'Las meninas' es uno de los cuadros más importantes de la pintura universal. Puede gustarte o no, ese es otro tema. Pero si eres fotógrafo deberías ir a verlo, por lo menos, una vez en la vida. ¿Por qué? En esta obra de Diego Velázquez hay muchas cosas que descubrir. Y los fotógrafos tenemos ante nosotros algunas de las claves de todo lo que podemos hacer con una cámara.

Diego Velázquez pintó el cuadro de 'Las meninas' al final de sus días. Ahí está todo lo que aprendió a lo largo de su vida. Si queremos entender su obra, podemos hacerlo mirando este cuadro. Y os aseguro que contemplarlo en sala no se parece en nada con contemplarlo en internet o en una mera reproducción de un libro.

Cuando le cuento a mis alumnos que la mejor manera que existe para aprender a fotografiar es ir a los museos, y más en concreto al Museo del Prado, muchos no me entienden. ¿Qué tiene que ver la fotografía con la pintura? A través de los cuadros podemos entender como se pasa la realidad a un plano bidimensional.

Y si queremos ir a la esencia, debemos situarnos ante este gran cuadro y analizar todas y cada una de sus pinceladas. Porque solo así comprenderemos cómo hay que representar el espacio y cómo dirigir la mirada.

Las meninas (Fundación Wikimedia)

Además, si atendemos al estudio del profesor e investigador de la Universidad Politécnica de Cataluña Miguel Usandizaga, es muy probable que 'Las meninas' esté pintado con la ayuda de una cámara oscura, lo que nos une todavía más al gran pintor.

La historia de Diego Velázquez

No es el momento de contar la vida y obra de uno de los artistas más importantes de la historia del arte. Tocaremos lo relacionado con el mítico cuadro y lo que podemos aprovechar los fotógrafos. Pero vamos a situarnos.

Era el pintor de cámara de la corte de Felipe IV, desde que le llamó el Conde Duque de Olivares cuando el rey llevaba solo dos años en el poder. No se puede entender ese periodo histórico de la historia de España sin la mirada de Velázquez.

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Todo el tiempo que estuvo en la corte -toda su vida- lo aprovechó para estudiar el trabajo de los grandes pintores. Sobre todo la obra de Tiziano, que podía contemplar libremente en las estancias del Alcázar de los Austrias; no el palacio de los Borbones, que se construyó después del gran incendio que lo devoró en las navidades de 1734.

Diego Velázquez (Fundación Wikimedia)

Su fama alcanzó tales cotas, que el mismo Rubens le visitó en España. De aquel viaje quedaron muchas cosas, como el deseo de ir a estudiar a Italia o la cruz que podemos encontrar en el monte Abantos. La erigieron para recordar el lugar desde el que los dos pintores disfrutaron de las vistas del cielo de Madrid y del monasterio de San Lorenzo de El Escorial.

De aquel primer viaje a Italia nuestro pintor consiguió mejorar enormemente la capacidad de pintar la perspectiva, además de estudiar a los grandes maestros del Renacimiento como Tintoretto, Miguel Ángel y Rafael.

Al final de su vida pintó dos obras maestras: 'Las hilanderas' y el cuadro que tenemos entre manos, 'Las meninas' o 'La familia de Felipe IV' (1656). Como dicen en la muy recomendable página del museo:

Los personajes habitan un espacio modelado no sólo mediante las leyes de la perspectiva científica sino también de la perspectiva aérea, en cuya definición representa un papel importante la multiplicación de las fuentes de luz.

... los detalles de extraordinaria belleza se reparten por toda la superficie pictórica; y el pintor ha dado un paso decisivo en el camino hacia el ilusionismo, que fue una de las metas de la pintura europea de la Edad Moderna, pues ha ido más allá de la transmisión del parecido y ha buscado con éxito la representación de la vida o la animación.

En un popular hilo, que no encuentro en Twitter, dicen que este cuadro destaca porque en él se ve el aire por primera vez en la historia del arte. Lo que más destaca es la forma de representar la luz y situar a los personajes en el plano. La manera en la que destaca el objeto principal de la imagen, la infanta, y cómo todo está colocado para guiar la vista del espectador.

Lo que los fotógrafos aprendemos de 'Las meninas'

Una de las mejores experiencias que recuerdo después del confinamiento fue el tiempo que pude estar junto con mi madre delante de 'Las meninas'. Estábamos en la gran sala 012. Acababan de abrir de nuevo las salas al público y tuvimos la suerte de poder estar solos delante del cuadro.

Nos pareció más pequeño (algo muy extraño) de lo que recordábamos. Pero ahí estaban las meninas rodeando a la infanta Margarita, que murió apenas 17 años después por culpa de las complicaciones en el cuarto parto. Ella es la protagonista de un cuadro en la que la luz ilumina y esconde a cada uno de los personajes que forman parte del cuadro y por supuesto al entorno en el que conviven. Y ahí está, de pie, Diego Velázquez, mirándonos.

Nada es casual en el cuadro. Cada punto de luz, cada espacio de sombra, tiene un sentido en la composición. Es la recreación perfecta de la realidad. Por primera vez tenemos la sensación de poder pasear dentro de un cuadro.

Ahí está todo (Fundación Wikimedia)

Los personajes del cuadro no están posando. Están mirando, aunque nunca sabremos adónde. Incluso algunos no parecen conscientes de estar siendo retratados, como la dama de honor doña Marcela de Ulloa, junto a un guardadamas del que no se conoce el nombre, y, al fondo, tras la puerta, asoma José Nieto, el aposentador de la reina (Velázquez era el del rey).

Todo respira naturalidad en el cuadro, aún dentro del fuerte barroquismo. Incluso esa pincelada nerviosa e imprecisa como una fotografía callejera que tanto acompañaba a la costumbre de Velázquez de pintar alla prima, es decir, sin boceto ni dibujo previos. Pero el detalle no es importante en este cuadro. Podría decirse, en lenguaje fotográfico, que está trepidada o con un ISO alto (algo forzado, lo sé).

La luz es lo que cuenta. Lo que consigue darle vida. Algo muy curioso, que podemos leer en el estudio de Fernando Zaparaín Hernández publicado en el número 362 de la revista Goya, es que uno de los puntos más importantes del cuadro, la luz que podemos ver al fondo, detrás del aposentador de la reina, es la clave.

