Es un mito bastante extendido pero no, hacer fotos utilizando el modo manual de exposición no es algo que te haga más profesional necesariamente. Sin duda es la mejor forma de controlar la exposición de una toma, pero tener que decidir manualmente qué diafragma, velocidad de obturación y sensibilidad utilizas en cada ocasión no es lo más rápido.

De hecho, probablemente os sorprendería saber cuántos profesionales prefieren usar los modos automáticos o semiautomáticos de su cámara por esta cuestión fundamental: la rapidez. Eso sí, hay que tener en cuenta que un buen fotógrafo conoce bien su herramienta y, por otro lado, que los sistemas de medición de las cámaras actuales han evolucionado y son mucho más fiables que los de hace años.

Por eso antes de seguir vamos a hacer un poco de historia: en los años 30 (del siglo pasado) las cámaras empezaron a incorporar exposímetros. Hasta entonces, la exposición sólo podía ajustarse con un fotómetro externo, utilizando reglas como la del F16 o, sencillamente, haciendo un acto de fe. Por tanto os podéis imaginar la valiosa ayuda que supuso la incorporación de fotómetros en las cámaras.

Aquellos primeros fotómetros solían tener forma de aguja situada a un lado del visor. Esta aguja se balanceaba hacia arriba o abajo según la imagen estuviera sobre o subexpuesta, y había que equilibrarla de forma horizontal para conseguir la exposición correcta. De todos modos, en el visor no se podía saber qué valores de diafragma y velocidad se habían seleccionado (recordemos que la sensibilidad era fija según el tipo de película que se usara), cosa que ya sí se logró unas décadas después, con los fotómetros que ya sí medían la luz a través del objetivo (lo que se conoce como TTL) y, gracias a la electrónica, ya sí se podían ver los valores en el visor.

Así puede ser más o menos un visor de una cámara actual (eliminando los datos no relevantes) con la barra y los valores de exposición.

Por aquel entonces se estandarizó una manera de mostrar la exposición con una barra de pasos de luz que se ha mantenido de forma casi invariable hoy día. Porque en las modernas cámaras digitales el fotómetro puede aparecer de distintas formas (según la marca y modelo) pero la idea de la barra que muestra si estamos en el punto correcto, acompañada de la indicación de los valores de exposición, se sigue manteniendo de forma más o menos estándar (además de que ahora contamos con la gran ventaja de tener un histograma).

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¿Por qué hemos contado esto sobre los fotómetros de las cámaras? Pues porque, básicamente, lo que hacen el modo automático y los semiautomáticos es asegurar que esa barra de exposición siempre esté en el punto equilibrado a base de decidir por su cuenta los valores de acuerdo a la escena que tengamos enfrente.

Disparar en manual ¿sí o no?

Entonces ¿qué ventajas nos ofrece disparar en manual? Pues, realmente, como hemos adelantado, básicamente lograremos un mayor control de la exposición; sin embargo ¿es necesario hacerlo siempre así? La respuesta es clara: no, no lo es. Es más, ni siquiera es necesario hacerlo en ciertas situaciones que siempre se han considerado complicadas.

Y es que a la hora de hacer una foto correctamente hay muchos pasos que dar, y elegir si usamos el modo manual o el automático no es la primera decisión que hay que tomar. De hecho, antes de esto es importante medir bien la luz de la escena con el modo más adecuado y, a partir de ahí, decidiríamos la exposición.

Y, aún así, hay maneras de controlar la exposición disparando en automático de forma casi homóloga a si disparamos en manual, utilizando características como el control de compensación de exposición y el bloqueo de la exposición. Por supuesto hablamos del modo P (o programa) que, aunque funcione automáticamente, permite que el usuario pueda hacer cambios en los ajustes y mantener el control.

Por tanto, utilizar el modo manual depende más bien de la pericia del fotógrafo que de la necesidad de controlar la exposición, incluso en situaciones más o menos difíciles, como tomas de alto contraste como la que tenéis aquí abajo:

Fujifilm X-S10 con Fujinon XF18-55mm F2.8-4 R LM OIS a 1/750 seg, ƒ5.6 e ISO 160

Como veis, en la foto hay dos zonas de luminosidad muy diferente que propiciaron una silueta. La toma la realizamos en la prueba de la Fujifilm X-S10 usando el modo Programa: primero medimos la luz en la zona superior, luego bloqueamos la exposición, recompusimos la foto y, finalmente, disparamos. Si la hubiésemos hecho en manual el proceso habría sido muy similar, pero seguramente más lento.

Como nosotros en este caso, muchos fotógrafos experimentados utilizan los automatismos porque se gana en rapidez (y con esto entramos en los inconvenientes del modo manual). Y es que, como decíamos antes, de esta forma se aseguran que la exposición va a ser equilibrada más rápidamente. Pero eso no significa que dejen que la cámara haga todo el trabajo, sino que lo toman como base para luego ellos variar los valores a su conveniencia y según lo que quieran conseguir.

Por eso es muy habitual utilizar alguno de los modos semiautomáticos A, de prioridad al diafgrama, y S de prioridad a la velocidad (más, dependiendo de la cámara, otras opciones como prioridad a la sensibilidad), porque de este modo el fotógrafo elige un determinado valor y deja que la cámara decida el otro (siempre de acuerdo a la luz de la escena y la ley de reciprocidad). Al final, el resultado es el mismo, pero se gana en rapidez.

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Del mismo modo, los fotógrafos con experiencia no están todo el rato cambiando el modo de medición, sólo suelen hacerlo en casos puntuales, cuando saben que el modo habitual puede no ser el más adecuado para una situación concreta. Igualmente, si hay que contradecir al fotómetro, porque según la situación nos conviene subexponer o sobreexponer, podemos hacerlo igual que en manual usando la mencionada compensación de exposición.

Sobre todo para empezar

Por tanto, el modo manual es muy recomendable para principiantes, ya que les obliga a pensar qué valores van a usar en cada escena y por qué. Y es que aprender qué es lo que se consigue usando los ajustes del triángulo de exposición es básico y fundamental en fotografía, además de algo que sólo se asimila con el tiempo y la práctica.

Sin embargo, cuando uno tiene bien asimilados los conceptos, no es necesario estar pensando en ello de forma estricta. A la hora de enfrentarse a una toma, el fotógrafo experimentado sabe rápidamente qué tiene que priorizar, si usar una diafragma más o menos abierto, emplear una determinada velocidad o tirar de la sensibilidad; de acuerdo a esta decisión, para lograr una exposición correcta o adecuada, tendrá que equilibrar la exposición y eso es algo que el modo automático le facilitará.

