Es fácil definirlo y entenderlo, pero mucho más complejo alcanzarlo. Podemos tener ojo fotográfico, dominar la técnica y la tecnología pero aquello que se requiere para que una imagen sea identificable con nosotros, es disponer de un marcado estilo propio. Como se ha definido en alguna ocasión, el estilo fotográfico es la prolongación de nuestra personalidad, por ello todo fotógrafo anhela que sus capturas se diferencien y se identifiquen.

La dificultad estriba en cómo lograr plasmar nuestra personalidad en nuestras imágenes. Para ello, y sin querer adoctrinar, sino más bien aconsejar, os dejo algunos aspectos que podemos tener en cuenta si queremos desarrollar nuestro estilo o bien afianzarlo.

• Primero tenemos que saber con qué tipo de fotografías nos sentimos más cómodos y potenciarlo. Para detectar tanto el género, como otras características nuestras que están implícitas pero que no detectamos fácilmente, se puede optar por escoger un motivo o sujeto y disparar muchas fotos de distintas formas, perspectivas y composiciones. Cuando las tengamos en la pantalla de nuestro ordenador podemos ir viendo cuáles son las que nos han resultado más satisfactorias, aunque no necesariamente tienen que ser las más correctas técnicamente. Es un buen punto de partida.

• Es importante estudiar bien a fondo y analizar cada toma, para ir viendo la mejor forma de aportar nuestro personal punto de vista. Si tenemos claro el mensaje, será más fácil que el espectador lo comprenda y viendo nuestro trabajo nos identifique más claramente.

• Aislar y organizar los elementos forman parte del proceso de composición y son esenciales a la hora de expresar nuestra visión.

• Hay que intentar dejar atrás el escalón que supone el conocimiento técnico. Familiarizarse al máximo con la cámara para hacer fotos casi sin pensar en la cámara, tan sólo mirando debemos descubrir lo que queremos capturar. Por ello una buena opción puede ser utilizar una cámara sencilla, que nos nos reste atención a la hora de fotografiar.

• Es importante ir expresándonos con fluidez, si un motivo o un género nos cuesta mucho tenemos que seguir experimentando o darle un giro a nuestra idea original.

• Otros aspectos importantes que confieren nuestro estilo son desde el contraste y el color, al recorte o el mismo procesado. No nos olvidemos que desarrollar nuestro estilo nace en la selección del motivo y finaliza cuando logramos tener la imagen digital procesada según nuestro criterio particular.

• Por supuesto, y aunque es obvio, hay que buscar siempre la originalidad. No es fácil, pero ver muchas imágenes nos puede ayudar a ello. Conocer lo que hacen otros es muy beneficioso.

• Con la fotografía digital, lograr el estilo propio es más sencillo y rápido, además de más económico. Podemos disparar, experimentar con gran comodidad y comprobar los resultados al instante. Así que no tenemos excusa. Lleva la cámara siempre que puedas y a disparar. Eso sí, hay que ser paciente porque lograr ese estilo propio puede llevarnos mucho tiempo.

Bueno, por supuesto son simples retazos a modo de consejos, pero que teniéndolos en cuenta puede servirnos de utilidad para plantearnos dar un paso más allá. Al fin y al cabo, el estilo propio es lo que diferencia a un gran fotógrafo del resto.

Foto | Ellen von Unwerth
Selección en Flickr | the brownhorse | nynewe | brett walker

La fiebre por el HDR parece que ya ha pasado, o al menos del HDR mal entendido. Pero la técnica del HDR bien hecho siempre va a ser de utilidad. Para los usuarios de Mac que no disponen de herramientas como Photoshop para montar imágenes HDR, y no quieren gastar más de 40 euros, existe Hydra.

Una aplicación que nos permitirá crear fotografías con un alto rango dinámico, al menos con dos fotografías, aunque con estas cosas siempre es mejor hacer más. Pero lo más llamativo de Hydra es que nos propone olvidarnos del trípode.

