El mundo ha cambiado mucho desde que apareció la fotografía en 1839. En esta ocasión vamos a conocer la figura de la condesa de Castiglione, Virginia Oldoini (1837-1899). Una mujer que ejerció de espía y que ayudó a la unidad de Italia. Como ocurre siempre trataron de rebajar su papel en la historia. Y ha pasado a la historia también por ser la precursora del selfie y por saber ver antes que nadie la importancia de la imagen fotográfica.

La vida de Virginia Elisabetta Luisa Carlotta Antonietta Teresa Maria Oldoni, Virginia Oldoini, es una novela. De hecho podemos encontrar varias biografías sobre su vida, una película y una serie. Yo no conocía su existencia pero llevaba años con una de sus fotografías en uno de los libros más voluminosos de mi biblioteca, 'Nueva historia de la fotografía' de Michel Frizot.

Una de las famosas fotografías de Pierre-Louis Pierson

Una mujer elegante nos mira a través de un espejo mientras un niño la observa. Toda una escenificación que parece más cercana al surrealismo que a una dama del siglo XIX. Es tremendo leer las crónicas de una mujer que ayudó a formar un país como Italia.

La vida de la condesa de Castiglione

Ejerció de espía para la corte del rey Víctor Manuel II. Su primo, el conde de Cavour, primer ministro de Cerdeña, la envió, junto con su marido, a la corte francesa de Napoleón III. El objetivo era acercarse al emperador y convencerle de la necesidad de unir territorialmente a la península itálica. Para ello tendría que enfrentarse al gobierno austriaco para echarlos del norte.

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La forma más sencilla de crear desenfoques en Adobe Photoshop

La condesa de Castiglione debía de ser consciente de que en una sociedad machista solo la iban a dejar destacar por su belleza. Su madre la exhibía de pequeña en los teatros para buscar las alabanzas. Su educación fue más allá del típico de la alta nobleza de la época. Aprendió idiomas para poder desenvolverse por las distintas cortes.

Uno de los retratos conservados en el MET de Nueva York

Dicen que la eligieron por su belleza pero dudo mucho que el destino de una nación dependiera de las locuras de amor de un emperador, como si fuera una historia mitológica. La fuerza de la belleza y el amor queda muy bien en la novelas pero dudo de ellas en la realidad. Sobre todo si sirve para banalizar el trabajo de una persona.

La condesa de Castiglione y la fotografía

No es el momento ni el lugar para entrar en las tribulaciones políticas del siglo XIX. Así que vamos a ir al grano, a la importancia de la condesa de Castiglione en la historia de la fotografía.

Para entrar en la alta sociedad francesa y llamar la atención del último emperador de los franceses, empezó a fotografiarse una y otra vez remarcando su excentricidad y su forma de pensar. En aquellos tiempos fue capaz de enseñar sus piernas, sus hombros y sus pies sin ningún pudor.

Ella no conocía la técnica fotográfica, aquellas enormes cajas de madera con objetivos de latón y lentes de menisco. Así que iba una y otra vez al estudio de uno de los grandes fotógrafos de aquella época en París: Pierre-Louis Pierson.

Una imagen de la condesa pintada por el estudio de Pierre-Louis Pierson

Este fotógrafo tenía su estudio en el Boulevard des Capucines, cerca del de Nadar. Se hizo famoso por retocar las fotografías con óleos (el primitivo Photoshop) para mejorar el aspecto de los retratos y fue fotógrafo real. Se convirtió en el fotógrafo de la condesa de Castiglione en 1856 y juntos hicieron más de 400 disparos.

Como si fuera una primitiva Madonna, una antepasada de lady Gaga, una precursora de Andy Warhol, la condesa de Castiglione entendió que su imagen era importante dentro de la sociedad. En aquellos primeros tiempos la fotografía permitía pasar a la posteridad a todos los que se pudieran pagar un retrato. Ya no había que pagar a un pintor y posar durante cientos de horas. Y podías hacerte todos los que quisieras.

Así que antes o después de las fiestas de la nobleza se acercaba al estudio con sus disfraces y su trajes a la moda para quedar inmortalizada para su deleite y para escándalo de un mundo que estaba a punto de desaparecer. Ella elegía la temática de la escena, la pose, la mirada... todo salvo disparar y revelar la fotografía.