La perspectiva de la escena lleva a ese punto en concreto, justo debajo del brazo del personaje que no se sabe si entra o sale. Sin la presencia de ese punto luminoso todo carecería de sentido desde el punto de vista de la composición. Lo curioso es que está pintada desde otro lugar... pero esto es otra historia que veremos a continuación...

Esas luces y esas sombras que van alternando en la imagen hasta el fondo consiguen dar aire al cuadro. Y es lo que tenemos que buscar a la hora de disparar. Simplificamos muchas veces. Algunos fotógrafos abusan del golpe de luz rodeado de sombras. Y aquí descubrimos que no todo se basa en el contraste:

• Los fotógrafos tenemos que buscar que la luz acompañe al momento.
• La sombra también forma parte del conjunto. Solo así es posible la representación del volumen.
• Que los objetos y las personas se puedan distinguir, que su imagen sea limpia, sin nada que interrumpa su perfecta visión.
• Y que todo esté colocado para dirigir la mirada del espectador.

No hay una forma más clara de verlo que en este cuadro.

El secreto de 'Las meninas'

En 2020 saltó el estudio de Miguel Usandizaga, que ya hemos señalado, en el que aseguraba que Velázquez utilizó la cámara oscura para pintar este cuadro, con el fin de reproducir fielmente los espacios y dar esa sensación tan barroca de la realidad.

Ya en 2018 se contaba, en el estudio citado de Fernando Zaparaín Hernández, que la composición que ofrece el cuadro es muy parecida a la visión de una cámara.

Las imágenes obtenidas situando en el punto del observador una cámara, equiparable al ojo humano (35 mm), tanto en el modelo digital como en la maqueta, coinciden sensiblemente con lo representado en el lienzo.

En todos los estudios detallan la habitación del alcázar en la que se pintó el cuadro. Era la habitación del príncipe Baltasar Carlos, el niño que pintó Velázquez a caballo y que moriría en 1646 con 17 años. Ahí estaba el estudio del pintor, al lado de la Torre Dorada.

Y aquí es donde entra la cámara oscura. Parece ser que Velázquez situó ahí, fuera de la habitación que contemplamos, un dispositivo conocido por los grandes maestros, para representar la perspectiva con exactitud.

Las Meninas de Kinston Lacy (detalle)

Para trazar las líneas que dan tanta vida a la escena, preparó una cámara oscura en la que se introducía para pintar las líneas al natural. Estaba dentro de esa sala escondida de los curiosos que podían hablar de brujería...

Es una teoría interesante, que merece una lectura sosegada. Y viene de la contemplación de la única copia conocida del cuadro, que podemos disfrutar en el Kingston Lacy (condado de Dorset, UK).

Detalle de la famosa línea que avala la teoría de la cámara oscura

Este pequeño cuadro es una copia idéntica. La perspectiva de ambos cuadros, a pesar de la diferencia de tamaño, es clavada. Y una línea vertical que se aprecia en el cuadro inglés, al lado del personaje que pega una patada al perro, desarrolló toda la teoría:

El cuadro de Kingston Lacy no es una copia, ni tampoco un boceto del grande. Ni es solamente de Velázquez, ni solamente de Mazo: es de los dos. Y es, concretamente, lo que podríamos llamar, por analogía con el lenguaje de la fotografía, el “negativo pictórico” del cuadro grande.

De repente, un cuadro que tanto nos tiene que decir a los fotógrafos, por la disposición de los personajes, por la calidad de la luz y por el bravo ejercicio de la composición,** descubrimos que podría haberse formado con la misma ley física con la que nosotros hacemos nuestras fotos**.

Y por este motivo debemos mirarlo todavía con más respeto si cabe. Hay que ir al Prado, a las horas menos concurridas y limitarse a mirar, como han hecho tantos autores. Ahí tenemos los textos de Antonio Palomino que nos descubrió al maestro, el pensamiento de Michel Foucault sobre las nociones de semejanza/similitud y de representación. Y por supuesto, esas conversaciones privadas de Antonio López con su amigo en la versión extendida de 'El sol del membrillo' donde dos pintores contemporáneos tratan de encontrarle sentido.

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Emular pinturas para el desarrollo de nuestro estilo fotográfico

Los fotógrafos siempre valoramos a Goya como el primero de todos. Pero Velázquez se adelantó con esta pintura. Y podemos aprender todo lo que necesitamos, mucho más importante que la cámara o el móvil que utilizamos. Una cosa es la técnica y otra, mucho más importante, es aprender a mirar.

Gonzalo Azumendi ha sido un descubrimiento personal. Conocía sus fotografías pero no sabía quién estaba detrás. Ahora ya lo pongo rostro y muchos hemos encontrado a un fotógrafo que nos gustaría conocer ya no solo por su excelente trabajo, sino por la alegría de vivir que transmite. 'Detrás del instante' nos cuenta la vida y obra de un fotógrafo único.

Gonzalo Azumendi es un fotógrafo de viajes incansable. Solo hace falta ver su nueva página web o escuchar en el documental toda la historia de la famosa fotografía del helicóptero en la isla del corazón en la gran barrera de coral de Australia. Pocas veces se ha visto a alguien tan vital y positivo con una cámara detrás. Y después de todos los capítulos que hemos visto parecía difícil encontrarlo.

En 'Detrás del instante', que podemos ver en la página de RTVE asistimos, con la boca abierta, cómo se consiguió esa fotografía y todo lo que ha hecho a lo largo de su vida este fotógrafo de Getxo, del País Vasco.

Acompañado por su cámara ha viajado por todo el mundo. Y es consciente de que su trabajo puede que no hay cambiado el mundo pero seguro que ha abierto las ganas de viajar a mucha gente. Y esto también es importante.

Mi cámara siempre ha sido mi pasaporte para descubrir el mundo. En realidad, es mi modo de comunicarme con el mundo, mi modo de relacionarme

Gonzalo Azumendi y la alegría de vivir

Gonzalo Azumendi es una persona que desprende muy buenas vibraciones. Todo el mundo quiere conocer al torbellino que describe perfectamente Ricky Dávila. Y después de leer los mensajes en las redes sociales y sobre todo después de ver el documental con una de mis hijas, puedo confirmarlo.

Era un niño hiperactivo al que no le gustaba el fútbol. La salida que tuvo fue el montañismo, lo que le llevó directamente a la fotografía. Cuando estás en las cumbres no te puedes resistir a sacar la cámara para recordar siempre esas vistas. Y al final la fotografía se convirtió en su profesión.