Si es aconsejable usar siempre el trípode a la hora de hacer varias tomas con distinta medición de luz, para que luego encajen bien al montarlas, con Hydra nos dicen sus creadores que no hará falta. Podemos disparar a pulso, que el logaritmo algoritmo del programa se ocupará de alinear las fotos.

Desde luego nuestra espalda lo agradecerá, pero tampoco esperemos milagros del logaritmo algoritmo.

Vía | applesfera
Sitio Oficial | Hydra

Ahora que estamos en luna creciente es un buen momento para comenzar a practicar las fotos que hacemos de la luna. Hasta que esté llena, en este mes de enero de 2008 será el próximo día 22, tenemos por delante una semana larga para perfeccionar nuestras destrezas haciéndole fotos.

Lógicamente lo digital ha eliminado la incertidumbre a la hora de disparar a nuestro satélite. Hoy en día podemos ajustar los parámetros de la cámara tras cada exposición hasta lograr una toma perfecta. Pero seguramente ayuden algunas consideraciones previas.

La rotación de la Tierra hace que la luna se desplace por el encuadre. Piensa que, con respecto a nosotros, la luna se mueve un espacio equivalente a su propio diámetro cada dos minutos. Aunque no lo aparenta se mueve a un ritmo considerable. Es por ello que habrá que utilizar velocidades de obturación altas si queremos evitar que las fotos salgan movidas.

LA MEDICIÓN
Midamos como midamos, la cámara pocas veces nos dará una lectura correcta. Piensa que la luna es un objeto muy brillante rodeada de un área completamente negra. Esto suele confundir al fotómetro. Facilitará mucho la cuestión pensar que la luna es un satélite de la Tierra visible gracias a la luz que recibe del sol. Por lo que estamos fotografiando un objeto, muy distante, eso sí, que está siendo iluminado por el sol. Lo mismo que si hacemos una foto a cualquier otro objeto al aire libre durante el día. Aunque la fotografiemos siendo de noche.

LA EXPOSICIÓN
Un buen punto de partida es intentar capturarla con un cielo despejado usando parámetros similares a los que utilizaríamos fotografiando un objeto iluminado por el sol. ISO100, 1/125 y f8 no suele fallar. Aún así es recomendable ajustar la velocidad de disparo en función de las circunstancias. Unas condiciones climatológicas adversas o las diferentes fases de la luna obligarán a variar estos parámetros. Pero si partes de esa base, casi siempre las correcciones serán mínimas.

EL TAMAÑO DE LA LUNA EN EL CUADRO
Para este tipo de fotografía es recomendable un teleobjetivo. Usar una lente angular normal convertiría a la luna en una manchita en tu foto. Por lo que necesitarás una lente de, como mínimo, unos 300 mm para llenar el cuadro y darle protagonismo.

Pocos son los afortunados que tienen lentes que pasen de los 300 mm. Así que si eres de esa vasta mayoría que no las tiene, deberás ingeniártelas para salir del paso. Una opción es disparar a la máxima calidad que dé tu cámara, te permitirá hacer posteriormente recortes que logren hacer que la luna llene el cuadro.

CONCLUSIONES
Otra recomendación es disparar en RAW para poder ajustar la exposición si hemos sobre o subexpuesto, pues en ambos casos, le estaríamos restando definición a nuestra luna y la foto sería una entre un millón, y queremos que la nuestra sea la mejor foto de la luna, ¿no?

Lógicamente es muy importante consultar el calendario lunar para saber en qué fase estamos. Recordad, el próximo día 22 tenemos luna llena. Hasta entonces tenéis unos días para ir haciendo pruebas.

Más información | Calendario lunar

Después de este disclaimer, empecemos a despotricar (tranquilos, solo un poco).

A raíz de esta entrada en el interesante blog de Juan Luis Polo, me he decidido a escribir lo que pienso sobre la lomografía. Ya os hemos hablado de lo que es la lomografía aquí, en XatakaFoto, por lo que no me entretendré en explicarlo, parto de que ya sabéis de qué se trata. Lo que sí pienso hacer es remarcar las que creo que son sus dos características visuales más llamativas:

• Viñeteado bastante destacado.
• Alta saturación de los colores.