Y es que, al final, no importa cómo se obtenga la exposición correcta, lo importante es el resultado final. Por lo tanto, nadie debería sentirse obligado a usar el modo manual (aunque, ya decimos, es muy recomendable para aprender) o avergonzarse por no hacerlo. Ambas formas permiten un control total sobre la exposición si se tienen bien claros los conceptos fotográficos y los recursos que ofrecen las cámaras.

Y vosotros ¿qué opinas de la exposición manual? ¿La utilizáis habitualmente?

Si eres principiante y has cumplido ya con los consejos sobre qué hacer cuando desempaquetes tu nueva cámara, y tienes claras las cosas que no se suelen contar, llega el momento de empezar a hacer fotos y a poner en práctica lo más básico. Y para comenzar a dominar la técnica fotográfica hay una serie de primeros ejercicios recomendados para todo aquel que quiera adentrarse poco a poco en los secretos de este arte.

Se trata de algunas prácticas elementales que requieren del dominio de lo más esencial para cualquier aficionado. Tomas que obligan a practicar aspectos básicos que son “el ABC de la fotografía”, de modo que si aprendemos a hacer estas fotos con soltura (y no por fruto de la casualidad) tendremos una base sólida de habilidades para avanzar de forma segura y adecuada. ¿Empezamos?

Foto con licencia de dominio público compartida en Pxhere

1. Fondo desenfocado

Controlar la profundidad de campo es un ejercicio básico que tiene mucho de magia. Una de esas cuestiones que hacen que empecemos a aprender cómo variando un simple control (el diafragma) podemos lograr resultados muy distintos, y también que rápidamente nos hace darnos cuenta de cuán diferente es controlar nosotros la cámara a dejar que ella haga la foto en modo automático.

Foto de bruce mars

Por eso quizá la primera foto que como principiantes deberíamos hacer es una en la que desenfoquemos intencionadamente el fondo de una fotografía, por ejemplo en un retrato. Hace tiempo ya os contamos cómo conseguir un desenfoque con cualquier tipo de cámara así que os remitimos a ese artículo para aprender cómo hacerlo en detalle, aunque vamos a resumir lo básico: Abrir el diafragma lo máximo posible (esto es lo fundamental), elegir la distancia focal más larga que tengamos, acercarnos al sujeto del primer plano y procurar que éste esté alejado del fondo.

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2. Todo perfectamente enfocado

El siguiente paso para aprender a controlar la profundidad de campo es hacer justo lo contrario que en el caso anterior. Es decir, realizar una toma en la que todo, absolutamente todo, desde el primer plano que aparezca en la imagen hasta el fondo, esté perfectamente enfocado y nítido.

Foto de Ali Gooya

Esto es algo bastante habitual en fotografía de paisaje y se consigue básicamente cerrando el diafragma al máximo (es decir, justo al contrario que en el anterior caso). Sin embargo, para obtener los mejores resultados hay que echar mano de la distancia hiperfocal, ya que ésta nos asegura la mayor profundidad de campo que puede ofrecer el conjunto de cámara y objetivo que estemos usando.

3. Congelar un movimiento

Uno de los detalles que siempre han distinguido a la fotografía es esa capacidad de detener un instante único e irrepetible, algo que está al alcance de quien empieza de una forma muy sencilla, aunque con matices. La clave está en que buena parte de fotografías se realizan en una milésima de segundo, un escaso plazo tiempo en el que la cámara recibe la luz y hace que los sujetos queden literalmente “congelados”.

Foto de Katerina Radvanska

Claro que si no practicamos con las distintas velocidades de obturación es difícil saber cómo se puede detener o reproducir el movimiento. Para lo primero, que es el caso de este epígrafe, en principio bastará con elegir un tiempo de exposición alto, a partir de 1/125 seg o así, aunque dependerá bastante del tipo y velocidad del movimiento y del ángulo de la cámara respecto al sujeto que se mueve.

4. Reproduciendo el movimiento

Como ocurría con las dos primeras tomas de este artículo, lo de detener el movimiento tiene justo su alter ego: reproducirlo. Es decir, crear una toma en la que haya lo que se conoce como desenfoque de movimiento, que no es otra cosa que transmitir la idea de movimiento, generalmente representada por estelas o partes borrosas provocadas por el cuerpo del elemento que se mueve al hacerlo.

Foto de Ahmad Odeh

Este tipo de fotografías se logra principalmente mediante el uso de una velocidad de obturación lenta en tomas donde haya algún tipo de movimiento. Por citar algún valor de velocidad diríamos que a partir de 1/60 ya se puede empezar a ver, aunque como antes es algo que depende mucho del movimiento en concreto y nuestra perspectiva.

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Además, hay muchas formas de jugar con este tipo de movimiento hasta el punto de que podríamos dividir este apartado en varios. Pero para empezar bastaría con una foto como la anterior en la que el sujeto principal fuera el que tiene movimiento, otra en la que comenzáramos a practicar los barridos (donde se trata de que el movimiento se refleje en el fondo en vez de en el sujeto) y otra buscando el efecto seda (para conseguir que el agua en movimiento tenga un aspecto muy sugerente).

Foto de Jon Del Rivero

5. Fotos con ruido

Antes de la fotografía digital, el concepto de ruido estaba asociado al de grano de la película, visible como consecuencia del aumento del tamaño de los haluros de plata que captaban la luz en los carretes (más grandes cuanto mayor sensibilidad tenía la película). Pero más allá de poder hacer fotos con poca luz, este grano de la película química/ruido en su versión digital tiene su valor estético que sigue estando vigente para determinadas situaciones.

Foto de Mikhail Kryshen

Por eso, aunque la equivalencia de grano de película a ruido digital no es para nada exacta, otra de las cosas que debemos practicar es cómo se comporta nuestra cámara realizando algunas tomas con ISO elevado. Además, la misión de este ejercicio será doble: por un lado se trata de conseguir que el ruido se convierta en un atractivo añadido de la toma; por otro empezar a conocer hasta qué niveles de sensibilidad podemos utilizar en nuestra cámara sin que el ruido sea un problema.

6. Captando siluetas

Este es otro ejercicio que deberíamos hacer al comenzar, como principiantes en fotografía. Se trata de una técnica que permite transmitir misterio y/o emoción en una fotografía pero es que además resulta muy útil para practicar con los valores de exposición y aprender a medir la luz de la escena.