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Así que cuando terminó su carrera de Psicología empezó a fotografiar los eventos culturales de su ciudad. Y consiguió un sueño para un fotógrafo que empieza. Que un artista de la talla de Silvio Rodríguez te llame para darte las gracias por tu trabajo y que te pida utilizar una de tus fotografías para ser portada de uno de sus discos: 'Causas y azares'.

Gonzalo Azumendi

Poco a poco fue consiguiendo más trabajos, más relevantes. Y gracias a su afición a la montaña (benditas aficiones que te abren puertas) empezó a especializarse en fotografía de deportes de aventuras. Las revistas le pedían cada vez más reportajes y consiguió materializar otro sueño.

La isla corazón

Para un fotógrafo de viajes es maravilloso trabajar para la Unesco. Y durante muchos años publicó en la revista que mostraba los lugares más bonitos de la tierra. Una de las cosas que destacan de Azumendi es las ganas continuas de aprender y mejorar cada disparo.

Empiezo a disparar no pensando, no intelectualmente, sino como debo disparar que es pura intuición. Disparas como el pistolero en el oeste, disparas como el Vietcong en cuanto oyes el ruido,antes de que te disparen a ti, no puedes perder la foto, entonces eres rápido...

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¿Por qué las fotos tienen que ser absolutamente perfectas y nítidas?

Estamos ante un fotógrafo humanista, que es capaz de adaptarse incluso a un pandemia. Y que ante todo es capaz de reírse de si mismo para sacar lo mejor de cada uno de nosotros. No dejéis de ver cómo consiguió la fotografía de la isla del corazón después de recorrer mil kilómetros o el vídeo en el que sube y baja, sube y baja, sube y baja, siempre riendo, las escaleras de 'Rocky'...

Ver vídeo documental

Tino Soriano es otro de los mejores fotógrafos españoles. Para muchos aficionados es uno de los fotógrafos de National Geographic, pero es mucho más que eso. Es uno de los profesionales más comprometidos con la sociedad a través de su cámara. Ha fotografiado temas que han ayudado a mucha gente, desde los pacientes de un manicomio olvidado hasta un padre y su hija en la que creían que iba a ser su última imagen juntos. 'Detrás del instante' nos descubre la vida y obra de Tino Soriano.

Tino Soriano está en boca de todos por la cantidad de libros que ha escrito en los últimos meses. Con 'Ayúdame a mirar' hasta 'Los colores y tú' ha enseñado a miles de lectores en qué consiste realmente la fotografía. Es una forma de vida con todas las consecuencias. No solo es mirar a través del visor, es un estado mental que te puede llevar de la mano hasta lo lugares más recónditos del planeta y del alma.

Una fotografía de la vida

En la segunda temporada de 'Detrás del instante', la serie documental que está cosechando excelentes críticas, nos han presentado la vida y obra de Tino Soriano, un fotógrafo que cambió su nombre el mismo día de su bautizo por una broma de su padre. Desde entonces su vida es una sucesión de momentos que le han llevado a la posición que tiene actualmente.

Es un fotógrafo de viajes, un fotoperiodista comprometido y autor de una fotografía que le acompañará siempre. En el documental descubrimos la historia detrás del retrato que hizo de un padre y su hija. Él conocía la cruda realidad pero el destino les puso delante de su cámara.

Aparece el padre con la niña en brazos. ‘¿Será usted tan amable de tomarme una fotografía?’. Yo sé lo q tengo delante y me tiemblan las piernas, pero intento tomar la mejor fotografía posible. Solo tuve q hacer clic, y respirar muy hondo

Tino Soriano y el sentido de la vida

El destino le llevó a trabajar en un hospital, no como médico, tal como deseaba su familia, como fotógrafo. Su ojo empezó a entrenarse mucho antes, por el deseo de conocer a unas chicas que le gustaban, pero terminó especializándose en fotografía hospitalaria.

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Las historias de las fotografías

La fotografía de Mar y Jordi terminó siendo portada del 'Magazine' de 'La Vanguardia' cuando tenía una tirada de 800.000 ejemplares. Fue la primera de Tino Soriano. Y desde entonces supo que su infancia rodeada de revistas de 'National Geographic' empezaba a cobrar más sentido todavía.

Tino Soriano

Las fotografías de las chicas, las experiencias en la mili donde aprendió el oficio, el trabajo como administrativo en el hospital de Sant Pau todo se iba tejiendo para dar forma al fotógrafo que todos conocemos. Al volver de la mili y entrar en el hospital llama a la puerta del manicomio que estaba al lado. Con la intención de fotografiar a los pacientes.

Tino Soriano

Lo que se encontró cambió su mentalidad totalmente y realizó un trabajo que cerró las puertas de aquel lugar que solo consideraba locos a los enfermos. Su serie llenó la ciudad de Barcelona de aquellos años y empezó a sonar su nombre. Y le abrió las puertas del Departamento de Fotografía Médica.

Pero no se quedó allí, él quería viajar como los fotógrafos de National Geographic. Fue haciendo viajes por su cuenta para buscar el alma de los lugares. También se percató de la importancia del lugar donde vivía, el lago de Banyoles. Todo sucedía ahí: la luz, el color y la pura vida que cambiaba cada instante.

Tino Soriano

Y poco a poco, trabajo tras trabajo, le llegó la oportunidad que había soñado: trabajar para la revista del rectángulo amarillo. El destino quiso ponerle una zancadilla pues todas las fotografías que realizó para ellos, el primer reportaje que le encargaron, desapareció tras la caída de las Torres Gemelas de New York. El camión que las llevaba quedó aplastado.

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La necesidad de hacer la fotografía perfecta

No dejéis de ver el capítulo de esta semana. Porque también ofrece una de las cosas que nos hacen sentir vivos: el humor. Seguro que os encontraréis con una persona con la que os apetecerá instantáneamente compartir un paseo por la montaña o una buena copa en una tarde de tertulia. Con personas como él te das cuenta de que el mundo cobra sentido y de que la fotografía es mucho más que dar un botón, es pura vida.

Ver vídeo completo

Alice Springs nos ha dejado con 97 años. Empezó su carrera fotográfica en 1970 de forma accidental. El fotógrafo que estaba contratado se puso enfermo y no pudieron avisar al modelo para suspender la sesión. Ella cogió sus cámaras e hizo un trabajo que le abrió las puertas de 'Vanity Fair' y 'Vogue' para retratar a las personalidades del cine y la moda.

