Estamos ante un libro póstumo. Es el fruto de la primera exposición autocomisariada por el propio autor poco antes de su muerte. Estamos ante el legado que quiso dejar Peter Lindbergh, el fotógrafo que descubrió a las supermodelos de los años 90 y que podemos recordar en un libro editado por Taschen.

Peter Lindbergh murió en septiembre de 2019. En Xataka Foto hablamos sobre lo que ha significado su figura en la historia de la fotografía y la moda. Puede que no haya sido tan famoso como Richard Avedon o Helmut Newton pero su estilo es reconocible por muchos de los que amamos el trabajo bien hecho.

'Untold stories', las historias no contadas de Lindbergh, es un repaso personal de su trabajo a lo largo de 4 décadas. Es una vida en 150 fotografías principalmente en blanco y negro. No son fotografías inéditas sino que se perdieron en la publicaciones mensuales de revistas como 'Vogue', 'Harper´s Bazaar', 'Interview' o 'Rolling Stones'.

Los libros de fotografía perduran más que las exposiciones y este libro es un testamento perfecto de la obra de Peter Lindbergh.

'Untold stories', el libro póstumo de Peter Lindbergh

Es un libro grande, de tamaño XL. Dentro de la editorial Taschen quiere decir que la altura de los libros supera los 34 cm. En este caso estamos ante un ejemplar que mide 27 x 36 cm, pesa 1,90 kg y tiene 320 páginas. Desde luego necesitamos espacio en nuestra librería para poder disfrutarlo.

Además de las fotografías a sangre, a doble página o con un marco blanco, encontramos diversos textos que nos permiten acercarnos y entender la obra de un autor que ha marcado una forma de mirar lejos de los artificios que nos tenían acostumbrados en el mundo de la moda.

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Cómo hacer posar las manos a nuestros modelos para lograr mejores retratos

Dentro de los textos encontramos una elegía de su amigo Wim Wenders y una entrevista que le hizo Felix Krämer, comisario de numerosas exposiciones. En las letras del insigne director de cine encontramos el lado humano de Lindbergh. Y en la entrevista descubrimos la forma de pensar del artista...

Emociona leer la pequeña carta de Wenders cantando las virtudes, los dones de su amigo. Son tres hojas llenas de nostalgia. Luego tenemos la entrevista donde podemos descubrir el estilo del maestro, con ideas como esta:

Todos tenemos creatividad, pero la mayoría de la gente no puede acceder a ella porque está escondida en algún lugar de sus entrañas. Después de todo, todos podemos ver, oír o sentir. Pero no todos lo pueden traducir. Cuanto más libre te vuelves, más amplitud de miras tienes. Quizás todo consiste en trabajar tu libertad, sentirte libre, porque así puedes llegar más lejos que si te sientes atrapado. Hay una frase zen del maestro Suzuki que significa mucho para mi: "expresarse tal y como uno es, sin ningún tipo de ajuste intencionado y extravagante, es lo más importante"

Predominan las fotografías -impresas con la calidad que caracteriza a los libros de la editorial-. Destaca el blanco y negro sobre el color. Y dentro de esta selección personal (algo que da mucho valor al libro) solo encontramos tres hombres: Antonio Banderas, Richard Gere y Robert Pattison. El resto son las imágenes de las supermodelos y de algunas de las mejores actrices del momento.

Cuando vi mis fotos en la pared por primera vez en formato expositivo, me entró un poco me miedo, pero en el buen sentido. Fue muy abrumador enfrentarme de ese modo a mí mismo.

La exposición itinerante está estructurada en tres partes, algo que en el libro no se ha podido respetar de forma clara. En la primera parte vemos cómo entendía el mundo de la fotografía de moda. En la segunda vemos su diario vital, sus disparos favoritos a Nicole Kidman, Uma Thurman, Jessica Chastain, Helen Mirren o Milla Jovovich... La exposición terminaba con una proyección que aleja al autor del mundo de la moda.

Es una película en la que durante 30 minutos Elmer Carroll, un preso en el corredor de la muerte, mira a la cámara del fotógrafo para hacernos reflexionar sobre la libertad, la introspección y la empatía.

En definitiva estamos ante un libro que nos servirá para entender el trabajo de uno de los autores más importantes de finales de siglo. El mundo de la fotografía de moda, de las supermodelos de los 90, no sería igual sin el trabajo de Peter Lindbergh. Él nos enseñó a mirar el lado humano de la moda, o al menos nos hizo creer que existía.

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Peter Lindbergh. Untold Stories (trilingüe) (Fotografia)

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• Peter Lindbergh
• Editorial Taschen
• PVP: 60€

Regalar un libro es algo muy personal. Tienes que conocer a la persona que lo va a recibir para saber que lo va a valorar. No es lo mismo regalar a uno que adora la tecnología que a otra que le gusta rendir homenaje a los clásicos. Por este motivo vamos a hablar de libros de fotografía para alegrar a todos los fotógrafos cuando abran los regalos.

Un libro de fotografía te puede ayudar a descubrir a un autor, te lleva a otros mundos que quieras fotografiar o simplemente te puede indicar el camino que no quieres seguir. Regalar un libro requiere una gran responsabilidad. No debería ser tan sencillo como ir a una tienda virtual y buscar los más vendidos porque algunas veces el resultado puede ser como regalar el Premio Planeta.

Entre los más vendidos por supuesto que hay maravillas como los últimos libros de Tino Soriano pero es fácil encontrar aquellos que demuestran que has ido a la mesa de superventas porque ibas con prisas o sin ganas...

Es verdad que es complicado saber los gustos de la nueva pareja de tu sobrino o que no puedes descubrir si tu prima tiene el último que han sacado de técnica. Pero lo bueno de los regalos no es el precio ni nada parecido: es descubrir que importas a la persona que te lo da.