Foto de Wyatt Ryan

Y es que la técnica para conseguir una foto de este tipo consiste en exponer según la luz predominante, normalmente en el fondo de la imagen, y hacer que el sujeto en primer término, el que queremos que aparezca como una silueta, quede totalmente subexpuesto. Si quieres más información sobre como hacerlo echa un vistazo a este artículo específico sobre cómo conseguir siluetas,

7. El mundo de las cosas pequeñas

Terminamos con un último tipo de fotografía que puede parecer más complicado pero no tiene porqué serlo. Se trata de realizar una toma de lo que comúnmente se conoce como fotografía macro o macrofotografía, lo cual puede abrirnos un nuevo mundo de posibilidades al alcance de nuestra cámara.

Foto de Mike Castro Demaria

Para empezar no hace falta ningún equipo especial porque basta con acercarnos a las cosas y captarlas usando la distancia mínima de enfoque de nuestro objetivo. Luego si ya quedamos seducidos por esta disciplina sí que será momento de hacernos con un buen trípode, un objetivo de tipo macro y otra clase de accesorios especializados, pero como novatos sí que es muy interesante este primer acercamiento.

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Foto de Mohamed Nohassi

Y con esto hemos acabado aunque, como casi siempre, apelamos a vosotros para que completéis este artículo. ¿Pensáis que hay algún tipo de foto que habría que añadir a estas siete fotos que un principiante tendría que realizar al empezar en fotografía?

Foto de portada | Meghan Holmes

Hay un tendencia muy arraigada en los círculos fotográficos a pensar que las fotografías deben ser totalmente perfectas. Es decir, si tu imagen tiene mucho grano, hay elementos trepidados o faltos de nitidez por definición se tiende a pensar que la foto no es lo buena que debería. Pero ¿es absolutamente necesario? ¿Qué pasa con la creatividad? ¿Y con el mensaje? ¿Hay que supeditarlo a la calidad técnica?

Evidentemente depende del tipo de fotografía que hagamos, porque no es lo mismo el fotoperiodismo que el paisajismo, pero ciertamente esta tendencia de lo que podríamos llamar “vieja escuela de la fotografía” está muy implantada. “Deberías haber usado una mayor profundidad de campo” o “tendrías que haber disparado con una velocidad más alta, y con un ISO más bajo” dicen... ¿Pero tienen razón?

En un mundo en el que vemos muchísimas imágenes a un tamaño muy pequeño (principalmente hablo de Instagram, claro), tanto que apenas se notan los defectos (y fotos “normalitas” parecen mucho más de lo que son sin ampliarlas), es curioso que aún sigan instaladas estas ideas. A mí mismo me ha pasado trabajando para Xataka Foto, cuando analizo las cámaras que probamos. En más de una ocasión me han acusado de que una foto estaba trepidada, cuando esto es algo que había buscado a propósito.

Otra de las fotos en las que busqué jugar con un elemento trepidado, en este caso probando la Panasonic Lumix GX80

No digo yo que las fotos fueran muy buenas, pero desde hace tiempo me siento bastante atraído por esas fotos en las que hay algún elemento movido sobre un fondo lo suficientemente nítido. O al revés, como en la que he puesto en portada y que fue realizada en la toma de contacto con la Fujifilm X-T100. ¿Os parece una mala foto? A mí me gusta bastante.

La combinación de zonas nítidas y otras trepidadas es algo que me resulta interesante porque (creo) puede hacer ganar muchos enteros a una imagen que, a lo mejor, de otro modo sería muy convencional ¿No os parece? Desde luego no voy a ser yo quien diga que para nada hay que intentar hacer buenas fotos y cuidar la técnica, pero creo que ésta no debe coartar la creatividad, que al final es lo que puede marcar la diferencia.

Precisamente hace unos pocos meses, en el festival Madrid PhotoPhest, asistí a la conferencia de Eugenio Recuenco, un reconocido fotógrafo publicitario, quien nos contó como a él no le interesaba que una foto fuera absolutamente perfecta y que todos sus elementos estuvieran nítidos.

Curioso en un profesional al que, desde luego, no podemos acusar de hacer malas fotos, sobre todo porque el tipo de las que hace sí que aparentemente son perfectas. Sin embargo, sus palabras me hicieron pensar que la obsesión por la perfección y la nitidez está sobrevalorada. ¿Acaso muchas de las fotografías que han quedado para la historia, como ‘El beso’ de Doisneau o ‘El Miliciano’ de Capa, eran perfectas?

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Fotografías de Oscar Condés

Todos estaremos de acuerdo en que aprender a exponer bien es una de las claves para conseguir buenas fotografías. Y para lograrlo, además de dominar bien el triángulo de exposición diafragma, velocidad y sensibilidad es importante saber cómo mide la luz el exposímetro de nuestra cámara, qué son los modos de medición de la luz y cómo usarlos de forma correcta para lograr buenos resultados.

Hablamos, como ya imaginaréis, de los modos matricial, ponderado al centro y puntual. Pero antes de hablar de ellos hay que hacerlo de la manera en que el exposímetro de la cámara interpreta la luz que le llega.

Foto de Pixabay

Como sabréis, la mejor forma de medir la luz de una escena es hacerlo con un fotómetro de luz incidente, pero esto es algo que normalmente queda reservado a profesionales trabajando en estudio. Lo usual para la mayoría es utilizar el fotómetro, o exposímetro, que lleva la cámara y que mide la luz que refleja la escena (y es un método menos preciso).

Como norma general, las cámaras están preparadas para interpretar la luz según un estándar que dice que la mayoría de objetos reflejan la luz que les llega en un porcentaje que se calcula sobre el 18% y que correspondería a un color gris medio (que es para el que se calibran los exposímetros). Lo que ocurre es que, lógicamente, en la práctica la cosa puede variar hasta el infinito según la escena a captar. Esto hace que el exposímetro pueda verse engañado con cierta facilidad, como en los típicos casos de fotografías en entornos muy iluminados o al contrario.

¿Cómo mide la luz nuestra cámara

Modos de metrición matricial, ponderada al centro y puntual (de izquierda a derecha).

Lo que ocurre en estos entornos en los que la luz reflejada es mucho mayor o menor que ese 18% (en un paisaje nevado, por ejemplo, es del doble aproximadamente) es que el exposímetro asume que la luz que le llega es excesiva o muy baja y compensa al contrario. Esto suele provocar que las escenas de mucha luminosidad queden subexpuestas y, justo al contrario, las muy oscuras queden sobreexpuestas. Para evitarlo tenemos que ser conscientes de ello y usar la función de compensación de exposición, aunque saber sacar partido de los modos de medición de nuestra cámara también es una buena estrategia.