La vida y obra de Alice Springs están unidas a Helmut Newton. Se casaron en 1948 y desde entonces formaron una de las parejas creativas más importante de la segunda mitad del siglo XX. Tenían estilos diferentes, él jugaba con la polémica y ella trabajaba el retrato directo. Y formaban un equipo perfecto.

Sus fotografías son sinceras, alejadas del estilo provocador de Helmut Newton. Retrataba a diversas personalidades del mundo de la cultura, la moda y la fotografía. Por delante de sus cámaras pasaron Nicole Kidman, Yves Saint Laurent, Charlotte Rampling, Grace Jones, Audrey Hepburn, Brassai, Mapplethorpe...

Alice Springs, de uno de los libros de la editorial Taschen

Cuando falleció Helmut Newton se hizo cargo de su Fundación en Berlín, uno de los centros de fotografía más importantes del mundo y del cual era presidenta. Con ella se termina una época en la que los fotógrafos de moda aseguraban una campaña con solo poner su nombre. Hoy otros ocupan las portadas pero la exquisita locura de aquellos años se terminó.

La vida y obra de Alice Springs

June Browne era una actriz australiana que conoció a un fotógrafo judío que acababa de abrir un pequeño estudio en Melbourne. Él se fijó en ella en el primer momento que la vio:

Siempre me hacía reír. Todavía sigue haciéndome reír. Era muy divertida. También era una cantante magnífica... Era un idilio completamente diferente a todos los que había tenido... Con ella había otras dimensiones.

Era tal la sintonía entre ellos (se vislumbra en las entrevistas, en las fotografías y en sus autobiografías) que estoy seguro de que la firma Helmut Newton representa a los dos. Él llevaba la cámara delante de todos pero ella era el cerebro y el corazón. Y supo hacer una carrera aparte como actriz, pintora y por supuesto como fotógrafa.

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Su primera oportunidad, como hemos dicho al principio, fue porque un fotógrafo se puso enfermo. Resultó que era Helmut Newton con gripe. Y la campaña era para una marca de cigarrillos, los famosos 'Gitanes'. Le gustó tanto el trabajo que dejó de lado su carrera de actriz y apostó por la fotografía.

Detalle de la primera fotografía publicitaria de Alice Springs

La historia de su nombre comercial es poco conocido, pero seguro que os gusta. Como podemos leer en uno de los libros que se han publicado sobre su vida y obra en la editorial Taschen, Alice Springs es una ciudad australiana.

La actriz Jean Seberg llevó a su novio a una fiesta en casa de los fotógrafos. Era el director de cine Ricardo Franco. June no quería utilizar el apellido de su marido. Ricardo le sugirió que se tapara los ojos y que clavara una chincheta en un mapa... Y marcó la ciudad australiana que se convertiría en su nombre.

Desde entonces se dedicó al retrato. El trabajo firmado por ella no tiene tanta fama como el de Helmut. Pero resulta muy llamativo. Mientras él apostaba por la provocación, ella miraba de forma directa a sus modelos.

Alice Springs y Helmut Newton

Y llama la atención la libertad que se respira en sus disparos familiares. Los dos muchas veces desnudos, riendo o llenos de tristeza, libres, sin ningún prejuicio. En uno de los documentales que podemos encontrar sobre la vida y obra de ambos le preguntan si no sentía celos al ver las mujeres desnudas que él retrataba. Ella confiesa, que solo se preocupó cuando le pilló haciendo fotografías a unas flores...

Del libro de la editorial Taschen

Nunca sabremos por qué su trabajo no ha tenido más relevancia. Se volcó más con el proyecto en común que en promocionar su obra. Ahí está la presidencia de la Fundación Helmut Newton que no abandonó nunca y que se ha convertido en una referencia europea y lugar de peregrinaje para muchos de los que soñamos con la fotografía.

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Esperamos que la fundación recupere su trabajo y podamos conocer a fondo a una de las grandes fotógrafas del siglo XX. Cada vez quedan menos artistas de aquellos años. Ellos y ellas crearon escuela... y nunca se acordaron del tipo de cámara ni de la técnica. Si hacías fotos tenías que saberlo todo por defecto. Lo importante era saber mirar y vivir...

Diane Arbus está considerada una de las mejores fotógrafas de la historia. Su vida y su obra están íntimamente relacionadas. Recientemente hemos visto un pequeño documental de 30 minutos en los que descubrimos el texto íntegro de una de sus últimas clases. Y sus palabras permiten entender su obra y su estilo.

Susan Sontag no soportaba el trabajo de Diane Arbus. Si recordáis sus fotografías, siempre retrata a los marginados de la sociedad. Y a algunos les parece que se está riendo de ellos. De ahí el comentario de la insigne intelectual y autora de uno de los ensayos más importantes sobre la fotografía.

Pero para entender la obra de un genio es necesario muchas veces comprender cómo ha sido su vida. Ella fue una pobre niña rica de Nueva York. Ni siquiera se enteró de lo que fue la Gran Depresión, la primera gran crisis económica en los años 30.

Fotograma del documental

Creció entre algodones, aunque sus padres no tenían tiempo para ella. A cambio tenía todo lo que pedía... Sus padres la llevaron a estudiar a un colegio en los que tratan de educar sin frustraciones. Cualquier cosa que hagas será buena, cualquiera puede alcanzar lo que se proponga. Y es imposible hacer mal las cosas porque eres un elegido.

Esta forma de educar, que muchos padres aplican hoy a sus hijos, es la mejor forma de crear a una persona rodeada de una esfera de cristal. Estos niños se creen indestructibles y aunque parezca imposible, crecen toda la vida deseando que alguien les diga no. Sin embargo, cuando sucede, y siempre pasa, son incapaces de asimilarlo.

Esta es una de las claves de la vida y obra de Diane Arbus, según podemos ver en este pequeño documental en el que sale una de las hijas de la fotógrafa, Doon Arbus; su gran maestra Lisette Model, su compañero Marvin Israel (que trabajó codo con codo con Doon para sacar adelante la obra de Arbus) y John Swarozky que llevó a nuestra protagonista al MOMA con la exposición New documents.

El documental de Diane Arbus

Youtube es una herramienta estupenda. No solo sirve para ver en noches de insomnio páginas en las que te enseñan a poner la funda de un nórdico sin apenas esfuerzo. Si sabemos buscar encontraremos de todo. En esta ocasión solo hace falta escribir Diane Arbus para encontrar todo tipo de vídeos.