Por este motivo vamos a ver en esta ocasión todo tipo de libros. Desde los grandes clásicos (en todos los sentidos) hasta los que acaban de salir. Y tú solo tendrás que saber si es adecuado o no para quien lo va a recibir.

Y siempre puedes consultar los que ya hemos destacado en Xataka Foto a lo largo de este año que termina. Algunos son una maravilla como 'Ucrónicos' de María Antonia García de la Vega o el libro sobre el color de Jesús M. García.

Los libros con los que siempre se acierta

Creo que los mejores libros de fotografía que se pueden regalar son los de autor. Te invitan a mirar de otra forma. Las retrospectivas de las exposiciones son siempre bien recibidas. Desde los grandes clásicos como el catálogo de Lee Friedlander de la última exposición que hemos visto en las salas de exposiciones o el de Bill Brandt (que me encantaría tener).

Si estos solemnes catálogos te parecen muy caros siempre encontraremos, en las buenas librerías, esas pequeñas maravillas de Photobolsillo. Por muy poco precio damos la obra completa de autores consagrados. Podemos encontrar autores nacionales y extranjeros... Uno de Isabel Muñoz o de Henri Cartier Bresson siempre es un acierto.

Photobolsillo

Si tienes que regalar a un estudiante de fotografía o a uno que sabes que siempre está de taller en taller, algo que no falla nunca es el mejor libro de Tino Soriano 'Ayúdame a mirar'. Por supuesto no podemos olvidarnos del último que ha presentado: 'CurArte. 40 años fotografiando la Sanidad Española', del que hablaremos la próxima semana.

En Xataka Foto

Cuatro libros de fotografía para leer de una vez por todas

Los libros perfectos para regalar

Muchas veces un regalo tiene que entrar por los ojos. Un libro grande siempre llamará la atención y tendrá un lugar especial en la biblioteca del afortunado. Y también pueden ser perfectos para regalar aquellos que encontremos fácilmente en las estanterías de las librerías sin acudir a las mesas de últimas novedades.

En este apartado entran muchos de los libros de la editorial Taschen. Libros grandes y llamativos para ver una y otra vez. Ahí tenemos el volumen dedicado a 'Peter Beard', un fotógrafo que murió este año y vivió entre Nueva York y Kenia. Sus fotografías de animales son parte de su universo personal.

Peter Lindbergh. Untold Stories

O si quieres un libro excesivo y barroco de un fotógrafo como Mario Testino, no puedes dejar pasar 'Ciao. Omaggio All’Italia', donde desgrana su mirada por las tierras italianas con su característico estilo.

Tampoco podemos olvidar a un autor mucho más sosegado pero que dio forma a las supermodelos de los años 90. 'Peter Lindbergh. Untold Stories' es uno de los mejores libros de este autor inolvidable. Es la retrospectiva de sus mejores fotografías comisariada por él mismo poco antes de morir. Ahí está todo lo que a él le gustaba.

Libros de fotografía para amantes de la cultura fotográfica

Aquí entramos en un terreno complicado. Regalar un libro a alguien que tiene ya muchos. ¿Qué le regalas a uno que ya tiene la casa llena? Hay que buscar curiosidades, ir a librerías de viejo o perderse por páginas y páginas de internet hasta encontrar esa joya indiscutible. O dejarte aconsejar por tu librero de confianza.

Este año he tenido la suerte de ver y leer 'Retratos de infancia' del premio Nobel de Literatura J.M. Coetzee. No son grandes fotografías (no es Juan Rulfo) pero impresiona conocer otra forma de narrar del autor de 'Tierras de poniente' o 'Desgracia'. Sus fotografías nos acercan a su vida y obra.

Otra maravilla, de la que hablaremos largo y tendido en Xataka Foto, es 'Wattebled o el rastro de las cosas' de Paco Gómez. Creo que es un canto a la fotografía, una muestra más de la fuerza de la imagen y del poder de sugestión que puede llegar a tener. La fotografía tiene la capacidad de contar más cosas de las que pensamos.

Es perfecto para regalar a todos los fotógrafos porque nos sentimos identificados página tras página. Es la historia de los Wattebled pero es una declaración de amor a la imagen. En todos los sentidos. Lo que le convierte en un regalo perfecto para los locos que andamos siempre con una cámara.

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Cinco libros para aprender a mirar y pensar como fotógrafos

Por supuesto que podemos recomendar muchos más libros (qué ganas de poder ver por fin 'Alma Tierra' de José Manuel Navia) pero todos los que hemos visto aquí son candidatos perfectos a ser envueltos en papel de regalo por Papa Noel o los Reyes Magos para hacernos olvidar, por un instante, que hemos vivido en 2020. Y demostrar otra vez de nuevo que los libros nos pueden llevar a otros mundos.

Los madrileños aficionados a la fotografía estamos de enhorabuena. La semana pasada nos visitó Steve McCurry con el fin de inaugurar la nueva Leica Store, que incluye una exposición del conocido autor. Y ahora ha sido otro grande, nada menos que Sebastião Salgado, quien ha venido a la capital de España para la exposición ‘Gold: Tierra Quemada’ que se abre desde hoy en el Centro de Arte Tomás y Valiente de Fuenlabrada, al sur de Madrid.

Ya hace un par de meses que os presentamos el libro ‘Gold. Sebastião Salgado’ editado por Taschen y os adelantábamos que esto iba a dar pie a una exposición itinerante que recaería en España. Y por fin hoy se inaugura para deleite de todos los amantes de la fotografía que podrán disfrutar de unas imágenes que el propio Salgado ha calificado como “únicas en la historia de la fotografía”.

