Cuando veis una fotografía en la que una persona mira a la nada desde la ventana de una habitación; cuando admiráis la imagen de una casa en el campo; cuando os gusta el cine de David Lynch o el trabajo de Stephen Shore estáis viendo la obra de Edward Hopper, el pintor de la soledad. Y podemos aprender todo sobre Hopper en el curso que grabaron con motivo de la gran exposición que se celebró en el museo Thyssen de Madrid.

Si queremos aprender otra forma de mirar, conocer a un pintor que miraba como un fotógrafo y que ha influenciado a muchos autores, no nos queda más remedio que estudiar la figura de Edward Hopper, uno de los más grandes artistas del Siglo XX.

Por eso queremos destacar hoy el curso que podemos encontrar en la página de EducaThyssen: Edward Hopper. El cine y la vida moderna. Es una ocasión estupenda para analizar la influencia de este autor en el mundo del cine y por extensión la fotografía. Su mirada fue única y todavía hoy sirve de inspiración a muchos de nosotros.

'Edward Hopper. El cine y la vida moderna'

Este curso lo podemos hacer a nuestro ritmo. Son ni más ni menos que 13 charlas que suman un total de 14 horas de información. Es verdad que está orientado al mundo del cine pero su universo se centra en la imagen. Los directores de fotografía son los que dan forma a los sueños de los directores.

'Nighthawks' de Edward Hopper 1942 (Wikimedia Commons)

Los títulos condensan la información a la que vamos a tener acceso: 'Hopper y David Lynch', 'Lo encontró en las películas: la influencia del cine en la obra de Edward Hopper', 'Ventanas a la oscuridad'... una maravillosa forma de pasar las tardes en busca de inspiración.

La lista de los conferenciantes es apabullante: Guillermo Solana (Museo Nacional Thyssen-Bornemisza), Didier Ottinger (comisario de exposiciones), Tomàs Llorens (comisario de exposiciones), José Enrique Monterde (crítico de cine), Ernest Farrés (periodista), Carlos Rodríguez (realizador), Carlos Marzal (escritor), Jean-Loup Bourget (profesor de cinematografía), Jean Foubert (especialista en cine americano), Brian O’Doherty (artista y escritor), Isabel Coixet (directora de cine), Erika Doss (profesora de Estudios Americanos), Victor Burgin (artista y escritor), Margaret Iversen (profesora de Historia del Arte), Valeriano Bozal (catedrático de Historia del Arte), Javier H. Estrada (crítico de cine) Ed Lachman (director de cine) y Juan Ruiz Anchía (director de fotografía).

En Xataka Foto

Cinco videos musicales en los que destaca la fotografía

Así que podemos tener 14 horas ocupadas en algo semejante. Y luego podemos sumar todo lo que encontraremos sobre este genial pintor en las redes... Y ver todas las películas que citan en el curso... y acercarnos a la obra de Stephen Shore o Gregory Crewdson, por poner dos ejemplos puramente fotográficos...

Porque no nos alimentamos solo de fotografía. Necesitamos conocer todo lo que nos rodea para mejorar. Y os podemos prometer que analizar la obra de alguien como Hopper nos ayudará mucho más que mirar una y otra vez las redes sociales en busca de fotografías que nos inspiren.

Stephen Shore es uno de los mejores fotógrafos de los últimos tiempos. Su estilo ha marcado a decenas de generaciones y fue de los primeros que apostaron por el color. Su forma de pensar, de fotografiar, es un referente. Por eso tenemos que prestar mucha atención a lo que le dice a los estudiantes: empieza disparando con película.

Seguro que esta afirmación levanta ampollas allí donde llegue, pero creo que la palabra de Stephen Shore hay que tenerla en cuenta. No deja de ser un referente dentro del mundo de la fotografía. Alguien que tuvo el valor de presentarse, con tan sólo 14 años, al jefe del departamento de fotografía del MOMA para enseñarle su trabajo. Y con 24 años consiguió su primera exposición en semejante templo. Y hoy tiene ahí una de las grandes retrospectivas del año.

Stephen Shore

Apostó por el color cuando nadie creía en sus posibilidades. Y cuando todo el mundo le siguió, decidió hacer fotografías en blanco y negro con su cámara de placas, como los pioneros... Él, que durante mucho tiempo disparó con su cámara Mickey Mouse de 35 mm. Como se puede leer en el magnífico catálogo que editó la fundación Mapfre con motivo de su gran retrospectiva hace un año:

La apariencia de neutralidad, la ausencia de las distinciones habituales de la expresión artística fotográfica y un tratamiento del tema aparentemente desinteresado o distante, fueron las características que, paradójicamente, permitieron a la fotografía ser plenamente aceptada como arte. La obra de Shore, deudora de la herencia de Walker Evans e influenciada por la Factory de Warhol, participa de forma significativa de este giro en la compresión de la práctica fotográfica.