Como dicen en la exposición que organizaron en el museo d´Orsay de París:

El procedimiento artístico de la Castiglione, en sus intenciones y sus resultados, anticipa el trabajo de los artistas fotógrafos de hoy día, siendo una de los más destacadas Cindy Sherman. Su predilección por fotografías totalmente pintadas, según sus instrucciones detalladas, es el origen de un género en vías de rehabilitación. En efecto, el arte contemporáneo, mezcla en el seno de una misma obra, técnicas y productos híbridos que aparentemente deberían excluirse. Citemos, por ejemplo, al alemán Gerhard Richter que pinta fotografías o al norteamericano Joël-Peter Witkin.

Cuentan muchos historias acerca de su belleza legendaria. Una de ellas parece más cercana a las 'Metamorfosis' de Ovidio que a la realidad. Un noble se atrevió a decir que su hermosura era pura fachada por el maquillaje excesivo y la puesta en escena. Ella, cuando escuchó la crítica, le mandó una cita y le recibió totalmente desnuda. Desde entonces el noble fue su más ferviente admirador.

Una de sus fotografías más famosas

Su forma de entender la fotografía y las poses nos llevan hasta Richard Avedon e Irving Penn. Como podemos leer en uno de los mejores blogs de historia de la fotografía, cuando Avedon iba a ser fotografiado por Penn se fijó en una de las fotografías que tenía en su casa, la de la condesa tapándose un ojo, e imitó la expresión para pasar a la posteridad.

Pero su personalidad arrolladora no le ayudó en absoluto a ser respetada por una sociedad mojigata. Y seguro que la atacaron más por su inteligencia que por su belleza. La emperatriz Eugenia de Montijo la reconoció como enemiga y la princesa Metternich, otra de las inteligentes aristócratas de la época, mecenas de Wagner y conocida por su amplia cultura dijo de ella:

si hubiese sido simple y natural, habría conquistado al mundo. Por supuesto, estamos felices de que la condesa no fuera más simple...

A pesar de sus contactos y amistades, y por las fotografías cada vez más atrevidas que circulaban por París, su vida terminó rodeada de tristeza y soledad. Nadie pareció recordar sus servicios al ideal de la patria italiana, y cuentan que se encerró en su casa sin espejos y con telas negras para no ver cómo envejecía.

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La historia no la recuerda salvo por sus excentricidades. Pero merece un espacio en la historia de la fotografía porque fue la primera mujer que entendió la fuerza de la imagen y las múltiples posibilidades que ofrece para expresarte, incluso en un mundo no tan lejano en el que las mujeres no podían actuar tal como eran.

“La saturación de imágenes que vivimos afecta de un modo especial a nuestro sentido de identidad. La tecnología y las redes sociales han configurado un sistema que paradójicamente no ha ayudado a la individualización de los rasgos particulares de las personas sino que ha acentuado su homogeneización”. Así comienza a describir Cristina Galán su proyecto ‘Paul’, cuyas llamativas imágenes os mostramos a continuación.

“Las fotografías de este proyecto —continúa la fotógrafa madrileña— exploran, desde el ámbito tradicional del retrato, la subversión de la identidad y la aparición de lo siniestro bajo la superficie visualmente pulida de la realidad.” Se trata, por tanto, de una serie con un evidente sentido crítico, que como veis muestra una sociedad idealizada en la que todos acaban siendo como Paul.

Por eso, los escenarios son neutros e impersonales, a veces indefinidos y abstractos, y representan “los escenarios tópicos de la sociedad de consumo: un gimnasio, un supermercado o la propia vivienda.” En ellos se mueven unos personajes no miran a cámara, “para que al observador le sea menos violento mirar y observar —continúa Cristina— Los personajes parecen suspendidos en el tiempo, acentuando su carácter inmóvil y mecánico, ajenos a lo que sucede a su alrededor. Se trata de escenarios donde la luz brilla las 24 horas del día, representando el estándar del 24/7 de la sociedad actual, siempre dispuestos, siempre productivos.”

La idea del proyecto surgió “como un intento de crítica irónica de aspectos sociales e individuales que llevamos arrastrando décadas y que en la actualidad creo que tienen su máximo apogeo. Temas como la identidad individual y social, y la felicidad como imperativo, y lo siniestro que acaba resultando todo esto, y más aun dentro de un marco en el cual nos creemos muy libres e independientes.”