Nada criticable en estos aspectos. Es lo que hay con las fotos lomo y hay que asumirlo. Estas características, per se, no son negativas. Lo serían siempre consideradas desde la globalidad de la fotografía.

Pero el fenómeno lomo va más allá de hacer fotografías con cámaras defectuosas que producen ciertos resultados. Existe una lomolifestyle. Sí, con sus “reglas” y decálogos. Si no me crees, aquí tienes las 10 LomoReglas (nos detendremos con calma en una de ellas más adelante) e incluso un bonito y largo decálogo de 95 puntos de Gerald Matt, un miembro de la Sociedad Lomográfica, que presentó en el WorldLomoWall de Londres durante el año pasado. Puedes leerlo en el blog a-z fotográfico y os lo recomiendo encarecidamente. Ha logrado mantener una sonrisa en mi cara durante un buen rato. Y que nadie se lo tome demasiado a pecho, es irónico y autoparódico (o almenos eso es lo que me ha parecido a mi). También lo utilizaremos posteriormente.

Una vez hemos nombrado los aspectos técnicos de la lomografía por un lado y hemos referenciado la filosofía de la lomolifestyle, necesito cambiar un poco de tema para enlazarlo más tarde con el mundo lomo: ¿Qué es lo que me gusta en una fotografía?

El tema puede dar para un libro entero, pero aquí vamos al grano. Cuando me hago esa pregunta, yo respondo que lo que me gusta en una foto es que me despierte una sensación. Asco, belleza, paz, soledad, tristeza y un interminable etcétera. Y ¿cómo se logra despertar una sensación? Pues me atrevo a responder que utilizando las siguientes herramientas:

• La técnica.
• Captar el momento adecuado.
• El significado que tiene aquello fotografiado.
• La belleza de los elementos fotografiados (entiéndase belleza como la particularidad de las formas, algo que llama la atención. Yo soy algo feo y a veces salgo bien en las fotos…).

Volvamos a hacer un giro hacia la lomografía. En un principio, con ésta, sólo podemos tener problemas en el primero de los cuatro puntos anteriores. Podríamos hacer buenas fotos (perdón, mejor dicho, fotos que puedan despertarme una sensación y por lo tanto gustarme) con el resto de herramientas disponibles. Pero esto es una verdad a medias, ya que para lograr utilizar bien las tres últimas herramientas hay que tener alguna noción técnica (donde colocar el sujeto, enfocarlo, exponerlo adecuadamente, etc, o almenos tener alguna idea del resultado final para poder romper estas mismas reglas), si no, la fotografía se convierte en algo aleatorio, fruto de la casualidad. Aún así, supongamos que no es necesario el conocimiento técnico. Existe un problema con la filosofia de la lomografía. Concretamente con la regla número seis del movimiento lomográfico, la única a mi modesto entender, que chirría (y mucho). Y es que dice así:

No pienses. (...) Directamente disparas, Don’t think, diviértete y déjate sorprender de todas las oportunidades que te ofrece.

¿Divertido? Seguramente. ¿Interesante para los espectadores de estas fotos? Responde tú mismo. No pensar, algo, lo mínimo, convierte la fotografía en un resultado probabilístico no en un proceso.

Y por si no fuera poco, en el decálogo que hemos citado anteriormente, hay dos punto realmente interesantes que rezan lo siguiente (en el apartado analógico vs. digital):

4. Recela de los fotógrafos digitales: su falta de imaginación es contagiosa.

9. Evita asociarte con fotógrafos digitales. Son la mala suerte personificada. Carecen de imaginación y de pasión.

Repito que se debe leer en clave de humor, que no se enfade nadie, pero si hay algo que me cansa de la lomolifestyle es esta pretensión de que se trata de una corriente altamente imaginativa. Disparar sin ton ni son, a expensas de que la suerte produzca un resultado interesante, me parece una carencia patológica de imaginación. Llevar la cámara a todos los rincones y disparar a cosas poco usuales es muy original, pero disparar por disparar es tontería.