Si nos interesa aprender del mejor, y nos cuesta mucho acercarnos a alguno de sus talleres, siempre podemos comprar su gran libro 'Lección de fotografía'. Ahí vuelca todo su saber que despliega sin igual en el Bard College de Nueva York. Eso sí, no esperes encontrar mil textos. Solo unas pocas frases y muchas fotos con la que tendremos que establecer una lucha visual para desenmascararlas. Pero vamos a lo interesante.

Para aprender hay que disparar con película

En la página Artsy han entrevistado a este fotógrafo y le han sacado unas declaraciones muy llamativas para los estudiantes de fotografía. Sobre todo viniendo de alguien que siempre va contracorriente pero que desde que sacaron la Nikon D3 abrazó con todas las consecuencias la imagen digital.

Stephen Shore

No podemos olvidar que estamos ante un fotógrafo con cuenta en Instagram y más de 100000 seguidores. Lo gracioso es que no sabe lo que pasa realmente y siempre se sorprende cuando la gente le vota (y tiene una media de 2000 por disparo). A pesar de tantos seguidores, a él solo le llama la atención 144...

No tengo ningún problema con lo digital. Es lo que utilizo ahora, pero estoy convencido de que hay ciertas cosas, muy difíciles de describir, que se aprenden en el cuarto oscuro.

A la hora de disparar en digital los fotógrafos tienen un problema bastante preocupante: no cuesta dinero. Da igual hacer diez que mil fotografías. El precio es el mismo. Así que la gente dispara sin pensar, sin cuidar los detalles, sin vigilar el encuadre. Es como un adolescente consentido que no aprecia las cosas y gasta sin mesura. Este problema acabaría volviendo a pagar por cada disparo.

Dejaríamos de hacer mil fotos del desayuno para hacer una buena en el día. Después de valorar muchas cosas decidiríamos el momento justo de activar el obturador. Y solo cuando lo viéramos realmente necesario. Esa es la mejor escuela que podemos tener. La escuela del hambre, aprender que las cosas cuestan.

Stephen Shore

Y entiendo que es algo complicado de asumir, pero que lo diga Stephen Shore querrá decir algo. A mis alumnos siempre les recomiendo hacer lo siguiente. En vez de llevar en la cámara una tarjeta de 32 GB, busca en tus cajones una de 512 MB. Y ahí tienes que meter todas tus fotografías del fin de semana. Seguro que te lo piensas antes de disparar. Y empezamos a apreciar la luz, el momento y a estar seguros de lo que realmente queremos decir con un disparo.

En Xataka Foto| Últimos días para visitar la exposición de Stephen Shore en Madrid

Varios nombres propios protagonizan nuestra recopilación semanal de hoy. Nuestra Galaxia Xataka Foto con artículos y textos relacionados con la fotografía que hemos encontrado en los últimos días.

• Empezamos por el gran Lee Friedlander y una cita sobre "la importancia de volver a mirar" que han publicado en el blog Otra forma de mirar que define bien cómo podemos encontrar en los libros la mejor forma de narrar con imágenes.

• Seguimos con el imprescindible Stephen Shore que este mes inaugura una exposición retrospetiva en el MoMa de Nueva York (una de las imágenes es la que encabeza este artículo). Lo interesante es que se pueden ver imágenes de sus reconocidos trabajos junto con otras más recientes que publica habitualmente en su perfil de Instagram, como comentan en Interactivity.

• Continuamos con el fotógrafo chino Feng Li, que como comentan en Yuanfang Magazine, bien se le puede denominar como el fotógrafo de lo extraño. Destaca por su uso del flash de forma descarada para mostrar escenas extrañas de la vida de los suburbios y, en la entrevista que publican, se le puede conocer un poco mejor.

• En el recomendable podcast de Fotomaf, f2.2, esta semana el invitado ha sido Ramón Peco, periodista y fotógrafo, que cuenta su faceta fotográfica y su visión a través de sus últimos trabajos.

• Una buena lectura para un domingo es la transcripción de una conversación entre Jorge Luis Borges y Susan Sontag que ha publicado la Revista Quimera. Un diálogo de lo más interesante.

• En Moon Magazine nos avisan de una interesante exposición, titulada "Topografías" de Berenice Abbot que abre sus puertas esta misma semana en San Sebastián y que estará disponible hasta el mes de marzo próximo. Una de esas exposiciones para apuntar y no perderse si pasamos por Donosti.

Esto ha sido todo. Recordamos que nos podéis enviar pistas.