Así lo ha afirmado en el recorrido que hemos tenido la oportunidad de hacer con él por la exposición, y donde nos ha ido contando sus impresiones sobre este trabajo realizado allá por los 80 (cuando aún no era un fotógrafo estrella), deteniéndose en fotografías que le servían para narrar lo que ocurrió en aquella mina de oro a cielo abierto que desató la locura entre miles de brasileños que esperaban ser ricos en unas condiciones infrahumanas.

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De hecho, el fotógrafo ha contado cómo vio a muchos fotoperiodistas acudir al lugar y marcharse en el mismo día porque no había ningún hotel donde dormir. Él, sin embargo, convivió durante semanas con los habitantes de aquel lugar, durmiendo en una hamaca bajo una lona y bebiendo el mismo agua de los pozos envenenada por el mercurio que usaban para buscar el oro y que le hizo enfermar gravemente (como a todos los que vivían allí).

También nos ha contado algo sobre cómo se organizaba este lugar, una especie de colmena humana en la que los obreros se agolpaban en pequeñas concesiones de terreno que podían excavar en busca de pepitas de oro, y cómo cuando se encontraba un filón se repartía a cada hombre un saco de tierra en los que, con suerte, podían encontrar algo del preciado metal. También como se producían frecuentes peleas, sobre todo entre los policías encargados de "controlar" aquello y unos obreros que, viviendo en la más absoluta miseria, se consideraban algo así como “ricos en potencia”.

La exposición en Fuenlabrada

Preguntado sobre por qué esta localidad del sur de la capital, Salgado ha sido rotundo: “Porque es un lugar de trabajadores, un antiguo barrio obrero”. Y es que, según ha contado, realizar esta muestra en un lugar “chic” hubiera sido poco ético. Por eso, este fotógrafo que siempre se ha distinguido por sus claras ideas de contenido social, eligió este lugar como el sitio perfecto para una exposición que muestra cómo viven la mayoría de personas del Planeta.

Y es que, según el fotógrafo, los españoles (y europeos en general) somos unos privilegiados que vivimos en ciudades preciosas, en un entorno y una sociedad rica, y pensamos que sitios como los que muestra ‘Gold: Tierra Quemada’ son una excepción, cuando la realidad es que hay millones de personas que viven en condiciones como las que se ven en estas fotos.

Por eso, para Salgado aunque las imágenes pueden parecer duras en realidad no son mas que el reflejo de un mundo insolidario, con un sistema creado en el que la riqueza está sólo en una parte y que él, que nació en una zona no privilegiada, muestra como una forma de ayudar a luchar por un mundo más justo y solidario.

Unas nobles intenciones, qué duda cabe, que en cualquier caso nos brindan unas instantáneas llenas de fuerza, con el inconfundible estilo de Salgado que se aprecia en todo su esplendor en las fotografías de gran formato que cuelgan de las paredes de una gran sala (la principal) del centro de arte fuenlabreño; más de la mitad de la cuales son inéditas, y hacen de esta una exposición de visita obligada para todos los amantes de la fotografía.

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Sebastião Salgado en Fotogenio: "Conociendo mi vida se entienden mejor mis fotografías"

Por cierto que, revisitar (en forma de libro y exposición) un trabajo de hace ya bastantes años, ha permitido a Salgado rememorar lo que allí vivió, algo que, ha confesado, tenía ganas de hacer para “presentar de una forma nueva una vieja historia”.

‘Gold: Tierra Quemada’

Del 14 de noviembre de 2019 al 9 de febrero de 2020

Centro de Arte Tomás y Valiente

Precio: Gratuito

Calle Leganés 51

28945 – Fuenlabrada – España

Página web

Cuando Sebastião Salgado aún no era un fotógrafo tan famoso y su estilo aún no era tan reconocible, realizó una serie de fotos sobre Serra Pelada, la mina de oro a cielo abierto que evocó el mito de El Dorado durante una década allá por los años 80. Ahora, el genial (y controvertido) fotógrafo recupera este proyecto, incluyendo imágenes inéditas, y lo vuelca en ‘Gold. Sebastião Salgado’, un photobook editado por Taschen y una exposición itinerante que llegará a España.

El trabajo recoge lo que ocurrió en la que fue la mina de oro a cielo abierto más grande del mundo y donde trabajaron cerca de 50.000 trabajadores en condiciones infrahumanas, después de que se descubriera oro en uno de los arroyos que recorren Serra Pelada. Un episodio casi olvidado de la historia de Brasil si no fuera por las imágenes captadas por Salgado quien necesitó seis años para conseguir el permiso necesario para inmortalizar aquello.

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Sebastião Salgado, un pequeño recorrido por su obra fotográfica

Cuando por fin lo logró, se encontró con el espectáculo dantesco que muestran las imágenes: “Ante él se abría un gran agujero de unos 200 metros de ancho por otros tantos de profundidad lleno de decenas de miles de hombres desharrapados. La mitad de ellos subía por unas escaleras de madera, cargados con sacos que pesaban hasta 40 kilos, mientras que el resto saltaba por el fango ladera abajo para regresar a las bocas de las minas. Sus cuerpos y caras eran de color ocre, teñidos por el mineral de hierro de la tierra en la que excavaban”.

Por eso, el propio Salgado se preguntaba “¿qué tiene ese metal amarillo y opaco que lleva a los hombres a abandonar sus hogares, vender sus pertenencias y cruzar un continente para arriesgar su vida, sus huesos y su cordura por un sueño?”. Sea como fuere, el fotógrafo documentó aquello con su peculiar estilo en blanco y negro, en una época en la que el color predominaba en las páginas de las revistas.

Según el editor, aquella elección monocromática “era un camino arriesgado, pero el porfolio de Serra Pelada supondría un regreso a la elegancia de la fotografía monocromática en la tradición de maestros como Edward Weston, Brassaï, Robert Capa y Henri Cartier-Bresson, que definieron la fotografía de principios y mediados del siglo XX”.