De hecho precisamente fueron creados para esto, para ayudarnos a elegir bien la exposición correcta y determinar cuánto compensar en situaciones complicadas. Así que vamos a ver un poco mejor qué son estos modos de medición de la luz que incorpora nuestra cámara y cómo funcionan.

Medición matricial

También denominada evaluativa, el procesador de la cámara divide la escena en una serie de zonas que ocupan todo el cuadro y calcula la exposición correcta en base a todas ellas haciendo un promedio. Por esta razón, es un modo de medición que se utiliza en una gran cantidad de situaciones por defecto. Sin embargo, no es recomendable (como veremos a continuación) en ciertas situaciones y además no funciona igual en todas las cámaras.

De hecho es importante familiarizarse con nuestro modelo en concreto para saber cómo trabaja y en qué tipo de situaciones la cámara no ofrece un resultado correcto. Hay que tener en cuenta que no todas las cámaras dividen la escena en el mismo número de áreas, y también que muchas ponen especial hincapié en las zonas que coinciden con los puntos de enfoque en uso en cada momento (y, como bien sabéis, el número de estos también es muy variable dependiendo del modelo).

Medición ponderada al centro

Como su nombre indica, con esta forma de medir la luz la zona central de la escena tiene un mayor peso a la hora de calcular la luz. Está basado en la tendencia que tenemos en muchas ocasiones de situar en el centro de la imagen el elemento más importante de una fotografía, pero lógicamente no es ideal para todo tipo de situaciones, especialmente si (como imagináis) el elemento principal no está centrado.

Por otro lado, como en el caso anterior, la forma en que nuestra cámara trabaja en este modo de medición varia dependiendo del porcentaje que el fabricante haya decidido que debe formar parte de esa parte central. En algunos modelos profesionales el tamaño de esta área se puede ajustar, pero lo normal es que no sea así.

Medición puntual

Por último, este modo mide la luz mide sólo una pequeña parte de la escena, tradicionalmente situada en el centro de la imagen pero que en muchas de las nuevas cámaras réflex se puede ajustar para que se sitúe en el mismo punto en el que se enfoque la imagen a través del sistema AF.

Por tanto, esta forma de medir la luz se utiliza para evaluar sólo áreas muy concretas de luz sin tener en cuenta el resto de la escena. Así, como podréis imaginar, es un tipo de medición que se utiliza sólo para determinadas circunstancias, sobre todo en situaciones de alto contraste. Además, la medición muchas veces implica correcciones posteriores ya que, sin duda, es el modo que abre las posibilidades para evaluar correctamente escenas complejas una vez que tengamos la experiencia necesaria. Eso sí, como los dos anteriores, el tamaño del área en que se mide la luz puede variar dependiendo del modelo de cámara (suele ir entre el 3 y el 5% de la escena).

¿Qué modo utilizar y cuándo?

Foto de omar alnahi

La respuesta es… depende. Depende de la escena en concreto que queramos captar (de cómo incida la luz, de los colores que haya…). Así, como adelantábamos, el modo matricial funciona bien en una gran mayoría de escenas, especialmente las que están iluminadas uniformemente. Si además lo combinamos con el disparo en formato RAW que permite correcciones posteriores, puede ser el modo que usemos como norma general en nuestro trabajo dejando los otros dos para determinadas situaciones más específicas.

Sin embargo, como hemos contado no es el ideal para situaciones con mucha o poca iluminación porque tiende a ser engañado, pero tampoco en aquellas donde haya mucho contraste porque el resultado puede ser justo el contrario (falta de éste) al no discriminar cuál es la parte importante de la escena.

Por su parte, el modo de medición ponderada al centro es el mejor para aquellas escenas en las que tengamos claro que el sujeto va a estar situado en el centro y en el que nos interese que la exposición de éste sea la correcta sin importar tanto el resto. Así, como podéis imaginar, es perfecto sobre todo para retratos, pero también puede ser muy conveniente para naturalezas muertas o fotografía de producto.

Por último, el modo de medición puntual proporciona la mayor precisión y control sobre la exposición de zonas concretas. Por ello es ideal para sujetos en situaciones de contraluz (donde el resto de modos probablemente harían que el sujeto apareciese como una silueta), para primeros planos o fotografía macro. Además, se puede (y se debe) utilizar para medir la luz en situaciones de gran contraste.

Foto de Skitterphoto

De hecho, medir la luz en varias zonas concretas, normalmente las más y las menos luminosas de un escena como pueda ser un paisaje, y hacer un promedio de ellas según las áreas de mayor interés es la mejor manera de exponer en situaciones de gran complejidad lumínica. Claro que hacerlo bien requiere de paciencia, meticulosidad y tener la experiencia adecuada.

Por cierto que el histograma de la cámara es una excelente herramienta para controlar los resultados in situ, aunque lo más importante es dedicarle las horas necesarias para aprender a medir la luz adecuadamente, dominar la exposición y el modo en que funciona nuestra cámara.

En Xataka Foto | Cómo exponer correctamente en fotografía digital

Foto de portada | Oscar Condés

Si te has decidido por fin a comprarte una cámara “de las buenas”, si no haces más que recibir alabanzas a las fotos que haces con el móvil y cuelgas en Instagram, si siempre te atrajo eso de la fotografía pero nunca te atreviste a meterte en serio con ello... Si estás en alguno de estos casos quizá deberías saber una serie de cuestiones importantes que nadie suele contar a quien se apresta a adentrarse en el apasionante, pero también complejo, mundo de la fotografía.

Cosas que un novato no suele conocer y que, quizá, pueden echarte para atrás cuando ya te has comprado una carísima réflex último modelo. Cosas que quizá te hagan pensar que esto no era lo tuyo y que te bastaba con tomar instantáneas sin más ambiciones y pasar de complicarte la vida aprendiendo qué es el diafragma, la velocidad de obturación, el ISO, la profundidad de campo, la distancia hiperfocal…

Cosas en definitiva, que uno no suele saber hasta que no se mete de lleno a aprender fotografía y que seguro agradecerás que te contemos para que sea más sencillo para ti decidir si avanzar o dar un paso atrás. Estas son las cosas que alguien que quiera iniciarse en la fotografía debería saber antes de nada y que probablemente nadie te haya contado.

La fotografía no es fácil de aprender

Foto de Kristian Karlsson

Darle al botón de la cámara es un acto muy sencillo pero lo que hay detrás, si quieres aprender fotografía de verdad, es muchísimo más complicado. Si te adentras en este mundo vas a tener que aprender un montón de conceptos que puede que al principio te suenen a chino. ¿Sabes que usando un diafragma ƒ1.4 entra mucha más luz al objetivo que si se usa un ƒ22 a pesar de que el número en sí es más alto? Lioso ¿no?