Me gustaría destacar, por si lo parece en lo anteriormente escrito, que el uso de la técnica en la fotografía tampoco es un fin, sinó un medio. Romper las reglas también puede producir un resultado magnífico. Ignorar los tres tercios, centrar horizontes, subexponer, sobreexponer, buscar trepidaciones… Pero hacerlo con un objetivo, con un plan, aunque el resultado no sea el esperado o planeado.

Aún así, las buenas fotos hechas con una lomo me gustan. Quizás me acabe comprando alguna. Pero os aseguro que, antes de hacer una foto, pensaré (luego existo).

Os sugiero que hagáis una búsqueda de fotografías interesantes y atractivas hechas con una lomo en, por ejemplo, el grupo de flickr lomo Spain. Hay unas cuantas, de verdad.

Fotografía | Flickr de capitan-patata

Los fuegos artificiales son un típico y bello motivo fotográfico, especialmente en épocas estivales que es cuando acostumbran a florecer este tipo de espectáculos. Y como tengo el veranito todavía bastante fresco y no me apetece dejar de pensar en él, hoy repasamos algunos consejos para la fotografía de fuegos artificiales:

• Llega temprano para elegir donde te vas a situar.
• Ármate de paciencia. Técnicamente es difícil y tendrás que tirar muchas fotos para obtener resultados que sean de tu agrado.
• Trípode indispensable (o algún punto de apoyo).
• Ten en cuenta que en la fotografía digital existe un lapso de tiempo entre que apretas el botón de disparo y cuando la cámara realiza la foto. Debes conocerlo bien para hacer la foto justo en el momento en el que lo deseas.
• El tiempo de exposición será tu lucha. Empieza con un tiempo de un segundo y experimenta incrementándolo. Altamente recomendable usar el modo bulb para reducir vibraciones de la cámara y controlar exactamente el tiempo de exposición que creemos necesario.
• Es recomendable disparar con el cable de control remoto.
• Mejor usar valores ISO bajos y ahorrarnos el molesto ruido. El control lo debe tener el tiempo de exposición.
• En general, utiliza un gran angular.
• Puede ser una buena idea (mejor dicho, una magnífica idea) añadir algún otro elemento en la fotografía. La harás más atractiva. Si cuidas la composición obtendrás fotos distintas como la que ilustra este post.
• Utiliza el enfoque manual. Haz alguna prueba con algún fuego artificial. O si tienes a la vista el lugar desde donde se lanzan, puedes enfocar allí.
• En cuanto a la apertura del diafragma… cierra lo posible. Yo prefiero cerrar y aumentar el tiempo de exposición (de f=8 para arriba).
• ¡Cuidado con la arena si estás en la playa! ¡O con el agua si estás en un barco!
• Te recuerdo que necesitarás paciencia.

¿Tienes algún consejo más? ¿Algo con lo que discrepes?

Más información | dzoom, New York Institute of Photography
Fotografía | Set de FreakyNami

La foto de arriba la tomó el que escribe hace algo menos de un año. Aprovecho para disculparme por usar una foto propia como ejemplo, seguramente las hay más estéticas para ilustrar la técnica, pero esta la tengo a mano y lo cierto es que nos sirve perfectamente. Así que pasemos a destripar la técnica, que es lo que interesa, y pongámonos cuanto antes a dibujar con la luz.

Partimos de la base de que para lograr el efecto de la silueta con luz necesitamos un tiempo de exposición largo. En este caso fueron 30 segundos. El lugar era particularmente oscuro, así que 3.5 como valor de f fue suficiente para no quemar nada. El ISO estaba al mínimo, en mi caso, 200.

