Siempre hablamos de técnica, de cómo hacer una fotografía con Capture One, o con Photoshop... También hablamos de las diferentes cámaras que se presentan día a día... Y pocas veces nos centramos en el acto fotógrafico. En cómo deberíamos hacer una fotografía olvidándonos por una vez de la técnica. Hoy vamos a hablar de la teoría de la equivalencia de Alfred Stieglitz y cómo nos puede ayudar a mejorar nuestro trabajo.

Hay poca información disponible sobre este tema. Hay que rebuscar un poco para encontrar en español cualquier noticia acerca de la teoría de la equivalencia que marcó la última etapa de Alfred Stieglitz, uno de los fotógrafos más importantes del siglo XX y dueño de la galería 291, en la que expusieron los más grandes fotógrafos y los mejores artistas del otro lado del Atlántico.

La idea de la equivalencia surgió por una pelea familiar y por un desencuentro con un crítico. Parece que fue una mala crítica. Y luego vino el comentario del cuñado. En una revista escribieron que la fuerza de las fotografías de Stieglitz venía de los retratados, no del trabajo del autor. Es decir, que esas imágenes solo servían por la persona que se veía y que no se reconocía al autor, que hubiera dado igual que fuera una máquina.

El cuñado además le recriminó que había dejado de tocar el piano. Nada más. Pero Stieglitz se dio cuenta de que el piano era un instrumento que necesitaba espacio y tiempo y que su vida dependía de aquel que lo cuidara. No era algo sencillo de mantener e inútil si no recibía cuidados.

Equivalents

Todo lo que había hecho hasta entonces era fotografiar con la idea de mostrar algo. De enseñar algo que los demás han visto. E intentar disfrazarlo para convertirlo en arte. No podemos olvidar que empezó con el Pictorialismo y pronto se dio cuenta del camino equivocado que había tomado.

Así que empezó a fotografiar nubes. Las nubes en el cielo. Nada más. Y formó la serie 'Equivalencias'. Con la idea de demostrarse qué había aprendido después de 40 años de profesión. La cámara y él. Nada más. Las nubes como únicas protagonistas. Y descubrió algo que todavía hoy muchos autores consagrados siguen al pie de la letra.

La teoría de la equivalencia

Esta serie está formada por 200 fotografías. Todas son de la última época del autor que más ha evolucionado en la historia de este medio. Pasó de un pictorialismo exacerbado a ser miembro de la 'Photo Secession' para romper con las normas establecidas como estaba sucediendo en Europa. Luego creó su galería '291', por el número que ocupaba el local en la Quinta Avenida de Nueva York, donde conectó el mundo artístico de los dos continentes.

En Xataka Foto

La triste historia de Pierre Crocquet, el fotógrafo que murió joven dejando un legado por descubrir (al estilo Vivian Maier)

Hasta que llegó a su famosa imagen 'El entrepuente' que trastocó todo su pensamiento fotográfico. Hasta Picasso, el inmortal pintor malagueño, le dijo que por fin alguien comprendía lo que era realmente la fotografía...

Por este motivo la crítica le molestó tanto. Él, que había sido capaz de cambiar, de evolucionar, no podía consentir que sus trabajos solo fueran válidos por las personas retratadas. Es el fracaso del autor y perder toda la fuerza simbólica de la fotografía.

Equivalents

Así que se retiró a un lago del estado de Nueva York y se dedicó a fotografiar nubes en compañía de un libro de Baudelaire. En su vida todo se tambaleaba. Y logró abstraerse para sacar sus miedos, sus experiencias, su vida, en unas imágenes totalmente abstractas que simulaban, imitaban su forma de sentir las cosas.

Equivalencias de sus emociones, "del caos del mundo y de su relación con este caos", estos fragmentos de nubes forman tanto una magistral exploración metafísica, como una experimentación estética radical, a través de la práctica de la fotografía.

La equivalencia es eso precisamente. El simbolismo de las cosas que fotografiamos. 'Equivalents', el nombre original, no trata sobre las nubes, sino sobre los sentimientos del autor. Si entendemos esto, todo cambia. Dejamos de ver nubes para imaginar qué sentía Stieglitz a partir de nuestras propias experiencias.

Los fotógrafos nos tenemos que dar cuenta de que muchas veces no fotografiamos una casa, un árbol o un precipicio porque queramos reflejar eso, sino porque son fuertes símbolos que explican cómo nos sentimos. No debemos crear símiles, porque es imposible. Y tampoco debemos creernos poetas llenos de metáforas.

El fotógrafo, gracias a la teoría de la equivalencia, tiene el poder de contar sus historias jugando con los objetos como los escritores lo hacen con las palabras. Una nube de Stieglitz, que se puede contemplar en cualquier posición, puede hablar de la depresión, de la alegría o de un fuerte deseo sexual.