La mayoría de cámaras ofrecen modos de disparo automáticos que suelen dar buenos resultados pero al aprender fotografía no es que esté prohibido usarlos es que debemos utilizar los modos manuales. Ten en cuenta que de lo que se trata es de conocer la técnica del arte de captar la luz para ser capaces de que nosotros, y no la cámara, tengamos el control total sobre las imágenes, sabiendo exactamente qué es lo que queremos conseguir y cómo hacerlo. Y esto requiere un largo proceso de aprendizaje.

Dominar la técnica no es suficiente

Foto de Unsplash

Claro que además de conocer la técnica, en fotografía hay una parte artística que es seguramente más importante y que se tarda aún más en dominar. Hablamos de aprender a componer (osea saber distribuir eficazmente los elementos en el encuadre), de saber interpretar las cambiantes condiciones de luz que te puedes encontrar en una escena, o de educar nuestro ojo para ser capaz de de contar una historia y transmitir emociones con nuestras fotografías. Esto es algo que no se consigue fácilmente. ¿Que cómo se hace? Estudiando y practicando.

Se necesita tiempo para lograr buenos resultados

Foto de Jean-Pierre Brungs

La cámara es una herramienta en la que hay que invertir muchas horas de aprendizaje y práctica para ser capaces de exprimirla. Una buena comparación sería eso de que cualquiera puede conducir un coche tras sacarse el carné, pero sólo con mucha práctica y a base de experiencia se está preparado para conducir un coche de carreras.

En definitiva, se necesita un cierto grado de experiencia para conseguir fotos a la altura de esas que vimos en aquella exposición. Primero hay que aprender a dominar la técnica, después practicar mucho y acostumbrar a nuestro ojo a mirar de forma distinta. Además, por si fuera poco, también hace falta tiempo para dominar nuestra cámara.

El equipo no lo es todo

Foto de Markus Spiske

Seguro que más de uno habéis oído decir (o incluso vosotros mismos le habéis dicho a alguien) aquello de “claro con esa cámara ya podrás”. Pues no se puede estar más equivocado. Piensa que la cámara no corta cabezas, las corta el fotógrafo. Osea que por muy buena cámara que tengas, si no tienes buen pulso o eres un negado a la hora de componer una imagen el resultado seguramente será malo por muy buena que sea la cámara.

Eso sin contar que cuanto mejor sea más difícil será de dominar (un punto del que hablamos más adelante), porque que te quede claro que la parte creativa siempre será más importante que la técnica y que el equipo. Esto explica que con un “simple” móvil se puedan conseguir excelentes imágenes o que sea más importante estar en el lugar exacto en el momento adecuado que el equipo que tengas.

No necesariamente necesitas una réflex

Foto de Roman Drits

Al hilo del punto anterior, es habitual ver que la gente se compra una cámara DSLR sin tener mucha idea de fotografía, sobre todo desde que este tipo de cámaras empezaron a tener precios muy asequibles. Pues bien, ya te imaginarás que nuestro siguiente consejo es que no, no necesitas comprarte una réflex.

La tentación de comprarse una cámara “como la de los profesionales” puede ser grande pero no es lo mismo querer algo que necesitarlo. Así, hacerse con una cámara de este tipo puede ser tirar el dinero dependiendo de tus aspiraciones, y seguramente una cámara más pequeña, como una sin espejo, no sólo te ofrecerá todo lo que necesites sino que te será más cómoda y práctica sin que pierdas prestaciones ni tengas que machacar tu cuello y espalda llevando una pesada réflex.

Así, nuestro consejo es que estudies bien lo que necesitas y te hagas con un modelo de acuerdo a tus conocimientos, el destino que vayas a dar a las fotos, la importancia que le des al tamaño y peso de la cámara y, cómo no, el presupuesto que tengas.

La fotografía es un hobby caro

Foto de An Mai

Puede que pienses que iniciarse en fotografía consiste en comprarse una buena cámara y poco más, que sí, es una cosa cara pero la pagas y ya está. Pero no, si quieres adentrarte de verdad en esta disciplina vete preparando el martillo para romper la hucha con forma de cerdito. Un equipo básico es suficiente en principio pero muy pronto verás que necesitas más cosas, sobre todo si quieres dedicarte a algún tipo de fotografía más especializada como puede ser la fotografía de naturaleza, la fotografía macro o la astrofotografía.

Objetivos, un trípode, un flash, filtros… Siempre hay algo nuevo y útil que añadir a nuestro equipo y, en general, los equipos y accesorios fotográficos no son precisamente baratos. Y si no te ocurre nada seguro que el fabricante de turno sacará, mucho antes de lo que esperabas, un nuevo modelo de cámara que sustituye a la tuya y te pondrá los dientes largos. Eso por no hablar de lo caro que es viajar, si es que quieres fotografiar países lejanos, o de lo costoso que es reparar una cámara digital o un objetivo si se estropea.

Un buen equipo fotográfico abulta… y pesa

Foto de Pexels

Ya lo avanzábamos antes al decir que es posible que no necesites una réflex, entre otras cosas porque una cámara más pequeña es más cómoda de llevar. Un equipo fotográfico completo está compuesto por un montón de elementos, incluidos cámara (o cámaras), objetivos, trípode, flash, filtros y muchas otras cosas que pueden hacer que tengas que transportar, por ejemplo, cinco kilos de material.

Esta es una de las razones por las que algunos profesionales se están pasando al formato sin espejo, que con equipos de menor tamaño y peso resulta mucho más cómodos de llevar sobre todo cuando se tiene que cargar con el equipo todo el día por cuestiones de trabajo o porque se está de viaje.

Tienes que aprender a procesar las fotos

Foto de rawpixel

Fotografiar es un proceso que va más allá de la toma de imágenes. No basta con hacer las fotos, luego hay que hacer un trabajo posterior con ellas para llegar al resultado final, una labor que se hace más importante cuando más avancemos en el conocimiento de la fotografía. Y es que un simple aficionado normalmente disparará en automático y formato JPEG con lo que obtendrá unas imágenes ya finalizadas que no necesitan más (lo cual no quiere decir que sean buenas).

Pero si te adentras en el mundo de la fotografía tendrás que hacer las fotos en RAW y con ello seguramente obtendrás unas imágenes que necesitan obligatoriamente un procesado para llegar a ser realmente buenas a través de algún programa de edición de fotografía. Por supuesto disparar en RAW no es algo obligatorio pero sí muy recomendable, tanto para obtener la máxima calidad como, importante, para aprender.