La foto no estaba planeada, así que no tenía trípode. Imaginación al poder! Improvisé una bean bag con mi bandolera. Al colocar la cámara cais a ras de suelo la dificultad estribó en el enfoque, pues o me tumbaba en el suelo húmedo para mirar por el visor, o enfocaba a ojo midiendo la distancia entre la lente y la chica. Un Xatakafotero se mojaría por hacer una foto, pero si se puede evitar… Lógicamente… no me mojé! Un poco de ojímetro y un par de repeticiones fueron suficientes para lograrlo y comprobar que tanto los valores de exposición como el enfoque eran los correctos.

Cuando estuve seguro de los parámetros, pedí a la chica que se moviese lo imprescindible para que quedase lo menos movida que fuera posible, pues 30 segundos dan para mucho movimiento, que por imperceptible que parezca dará como resultado una foto con blur. Tras disparar corrí a colocarme a su espalda móvil en mano. ¿Móvil en mano? Sí, no es que estuviera esperando una llamada, sino que usé el resplandor de la pantalla de mi móvil como “lápiz de luz”. Efectivamente, eso que véis a su alrededor es la luz que desprendía la pantalla de mi móvil.

El quid de la cuestión
Al tratarse de una exposición de 30 segundos, durante ese tiempo todo lo que ocurre delante de la cámara queda registrado. Especialmente el movimiento de cosas brillantes, como la pantalla de un móvil. Lo único que tuve que hacer es siluetear a la chica con el móvil dentro de esos 30 segundos, a una velocidad moderada para que en cada punto quedase bien expuesta la silueta de luz.

Si os animáis a hacer una prueba ya sea con palabras, siluetas, dibujos, etc. os recomiendo usar RAW, de forma que luego podáis tocar el balance de blancos para evitar las dominantes de color poco naturales que se producen en las largas exposiciones.

Ya me contaréis qué tal os funciona “la receta”.

Más imágenes | Flickr

Si te encuentras dando tus primeros pasos en fotografía, enfrentándote a enormes manuales a los que no les acabas de encontrar el punto, quizás unos consejillos edulcoren el mal trago y consigan que le cojas un poco de cariño a esto de la fotografía.

En idigitalphoto encontrarás una serie de pautas para mejorar tu técnica en diferentes campos en menos de 60 segundos. No es poco prometer, ¿no? ¡Bien merece una visita!

Más información | idigitalphoto

Más de una vez habrás presenciado una escena impresionante que has querido captar con tu cámara. Una puesta de sol por ejemplo. Pero al ver los resultados en la pantalla te das cuenta de que no tiene nada que ver con la realidad, que los detalles que tú apreciabas y que hacían la escena tan bonita no están en la foto, en la cual sólo se aprecia parte de lo que observabas. Esto ocurre porque nuestros ojos funcionan de forma distinta a como lo hace una cámara de fotos. Y de eso hablaremos hoy.

En algo si que hay similitudes entre el ojo y la cámara, pero sólo en la forma de captar la luz. Ya hemos visto en capítulos anteriores como funciona una cámara y sus partes. Por lo que estamos en condiciones de decir que: el objetivo por donde entra la luz, equivale en nuestros ojos a la córnea y la pupila; el diafragma de la cámara se corresponde con el iris, encargado de dejar entrar más o menos luz en el ojo; la lente del objetivo es a su vez el cristalino del ojo, necesario para enfocar a varias distancias; y el material fotosensible, o sensor del ojo, es la retina, donde se encuentran las células fotorreceptoras.

Y ahora veamos las diferencias entre lo que vemos con nuestros ojos y lo que la cámara puede hacer, que es lo importante.

En escenas con alto contraste nuestro ojo se puede adaptar fácilmente y podemos apreciar las zonas oscuras tan nitidas como las zonas iluminadas. En el caso de que nos encontremos en una habitación a oscuras y la única fuente de luz provenga de una ventana, podemos apreciar los detalles que hay tanto dentro como fuera de la ventana con la misma nitidez. Esto no lo puede hacer una cámara, por lo que debemos escoger que zona queremos que salga bien iluminada en nuestra foto, si la más oscura o la más iluminada. Ya hablaremos de técnicas para conseguir en estas situaciones una foto donde todo esté bien iluminado.