Para llevarlo a cabo, Cristina (que también es realizadora AV y ha trabajado como directora de fotografía) puso en marcha un plan muy medido, “desde el vestuario y peinado, el acting, los colores, el escenario…Qué personajes salen y cuantas veces salen. Actualmente trabajo sola en lo referente a la preparación y edición de cada sesión fotográfica por lo que me encargo desde la localización a la edición digital, pasando por peluquería y maquillaje.”

Desde luego el trabajo es llamativo, tanto por su significado como por su estética, con un tratamiento de la imagen en el que juega un papel destacado el color, elegido buscando apoyar también la idea de homogeneidad y neutralidad, lo que para la autora deriva en alienación.

Por todo ello, ‘Paul’ ya fue expuesto en el Centro de Arte de Alcobendas (Madrid) y ha sido seleccionado para participar en el festival Encontros da Imagem en Braga (Portugal) asociado a PHotoEspaña 2018, donde podrá verse del 21 al 23 de septiembre. Por nuestra parte, simplemente felicitar a Cristina y agradecerla que nos hiciera llegar su trabajo.

Cristina Galán | Página web | Instagram | Facebook

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Fotografías de Cristina Galán reproducidas con permiso de la autora para este artículo

“Nace como un reflejo de la actitud de la sociedad actual hacia los dispositivos conectados. Una sociedad que viene a reemplazar la luz del sol con luz de las pantallas de dispositivos electrónicos, que se conecta más digitalmente que físicamente. Una sociedad que se siente conectada, pero que está más sola que nunca.” Así describe Óscar Penelo, ingeniero informático de profesión y fotógrafo de vocación, su serie ‘Low Battery’ que nos hizo llegar a la redacción.

El proyecto comienza “con una observación a distancia del entorno, de la vida cotidiana, hasta entrar en la vida íntima. Con esta serie de fotografías pretendo hacer que observemos nuestro entorno, que nos detengamos y vivamos durante unos instantes sin pantallas que nos iluminen.” Difícilmente se me ocurre mejor forma de describir el trabajo que con las acertadas palabras del autor que reconoce la influencia de Hopper, Gregory Crewdson y hasta de la serie de TV Black Mirror.

Como es evidente, ‘Low Battery’ es una crítica de la sociedad actual en la que vivimos, donde la interacción digital no llena el vacío personal haciendo que las personas estén más solas que nunca a pesar de estar permanentemente hiperconectadas. “Cada fotografía podría explicar momentos cotidianos de nuestro día a día […] al realizarlas me he centrado mucho en crear la atmósfera (principalmente a través del color y la iluminación) para generar la sensación de soledad. Todas las fotografías han sido planificadas con antelación intentando representar escenas cotidianas reales.”

Un par de meses confiesa Óscar que le costó llevar a cabo la serie, que en principio constaba de veinte escenas que al final se han quedado en las diez que veis, las “más impactantes o que creo que expresan mas” sentencia el autor, quien nos cuenta además que le gusta realizar “todo tipo de fotografía con la que pueda comunicar alguna idea o sentimiento, ya sea con paisaje, retratos o bodegón.” Pues nada, felicidades Óscar y gracias por mostrarnos tu trabajo.

Óscar Penelo | Página web | Instagram

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Fotografías de Óscar Penelo reproducidas con permiso del autor para este artículo

Existen multitud de profesiones con un altísimo componente vocacional: actividades que surgen de la necesidad de realizarte como profesional. La fotografía es una de ellas, y no es ninguna novedad que la mayoría de la sociedad no valora todo el trabajo que conlleva una fotografía realmente buena. Pero esta situación, ¿nos la hemos ganado o nos la han impuesto? ¿sabemos valorar nuestro propio trabajo? ¿cómo hemos llegado hasta aquí?

La ecuación de la valoración profesional

Pensando en líneas generales, creo que las profesiones tienen una especie de ecuación a través de la que el público general valora lo que vale el trabajo de un profesional. Además del resultado final, sumamos lo que cuesta de realizar (o lo que cuesta realizarlo a ojos del cliente en el caso de la fotografía), unido a la exposición que tenemos cara al público. Otros factores a tener en cuenta es la cultura respecto, en nuestro caso, a las artes gráficas, así como el posicionamiento en nuestro sector.

Por poner un ejemplo, podríamos decir que médicos o abogados son profesiones valoradas y cotizadas por la sociedad por su labor frente al público y su actividad, mientras que trabajos como contabilidad es un trabajo laborioso en la que se valora el tiempo para realizar la labor.