No te fíes de las alabanzas en redes sociales

Foto de Pexels

Como decíamos en la introducción, hoy día no es raro que alguien se crea un buen fotógrafo por lo que le dice la gente en redes sociales. Y puede que lo sea, el problema es que uno no puede fiarse de estos comentarios porque quienes los hacen normalmente no son fotógrafos y por tanto su opinión no es lo suficientemente crítica. Además, las alabanzas no ayudan a mejorar, cosa que sí hacen las críticas.

Por eso, no debes fiarte de lo que digan de tus fotos en redes sociales. Que a tu familia o a tus amigos de Instagram les gusten tus fotos no significa que puedas ganarte la vida con ello. Si quieres conocer la opinión de otra gente sobre tus fotos búscalos en otros sitios como grupos o foros de fotografía a los que acuden personas con conocimientos avanzados y que no tendrán problemas en alabarte o criticarte si te lo mereces.

Siempre habrá alguien mejor que tú

Foto de Kaique Rocha

Esto puede que te duela pero tienes que tener presente que hay muchísima gente que hace fotografías y las hace muy bien. Puede que te pienses que tus fotos son muy buenas o que esa idea que tuviste para hacer aquella toma no se le ha ocurrido nunca antes a nadie. Pues siento decirte que seguramente tus fotos no son tan buenas y que sí, que alguien probablemente ya hizo eso que tú pensabas era tan original.

¿Moraleja? Mira muchas fotos, navega por páginas y foros de fotografía, lee todos los libros del tema que puedas y acude a las exposiciones de tu ciudad o las de alrededor, aprende de todos ellos y crea tu propio estilo.

Foto digital y foto química son mundos diferentes

Foto de Pexels

Seguramente si empiezas en esto de la fotografía lo harás directamente en formato digital, pero tal vez te decantes por apuntarte al revival de la fotografía química, quizá porque te atraiga lo vintage quizá porque quieras aprovechar esa vieja cámara analógica de tu padre. Pues bien, en ese caso debes saber que fotografía digital y química son dos mundos bastante distintos.

La técnica fotográfica no cambia mucho, y las bases son las mismas, pero por ejemplo los objetivos de una cámara de carrete no suelen servir para una digital, y si tienes suerte y lo hacen es muy posible que sea modificando su distancia focal. Y por supuesto en el tema del revelado nada que ver lo que se necesita para obtener las fotos químicas, comparado con el procesado digital a través de herramientas de software.

Foto de David Marcu

En definitiva, como ya te hemos adelantado, la fotografía es un campo apasionante en el que siempre se está aprendiendo. Hay miles de aspectos que desarrollar y es imposible decir que uno ya lo ha aprendido todo sobre fotografía. Además, siempre hay algún estilo o tendencia que se pone de moda o algún tipo de truco diferente para obtener no se qué resultado. Eso sin hablar de nuestra propia capacidad creativa como fotógrafos que no tiene límites y, por ello, tiene una gran atracción al permitirnos estar siempre en evolución y aprender y practicar nuevas cosas.

Te aseguramos que si empiezas y eres constante los frutos llegarán casi sin que te des cuenta, pero es mejor que estés avisado de lo que te espera. Sobre todo recuerda que la fotografía es un proceso de aprendizaje continuo que requiere de esfuerzo y práctica pero que, eso sí, te aseguramos que merece la pena.

En Xataka Foto | ¿Te animas a realizar un timelapse? Consejos prácticos para iniciarse

Foto de portada | Michael Lin

En pleno puente de agosto en Xataka Foto seguimos al pie del cañón para ofreceros los mejores consejos veraniegos en nuestro clásico Galaxia Xataka Foto con los que disfrutar el tiempo que paséis tumbados en la hamaca de la piscina o esperando que te traigan el mojito en el chiringuito de la playa.

Como siempre, hemos recopilado varios contenidos relacionados con la fotografía pensando en vosotros y en los que no puede faltar cómo no, hablar de las Olimpiadas que nos invaden por todos lados y que fotográficamente también dan mucho que hablar. Como esa imagen que hemos puesto en portada y que fue noticia al comienzo de los Juegos. Pero empecemos ya con las recomendaciones:

• Si aparte de ver las fotos os apetece saber algo sobre los que las están tomando, os recomendamos una visita a Popular Photograhphy donde nos cuentan cómo trabaja un fotógrafo freelance durante las Olimpiadas.

• Y si la semana pasada hablábamos del arsenal que Canon ha llevado a Río como apoyo para los fotógrafos allí destacados, no podía faltar la respuesta de su eterno rival, Nikon, que hemos podido ver en Nikon Rumours.

• Dejamos ya los Juegos de Río y os proponemos un interesante recorrido por 25 fotos que retratan interesantes momentos de la historia en esta entrada de un curioso blog llamado Vintage Everyday.

• Cambiando de tercio, si lo que quieres es avanzar en la técnica fotográfica o refrescar los conocimientos te recomendamos el blog de Rubiexphoto donde hacen un repaso rápido y visual a toda la técnica fotográfica y, como plus inestimable, lo ofrecen en un archivo descargable para consultar durante la práctica.

• Si eres de los que te gusta el bricolaje y la fotografía, en ISO 1200 hemos visto un vídeo que nos enseña a construir un pequeño estudio para fotografía de producto elaborado a partir de una mesa de IKEA que cuesta sólo 10 euros.

• Y para terminar una recomendación para que te levantes de la tumbona y cojas la cámara a todo correr. Queda poco tiempo pero hasta el martes puedes participar en este concurso organizado por la Oficina de Turismo de Japón en la que por una foto puedes ganar un viaje a aquel lejano país. ¿A qué esperas?

Y eso es todo por hoy. La semana que viene volveremos con más recomendaciones de nuestro habitual Galaxia Xataka Foto. Como siempre gracias por estar ahí y recordad que podéis enviar vuestras recomendaciones a través de nuestro formulario de contacto.

Feliz semana, disfrutad los que estéis de vacaciones y resignación al resto.

Foto de portada | Captura del vídeo de Breaking News

Con la vertiente surrealista ya vimos gracias a la figura de Man Ray, cómo las fotografías podían crearse sin la necesidad de utilizar una cámara como herramienta. De este modo, teniendo un papel sensible a la luz y realizando una serie de composiciones poniendo objetos sobre ello, el resultado no dejaba de ser una copia fotográfica, si me permitís más ligada a la pintura que al propio medio fotográfico.