Doon Arbus, imagen del documental

Y encontramos este documental de 1972, un año después de su muerte, en el que su hija Doon Arbus, con 27 años, cuenta que lo que vamos a ver es una clase magistral de su madre unos años antes de morir.

Gracias a uno de los asistentes, que grabó la clase para intentar traducirla, podemos escuchar sus palabras. Su voz es imposible porque la calidad de la grabación era pésima. Pero a lo largo de la escasa media hora entenderemos el mensaje que quiso trasmitir Diane Arbus con sus fotografías.

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Además conoceremos no solo a su hija, sino a su profesora más influyente, la gran Lisette Model, al conservador de fotografía John Szarkowski que la llevó a esa mítica exposición llamada 'New documents' y a otros personajes cercanos a Diane Arbus. Y a lo largo del corto metraje escucharemos sus palabras acerca de la fotografía y la vida.

Es verdad que muchos, como hemos dicho al principio, le acusan de reírse de los freaks, como ella mismo los llamaba por la diabólica película de Tod Browning. Pero no es así, les consideraba como la aristocracia de la humanidad.

En una de las curiosas revelaciones del pequeño documental, ella misma dice que todos encontraremos, antes o después un trauma en la vida que nos cambiará y marcará para siempre. Sin embargo, las personas que ella fotografiaba nacían con ese trauma, ya sabían desde el principio de su existencia lo dura que puede llegar a ser la vida. Y siguen adelante.

Fotograma del documental

Ella quería descubrir con su cámara, con sus fotografías, ya se sabe, la mentira sobre una mentira, la máscara que nos ponemos para parecer otra persona. Ella sabía descubrir ese disfraz metafísico del que muchos no son conscientes. Ahí su grandeza y su estilo inconfundible.

Ella se sentía una más. Se creía una farsante porque durante toda su infancia nunca le habían dicho que no. Le dijeron que era perfecta y era mentira. Es algo que muchos padres quieren esconder a sus hijos. Y pueden convertirlos en monstruos...

En el caso de Diane Arbus dieron forma a una artista que acabó con su vida poco antes de cumplir los 50 años. Y todos debemos aprender a mirar como ella.

Mostrar “las diferentes etapas y fases en el proceso de la donación y trasplante de órganos. Cuando se inicia toda la cadena de puesta en marcha, su desarrollo, y el final que acaba con el órgano en una persona receptora”. Eso es, a grandes rasgos, ‘La Donación. Fuente de vida y esperanza’, un proyecto del fotógrafo onubense Fran Fernández, que alterna su pasión por la imagen con su trabajo de enfermero en el Hospital Universitario Juan Ramón Jiménez de Huelva.

Esto explica que fuera el encargado de realizar este proyecto con motivo de la celebración del 25 aniversario de la coordinación de trasplantes de órganos de Huelva. Una serie de 42 fotografías (expuestas en el mencionado hospital) que, con gran sensibilidad, muestran todo el proceso de un transplante. “La primera foto —nos cuenta Fran— empieza con la tristeza de la muerte, y la última con la alegría de la vida, son dos extremos muerte y vida que se tocan y se relacionan, en medio todas las demás fotos que explican el proceso.

'La despedida'

“Es un tema muy sensible, que va a servir para sensibilizar y hacer visible el trabajo humano que hay detrás, desde la generosidad del donante y su familia en una situación trágica, pasando por la increible coordinación de decenas de profesionales, para que finalmente una persona receptora pueda comenzar una nueva vida”.

'Llegada del equipo'

Lo cierto es que no sólo es un tema que toca la fibra de cualquiera sino que también se da la circunstancia de que “no existe documento gráfico sobre este tema tan peculiar y poco visible para el 99% de la población desde un punto de vista de fotografía artistica o documental […] no ya a nivel de Andalucía sino a nivel nacional.”

'Recepción del donante'

Las 13 fotos que os mostramos han sido seleccionadas por el propio artista (y las mostramos en orden): “Creo que se hace un buen resumen y mantiene la narrativa. La primera foto y la última para mí son algo icónicas, como todo proyecto seriado deben ser potentes, y por aquello de que los extremos se tocan, en este caso es la pena y tragedia de la Muerte, y la alegría y esperanza de comenzar una nueva Vida.”

'Lavado quirúrgico'

Esta última imagen (que tenéis al final del artículo), por cierto, está protagonizada por Malili, una persona trasplantada que Fran conoció en una conferencia cuando ya estaba inmerso en el proyecto: “Por su luz y su carisma”, fue la persona que “el fotógrafo enfermero” necesitaba para “el retrato final, para el broche de oro, y darle el sentido al proyecto.”

'La mano precisa'

Proyecto, por cierto, que ha necesitado de todo un año, compatibilizando el trabajo de enfermero en la UCI del hospital onubense, con la fotografía. Y no es la primera vez que lo hacía, ya que entre 2016 y 2017 realizó otra serie, ‘El personal sanitario de UCI’, con la que obtuvo varios premios internacionales. De hecho, Fran ha cosechado unos cuantos premios con sus fotos como, por ejemplo, en el PX3 Prix de la Photographie y el The Epson International Pano Awards 2018.

'A seis manos'

Y, sin embargo, Fran considera que “los concursos me han dado satisfacción, dinero, reconocimiento, pero sobre todo me quedo con los compañeros fotógrafos que he conocido […] como el caso de una comida a la que me invitaron como premiado en los ASISA foto, al lado de Chema Madoz, Castro Prieto, Cristina G. Rodero y Ribas i Prous, jamás estuve con tanto talento en una mesa”.

'Examinando'

El caso es que es que es un trabajo que no podíamos dejar pasar, tanto por su bello propósito y estupendas imágenes como por aportar nuestro granito de arena sobre la importancia de donar órganos. Y de paso enseñaros a un fotógrafo que sin duda tiene un gran talento, al que agradecemos que nos hiciera llegar su proyecto y al que deseamos mucha suerte.

'Lámparas'

'Hígado'

'Rectángulos'

'Preparando el riñón'

'Comienza una nueva vida'

Fran Fernández | Facebook

Fotografías de Fran Fernández reproducidas con permiso del autor para este artículo

Hace más de quince días empezamos a hablar de los proyectos fotográficos. Para llegar al final tenemos que recorrer tres pasos, tres puntos. Uno detrás de otro hasta llegar al final, sin saltarse el orden y sin abandonar uno sin haberlo acabado previamente. Hoy vamos a analizar con más profundidad el primer paso de un proyecto: la idea.