Además, cuentan que cuando las imágenes de Salgado llegaron a la redacción de The New York Times Magazine se hizo un completo silencio: “A lo largo de mi carrera en The Times —recordó el editor de fotografía Peter Howe— nunca había visto a los colegas reaccionar ante un conjunto de imágenes como lo hicieron con Serra Pelada”.

La mina de Serra Pelada lleva mucho tiempo clausurada pero sus imágenes “transmiten el intenso drama de la fiebre del oro […] Hoy, con la fotografía en manos del mundo del arte y de la manipulación digital, el porfolio de Salgado tiene una calidad bíblica y proyecta una inmediatez que lo hace plenamente contemporáneo”.

‘Gold. Sebastião Salgado’

El volumen se lanza en dos formatos: por un lado en una edición de tapa dura, con unas medidas de 24,8 x 33 cm y 208 páginas y un precio de 50 euros. Por otro lado, también disponible una edición de coleccionista que consta sólo de mil ejemplares firmados por el autor. Este fotolibro de lujo contiene fotos reproducidas en gran tamaño y muy alta calidad y viene en tapa dura con un estuche, tiene unas medidas de 45 x 41 cm, 196 páginas y un precio de 800 euros.

Por último, comentar que el pasado mes de julio se inauguró la exposición homónima en Brasil que pasará por varios países hasta recaer en noviembre en España, en concreto en el Centro de Arte Tomás y Valiente de Fuenlabrada (Madrid).

Más información | Taschen | Amazonas Images

Todas las fotografías de Sebastião Salgado

Estamos entrando al pico de verano, muchos de vosotros aprovechando el tiempo para unas merecidas vacaciones y unas fotografías paseando por la ciudad o en el exterior. Mientras pasa el sol de mediodía, por qué no aprovechar para quedar al día en las noticias más llamativas de la semana en el mundo de la fotografía y la imagen. Bienvenidos a una nueva Galaxia Xataka Foto.

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Adiós a Eniac Martínez, el último retrato de Mandela y más: Galaxia Xataka Foto

• Arrancamos esta Galaxia invitando a todos los fotógrafos a participar en la masterclass de la Academia Nikon-Noor que se llevará a cabo del 11 al 14 de noviembre. Este taller de cuatro días invita a los aspirantes al fotoperiodismo y fotografía documental a expandir sus conocimientos en investigación, para presenciar y mostrar el mundo. 15 participantes de distintas partes del mundo irán a Barcelona a encontrarse con el equipo de fotógrafos de la fundación NOOR: Tanya Habjouqa, Sebastián Liste y Jon Lowenstein. La inscripción a participar en esta masterclass es totalmente gratuita y estará abierta hasta el 8 de septiembre. Los fotógrafos seleccionados a participar en la masterclass se anunciarán en el transcurso del mes de septiembre. Pueden inscribirse siguiendo el siguiente enlace.

• La séptima edición del 'Pride Photo Award' está cerca de cerrar la convocatoria de proyectos para 2019. El concurso busca mostrar trabajos que hablen sobre la diversidad de género y los principios y contextos de la comunidad LGBT. Dentro del tema de este año, se busca que los participantes innoven en la forma de contar historias y que, en especial, destaquen la valentía de las personas que han luchado contra ciertos sistemas mostrando el orgullo de su ser. Los concursantes deben presentar su trabajo fotográfico antes del 25 de agosto en la página oficial del concurso.

• Desde Cultura Inquieta llega una serie de fotografías rescatadas en el año 2000 por el fotógrafo Merrick Morton. El archivista encontró un gran archivo fotográfico con varias imágenes de ‘prueba del delito’, retratos de criminales y víctimas que fueron capturadas entre el año 1925 y 1970. Algunas de las imágenes pueden herir la sensibilidad del espectador, sin embargo el trabajo rescatado es una gran referencia de estilo de estas épocas y la escena de la fotografía criminalística.

• Los felinos han sido un gran ícono de la cultura desde tiempos inmemorables. Desde Egipto a Instagram, no podemos evitar la fascinación por su belleza nata. El amor por esta criatura cambió la vida del fotógrafo Walter Chandoha. Lo llevó a capturar la esencia felina desde 1949, transformando al fotógrafo en uno de los íconos de la fotografía y el mundo artístico. En honor a su obra, y tras su muerte en enero de este año, Taschen ha lanzado ‘Cats’, un nuevo libro mostrando el gran trabajo de este increíble retratista de felinos.

• El mundo macro tiende a permitirnos maravillarnos con cosas mundanas. Esto es lo que ha hecho el fotógrafo Ben Ouaniche con su Panasonic GH4, unos adaptadores y un par de objetivos macro de Canon. Un maravilloso vídeo con distintos timelapse de pastillas disolviéndose en agua. Gran aporte que llega desde DIY Photography.

• Si alguno de vosotros os encontráis en Colombia entre el 7 y 8 de septiembre, podéis aprovechar a participar en la segunda edición del encuentro fotográfico Masterclass de Revista Enfoque Visual. Una convocatoria que reúne fotógrafos aficionados, estudiantes y profesionales a participar en conversatorios en fotografía de paisajismo, documental y fotolibros. Podéis ver toda la información en el siguiente enlace.

• Para finalizar llega un vídeo del canal de YouTube de Vox. En esta ocasión, el medio ha preparado un llamativo vídeo sobre por qué las imágenes a color capturadas en el espacio cuentan con un color tan llamativo y hermoso. Una interesante adaptación que lleva las ondas de luz invisibles a la teoría de color del sistema RGB. Podéis activar los subtítulos y poner la traducción de Google.

Eso es todo por esta semana. No olvidéis dejarnos más pistas y comentarios en nuestro formulario de contacto. ¡Hasta la próxima!