En esta foto opté por exponer bien la parte más iluminada. Como véis lo demás queda en negro, si hiciéramos lo contrario, la ventana quedaría en blanco total.

Ante los cambios de luz nuestro ojo se comporta de manera excepcional, pudiendo aumentar su sensibilidad de forma rápida y precisa. Mientras que con una cámara, la sensibilidad depende del sensor y la ISO que estemos usando. Antes era un embrollo andar cambiando de película según la luminosidad de la escena, pero ahora con las cámaras digitales el cambio de sensibilidad del sensor se puede hacer con relativa comodidad y rapidez.

Nuestra visión es selectiva, si dirigimos nuestra atención a un objeto, lo veremos enfocado, mientras que el resto de la escena que lo rodea no la apreciamos tan nitidamente. Centramos siempre nuestra visión en lo importante, evitando así la distracción de lo que no nos interesa. Además, nuestro ojo está enfocando constantemente; allá donde posemos nuestra vista, veremos con nitidez. Pero la cámara no discrimina, y capta todos los elementos presentes en la escena sin diferencias. Así que para evitar fotografías cargadas de elementos que distraigan, tenemos la posibilidad de enfocar una zona a la que deseamos dar importancia y dejar el resto fuera de foco, para que al mirar esa foto, de forma automática, desviemos nuestra atención a la zona más nitida. También debemos tener en cuenta el encuadre que escojamos, intentando dejar fuera de cuadro todo elemento no deseado y que pueda competir en atención con aquello que queremos resaltar.

Este es un ejemplo de desenfoque selectivo; enfocamos la zona donde queremos que se centre la atención del espectador. Fotografía de LordFerguson

Cuando hablemos sobre encuadre y composición entenderéis mejor cuales son las posibilidades que nos da la fotografía para dirigir la atención del espectador y expresar con más exactitud lo que buscabamos en el momento de disparar. Espero que por ahora os queden claras las limitaciones que tenemos a la hora de representar mediante nuestra cámara el mundo que vemos con nuestros ojos.

Los más bohemios de la fotografía siempre afirmaron que ellos pintaban con la luz, al fin y al cabo de ahí viene la palabra fotografiar (foto es luz y grafos es escribir, pintar). Bueno pues resulta que hoy os quiero descubrir a Eric Staller un hombre que literalmente hace eso. Es un fotógrafro neoyorkino de los 70 que usando largas exposciones con la cámara sobre un trípode hace unas fotos preciosas. Ayudado de un mini con bombillas pegadas a la carrocerías, lucecitas de navidad, antorchas y linternas… crea sus obras luminosas.

Merece la pena pasarse su página web donde tiene muchas fotografías así como esta y cómo las hizo.

Mas información | Web de Eric Staller

One image is more valuable than one thousand words, but when it comes to learn on lighting techniques, an only image is even more valuable.

“Una imagen vale más que mil palabras, y cuando se trata de aprender técnicas de iluminación, una sola imagen es incluso más valiosa”. Esta frase de Maurice Mc Duff encabeza sus valiosos esquemas de iluminación. Si al igual que este bloguero estás interesado en aprender los fundamentos de la iluminación en estudio, no dejes de echarle un vistazo a sus técnicas.

Uno no dispone de los mismos materiales que Mc Duff, pero confía en que un poco de imaginación y un básico bricolaje serán de ayuda a la hora de sacar el máximo partido a las fotografías en interiores. Al fin y al cabo, ¿quién de nosotros no quiere mejorar? Es tentador lograr un resultado “profesional” en nuestras fotografía usando cosas que tenemos a mano. ¿No descartas el bricolaje fotográfico? ¿Has pensado en construirte tu propia caja de luz? ¿Sabes cómo usar la luz reflejada?

Bienvenido, porque en XatakaFoto queremos recorrer ese camino contigo.

Más Información | Esquemas de iluminación de Maurice Mc Duff