Dentro de la sección "Behind the photos" de la revista TIME, en esta ocasión le ha tocado el turno a Stephen Shore, pionero de la fotografía en color. La foto que ha sido objeto de atención para el artículo, fue una que el fotógrafo tomó en blanco y negro a la edad de 12 años. Una toma que precisamente llamó mi atención en la exposición que tuvo lugar en Mapfre (Madrid) y que para mí reflejaba ya toda una declaración de intenciones sobre lo que sería la marca personal de este maestro.

Me llamaba la atención la narrativa de esta fotografía donde aparece un equipo juvenil de fútbol en el momento que es retratado por el fotógrafo oficial. En la toma sale parte de ese equipo pero también el fotógrafo además de la sombra de Stephen Shore que estaba situado justo delante de todos ellos, y que podemos diferenciar del resto de sombras porque aparece en posición de estar sujetando una cámara.

Lo interesante de esta toma viene dado por el hecho de que mientras otros se habrían puesto a la misma altura que el fotógrafo oficial (que no era otro sino el director de la escuela donde Shore estaba internado) para sacar la fotografía de los jóvenes futbolistas, Stephen prefirió retrasar su paso para ofrecernos una imagen totalmente diferente del momento. Es algo que podemos ver en algún ejemplo más a lo largo de su carrera pero que también podemos observar en otros fotógrafos como Winogrand o incluso en nosotros mismos, ¿quién no ha tomado fotografías de gente fotografiando a otras personas?

Según narra el propio Shore para TIME, muy pronto se empezó a interesar por la fotografía, concretamente en un primer momento en la técnica del revelado en el cuarto oscuro gracias a que revelaba los negativos de su familia con un kit de Kodak que le había regalado su tío a la edad de seis años porque, como cuenta, "era un poco nerd y estaba interesado en la química". Fue ya con nueve años cuando tuvo su primera cámara de 35mm.

Fue a la edad de 12 años cuando Shore tomó esta fotografía que pudo revelar en el momento gracias a que tenía acceso al cuarto oscuro del internado, debido a que el director conocía su afición y le dejaba entrar allí. Como cuenta, es una imagen autorreferencial ya que le interesaba retratar su propia sombra como testigo de la toma fotográfica, aquí el fotógrafo no aparece de forma invisible, sino que su presencia es igual de importante junto a todos los demás elementos que componen la escena. Como decíamos al principio, toda una declaración de intenciones de uno de los fotógrafos, posiblemente, que más ha teorizado sobre la imagen fotográfica en la historia de esta disciplina.

Más información TIME

A veces me gusta provocar. Recuerdo cuando tenía pendiente una exposición en mi barrio y había acordado meter algunas imágenes del mismo. Mi madre me preguntaba todos los días si había salido a hacer fotos. Un día, por fin, lo hice. Pero no reflejé mi manera de entender las imágenes. Lo hice al modo que yo llamo, Stephen Shore, o lo que es lo mismo, con la forma de esas instantáneas (snapshots) que todo fotógrafo ha tomado alguna vez. Llegué a casa, se las enseñé y me dijo literalmente que ni se me ocurriera presentar esas fotografías.

Hace unos días, cuando me acerqué a ver la exposición de Shore en la Fundación Mapfre, no podía dejar de sonreir imaginando la cara de mi madre viendo esta exposición. El fotógrafo norteamericano se ha pasado toda su vida artística obsesionado con la idea de indagar en la imagen fotográfica, en sus significados. Aquel día de sesión por mi barrio en cierto modo me puse a cuestionar ese valor de la imagen. Y os cuento todo ésto porque no sólo quería analizar su exposición sin más, sino aplicarla a nuestro modo de entender la fotografía.

Las imágenes de Stephen Shore no son bellas si las comparamos con las grandes fotografías de paisaje, no lo son si las comparamos con fotografías espectaculares de moda o incluso (aunque a veces se acerque al género) con las fantásticas imágenes que se toman en la street photography. Como ya comenté a propósito de la charla que dio en la Fundación Mapfre, "su fotografía no se entiende para quienes tienen otra idea de lo que debe ser fotografiado". Como mi madre hay muchos, pero para éso están los carteles de la exposición.

Nueva York, NY, 2000-2002

En ningún momento cuestiono el trabajo de Stephen Shore, de hecho fui una de las primeras en admirarle cuando conocí su trabajo, aunque siempre me haya decantado más por Eggleston. Quien sí se hace preguntas sobre esta disciplina es él. Por ello, si acudimos a esos carteles que acompañan cada apartado de la exposición, nos damos cuenta que durante toda su carrera sus series han sido fruto de ejercicios que él mismo se ha autoimpuesto. Podríamos decir que su trabajo se basa en la experimentación y en ese afán como ya nos contó, donde lo que siempre ha intentado es no quedarse encasillado.