En el mundo de la fotografía hay fotógrafos que nos recuerdan que el mundo es como la famosa canción de Louis Armstrong; y otros que nos dicen que en realidad todo es tristeza. Miguel Rio Branco, en su último libro 'Maldicidade' publicado por la editorial Taschen, nos lleva de la mano a las ciudades inhumanas y alienantes.

La editorial Taschen sigue apostando por los libros de fotografía, por los fotógrafos que llaman la atención por su mensaje y su calidad. En esta ocasión tenemos entre las manos 'Maldicidade', un libro de 464 páginas en edición plurilingüe: alemán, francés, inglés, portugués. Pero no hay texto. Tan solo lo que podemos leer en las solapas y un pequeño artículo de Paulo Herkenhoff, comisario de exposiciones y crítico independiente. También fue director del Museo Nacional de Bellas Artes de Río de Janeiro.

A partir de ahí se suceden las fotografías a doble página, a sangre. No hay textos, ni páginas en blanco, ni respiro. Todo es una sucesión de disparos que muestran el horror del mundo, el mundo de los desheredados en la afueras de las grandes ciudades o en su mismo corazón, en ese lugar donde los políticos no quieren que pasen los turistas. Es una forma de ver el mundo que nos cuesta contemplar. Quizás por la cruda realidad.

Portada

No es un libro fácil de ver. Quizás la portada y el diseño de la editorial Taschen rompe con la idea de la edición original del libro en 2014, una portada en blanco y negro y con las tapas y el lomo recordando vagamente a un ladrillo. Nada que ver con el puro kitsch que vemos en esta edición de 2019.

El trabajo de Miguel Rio Branco

Nació en Las Palmas de Gran Canaria en 1946. Cuando era niño vivió en Portugal, Suiza, Brasil y Estados Unidos. Sus padres eran diplomáticos brasileños. Es increíble cómo la infancia puede marcar tu vida. Ahí está la pasión por viajar que tan bien se puede contemplar en su obra.

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La magia del paisaje capturada en las bellas imágenes de Cuma Cevik, un fotógrafo que estudiaba para ser pintor

En 1966 estudió en el mítico Instituto de Fotografía de Nueva York. Ya en 1968 pasó a la Escuela Superior de Diseño industrial de Rio de Janeiro. Y como no podía ser de otra manera, dudó entre la pintura y la fotografía. Al final, como todos sabemos, terminó haciéndose fotógrafo aunque sin olvidar el color, una de sus señas de identidad.

Desde el principio apostó por sus temas. No sacaría lo hermoso, sino la sordidez. Y no jugaría a buscar la belleza de los bajos fondos. Es un fotógrafo fiel a lo que ve. Juega al límite con la exposición para buscar una tonalidad característica, que es otra de las marcas de la casa.

Su primer gran éxito fue un trabajo sobre la prostitución en El Salvador. Con él empezó su fama, lo que llevó a estar cerca de la agencia Magnum. Nunca ha sido miembro de pleno derecho pero realizó muchos trabajos para ellos en América Latina.

Precisamente esta relación le llevó a explorar otras formas de comunicarse con la cámara. Y llevar al extremo el aire tenebrista de toda su obra posterior, como podemos observar en 'Maldicidade'. Y dentro de poco podremos ver su trabajo en Madrid.

La magia de 'Maldicidade'

Miguel Rio Branco suele ser el editor de su propio trabajo. Y la mayoría de las veces establece diálogos entre sus fotografías. Página contra página. En esta ocasión ha decidido apostar por la fotografía a sangre. Sin dejar respirar al lector. De vez en cuando aparecen tres fotos juntas. Pero sin aire entre ellas, para que parezca una única imagen,

Otra cosa que llama la atención al abrir el libro es la absoluta falta de textos, salvo el que aparece al principio. Nunca sabemos dónde estamos, dónde ocurre lo que estamos viendo. Y en el fondo da igual. La vida se repite en todos los sitios. El espectador tiene que estar atento a los cambios cromáticos y temáticos según pasan las hojas.

Las fotografías están vivas. Se mueven y se retuercen. Parece que Rio Branco nunca ha visto un trípode. Que le gusta la noche y los lugares cerrados para contar historias como las cantaría Tom Waits. Su cámara respira. Se mueve como andamos. Nunca está quieta. Es más realista que los que hacen fotos en los parques nacionales cargados con el trípode.

Y por este motivo puede que no guste. Se aleja de los cánones de la belleza esterotipada. Hoja tras hoja llega la desesperanza. Los límites de la luz, del movimiento. Estás obligado muchas veces a detenerte en ellas para averiguar que nos están contando. Pero esa contemplación te lleva a descubrir el uso del color.

Gracias a esta subexposición controlada, los colores presentan una fuerte saturación con una baja luminosidad que lleva al límite los sistemas de impresión. El libro lo tenemos que ver con buena luz, buena música y una copa en la mano aunque sea llena de agua.

El libro estará en las librerías en el mes de junio de 2019 por un precio de 60€. Como hemos dicho al principio son 464 páginas en un papel de muy poco gramaje que permite su tamaño comedido. En algunos sitios lo calificaron de obra maestra pero es algo que depende de nuestra forma de entender la fotografía.

Es más adecuado para los que adoran a Robert Frank que para los seguidores de Cartier Bresson. Todo depende del camino que hayamos elegido seguir en el mundo de la fotografía. Rio Branco puede ser perfectamente nuestro guía.

De Annie Leibovitz hemos hablado en varias ocasiones en Xataka Foto ya que es una de las retratistas contemporáneas más importantes. Sin embargo, antes de sus retratos de políticos, artistas, deportistas y personalidades de todo tipo, hubo una época en la que se dedicó al reportaje trabajando para la revista Rolling Stone. Una época que retrata el volumen ‘Annie Leibovitz: The Early Years, 1970–1983’ editado por Taschen.

