Tener en nuestras manos “el poder” para editar las fotografías con programas muy potentes (y sencillos) que nos permiten hacer auténticas virguerías puede tener su “lado oscuro”. Así, cuando empezamos a procesar fotografías es fácil caer en una serie de errores, o dejarse llevar por modas, que probablemente nos perjudiquen si no somos capaces de resistir la tentación de abusar de ellas.

Se trata de cosas que todo principiante debería evitar o, cuando menos, ser consciente de que el exceso no es nada bueno (como en casi todo). Sé de lo que hablo, porque yo mismo (hace unos cuantos años ya) cometí muchas “barbaridades” que os voy a mostrar en este artículo.

Foto de Oscar Condés

Por eso, la mayoría de las fotos que vais a ver son propias y fueron procesadas de forma excesiva cayendo en varios errores que hoy procuraría evitar. Bueno, ciertamente tampoco me arrepiento, porque se trataba de “jugar” con las grandes posibilidades que cierto programa de edición (entonces nuevo para mí) me había descubierto que podía realizar en apenas unos clics para conseguir unas fotos muy llamativas.

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Esas "cosas raras" que sólo hacemos los fotógrafos...

Desaturación selectiva

Es una técnica muy efectista que todos hemos visto muchas veces, sobre todo en folletos publicitarios. Se trata de virar a monocromo una imagen excepto algún elemento, generalmente muy saturado y de un color llamativo. Este recurso puede estar bien en determinadas ocasiones, pero abusar de ello es claramente pernicioso.

Foto de Óscar Condés

Así que, como principiantes, debemos plantearnos si realmente merece la pena aplicar este efecto a una foto en concreto, si la imagen de verdad mejora o si sólo buscamos un golpe de efecto visual. En la imagen de arriba, por ejemplo, tenía su gracia aplicar el efecto para resaltar el bus amarillo (ya sabéis, igualito que en las películas), pero ciertamente la foto más real me parece mejor.

No quiero decir que debamos huir de esta técnica (como del resto), pero sí que deberíamos dejarla sólo para ocasiones contadas y es mejor subir un poco con la saturación para resaltar el elemento concreto sobre el que queremos llamar la atención, pero sin llegar a virar el resto a blanco y negro. O si no, siempre tenemos otros recursos para dirigir la mirada del espectador hacia un elemento, entre ellos algunos muy creativos.

Sobresaturado de la foto

En los últimos años, sobre todo con el auge de redes sociales como Instagram, es más frecuente ver muchas imágenes de colores vibrantes y muy atractivos, a veces irreales. Parece que si nuestro feed no es colorido y un poco chillón es que no somos lo suficientemente buenos. Y esto puede llevarnos a procesar en exceso nuestras fotos, sobresaturándolas o virando el color para obtener resultados más llamativos.

Foto de Oscar Condés

Esto me sucedió en la foto de arriba, cuyo cielo (como se puede apreciar fácilmente) tiene un tono totalmente irreal. Sí, llama la atención, pero una vez pasada la sorpresa uno se pregunta ¿mejora la foto? ¿aporta algo realmente esa saturación excesiva? Así que, cuando empezamos a retocar las fotos, debemos procurar no pasarnos con el color. Una imagen atractiva está bien, pero sobresaturarla no siempre es la mejor receta.

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Estas son las razones básicas que pueden explicar que tus fotos no sean lo nítidas que esperabas

Abusar del blanco y negro

Justo al contrario que lo anterior, a veces nos ocurre que casi cualquier foto gana interés si la viramos a monocromo. Sin embargo, eliminar la información de color no siempre es adecuado porque si no hay contraste o los colores se empastan, es muy posible que no sea recomendable convertirla.

Foto de Óscar Condés

Incluso si una escena tiene buen contraste es posible que dejarla en color sea la mejor estrategia, porque resultará más atractiva y natural. Es el caso del ejemplo que os pongo, aunque reconozco que la foto monocroma también me gusta pero, en su momento, la convertí casi de forma automática… Y eso es justo lo que se debería evitar.

Uso excesivo del viñeteado

Usar viñetas creadas en el postprocesado de la fotografía es algo bastante personal, pero resulta un efecto bastante artificial que puede ser útil en determinados casos pero se debería evitar abusar. Por ejemplo, en retratos puede ser una forma más de resaltar al protagonista, pero en paisajes quizá no sea lo más adecuado.

Foto de Oscar Condés

El ejemplo que he escogido creo que es bastante significativo, porque muestra como un ligero viñeteado puede ayudar a dar interés en la foto, pero un efecto demasiado marcado casi la estropea.

Abuso del HDR

He dejado para el final el que posiblemente sea el efecto más recurrente de los últimos años (aunque parece que se ha pasado un poco de moda). Hablo efectivamente del HDR o High Dynamic Range, esa técnica para conseguir fotos con alto rango dinámico que clarísimamente (creo) es el ejemplo de que el abuso es altamente pernicioso.