Equivalents

En el fondo todo depende, gracias a las equivalencias, de la relación que establezca el espectador con las fotografías. De las experiencias que él mismo haya vivido.

De hecho, este concepto lo amplió Minor White. En su ensayo 'El ojo y la mente de la cámara' se da cuenta de la diferencia entre un pintor y un fotógrafo es que el pintor tiene un lienzo en blanco que debe rellenar. Nosotros tenemos la necesidad de interpretar desde una realidad ya terminada. Tenemos la necesidad de registrar cómo vemos la realidad. No la podemos inventar porque nuestro panel ya está lleno.

No es fácil de entender esta teoría. Remite directamente a la idea del fotógrafo espejo o fotógrafo ventana. Desde luego son dos caminos que podemos elegir en esta profesión/afición. Depende de nosotros y de lo que queramos complicarnos la vida con una cámara ¿Cuál es tu elección?

Colores primarios y secundarios, círculo cromático, colores de mezcla, gradaciones o matices, colores complementarios, luminosidad, colores acromáticos, colores calientes y fríos, escalas lumínicas, escalas unidimensionales, bidimensionales y estructuras tridimensionales, cubo de Hickethier, el doble cono de Ostwald… : son algunos de los términos existentes referidos al color. Podría escribir varios libros, como los hay, sobre este único tema, pero como no tenemos tiempo ( ni tú querido lector de Xataka Foto, ni yo) pues intentaremos hacer una síntesis práctica que ayude más que dificulte la ya dura labor del aprendizaje.

La Armonía

La armonía en sí, es ya un arte; el de saber combinar, en este caso, los colores en una imagen de tal forma que creen una sensación agradable en la visualización de la fotografía.

En la música, existe incluso una función matemática que expresa esa armonía (y = ( i - 0) ( i - n ) = i^2 -i n ) Pero ¿ y los colores? ¿ Cómo hemos de disponerlos ? Pues también existe una teoría acerca de ello, la teoría del Color.

Cualidades propias de cada Color

Matiz o tono: corresponde al nombre del color: rojo, verde, amarillo, azul… Saturación: La pureza de un color sin mezcla de otro. Luminosidad: La mayor o menor brillantez que posee un color respecto a los demás.

En toda composición bien organizada, el matiz, así como su saturación y luminosidad están establecidas de tal modo que forman entre si un conjunto equilibrado. Además cualquiera de estos parámetros son fácilmente modificables desde software de edición digital y es específico sobre archivos RAW.

Los colores complementarios

A cada color le corresponde su complementario, el opuesto en el círculo cromático. Son <strong>colores que se intensifican mutuamente</strong>. Y es que al parecer la visualización persistente de un color primario fatiga las zonas sensibles de dicho color en el cerebro y el ojo fabrica el complementario como defensa al cansancio producido. Al cambiar la vista hacia otra zona hace que aparezca la post-imagen en su color complementario durante algunos segundo .

Prueba a cerrar los ojos fuertemente tras mirar durante unos segundos tu pantalla y verás la de colorines que aparecen en tu retina.

Por ello trata de que los elementos que forman parte de la fotografía cumplan dicha condición siempre que puedas.
Por ejemplo en fondo natural verde, una mariquita que es roja siempre funciona mucho mejor que un insecto negro o amarillo.

Gamas de color frías y cálidas

Si partimos nuestro círculo cromático en dos, observaremos como queda a la derecha una serie de colores a los que llamaremos cálido y otros a la izquierda, los fríos.

La gama de colores calientes a los comprendidos entre los amarillos y los rojos y los fríos a las gamas de verdes y azules. Con independencia de su explicación científica, lo que nos interesa comprobar en fotografía, es que los colores calientes dan la impresión de avanzar y los fríos de retroceder, los primeros salen al exterior, los segundo se repliegan. Los grandes artistas han sabido utilizar estos efectos transformando la extensión estática en espacio dinámico sin recurrir a la profundidad o al modelado.

Psicología del Color

En el lenguaje visual de la fotografía, el color también puede jugar una importante labor psicológica y esta está marcada fuertemente por la cultura. Así sabemos todos que hay colores cercanos al amor y la violencia ( rojo ) o de pureza ( blanco ), que existen grises triste y naranjas acogedores…

Se puede llegar a convertir en un juego muy entretenido el de asociar o no estos colores al contenido de la fotografía que has hecho.

Y por último os dejo con una bonita reflexión acerca del color que dijo un tal Berger, que era pintor:

“Los colores existen en virtud de una lógica que les es propia y constituyen el espacio que necesitan para expresarse. No se les podría exigir pues que reproduzcan la realidad y menos aun que obedezcan a nuestros prejuicios. Corresponde al espectador situarse en la lógica que ellos plantean y en la que, si se entra, adquieren poder de lenguaje”

Cuando iniciemos nuestro curso de edición digital, os prometo que os ayudaremos a aplicar todos estos conceptos sobre vuestras fotos en programas como Photoshop

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