El libro recoge su época como fotógrafa de esta publicación (primero como colaboradora y luego como jefa de fotografía) en la década de 1970, un tiempo frenético y convulso en Norteamérica en el que, según el editor, “las líneas divisorias entre periodistas y famosos aún no estaban fijadas, y ella disfrutó de un acceso privilegiado a ellos. Esta sobresaliente colección de imágenes documenta el desarrollo de Leibovitz como artista y el devenir de una época cultural crucial.”

Sus reportajes fotográficos cubrieron acontecimientos políticos, culturales y contraculturales como las protestas contra la guerra de Vietnam, el lanzamiento del Apolo 17, la dimisión de Richard Nixon o la gira de los Rolling Stones en 1975. Por eso las páginas del libro rebosan de caras familiares, como Muhammad Ali, Mick Jagger, Keith Richards, Patti Smith, Bruce Springsteen o John Lennon y Yoko Ono (retratados sólo unas horas antes de que Lennon fuera asesinado).

El volumen, publicado en colaboración con la Fundación Luma Arles, pretende ser una colección de imágenes para reinterpretar el trabajo de la fotógrafa en profundidad gracias a la perspectiva del tiempo. Sus páginas incluyen hojas de contacto y Polaroids, y combinan los retratos y reportajes con fotografías de automóviles y de conducción, e incluso con una serie de fotografías de policías de tráfico de California.

Por eso, el editor afirma que es “en muchos sentidos, una celebración de la vida en la carretera, de los ritmos frenéticos, los encuentros fortuitos y las oportunidades para la reflexión que todo ello brinda. Y con el meticuloso trabajo de archivo que hay detrás es también un homenaje a una época pasada, a unos años de cambios y a una Leibovitz que debutaba.”

‘Annie Leibovitz: The Early Years, 1970–1983’

El volumen se presenta en formato de 21,6 x 27 cm, con tapa dura y 180 páginas. La edición es plurilingüe (alemán, francés e inglés) y se puede conseguir en librerías especializadas o en la web de Taschen por un precio de 40 euros.

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Cinco libros para aprender a mirar y pensar como fotógrafos

Más información | Taschen

Richard Avedon es uno de los fotógrafos más importantes de la historia. Personalmente creo que es el dios de la fotografía, si la cámara admitiera la religión. Es conocido por el gran público como un fotógrafo de moda pero con Nothing personal con James Baldwin demostró su vena social. Y gracias a la editorial Taschen podemos disfrutar de una reimpresión de aquel clásico.

Richard Avedon revolucionó, junto con Irving Penn y Helmut Newton, el mundo de la moda. Tenían la obligación de enseñar el lado más lúdico de la vida. Ese era su trabajo. Pero Avedon estaba cansado de ese mundo superficial donde todo el mundo tiene un cuerpo escultural o le sobra dinero por los cuatro costados. Realmente amaba esa banalidad, pero desde muy temprano, si nos fijamos en su obra, descubrimos una incipiente crítica que estalló en 'Nothing Personal' y transcendió en 'In the american west', su obra maestra.

Marilyn Monroe and Arthur Miller May 1957

Desde aquel año, 1964, después del asesinato de Kennedy y de la aprobación de la Ley de Derechos Civiles, algo cambió en la vida de nuestro fotógrafo. Empezó a aflorar de manera clara y firme su posición ante la cruda realidad de la vida. Seguiría trabajando para las grandes marcas y el mundo del glamur, pero sacaría a la luz la pura vida, aunque doliera.

Los primeros años de Richard Avedon

Su familia era de origen judío, de Rusia. Prosperaron en Nueva York gracias a una tienda de ropa en la que el pequeño Richard empezó a apreciar el mundo de la moda. La afición le vino por su madre, las revistas de la época y la fotografía de Munkacsi, el mismo autor que llevó a Cartier Bresson a este mundo de la imagen.

Entró, después de cursar Filosofía en la Columbia University, servir en la guerra y publicar en pequeños medios, entro en la New School for Social Research donde tuvo de profesor a Alex Brodovitch, que se lo llevó rápidamente a la revista en la que era director de arte, 'Harper´s Bazaar'. Acababa de cumplir 21 años.

The Generals of the daughters of the American Revolution Outtake

En 1946 realizó su primer viaje a París. Y cambió para siempre la fotografía de moda. Él fue quien dio vida a las modelos. Hasta entonces solo eran maniquíes sin vida. Gracias a él podían reír, saltar, salir a la calle, empezar a contar historias. Una auténtica revolución que seguimos viviendo hoy. Y todo gracias a lo que aprendió de Munkacsi.

Él dio nombre a las modelos. Si hoy conocemos sus nombres, se debe desde luego a la labor de Richard Avedon... Pero la moda solo era una de las facetas del diamante en bruto. Lo que se recuerda sobre todo de su obra es la fuerza de sus retratos.

Alcanzó tal fama que dejar fotografiarse por él suponía que habías alcanzado la fama en la tierra. El famoso fondo blanco, que todos hemos tratado de imitar, separaba al retratado del mundanal ruido y lo aislaba. Lo dejaba solo para que después de sesiones agotadoras saliera a la luz el verdadero yo de cada uno.

Portada

Y en 1964 apareció 'Nothing personal'. Es el reflejo de la verdadera intención del autor, el destino de Avedon. Ese libro, y todos los proyectos que vendrían después solo fueron posible por el trabajo previo. Había logrado hacer lo que quisiera con el retratado. Era el fotógrafo más famoso del mundo y tenía el poder de sacar el lado oscuro de la sociedad americana sin que le destrozaran. La fotografía no volvería a ser lo mismo.