Su máxima, evitar la repetición

De ahí que la variedad de sus trabajos sea tan visible. Desde el apartado de sus primeras fotografías (las cuales son las que más me fascinan por esa inocencia) pasando por el de "Obras conceptuales" donde encontramos una serie en la cual fotografió a un amigo durante 24 horas, hasta "Uncommon Places", con la que rompió esquemas, sus series se caracterizan por ese deseo de no repetirse a la vez que ejercita varias soluciones siempre en torno al significado de la imagen fotográfica. Un ejemplo muy clarividente es su serie de Nueva York donde realizó fotografías callejeras con una cámara de placas dando así la espalda a los convencionalismos.

Imitación de una estética amateur, dejadez en las tomas, el cuestionar la perspectiva y nuestra manera de entender los paisajes a través de su serie realizada en espacios naturales, el auto limitarse con el blanco y negro durante un periodo de diez años o el carácter performático de su serie "Winslow", entran dentro de esas reglas que marcan su trabajo y que pueden verse en esta exposición que responde a una gran retrospectiva.

Quedan dos días para su término, por ello, para ese público que espera hasta el último momento, os invito a que no perdáis la oportunidad. Si no, como siempre, la página web de la Fundación Mapfre ofrece una visita muy completa de la exposición, dividida por apartados, con textos y fotografías. No todos los días se tiene la suerte de poder ver la obra de un fotógrafo tan influyente como Stephen Shore. Id a verla.

Más información Mapfre Fotografía West Ninth Avenue, Amarillo, Texas, 2 de octubre de 1974. De la serie Uncommon Places

Stephen Shore y Alvin Langdon Coburn, dos fotógrafos a quienes tenemos especial admiración en Xataka Foto, visitarán Madrid en forma de exposición en las próximas semanas. Gracias a la Fundación Mapfre, que tanto está haciendo por la fotografía en nuestro país, sobre todo dándonos a conocer autores internacionales de renombre.

Para ello abrirá las salas de la nueva Sala de Exposiciones Bárbara de Braganza, primeramente con la muestra dedicada al maestro Stephen Shore (impacientes estamos) del 18 de septiembre al 23 de noviembre, momento en el cual dará relevó al pictorialista pero vanguardista Alvin Langdon Coburn, del 12 de diciembre al 15 de febrero.

Dos figuras muy distintas, que nos llevarán a conocer porqué Stephen Shore fue motivo de inspiración para generaciones posteriores gracias a "Uncommon Places" o "American Surfaces", y el pictorialismo de Coburn, miembro de la Photo-Secession, que se centró en las ciudades aportando originalidad al género. Estaremos muy pendientes de sus inauguraciones para hablar más extensamente de estos dos genios de la fotografía. De momento, no dejéis de visitar la muestra de Cartier-Bresson que termina el 7 de septiembre tras haber sido la gran exposición de la temporada pasada.

Más información Mapfre

Si William Eggleston nos enseñó una América capturada gracias a su instinto fotográfico, con un cierto desorden respecto a los cánones establecidos con anterioridad, Stephen Shore nos mostró lo mismo pero de una manera ordenada. Es curioso como comparando el trabajo de ambos maestros, la fotografía de Shore se nos antoja perfectamente cuidada gracias a un encuadre sereno.

Suele etiquetarse su fotografía como inexpresiva, no en tono despectivo, presentarnos imágenes de lugares en completa calma, tiene su mérito. Cuando el espectador observa sus fotografías siente como si todo se parase, presentan una quietud aplastante. Y eso, aunque se pudiese pensar lo contario, al final transmite.

Stephen Shore sigue un flujo de trabajo perfectamente estructurado. Como nos cuenta en el vídeo, escribe notas, observa y se toma su tiempo para estructurar la toma organizando así el espacio en la fotografía, algo que se nota en el resultado.

Además de ser el segundo fotógrafo vivo que expuso en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA) con tan sólo 24 años (tened en cuenta que se inició en la fotografía con seis años), es autor de numerosos libros en torno a la reflexión fotográfica. "Uncommon Places" fue el libro de cabecera de todos aquellos fotógrafos que se iniciaban en la fotografía a color allá por 1982. Pero sin duda, su obra más conocida es "The Nature of Photographs", un paseo por fotografías de los grandes autores para ilustrar el proceso de mirar y entender fotografía. Sobra decir que debe ser un indispensable en nuestra biblioteca.

Para su máximo disfrute recomiendo el visionado de sus fotos en calma y con buena música americana de fondo. Sin más, os dejo que disfrutéis de sus lugares poco comunes.

Vídeo | Youtube Fotógrafo | Stephen Shore En Xataka Foto | 33 libros de fotografía para regalar