deberíamos seguir y que incluso se puede extender al resto de técnicas de las que hemos hablado, ya que no sólo permite conseguir el mayor rango dinámico sino también la mayor calidad en nuestras fotografías.

Foto de michael marston

Una vez realizadas las tomas, el HDR requiere de un procesado posterior para fusionar las distintas imágenes registradas, algo que se puede realizar con programas como Photoshop y Lightroom o bien con otros específicos para este tipo de propósito. Este paso necesario para conseguir una foto de alto rango dinámico también es clave para lograr que el resultado sea el esperado. Y es que, sus posibilidades son tantas que no es raro ver imágenes con un rango dinámico tan amplio que resultan muy irreales.

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De hecho, este tipo de procesado se puso muy de moda hace unos años provocando un aluvión de imágenes exageradamente irreales, lo que hizo que su uso quedara bastante desprestigiado. Sin embargo, las fotos HDR bien hechas, sin halos ni artefactos (defectos que se pueden producir en el proceso), son un buen recurso para lograr que la imagen final obtenida se asemeje lo máximo posible al alto rango dinámico que nuestro ojo es capaz de captar.

George Hiles en Unsplash

Foto de portada | Tyssul Patel

Pasen y suban! de Don’t click here!

Nos referimos por exposición fotográfica a la cantidad de luz que dejamos que impacte sobre el sensor (o película). Para controlarla, como sabréis, utilizamos principalmente dos parámetros, la apertura del diafragma y la velocidad de obturación. La combinación de estos dos parámetros nos permitirá controlar la cantidad de luz que impacta nuestro sensor y por tanto el aspecto general de nuestra imagen.

Si impactamos el sensor durante un tiempo excesivo la imagen tendrá un exceso de luz, la imagen aparecerá muy clara y es posible que las zonas más claras desaparezcan, lo que fotográficamente se llama “quemar” las luces.

:P de Poca-traça

Por el contrario si el sensor no es impactado por la luz el tiempo suficiente la imagen aparecerá obscura y es posible que algunas zonas queden tan negras que no se aprecie detalle, es decir, que las sombras queden empastadas.

Woman de Vera Lúcia Amaro

Existen otros casos en que la escena tiene tal contraste que no podemos realizar una exposición que nos permita no quemar las luces y no empastar las sombras simultáneamente. En estos casos se sacrifican sombras o luces o se opta por realizar varias exposiciones con el fin de realizar posteriormente un procesado de amplio rango dinámico (HDR).

Luz celestial de Pilotito

Bueno, pues esta es la teoría… ¿y ahora que?

En muchos foros de fotografía se critica duramente las sombras empastadas y las luces quemadas, pero os aseguro que evitar dichos sucesos no os asegura una exposición correcta. Es más, os aseguro que una fotografía con zonas quemadas o empastadas pueden tener una exposición correcta, como es el caso de las imágenes que ilustran este post.

La fotografía no es una ciencia exacta y hay pocos dogmas de fe en ella. No hay reglas que digan lo que está bien y que es lo que está mal. Bueno, si que hay alguna regla, pero recuerda que es lícito saltártela…

Pero… ¿cuál es la exposición correcta?

Buena pregunta! Personalmente diría que no hay una exposición correcta. Que una misma fotografía pueden tener varias exposiciones correctas y que la exposición correcta dependerá de lo que tengamos intención de hacer o transmitir con la imagen en cuestión.

Silhouette de Don’t click here!

La exposición correcta será la que nos proporcione el resultado que se ajuste a nuestros deseos. Lo bueno de la fotografía digital es que podemos comprobar los resultados al instante y si estos nos defraudan tenemos oportunidad de variar los parámetros hasta conseguir el resultado deseado.

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Vamos a por una entrada ligerita y de fácil digestión en la que os dejamos cinco consejos para reducir el (casi) siempre molesto ruido en nuestras fotografías:

1. Disparar con el valor ISO más bajo posible: La mayoría de cámaras digitales, ya sean compactas o réflex, todavía pecan de producir demasiado ruido en valores ISO altos. Por lo tanto, a mayor valor, más ruido. Así de simple.

2. Mucho cuidado con las zonas oscuras: Las zonas oscuras, al contener menos datos, es donde aparece antes el ruido. Cuando proceses las fotos, retoca el histograma con mucho cuidado, ya incrementar la exposición puede hacer aparecer ruido en las zonas oscuras. Siempre puedes editar la exposición solo en las zonas que te interese.

3. Evita la subexposición: Muy relacionado con el anterior punto, para evitar este tipo de problemas, evita subexponer cuando tomas la foto. Te ahorrarás el disgusto de tener que modificar la exposición posteriormente y encontrar ruido.

4. Cuidado también con el cielo: En los cielos azules también es relativamente sencillo obtener molesto ruido. Una posible solución es, procesando la imagen, utilizar ligeramente el desenfoque gaussiano en el cielo y luego añadir un poco de ruido. Ojo, este remedio aparece en el artículo original y no he podido comprobarlo personalmente.

5. Dispara y procesa en RAW: No nos cansaremos nunca de repetir que si es posible, hay que disparar siempre en raw. Todo el procesado que le des a tu foto será con la mínima pérdida de calidad, disminuyendo la probabilidad de que aparezca el fastidioso ruido. De esto se entiende que además, deberías procesar el máximo posible en raw en lugar de hacerlo con el editor de imágenes (sobre un jpg, por ejemplo).

Vía | Zoom-in Fotografía | White noise de furitin