Seguramente todos pensamos que para que exista una fotografía debe haber una cámara, si nos remitimos a la cámara oscura, este artefacto hacía de herramienta sin la necesidad de que hubiese un papel o una placa donde quedase impregnada esa luz. Después con la creación de los primeros soportes sensibles a la captación de esa luz, es cuando podemos decir que nació este arte, por ello, es complicado salirse del binomio cámara más papel para su comprensión.

Hablamos de Christian Schad, pero sin duda es quizá el menos conocido realizando este tipo de creaciones, es por éso que hoy le traemos a Xataka Foto, para conocer a un fotógrafo que se aleja de los top en cuanto a los grandes maestros o autores más reconocidos. La obra pictórica de este alemán sí ha sido mucho más difundida en los ámbitos artísticos, aunque aquí le presentemos por sus schadografías, que consistían, como habíamos dicho, en la impresión de la silueta de varios objetos sobre un papel sensible a la luz sin la utilización de una cámara.

Estos experimientos dentro la vanguardia dadaísta, significaron el germen de lo que más tarde harían otros autores como Man Ray o Moholy-Nagy. Una técnica que permitía una serie de fotografías entroncadas con el surrealismo por su caracter onírico, que representan un modo de creación basado en el inconformismo del arte imperante en la época, lo que les hacía querer experimentar, y qué mejor modo que hacerlo que con la disciplina fotográfica, la cual cumplía sus primeras décadas y permitía un sinfín de oportunidades creativas.

El término schadografía fue acuñado por el poeta Tristán Tzara, y no se tienen referencias claras a sí se utilizó "Schad" aludiendo a su creador o por el contrario al término "schaden" que en alemán significa dañado. Y es que los objetos que normalmente utilizaba para impresionar sobre la placa fotográfica solían ser de desecho, muchas veces rayados, trozos de papel y otros elementos que disponía de tal manera que resultaban en composiciones más o menos coherentes formalmente.

Os invito a echar un vistazo a su obra pictórica, por conocer lo que hacía, y a rebuscar entre sus composiciones fotográficas. Al final no deja der ser una manera más de creación dentro del abanico de posibilidades que tiene la fotografía, porque tanto las placas como el papel son elementos que tienen su importancia dentro de este arte y que, como vemos, no necesariamente tiene que existir una cámara para que exista una imágen.

En Xataka Foto Man Ray, el surrealista que convirtió la fotografía en arte

Nguyen Dinh An es un fotógrafo peculiar. No es la primera vez que veo en Internet un vídeo de un profesional de la fotografía que recurre a las muecas y las acrobacias para conseguir que las «víctimas» de sus retratos esbocen una sonrisa. Pero la verdad es que hasta ahora no había visto en acción a ninguno tan activo como este vietnamita de 22 años.

En los dos vídeos que os dejo al final del post podéis comprobar hasta dónde llegan sus acrobacias. Es casi imposible verlos sin reírse, así que es fácil imaginar lo difícil que debe ser ver a Nguyen en vivo durante una sesión fotográfica sin, al menos, sonreír. Esta técnica puede parecer una tontería, pero, desde luego, seguro que al menos es eficaz para evitar esas sonrisas poco naturales y forzadas que solemos adoptar casi todos cuando nos fotografían.

Yo confieso que sería incapaz de hacer esas acrobacias mientras retrato a alguien debido, sobre todo, a mi sentido del ridículo, pero me parece estupendo que otros sí puedan hacerlo. Tan solo pongo en duda que con semejante ajetreo se pueda conseguir el encuadre adecuado, pero es algo que puede resolverse disparando a discreción. En cualquier caso, aquí os dejo dos vídeos de Nguyen Dinh An durante sus sesiones gimnásticas. Duran aproximadamente 1 minuto cada uno, y seguro que os alegrarán un poco el día.

Vía | Picture Correct
En Xataka Foto | Joe McNally nos explica cómo sacar partido a la luz suave y la luz dura

En mi modesta opinión, la EOS 70D es una de las cámaras más equilibradas de Canon. Basta echar un vistazo a sus especificaciones para comprobar que es una propuesta de gama media/alta muy interesante para entusiastas avanzados, e, incluso, profesionales que buscan una segunda cámara ambiciosa pero de precio moderado. Y es que actualmente es posible encontrar sin dificultad el cuerpo de esta cámara por debajo de los 900 euros, lo que no está nada mal.

La razón por la que he comenzado este post describiendo la 70D, que ya lleva algo más de un año en el mercado, es evidente: es la auténtica protagonista del libro del que os voy a hablar. Su título no deja lugar a dudas: «Canon EOS 70D». Así, sin más. Nicole S. Young, su autora, es una fotógrafa especializada en fotografía de paisaje y de alimentos con una gran capacidad didáctica y mucha experiencia, dos cualidades que se entremezclan a lo largo de todas las páginas de este libro. Echémosle un vistazo.

Afianzando bien la base

Esta es una obra bastante ambiciosa. Aunque su título deja bien claro que la EOS 70D de Canon ha estampado su huella en buena parte de los contenidos del libro, lo cierto es que también es interesante como manual de iniciación a la fotografía para cualquiera que esté dando sus primeros pasos en esta forma de expresión. Y es que la autora recorre toda la técnica fotográfica básica de principio a fin; desde el manejo de la cámara y las reglas de composición hasta los ajustes de la iluminación.

Eso sí, la 70D está presente en todos los capítulos, bien mediante referencias expresas a esta cámara diseminadas por el texto, bien a través de recuadros y secciones profusamente ilustradas con capturas de la interfaz. De esta forma, cualquier lector que tenga esta cámara de Canon podrá seguir todos los consejos del libro sin posibilidad de despiste alguna debido a que basta seguir las indicaciones de Nicole y mirar las fotografías para encontrar todos los parámetros de ajuste de la cámara.

Consejos prácticos

Este libro es interesante porque nos ofrece un repaso detallado de la técnica fotográfica básica, pero lo que lo hace más apetecible son los numerosos ejemplos prácticos y los consejos que la autora nos propone para ayudarnos a sortear con eficacia la dificultad que puede entrañar la toma de las fotografías más complejas. Si tuviese que quedarme con una sección destacaría la que Nicole ha bautizado como «Estudio detallado de la imagen», en la que, además de explicar las condiciones de exposición exactas de cada fotografía, analiza con bastante detalle la composición.

Es evidente que este no es un libro pensado para profesionales de la fotografía que ya dominan la técnica básica, pero, aun así, me ha llamado la atención la profundidad con que la autora ha abordado los capítulos dedicados a la iluminación y la composición, que son los últimos del libro. La guinda la pone el último bloque, titulado «Técnicas avanzadas», en el que trata de una forma muy didáctica la personalización del balance de blancos, la edición de imágenes en la propia cámara y las posibilidades creativas que ponen a nuestras disposición técnicas como la pintura con luz o la modificación de la distancia focal durante la exposición, entre otras opciones.