Foto de Eneas De Troya

Esta vez la foto que ilustra este punto no es mía (por eso no hay "antes y después") ya que, por una vez, apenas he incurrido en este error y sólo lo he usado unas pocas veces buscando siempre un resultado realista. Y es que las fotos en las que se abusa de esta técnica son totalmente irreales… y encima feas (es una opinión, claro), pero si se usa con tino es una solución totalmente recomendable para situaciones de alto contraste.

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El mundo de la fotografía HDR: ¿Cómo, cuándo y por qué?

Claro que me gustaría conocer vuestra opinión al respecto ¿Os parece que estos cinco errores que hemos mencionado son correctos o estamos exagerando? ¿Los habéis cometido? ¿Echáis en falta algo en la lista?

Las tendencias en redes sociales nos muestran cómo van evolucionando los estilos fotográficos. Si bien hace un año los 80’s cinemáticos dominaron la estética visual, este año parece que el estilo de contraste por color apagado está surgiendo como uno de los preferidos.

Como bien lo dice su nombre, la idea de este estilo es conseguir contraste opacando uno de los colores (usualmente el del fondo) y luego conseguir altos contrastes, tintes fuertes y aumento de detalle sobre el sujeto. Esto nos ayuda a tener una imagen que ayuda a destacar más nuestro sujeto principal en la foto. Le da tridimensionalidad y el tono apagado le da cierto aire “cinematográfico” (en un muy amplio sentido de este adjetivo).

En el laboratorio

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Aprendiendo a emular presets para mejorar nuestros procesos de revelado y edición fotográfica

Para ejemplificar el proceso, arranquemos con la imagen de abajo:

Lo primero que haremos es crear una capa de ajuste de ‘Curvas’ para plantear un contraste general en la imagen. En este caso darle profundidad a las sombras.

Nuestro siguiente paso es mantener control sobre el sujeto y opacar el color que lo rodea. Para ello usaremos una capa de ajuste de ‘Tono/saturación’. Con la herramienta de mano buscamos dónde se encuentra nuestro fondo y disminuimos la saturación y la luminosidad de ese tono. En este caso, el pájaro y el fondo tienen un color similar, por lo que habrá que realizar una máscara separando sujeto y fondo.

Ya que el estilo se enfoca en destacar a un sujeto, podemos utilizar una segunda capa de ‘curvas’ para crear un viñeteado centrando el personaje. Este método de viñeteado puede realizarse de la manera que más os quede cómoda.

Para esta imagen, los ojos son un elemento clave. Así que iluminaremos los ojos con un par de ajustes de curva, tal y como os mostramos en una guía anterior.

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Cómo darle vida y detalle a los ojos en nuestras fotografías utilizando Photoshop

Antes de acabar le daremos tinte a la imagen para reforzar y contrastar los tonos en ella. Con una nueva capa de ajuste de ‘curvas’, a la escena general podemos subirle el punto de negro para que el tinte sea más notorio. En el canal de azules podemos subir el tono en las sombras, generando un ambiente frío; compensamos en las altas luces bajando el punto blanco del azul (lo que nos añade un tinte amarillo a los brillos). Para no perder calidez sobre el sujeto, en el canal rojo aumentamos un poco el punto sobre los medio tonos, y si queremos generar un tono cian en la sombra podemos reforzar bajando el tono rojo sobre las sombras.

Finalmente, podemos mezclar el proceso en una capa nueva (Ctrl+Alt+Shift+E) y aplicar algún método de búsqueda de detalle (como separación de frecuencias, mapa de normales o contraste de bordes). En este caso fue realizado con separación de frecuencias.

Abajo podéis ver el resultado final:

Como véis, el efecto del estilo se encuentra en dar un aire algo dramático que nos centra sobre un sujeto. Los tonos opacados ayudan a resaltar más nuestro punto de atención y el darle un tinte que contraste con el tono general del sujeto ayuda a que destaque desde un primer vistazo.

Este estilo puede ser aplicado a una gran variedad de imágenes. Es particularmente popular en la fotografía callejera. Pero, como siempre, lo mejor es experimentarlo sobre vuestras imágenes para buscar cuáles son las que le sacan más provecho.

Puede ser que alguno de vosotros haya oído alguna vez que los objetivos de cualquier cámara fotográfica tienen un punto dulce o sweet spot. Este término se refiere a las focales y aperturas de diafragma en las que el objetivo trabaja mejor. En el punto dulce de un objetivo, se mejora la nitidez de la imagen y las aberraciones cromáticas (en el caso de que las haya) se reducen.

Así que os invitamos a que averigüéis cuál es el punto dulce de vuestro objetivo. De esta manera sabremos cómo exprimir al máximo su capacidad siempre y cuando nos sea posible.

Por regla general, los objetivos ofrecen sus peores resultados en ambos extremos de funcionamiento: en las focales más cortas y más largas y en los diafragmas más abiertos y más cerrados. Es por ello que obtendremos lo mejor de ellos trabajando en el camino intermedio de focal y apertura. Algunos fotógrafos afirman que este punto dulce se encuentra a dos pasos superiores a la apertura máxima.