Se está acercando el fin de año. Y todavía no sabemos qué hacer con nuestra vida fotográfica. Llevamos la cámara encima, la sacamos cuando vemos algo que nos gusta. Los fines de semana hacemos lo que podemos. Al final solo hemos conseguido unas fotografías bonitas del pueblo que hemos visto, del otoño que hemos fotografiado. Y algunas que otras que están bien y no sabemos qué hacer con ellas. El problema es que no tienen relación alguna entre ellas. O no hemos sabido verla.

Como ya hemos adelantado en el primer artículo dedicado al proyecto fotográfico, es importante trabajar con sentido. Disparar con un objetivo, con una idea. Es la que nos llevará a conseguir imágenes con sentido y sobre todo nos permitirá avanzar como fotógrafos. Esta es una de las claves, además de dedicarle tiempo y gastar muchas zapatillas.

En la ciudad @ferfoto

La idea es lo que se sustenta todo nuestro trabajo. Es la base fundamental del proyecto. No es algo baladí. Cuando comenzamos en este mundo puede que nos sirvan esos proyectos que todos conocemos: una fotografía por semana, 365 disparos en un año, retratos de nuestros amigos y conocidos... Es algo perfecto para practicar. Y si no lo habéis hecho nunca lo recomiendo. Es un ejercicio perfecto para nosotros, pero realmente no aporta nada a la comunidad. No es original. Pero podemos hacerlo personal.

La idea original del proyecto

Hay muchas formas de llegar a una buena idea. En el fondo todo depende de cómo la afrontemos. Al fin y al cabo lo importante es nuestro estilo fotográfico. Pero siempre hay que saber contar las cosas de una forma diferente. Si la gente pensara solo en cosas nuevas jamás hubiera existido 'La regenta' después de 'Madame Bovary', por poner un ejemplo literario.

Las buenas ideas no son complicadas. No hace falta adornarlas de falsas promesas de intelectualidad. Cada vez hay más gente contraria a las banalidades en nombre de la fotografía. En contra de ideas vacías adornadas con palabras ampulosas. El ejemplo perfecto es fijarse en H. Sugimoto, como ya vimos.

No es fácil saber qué contar si no tenemos una buena base o una vida que nos estimule mentalmente. Siempre se acude a la cultura. Pero siempre se asocia con los libros y el arte. Para muchos nos es fundamental. Pero hay otras formas de cultura, de vivencias personales que te pueden llenar más de los que nos identificamos con libros o museos. Hay que ser capaz de emocionarse en la calle, en el profundo bosque o la pura vida de los bares.

En la ciudad @ferfoto

Lo que sí es importante es conocer lo que han hecho otros fotógrafos con ideas similares, para no repetirse. Para ser capaces de dar un nuevo giro que nada tenga que ver con todo lo que han contado ya. Sin embargo, como vamos a ver a continuación, puede que incluso repetir un concepto sea una buena idea para algunos.

Los proyectos se pueden dividir de muchas formas según las ideas propuestas, pero yo prefiero ceñirme a tres tipos de proyecto en función del tipo de idea.

Los tres tipos de proyecto

Es duro pero las ideas también hay que clasificarlas. Más que nada para conocer los terrenos en los que nos movemos. Y no confundirnos o saber de antemano a dónde tenemos que ir en el siguiente punto:

• Formal: es el clásico proyecto en el que el autor solo busca contar una idea, similar a una novela realista en la que se describe todo lo que pasa delante de nuestros ojos. Podemos encontrar muchos ejemplos pero quizás un buen proyecto modelo es el trabajo de Shizuka Yokomizo 'Strangers through the window' en el que simplemente retrataba a la gente que accedía a través de las ventanas de sus hogares.
• Emocional: aquí el fotógrafo se implica de una forma más personal si cabe en lo que está contando. Corre peligro de caer en un conceptualismo exacerbado, pues es fácil caer en la banalidad o en el estereotipo. Si viéramos una película de Andrei Tarkovsky sería lo más parecido a un proyecto emocional. Quizás es el proyecto en el que el autor queda más desnudo frente a los espectadores. Un buen ejemplo sería el trabajo de Robert Frank en 'Los americanos'. Aquí no solo cuenta lo que ve, sino también lo que siente ante el país que le acogió.
• Experimental: Es un tipo de proyecto en el que el fotógrafo necesita contar su sensación ante el mundo de una forma imposible en la realidad. Puede que el espectador sea incapaz de reconocer lo que ve si no tiene un texto que se lo explique previamente. En algunos casos llegará a provocar rechazo o dejar sin palabras a aquel que lo contemple. Aquí no queda más remedio que recordar el proyecto After Sherrie Levine en el que Michael Mandiberg (2001) se apropió de la idea de Sherrie Levine de copiar las imágenes de Walker Evans para venderlas como propias.

En la ciudad @ferfoto

Nosotros solo tenemos que pensar en la idea y empezar a crear un esquema con los pros y los contras. Con todas sus posibilidades y su mayores problemas. Si lo dibujamos en la libreta o con una tableta gráfica en nuestro ordenador nos daremos cuenta de nuestras capacidades y limitaciones para ser capaces de llevarlo a buen puerto o no. El viaje continuará.

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Cómo enfrentarse a un proyecto fotográfico

Cartier Bresson es el fotógrafo más reconocido del mundo. Cuando preguntas por uno siempre termina saliendo el genial francés. En las librerías encontraremos una novela gráfica sobre una de las aventuras de su vida: 'Cartier Bresson, Alemania 1945'. Un libro que nos ayudará a entender que es imposible separar la vida y la obra de este fotógrafo.

La fotografía, como bien sabéis, tiene fuerza propia. Pero es un complemento perfecto para otras manifestaciones artísticas. Desde hace tiempo encontramos muchas novelas gráficas o tebeos (como decimos los que nos criamos con Mortadelo, Zipi Zape y demás en los años 80) que tienen como argumento, como trasfondo, la fotografía.

No es algo actual, desde luego. No podemos olvidar que Peter Parker, Spiderman para los amigos, es fotógrafo. Por ahí está Frank Cappa y Tintín hacía fotos con su cámara de madera. Pero en los últimos años los autores se están fijando en las vivencias de los fotógrafos. Personalmente me quedo con 'El fotógrafo', la autobiografía de un fotógrafo, Didier Lefèvre en Afganistán.