Nuestra valoración

Este libro no pretende ser únicamente una alternativa al manual de la cámara, que, por otra parte, como todos los manuales, es muy poco didáctico. Me parece más acertado considerarlo una guía interesante para cualquiera que quiera fijar bien la técnica básica. Si, además, tiene una 70D, perfecto. Leer el libro con la Canon delante permite seguir todos los ejemplos paso a paso e ir descubriendo todas las posibilidades creativas de esta equilibrada cámara.

Al final de cada capítulo, Nicole S. Young nos propone varias tareas a modo de deberes diseñadas para ayudarnos a fijar bien los contenidos que acabamos de leer, y nos anima a subir nuestras fotografías al grupo de Flickr del libro para compartir nuestros avances con los demás lectores, e, incluso, con ella misma. Una idea original y divertida.

«Canon EOS 70D» es, en definitiva, un libro muy didáctico, amplio y de lectura fácil que interesará, por supuesto, a los propietarios de esta cámara de Canon que quieren sacarle el máximo partido, y también a cualquier persona que, aunque no tenga esta cámara, esté buscando un manual para aprender sin dificultad la técnica fotográfica básica.

Canon EOS 70D

• Editorial: Anaya
• Precio: 29,95 euros (Amazon)
• Encuadernación: Tapa blanda
• Páginas: 288
• Tamaño: 18,5 x 24 cm
• ISBN: 978-84-415-3586-2

Este libro práctico, cargado de consejos y de trucos, está destinado a enseñar a los propietarios de la Canon EOS 70D cómo lograr fotos espectaculares. Hace un completo recorrido desde las técnicas básicas hasta el control de la luz, la composición, y la observación del entorno. Esta es la mezcla perfecta entre un curso de fotografía y el manual técnico de la cámara para vencer todos los desafíos de su 70D.

En Xataka Foto | «Naturaleza asombrosa», de Francisco Mingorance: una mirada insólita capaz de reconciliarnos con nuestro entorno

La fotografía, como la forma de expresión artística que es, se asienta sobre una técnica y un lenguaje propios. El origen del cine está vinculado de una forma muy clara a la fotografía, lo que ha provocado que el lenguaje cinematográfico haya heredado algunos de los atributos propios del lenguaje fotográfico, aunque es evidente que el cine, al menos el que tiene un mínimo de calidad, utiliza un lenguaje más amplio que también se alimenta de las composiciones musicales y la literatura.

Mi objetivo cuando se me ocurrió escribir este post de opinión no fue analizar de forma académica las diferencias que existen entre los lenguajes utilizados por estas formas de expresión artística, pero me parece una buena idea recordar los lazos que existen entre la fotografía y el cine, un vínculo perfectamente conocido por todos los apasionados por estas dos artes, entre los que me incluyo. El vídeo, por otra parte, puede ser considerado una manifestación «doméstica» del cine, por lo que es evidente que también se alimenta de la fotografía.

Ya os he confesado que adoro el cine y la fotografía. Y también me interesa el vídeo. Sin embargo, en mi modesta opinión, las diferencias que existen entre el lenguaje de cada uno de estos medios, especialmente entre la fotografía y el vídeo, que son los dos que están a mi alcance, e imagino que también al de la mayor parte de vosotros, suelen provocar que me decante casi siempre por la fotografía, y casi nunca por el vídeo. Intentaré explicaros por qué.

El ritmo lo condiciona todo

Creo que todos estaremos de acuerdo en que para tomar fotografías realmente buenas es necesario, al menos, dominar la técnica básica y sentirse cómodo con la composición. A partir de ahí, con entusiasmo, mucha práctica y ganas de aprender es posible ir creciendo hasta obtener un puñado de instantáneas de las que podamos sentirnos realmente orgullosos.

El vídeo, por su parte, requiere, sobre todo, pericia en la composición, y, además, invertir tiempo en la posproducción o el montaje, un proceso que muchos aficionados se saltan, lo que suele provocar que sus vídeos sean inconexos, pesados y faltos de ritmo. Tengo varios amigos que son unos auténticos manitas de la edición de vídeo. De hecho, todos ellos me han confesado que se divierten más editando sus vídeos que grabándolos, por lo que suelen conseguir crear montajes divertidos y muy fáciles de disfrutar. Sin embargo, también conozco personas que apenas editan nada, por lo que sus vídeos son realmente aburridos.

El título de este post resume bastante bien la forma en que entiendo tanto la fotografía como el vídeo. Por supuesto, es una percepción personal, y comprendo perfectamente que otras personas disfruten más con los contenidos audiovisuales que con las imágenes estáticas que nos ofrecen las fotografías, pero yo lo tengo claro: el vídeo me parece una herramienta perfecta para contar una historia, pero, eso sí, siempre y cuando tenga el formato adecuado y esté debidamente planificado y editado. Para todos los demás momentos que desee salvaguardar, me quedo con la fotografía, que también nos permite contar historias, pero desde un enfoque diferente.

Creo, y de nuevo esta es solamente mi opinión, que la fotografía pone a nuestra disposición una capacidad de síntesis de la que carece el vídeo, lo que nos permite describir un lugar o un momento con unas pocas imágenes y una capacidad expresiva enorme. Además, deja espacio a la imaginación, algo que en el vídeo casi no tiene cabida porque no nos ofrece apenas «huecos» y es mucho más explícito (es importante tener en cuenta que estoy hablando del vídeo desde una aproximación no profesional, y no del cine).

Todo esto ha provocado que, aunque mis cámaras de fotos me permiten grabar vídeo con mucha calidad, prácticamente no use casi nunca esta función. Me limito a tomar fotografías, y, además, soy muy comedido. No suelo regresar a casa, ni siquiera después de un viaje largo, con varias tarjetas de almacenamiento repletas de fotografías. Prefiero tomar solo unas pocas, y, eso sí, dedicar a cada una de ellas el tiempo y la atención que merece para que tenga la máxima calidad posible. Estoy seguro de que algunos de vosotros os identificaréis con esta forma de contemplar la fotografía y el vídeo, y también de que para muchos otros el vídeo tendrá más peso del que tiene para mí. Será un placer conocer vuestras opiniones en los comentarios del post.

Imágenes | Piotr | Kenny Barker
En Xataka Foto | Cinco razones por las que merece la pena apostar por los objetivos con focal fija