'Nothing personal', el primer libro social de Richard Avedon

La historia de este libro, que podemos volver a disfrutar gracias a la nueva publicación de la editorial Taschen, con un nuevo texto introductorio de Hilton Als, escritor y profesor de la Columbia University, describe perfectamente la vida interior de Richard Avedon.

Estamos ante un ensayo fotográfico, un libro escrito e iluminado a dos manos. En primer lugar por la pluma de James Baldwin, un escritor afroamericano que lucho contra el racismo, busco la aceptación de la homosexualidad en una sociedad intolerante y peleó por los derechos civiles. Por otro lado el propio Richard Avedon, un fotógrafo judío de origen ruso. Una combinación perfecta para hablar sin tapujos de la hipocresía de la sociedad blanca americana que parece triunfar estos días.

Selfportrait with James Baldwin September 1964

Y no sentó bien. Justo lo que querían ambos genios. Aquel trabajo parecía no tener ni pies ni cabeza. Pero si lees el libro con calma (sí, las fotografías se deben leer) descubriremos la confrontación, el alfa y el omega de cada imagen. La página izquierda es la contraria a la de la derecha. ¿Por qué sino íbamos a ver al jefe del partido nazi americano con el poeta beat Allen Ginsberg desnudo? ¿O las dos caras del gobernador George Wallace (un reconocido racista) en una doble página?

Las fotografías muestran cuatro aspectos de la vida estadounidense de aquellos convulsos años 60: los derechos civiles, el surgimiento del nacionalismo negro, el sistema de salud mental y la vieja guardia de Hollywood. Una original forma de enseñar la sociedad de este país. Cada retrato es un golpe, un mazazo en la cabeza del espectador americano (y por extensión para todos los que lo vemos). Como dice Hilton Als:

Lo que Avedon y Baldwin compartieron desde el principio, como creadores, mucho antes de que se concibiera 'Nothing personal', fue una imaginación que no estaba tanto formada por la realidad como inseparable de ella: veían lo excepcional en lo real. No lo sublime o trascendente, sino la brutalidad, el teatro, la inocencia y la confusión que conformaban su ciudad racista, sexista, sexy e imposible de amor y desamor. Nueva York era la negrura y el odio de Baldwin hacia esa negrura. Era el judaísmo de Avedon y su aversión hacia ese judaísmo, con su poder cultural percibido a pesar del reconocimiento del otro. Ambos eran forasteros, amenazados y, por lo tanto, percibidos como amenazadores a pesar de su éxito comercial y crítico; sabían que el poder podía ser positivo y efectivo, pero en última instancia era ilusorio, falso.

Se conocían de la secundaria, cuando estudiaban en el Bronx. Y cuando volvieron a encontrarse estaban en el cenit de su popularidad. Avedon siempre recuerda que su madre llamó al conserje de su casa cuando se enteró que obligó a James Baldwin a subir por la escalera de servicio por ser negro. Se juntaron porque querían luchar contra la injusticia. Pero hasta el mismo Truman Capote tuvo que defender el libro ante la crítica feroz de los conservadores.

¿Es un libro necesario hoy en día?

Depende del lector, como siempre. La sociedad de los EEUU se parece mucho a la de aquella época. Siempre aprenderemos leyendo a James Baldwin. Y desde luego, nosotros como fotógrafos siempre aprenderemos de la obra de Richard Avedon.

William Casby, Born in slavery, marzo 1963.

Aquí está su crítica feroz, su dura mirada de la realidad, que te desnuda. Sus retratos te rompen por dentro. Avedon estuvo a punto de abandonar 'Harper´s Bazaar' cuando le dijeron que no podían publicar las fotos de una modelo que no era blanca. Esto sucedió en 1959, en los EEUU, en la tierra prometida. Y alguien que sufrió durante su infancia por ser de otro lugar no podía permitir ese comportamiento. Y decidió hacer hablar a la cámara como nadie lo ha hecho.

El libro lo ha reimpreso la editorial Taschen. En realidad podría decirse que es un facsímil de la obra original en tapa dura en estuche con cuadernillo que aporta información y fotografías inéditas. Mide 27 x 36 cm y tiene 160 páginas. Lo podemos encontrar en cuatro idiomas y el precio es 60€.

En Xataka Foto| Oda personal al gran Richard Avedon

Tres grandes nombres de la historia de la fotografía protagonizan sendos libros editados por Taschen que son sin duda una buena recomendación para quien quiera conocer más y aprender de los grandes maestros. Hablamos de Man Ray, Edward Weston y Paul Outerbridge, tres artistas contemporáneos (nacieron a finales del siglo XIX) que se destacaron por explorar las posibilidades del arte fotográfico.

Man Ray (1890-1976)

Uno de los mayores innovadores de la fotografia de sus tiempos, en plena época de vanguardias, trató de aplicar a este ámbito las teorías del surrealismo y el dadaísmo logrando imágenes de desnudos, naturalezas muertas, moda y retratos que han pasado a la historia. Un genio que cultivó casi todas las artes (pintura, escultura, cine, grabados, poesía…) y que siempre vio la fotografía como algo poético y a la vez experimental. Curiosamente, el genio creo sus obras más conocidas en el campo de la fotografía sin utilizar una cámara propiamente dicha.

'Noire et blanche' (1926). Foto de Man Ray reproducida por Haka004

El libro ‘Man Ray’ incluye una extensa colección de obras que ofrece una amplia perspectiva sobre el polifacético trabajo artístico de Man Ray y su legado fotográfico. Desde sus comienzos artísticos en Nueva York hasta su destacada aportación a la vanguardia parisiense, donde coincidió con artistas como Max Ernst, Joan Miró y Pablo Picasso y creó obras tan emblemáticas como ‘Noire et blanche’ y ‘Le Violon d'Ingres’.