La portada

Ha llegado a mis manos (gracias a un regalo) la novela 'Cartier-Bresson, Alemania 1945' de Jean-David Morvan y Séverine Tréfouël, publicado por Diábolo Ediciones. Es el segundo tomo de una interesante colección de la editorial francesa Dupuis que cuenta las historias de los fotógrafos de la agencia Magnum. Detrás de este libro está la propia agencia y la Fondation HCB. Y la verdad es que ya tengo ganas de leer los demás tomos...

'Cartier-Bresson, Alemania 1945'

La historia de Cartier-Bresson es apasionante. Parece mentira que un solo hombre haya tenido tantas vidas. En este caso cuentan su vida durante la II Guerra Mundial. Muchos lectores descubrirán que su fotógrafo favorito estuvo detenido por los alemanes nazis en un stalag, un campo de prisioneros de guerra, y logró fugarse.

Jean-David Morvan y Sylvain Savoia dan vida a HCB, al que llamaban «Nenuco» durante su encierro en el Stalag V, del que posteriormente logrará huir para compartir su testimonio con el mundo. Rememoran unos años de guerra que atestiguaron cómo el fotoperiodista humanista de los años 30 se convirtió en el gran artista del siglo XX que conocemos hoy en día. Retratan a un hombre en búsqueda constante del movimiento.

Este es el argumento de esta novela ilustrada en blanco y negro. Nos lleva a un mundo que no debería repetirse y que pudieron documentar personas como nuestro fotógrafo para recordarlo. Es una novela profundamente documentada a lo largo de las 90 páginas de la historia.

Páginas centrales

Lo mejor es que no tenemos solo la novela ilustrada. Al final encontramos un portafolio de fotografías y una crónica escrita por Thomas Tode sobre la vida y obra de Cartier-Bresson que dan un valor impresionante al conjunto. Es un libro perfecto para comprender la obra de uno de los fotógrafos más influyentes del siglo XX.

El dibujo de Sylvain Savoia es claro y muy limpio. En blanco y negro, con matices de gris como las fotografías en las que se inspira. Es muy curioso los puntos de vista nuevos que ofrece de algunas de las fotografías más importantes. Me fascina la habilidad para ver fotografías únicas de otra forma, desde otro ángulo, desde el lugar del retratado. Como ocurre con la famosa imagen de portada del libro que tanto tiene que ver en la historia.

Para terminar

Ahí están las novelas gráficas que ya he mencionado, el de Graciela Iturbide, el de Robert Capa que todavía no está publicado en español... Es una forma perfecta de adentrarse en la historia. Tanto para los jóvenes (está recomendado a partir de los 12 años) como para todos los que nos gusta cualquier libro con el que podamos aprender un poco más de nuestros referentes.

El dibujo de Sylvain Savoia

'Cartier-Bresson, Alemania 1945' es otra forma de acercarse a la vida de un fotógrafo que sentó las bases del fotoperiodismo y sobre todo lo popularizó. Era un hombre polifacético que también pintaba y participaba en el rodaje de películas como 'La regla del juego' de Jean Renoir. Quizás no lleguemos a desenmascarar al autor, pero entenderemos su filosofía de vida. Y comprenderemos sus imágenes.

Por 19,95€ tendremos en nuestras manos otra forma de ver a Henri Cartier-Bresson. No todo va a ser pura y dura fotografía o largos ensayos con palabras imposibles. La novela gráfica, el tebeo, es perfecto para acercar la historia. Y ahora que se están acercando las fiestas podemos empezar a hacer nuestra lista de deseos.

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El siglo de Cartier Bresson, otro documental sobre el maestro de la fotografía

Cuando se arranca la vida en el mundo fotográfico, pensar en vivir de este arte parece ser algo difícil que tomará mucho tiempo en rendir frutos. Pero al comenzar en forma a vivir de ello, algunas épocas pueden ser agobiantes y el trabajo empieza a consumir nuestra vida. Prepararse bien es clave para poder mantener un ritmo de vida estable.

Capturar imágenes sin morir en el intento

Recuerdo las frases de uno de mis profesores de la universidad: “El fotógrafo no conoce las palabras sueño y hambre”. Como estudiante estas palabras pueden significar poco, algunos vivíamos con nuestros padres o la fotografía era un trabajo secundario. Sin embargo, llega un momento en el que ese espacio de comodidad se rompe, aquel instante en que uno decide vivir del arte.

No hay mejor escuela de negocio que preguntarse cómo voy a pagar la renta, cuánto tendré para comer si decido ir un día al cine o a tomarme unos tragos con los amigos o quién me va a pagar para sobrevivir el siguiente mes. La vida real es un choque de miedos, riesgos y apuestas que comienzan a formar una idea de cómo hacer de esto una profesión.

Al comienzo debemos cobrar según nuestro rango (ojo, no regalar nuestro trabajo). Es decir, no puedo pensar en que mi primera boda la cobro por 5.000 euros, cuando aún no soy capaz de ofrecer la calidad y la experiencia que valgan ese dinero. Por lo que nuestros primeros trabajos, sea con una agencia o como independientes, suelen suplir nuestros gastos básicos. En esos momentos cualquier trabajo es una ayuda a construir nuestra imagen y nuestro proyecto de vida, por lo cual decimos sí a casi todo.

Pero, a medida que ese rango aumenta, tenemos clientes estables y comienzan a llegar más, la carga de trabajo comienza a aumentar. Eso exige tiempo que está saliendo de nuestra vida. Hacer fotografías es parte de esa vida, pero no podemos olvidar que somos humanos, tenemos límites y que decirle sí a todo exige que nos organicemos coherentemente a esas barreras.

El fotógrafo no conoce el sueño y el hambre porque el trabajo exige que estemos horas parados en una sesión para luego pasar más horas en el ordenador trabajando esas tomas.

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Estas son las cualidades que te pueden ayudar a convertirte en fotógrafo profesional

Viviendo nuestra pasión

Antes de que llegue ese momento, aquí van unas recomendaciones de supervivencia laboral.

• Segmentar: es muy probable que al comienzo de nuestras carreras empecemos por aceptar todo lo que llega, desde la boda, al retrato, al producto al book actoral, etc… Sin embargo, el fotógrafo que hace de todo termina haciendo nada. Si bien el mercado nos especializa en un tipo de fotografía, nosotros podemos ayudarlo al segmentar nuestro trabajo. Si quiero enfocarme en la fotografía comercial, debo ir rechazando las ofertas de bodas y fotoestudio; más bien enfocarme en las ofertas de agencias para hacer fotografía de producto y moda.