Fotografía de Mark Probst

En el caso de la fotografía, hemos vivido (y sufrido) la democratización de la fotografía ha sido una hoja de doble filo, ya que se ha facilitado tanto la labor a los fotógrafos que se ha simplificado tanto que se ha acabo convirtiendo en una profesión llena de intrusos.

En el caso de la fotografía química el proceso no era excesivamente complicado pero requería de mucho tiempo y una inversión económica notable, lo que prevenía que cualquiera tuviese una cámara pero tuviese que revelar las fotografías en un laboratorio.

La cesión de los fotógrafos

En el caso de la fotografía, no sé si se dará esta misma situación en otros sectores, los fotógrafos profesionales o con aspiraciones profesionales, han cedido poco a poco y han devalorado su trabajo. Somos un colectivo segmentado e individualizado, por lo que tampoco disponemos de un punto de encuentro como podría ser un Colegio de Fotógrafos, un tema que daría mucho que hablar pero que dejaremos para otra ocasión.

Fotografía de Trojan Llama

Para resumir y como dice Rafael Roa en su entrevista a Xataka Foto realizada por nuestro compañero Chema, "tenemos lo que el colectivo no ha sabido defender". Y es que por falta de organización o por falta de ganas, no vemos campañas que valoren las artes gráficas como el medio vital en nuestro día a día cuando vemos decenas de fotografías al día que encierran tras de sí un trabajo abismal que queda diluído.

Hay quien pensará que la fotografía es un medio autorregulado y que los mejores siempre salen a flote y los aficionados acaban hundiéndose; tal vez la solución pase por la creación de una organización a nivel nacional. Opiniones hay para todos los gustos y nos encantaría conocer qué piensas en la caja de comentarios.

En Xataka Foto | "Siempre existirán fotógrafos con una mirada muy personal que nos emocionen", Rafael Roa

Foto de portada | Red Rose Exile

Hay dichos que aunque pasen los años se mantienen en la sociedad. Momento tras momento, año tras año. Las personas que nos dedicamos a la fotografía, y al arte en cualquiera de sus vertientes, siempre han tenido que soportar, al menos alguna vez en su vida, frases como las que nos propone Elio González en este vídeo "Muertos de Hambre".

El vídeo en pocos días ha conseguido ser viral en muchas redes sociales, y no hay duda que es entendible el porqué. Estamos en una sociedad en el que hay cosas que no se valoran por parecer invisibles, por creer que se dan por sabidos o que sin ellas todo seguiría igual.

Los artistas (también reconozco que esta palabra con los años ha podido perder validez, pero igual que otras tantas profesiones), siempre han tenido que vivir con el lastre de que la sociedad crea que son prescindibles; que la cultura no es más que un hobbie, algo con lo que pasar el rato... y aunque así fuera, hay que pensar que todas las personas son lo que son y consiguen lo que consiguen gracias a su total.

Os dejo con el vídeo que, como digo, no es exclusivo de la fotografía, pero si nos mete dentro de ella. Muchos hemos vivido este capitulo o lo seguimos viviendo... y es que parece ser que nunca dejaremos de ser Muertos de Hambre; aunque esto pudiera cambiarse con sólo vivir con la mente más abierta al mundo.

YouTube | Elio González

La fotografía callejera es mi favorita. Es la fotografía de coger la cámara, colgársela al cuello y salir a la ciudad; a fotografiar todo aquello que puede definir una sociedad de desconocidos, que caminan de un sitio para otro y que enseñan cómo su cultura ha conseguido o no, refinar elegantemente a este animal que somos llamado el ser humano.

En este reportaje que realizó una cadena americana podemos ver cómo trabaja Jeff Mermelstein un fotógrafo que ha colaborado con revistas de mucho prestigio y que es un apasionado de este tipo de fotografía. Su método de trabajo es un tanto curioso, dispara su Leica sin parar y sin pensar mucho, compulsivamente ( 15 o 20 carretes durante un solo paseo ) y luego revisa sus miles de fotogramas tranquilamente antes de revelar.

La tercera parte del video está dedicada al día de 11S . Sus imágenes son uno de los mejores testimonios que quedarán durante generaciones de aquel suceso.

Aunque no sepan inglés, estoy seguro de que verán cosas de su agrado.

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Vía | Neatorama