Edward Weston

Otro de los grandes de los comienzos de la fotografía y cuya obra es inconfundible. Porque ¿qué otro fotógrafo puede decir tanto con el retrato de un vegetal? Su búsqueda de “la sustancia, la quintaesencia del objeto en sí”, le hizo pasar de la técnica pictórica de enfoque suave a convertirse en figura clave del grupo de fotógrafos apodado Grupo f/64, pioneros del movimiento de la Fotografía directa, que buscaba por encima de todo la precisión y apostaba por la no intervención.

'Cababge Leaf' (1931). Foto de Edward Weston reproducida por cea +

El volumen, ‘Edward Weston’ ofrece reproducciones de algunas de las mejores obras de Weston. Desnudos, estudios de la naturaleza y un sinfín de perspectivas sobre el paisaje californiano que permiten explorar de qué modo conseguía cumplir su objetivo de lograr la máxima nitidez y perfección en las imágenes, ya fuera fotografiando un paisaje, una concha o un cuerpo desnudo.

Paul Outerbridge

El menos conocido de los tres maestros que estrenan libro, Outerbridge fue otro artista de genio que coqueteó con las vanguardias, especialmente con el cubismo y el surrealismo, y se destacó por su papel pionero en explotar el potencial expresionista y comercial de la fotografía en color y por su capacidad para transformar objetos cotidianos en composiciones que rozan el abstracto.

'Avocados' (1936). Foto de Paul Outerbridge, Jr. © 2017 G. Ray Hawkins Gallery, Beverly Hills, CA

El libro, ‘Paul Outerbridge’ ofrece una monografía sobre el particular estilo innovador del artista y narra su trayectoria, desde su apogeo como el fotógrafo comercial mejor pagado de Nueva York hasta su retirada a Hollywood en los años 40 (después de un escándalo por una fotografía erótica). Por supuesto incluye ejemplos clave de su obra y analiza su estética innovadora, sus imágenes cubistas de naturaleza muerta, sus fotografías para revistas o sus controvertidos desnudos.

‘Man Ray’, ‘Edward Weston’ y ‘Paul Outerbridge’

Los tres libros tiene el mismo formato y están editados en tapa blanda, medidas de 21 x 27,5 cm, algo más de 250 páginas cada uno y en edición plurilingüe alemán, francés e inglés. Además, los volúmenes dedicados a Man Ray y Edward Weston también se lanzan en edición en español, italiano y portugués. El precio de cada libro es de 19,99 euros y se pueden adquirir ya en librerías o a través de la web de Taschen.

Más información | Taschen

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Foto de portada | Montaje con las fotografías: 'Le Violon d'Ingres' de Man Ray, reproducido por Haka004 / 'Images de Deauville' (1936), de Paul Outerbridge, Jr © 2017 G. Ray Hawkins Gallery, Beverly Hills / 'Nude' (1936), de Edward Weston. Collection Center of Creative Photography © 1981 Center for Creative Photography, Arizona Board of Regents.

Puede gustarte más o menos pero es indudable que Mario Testino es uno de los fotógrafos más reconocidos en el campo de la moda y la publicidad de las últimas décadas. ‘Undressed’ es un homenaje a las imágenes más intimas de este autor que va se van a poder conocer tanto a través de un libro editado por Taschen como de una exposición que se abrirá al público el próximo dos de junio en la Helmut Newton Foundation de Berlín.

Peruano de nacimiento, ha realizado más de 200 portadas para la presitigosa Vogue aunque otras revistas y marcas de moda de prestigio se han disputado sus servicios desde que despuntara en su carrera en el mundo de la moda de Londres a finales de los 70 (después de unos comienzos muy humildes, tal y como os contábamos aquí). Todo ello gracias a su talento para crear imaginativas campañas publicitarias y retratar a las modelos más cotizadas o a la mismísima realeza británica.

Mario Testino, foto de Adam Whitehead

‘Undressed’ es el nombre de una serie de imágenes que muestran su lado más íntimo explorando en su concepción del desnudo fotográfico a través de unas 50 fotografías que tienen como protagonista el cuerpo desnudo y entre las que hay imágenes inéditas de su archivo personal.

En ellas aparecen modelos como Kate Moss y Amber Valletta y también hombres anónimos con los que realizó unas fotografías que profundizan en la identidad de género, el sexo y la moda. Las imágenes son tanto retratos individuales como fotografías en grupo y a través de ellas el espectador puede asistir a momentos íntimos, algunos de ellos espontáneos y otros coreografiados, como una imagen en la que un joven afeita el vello púbico de una mujer en un cuarto de baño.

Una página del libro 'Undressed' sobre Mario Testino

Para los creadores del proyecto, muchas de las imágenes “pueden verse como una redefinición de los paradigmas masculinos del mismo modo que Newton representó la belleza femenina según sus propios parámetros.” La influencia de Helmut Newton desde luego es evidente, por lo que no es extraño que sea en la fundación creada por este fotógrafo donde se vaya a realizar la exposición sobre Mario Testino.

’Undressed’, exposición y libro

La exposición estará abierta desde el dos de junio en Berlín, en la Fundación Helmut Newton, donde se podrán ver 50 fotografías de gran formato que llenarán todas las paredes de las tres salas destinadas a la muestra. Ésta responde al deseo de Newton de proporcionar un foro no sólo para sus propias obras, sino también para otros fotógrafos. Más si son amigos y colegas como el caso de Mario Testino con la instalación ‘Undressed’ que ha sido concebida exclusivamente para este espacio.

Portada del libro

Por su parte, el libro está editado por Taschen en tres idiomas (alemán, francés e inglés) con tapa blanda, unas medidas de 24,4 x 34,5 cm y 144 páginas a un precio de 24,99 euros.

Más información | Taschen y Helmut Newton Foundation

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Foto de portada | Una página del libro de Mario Testino editado por Taschen