Estos días, estoy viviendo en casa de unos familiares, y rebuscando en un trastero me he llevado la sorpresa de encontrarme una enciclopedia de 8 tomos sobre fotografía de la Editorial Planeta, editada en el año 1984.

Yo siempre he sido autodidacta, y nada más ver los libros, me puse a leer el primer tomo. Y aunque los conceptos tratados ya los tenía más o menos claros, hay algo que he confirmado con su lectura. Un libro de fotografía es igual de válido ahora que hace 25 años. Si obviamos el hecho de que aquellos libros estaban basados en las SLR analógicas, sorprende darnos cuenta que ni la técnica, ni los accesorios a utilizar han variado en todo este tiempo.

Solemos centrarnos mucho en la tecnología de las cámaras y también en la técnica. Son elementos fundamentales para todo fotógrafo, esenciales tanto conocer bien la máquina con la que fotografiamos, como adquirir experiencia y fortalecer nuestra técnica fotográfica. Pero el tercer pilar que necesitamos para progresar y para subir un escalón en cuanto calidad es lograr un estilo propio.

Es fácil definirlo y entenderlo, pero mucho más complejo alcanzarlo. Podemos tener ojo fotográfico, dominar la técnica y la tecnología pero aquello que se requiere para que una imagen sea identificable con nosotros, es disponer de un marcado estilo propio. Como se ha definido en alguna ocasión, el estilo fotográfico es la prolongación de nuestra personalidad, por ello todo fotógrafo anhela que sus capturas se diferencien y se identifiquen.

La fiebre por el HDR parece que ya ha pasado, o al menos del HDR mal entendido. Pero la técnica del HDR bien hecho siempre va a ser de utilidad. Para los usuarios de Mac que no disponen de herramientas como Photoshop para montar imágenes HDR, y no quieren gastar más de 40 euros, existe Hydra.

Una aplicación que nos permitirá crear fotografías con un alto rango dinámico, al menos con dos fotografías, aunque con estas cosas siempre es mejor hacer más. Pero lo más llamativo de Hydra es que nos propone olvidarnos del trípode.

Si es aconsejable usar siempre el trípode a la hora de hacer varias tomas con distinta medición de luz, para que luego encajen bien al montarlas, con Hydra nos dicen sus creadores que no hará falta. Podemos disparar a pulso, que el logaritmo algoritmo del programa se ocupará de alinear las fotos.

Desde luego nuestra espalda lo agradecerá, pero tampoco esperemos milagros del logaritmo algoritmo.

Vía | applesfera
Sitio Oficial | Hydra

Ahora que estamos en luna creciente es un buen momento para comenzar a practicar las fotos que hacemos de la luna. Hasta que esté llena, en este mes de enero de 2008 será el próximo día 22, tenemos por delante una semana larga para perfeccionar nuestras destrezas haciéndole fotos.

Lógicamente lo digital ha eliminado la incertidumbre a la hora de disparar a nuestro satélite. Hoy en día podemos ajustar los parámetros de la cámara tras cada exposición hasta lograr una toma perfecta. Pero seguramente ayuden algunas consideraciones previas.

La rotación de la Tierra hace que la luna se desplace por el encuadre. Piensa que, con respecto a nosotros, la luna se mueve un espacio equivalente a su propio diámetro cada dos minutos. Aunque no lo aparenta se mueve a un ritmo considerable. Es por ello que habrá que utilizar velocidades de obturación altas si queremos evitar que las fotos salgan movidas.

El post que viene a continuación es fruto de la sensación personal que tengo entorno al mundo que rodea al fenómeno de la lomografía, además de ser una opinión personal e intransferible.

Después de este disclaimer, empecemos a despotricar (tranquilos, solo un poco).

A raíz de esta entrada en el interesante blog de Juan Luis Polo, me he decidido a escribir lo que pienso sobre la lomografía. Ya os hemos hablado de lo que es la lomografía aquí, en XatakaFoto, por lo que no me entretendré en explicarlo, parto de que ya sabéis de qué se trata. Lo que sí pienso hacer es remarcar las que creo que son sus dos características visuales más llamativas:

Los fuegos artificiales son un típico y bello motivo fotográfico, especialmente en épocas estivales que es cuando acostumbran a florecer este tipo de espectáculos. Y como tengo el veranito todavía bastante fresco y no me apetece dejar de pensar en él, hoy repasamos algunos consejos para la fotografía de fuegos artificiales:

• Llega temprano para elegir donde te vas a situar.
• Ármate de paciencia. Técnicamente es difícil y tendrás que tirar muchas fotos para obtener resultados que sean de tu agrado.
• Trípode indispensable (o algún punto de apoyo).
• Ten en cuenta que en la fotografía digital existe un lapso de tiempo entre que apretas el botón de disparo y cuando la cámara realiza la foto. Debes conocerlo bien para hacer la foto justo en el momento en el que lo deseas.
• El tiempo de exposición será tu lucha. Empieza con un tiempo de un segundo y experimenta incrementándolo. Altamente recomendable usar el modo bulb para reducir vibraciones de la cámara y controlar exactamente el tiempo de exposición que creemos necesario.
• Es recomendable disparar con el cable de control remoto.
• Mejor usar valores ISO bajos y ahorrarnos el molesto ruido. El control lo debe tener el tiempo de exposición.
• En general, utiliza un gran angular.
• Puede ser una buena idea (mejor dicho, una magnífica idea) añadir algún otro elemento en la fotografía. La harás más atractiva. Si cuidas la composición obtendrás fotos distintas como la que ilustra este post.
• Utiliza el enfoque manual. Haz alguna prueba con algún fuego artificial. O si tienes a la vista el lugar desde donde se lanzan, puedes enfocar allí.
• En cuanto a la apertura del diafragma… cierra lo posible. Yo prefiero cerrar y aumentar el tiempo de exposición (de f=8 para arriba).
• ¡Cuidado con la arena si estás en la playa! ¡O con el agua si estás en un barco!
• Te recuerdo que necesitarás paciencia.

¿Tienes algún consejo más? ¿Algo con lo que discrepes?

Más información | dzoom, New York Institute of Photography
Fotografía | Set de FreakyNami

Hace sólo unos días Victoriano nos hablaba de Eric Staller, un artista neoyorkino de los 70 que literalmente dibujaba con la luz. Esa técnica se llama Light-Painting. Ponerla en práctica sólo requiere una cámara con controles manuales y toda la imaginación que le quieras poner al asunto.

La foto de arriba la tomó el que escribe hace algo menos de un año. Aprovecho para disculparme por usar una foto propia como ejemplo, seguramente las hay más estéticas para ilustrar la técnica, pero esta la tengo a mano y lo cierto es que nos sirve perfectamente. Así que pasemos a destripar la técnica, que es lo que interesa, y pongámonos cuanto antes a dibujar con la luz.

Partimos de la base de que para lograr el efecto de la silueta con luz necesitamos un tiempo de exposición largo. En este caso fueron 30 segundos. El lugar era particularmente oscuro, así que 3.5 como valor de f fue suficiente para no quemar nada. El ISO estaba al mínimo, en mi caso, 200.

El aprendizaje de cualquier disciplina es lento y tedioso, sobre todo en los comienzos. Luego llegas a un punto en el que te manejas y todo cambia. “Vuelas solo” y la velocidad de aprendizaje se incrementa. Lamentablemente muchos, la mayoría, abandonamos el intento en esas primeros momentos. Pasa con los idiomas, los instrumentos musicales y, cómo no, con la fotografía.

Si te encuentras dando tus primeros pasos en fotografía, enfrentándote a enormes manuales a los que no les acabas de encontrar el punto, quizás unos consejillos edulcoren el mal trago y consigan que le cojas un poco de cariño a esto de la fotografía.

En idigitalphoto encontrarás una serie de pautas para mejorar tu técnica en diferentes campos en menos de 60 segundos. No es poco prometer, ¿no? ¡Bien merece una visita!

Más información | idigitalphoto

Más de una vez habrás presenciado una escena impresionante que has querido captar con tu cámara. Una puesta de sol por ejemplo. Pero al ver los resultados en la pantalla te das cuenta de que no tiene nada que ver con la realidad, que los detalles que tú apreciabas y que hacían la escena tan bonita no están en la foto, en la cual sólo se aprecia parte de lo que observabas. Esto ocurre porque nuestros ojos funcionan de forma distinta a como lo hace una cámara de fotos. Y de eso hablaremos hoy.

En algo si que hay similitudes entre el ojo y la cámara, pero sólo en la forma de captar la luz. Ya hemos visto en capítulos anteriores como funciona una cámara y sus partes. Por lo que estamos en condiciones de decir que: el objetivo por donde entra la luz, equivale en nuestros ojos a la córnea y la pupila; el diafragma de la cámara se corresponde con el iris, encargado de dejar entrar más o menos luz en el ojo; la lente del objetivo es a su vez el cristalino del ojo, necesario para enfocar a varias distancias; y el material fotosensible, o sensor del ojo, es la retina, donde se encuentran las células fotorreceptoras.

Y ahora veamos las diferencias entre lo que vemos con nuestros ojos y lo que la cámara puede hacer, que es lo importante.

Los más bohemios de la fotografía siempre afirmaron que ellos pintaban con la luz, al fin y al cabo de ahí viene la palabra fotografiar (foto es luz y grafos es escribir, pintar). Bueno pues resulta que hoy os quiero descubrir a Eric Staller un hombre que literalmente hace eso. Es un fotógrafro neoyorkino de los 70 que usando largas exposciones con la cámara sobre un trípode hace unas fotos preciosas. Ayudado de un mini con bombillas pegadas a la carrocerías, lucecitas de navidad, antorchas y linternas… crea sus obras luminosas.

Merece la pena pasarse su página web donde tiene muchas fotografías así como esta y cómo las hizo.

Mas información | Web de Eric Staller