• Cobrar más: Parte de esta segmentación incluye compensar la pérdida de estos trabajos con los que serán mi enfoque. Así que, a medida que vamos quitando tipos de fotografía de nuestro listado, debo cobrar más por aquellos que realizo. Siempre ofreciendo y mejorando la calidad de trabajo que se adquiere al especializarse.

• Designar: Al comienzo, el fotógrafo está encargado de todo el flujo de trabajo fotográfico: producir, capturar, editar, retocar, diseñar, hacer el té y dar masajes en la espalda del cliente. Está claro que más trabajo implica multiplicar todas esas tareas por cada cliente que nos contrata. Es por eso que poco a poco debemos aprender a involucrar un equipo de trabajo. Es ahí cuando hay que llamar a la segunda cámara de una boda, el retocador del siguiente trabajo de producto o a los asistentes para la siguiente producción de moda. Una persona tiene un límite para hacerlo todo y trabajar en equipo permitirá que el flujo de trabajo sea más rápido y que se obtengan mejores resultados. El fotógrafo debe volverse un director que sabe concebir una idea y delegar funciones a su equipo para que cada trabajo sea perfecto.

• Programar: Uno de los principales errores que cometemos muchos fotógrafos es pensar que tenemos el tiempo controlado. A veces coordinamos trabajos seguidos, pensando en que podremos responder con todo sin problema alguno. Lo que luego nos lleva a noches de trasnocho seguidas tratando de cumplir con las fechas de entrega. Por eso es importante programar los flujos de trabajo: Cuánto me demoro editando, cuánto retocando, qué procesos se pueden hacer en paralelo, qué toca mover, para qué fecha quedan las tomas, etc… Hay que establecer tiempos realistas, dejando un margen de error de cada trabajo. Entregar un trabajo bien hecho con calma es mejor que tener que entregar sobre el límite y con todos los errores que surgen por la presión de tiempo.

Somos fotógrafos y queremos vivir por la fotografía. Pero eso no implica desperdiciar la vida trabajando. Espero estos consejos os sirvan.

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Re-editando el pasado: un divertido y vergonzoso acercamiento a nuestra evolución fotográfica

Los turistas cuando viajamos hacemos fotos. Es uno de los sentidos del viaje. Enseñar las fotografías de nuestras experiencias. Unos hacen más y otros menos. Unos con más calidad y otros peor. ¿Pero qué es exactamente la fotografía turística?

Todos somos turistas. Absolutamente todos. Cada uno nos movemos como hemos aprendido. Personalmente jamás entenderé viajar para hacer colas interminables o para no parar de visitar tiendas para llenar las maletas de regalos. Pero es otra forma perfectamente válida, ¿por qué no?

Respecto a la fotografía los turistas nos enfrentamos de dos formas. Los que buscamos nuestros recuerdos y forma de ver las cosas y los que quieren el recuerdo rápido que todos tienen para enseñarlo cuando vuelva a su hogar. Los que solo quieren las fotografías de los lugares pintorescos y los que queremos nuestra vida.

Otra cosa es el apartado técnico. Los que saben y los que no. Los que hacen fotos a contraluz y echan la culpa de la oscuridad al precio del móvil y los que dominan todos los secretos técnicos. Dentro de este apartado podemos hablar de los que se vuelven insufribles para los que les acompañan con tanto artilugio y los que se bastan con una cámara y un objetivo.

Buenos recuerdos los de aquel año

La única verdad es que todos pueden hacer lo que les apetezca. Mientras les sirva para almacenar recuerdos. Yo recuerdo muchos sitios por las fotografías que se guardan en casa de mis padres. Y con el paso del tiempo me da igual que sean buenas o malas, desenfocadas o cortadas, con intención o sin ella. Son el diario de nuestra familia, nuestra historia. Y da igual que no sean fotografías de autor. Os lo digo de verdad.

La fotografía es el recuerdo perfecto pues solo te enseña las cosas buenas de la vida. Normalmente no fotografiamos las desgracias. Eso se lo dejamos a los morbosos o a los autores autobiográficos. Ese es el gran valor de la fotografía turística. Un puro y duro buen recuerdo de nuestra vida. ¿Quién se atreve a juzgarlo?

La fotografía postalera

Lo que sí hay que hacer es intentar mejorar. Yo no tengo buenas fotos de mi querida abuela. Solo una en la que está hablando por teléfono con mi hermana que estaba de viaje por aquel entonces por tierras ignotas. Se ve todo el fondo bien enfocado, el flashazo en la vitrina, desde un punto de vista alto... Todo lo que no hay que hacer. Pero es la que tenemos enmarcada.

Por este motivo siempre aconsejo mejorar nuestras fotografías. Superar nuestras taras técnicas y llegar por lo menos a la altura de la fotografía postalera. Un punto en la fotografía en el que cualquiera con esfuerzo puede llegar. Y del que nos cuesta mucho escapar por lo cómodo que es. Miras, colocas la máquina y disparas. Todo está en su sitio.

Esta forma de fotografiar, que yo llamo postalera, es aquella que despierta la admiración de tu madre y tu familia más cercana. Y hace exclamar a la abuela pero qué buen fotógrafo que eres. La típica foto que encandila a tus allegados y amigos pero que fracasa en cuanto llegas a una escuela o tienes la suerte de enseñar tu trabajo a un fotógrafo de renombre o a un conocido con el que nada te une. Es una fotografía mil veces hecha, que puedes colocar en una tienda y venderla como una postal (de ahí su nombre).

De vacaciones

Pero si no tienes más pretensiones fotográficas qué sentido tiene hacer otra cosa. Si has conseguido alcanzar ese nivel, convertirte en el amigo que hace las fotos de los viajes, enhorabuena. Estás en el punto perfecto de la fotografía turística, aquella que te permitirá recordar como nadie tu historia, tu vida. Muy cerca de lo que hace por ejemplo Martin Parr pero desde un punto de vista satírico.

Es verdad que igual has tenido que esperar una hora para hacer la foto porque mil como tú están esperando a hacerlo mismo, que la hora es la peor según dicen los manuales, pero qué más da. Es tu foto, y es lo único que debería importarte. Y si quieres avanzar, ya sabes, se acerca el nuevo curso.

En Xataka Foto| ¿Te has parado a pensar alguna vez por qué haces fotos?