Por otro lado, si queremos ver datos técnicos de la calidad de nuestro objetivo en función de estos dos parámetros que definen su calidad, DP Review tiene una base de datos con algunos de objetivos existentes en el mercado, en la que podremos ver cómo se comportan variando la apertura y la focal a través de un gráfico de colores en el que cuanto más azul sea, más calidad obtendremos, y cuanto más rojo sea, peor calidad obtendremos.

Si queremos hacer la prueba nosotros mismos, tendremos que montarnos un bodegón en casa y apoyar la cámara en un sitio fijo o un trípode. Necesitamos que la cámara esté perfectamente fija para no evitar que nuestro pulso incida en la nitidez de las fotografías.

Después colocaremos la cámara en modo Prioridad de Apertura e iremos variando ésta en cada una de las distintas tomas que hagamos. Tendremos que hacer tantas fotografías como aperturas de diafragma nos permita nuestro objetivo.

Una vez terminadas las fotos, tendremos que pasarnos al ordenador y comprobar los resultados. Para ello ampliaremos la foto al 100% y observaremos en la misma zona las distintas fotografías, evaluando la nitidez y las aberraciones cromáticas que produce cada diafragma.

En cuanto a la longitud focal, dependiendo de ésta obtendremos mayores o menores distorsiones geométricas además del correspondiente viñeteado según la calidad del objetivo.

Ahora deberíamos hacernos una pregunta: ¿tengo siempre que trabajar en el punto dulce de mi objetivo? La respuesta es un no rotundo. Saber el punto dulce de nuestro objetivo tan sólo nos servirá para utilizarlo en el momento en el que nos sea posible y la composición nos lo permita. Deberemos utilizar las focales y diafragmas que necesitemos en cada momento y acudiremos al punto dulce sólo cuando nos sea posible.

Foto de cabecera | Flickr Vía | Canonistas

Hoy toca una nueva recopilación de truquitos de los que tanto os gustan. En este caso, hablamos sobre maneras de dirigir la atención cuando se observa una fotografía.

No deberíais pasar por alto estas pequeñas recomendaciones ya que son realmente sencillas de aplicar. Y mucho menos subestimarlas, ya que poseen un efecto muy intenso sobre la persona que observa la fotografía.

1. Uso del viñeteado

Al fin y al cabo se trata de un marco que conduce nuestra atención hacia el centro de la fotografía. A pesar de ser una aberración por el uso de determinadas lentes, hoy en día se utiliza mucho como recurso estético, debido a la facilidad para reproducirlo mediante los programas de edición digital.

Personalmente encuentro que hoy en día se utiliza demasiado y su poder de direccionar la atención es bastante limitado.

23 de Olivia

2. Utilizar marcos

Pueras, ventanas, huecos... Cualquiera de estos objetos te puede servir para enmarcar el sujeto de tu fotografía. Aquí lo que deberás cuidar es medir la luz en este mismo sujeto para que esté bien expuesto y no el marco (habitualmente con condiciones de iluminación muy distintas).

Esto puede ser un buen punto de investigación haciendo cosas poco habituales, como iluminar el marco, tomar diferentes fotos con distintas exposiciones y montar un HDR, etc.

La pega que yo le encuentro es que es un recurso muy poco original y que suele desaprovechar mucho espacio de la fotografía.

Patience is a Virtue de Anderson Mancini

3. Uso de líneas

Las líneas, a mi entender, son el mejor recurso para dirigir la atención. Visualmente tendemos a seguirlas cuando las encontramos en nuestro campo visual. Úsalas para dirigirlas a los sujetos de la fotografía o a los puntos más interesantes de ésta.

A esta recomendación correspondría la fotografía de la cabecera de este post.

4. Llena la fotografía

Cerca, más cerca. ¿Que mejor manera hay de hacer que centremos la atención en algo que convertirlo en lo único que veamos?

Hawkeye de jurvetson

5. Rompe un patrón

Romper un patrón es fácil y muy resultón. El ojo humano, al igual que con las líneas, busca patrones de formas, colores... y si añadimos un elemento que los rompa, no dudes que nuestra atención se verá irremediablemente atraida hacia éste.

Yellow splat de fotologic

Fotografía de cabecera | Reading Between The Lines de Bob Jagendorf Vía | Beyond Megapixels

La técnica tradicional de lograr un enfoque selectivo siempre ha pasado (y lo sigue haciendo en parte) por manejar correctamente nuestro objetivo. Con este método se suele lograr enfatizar un elemento de la composición y descartar el resto mediante el desenfoque. Controlando la profundidad de campo de una gran abertura de diafragma se consiguen efectos de enfoque selectivo muy destacados.

Afortunadamente, existen otras formas de lograrlo. Hasta ahora en el procesado posterior era posible conseguirlo, pero ayudar a mejorar este aspecto, onOne Software acaba de sacar un plugin específico para esta tarea: FocalPoint 1.0.

Supone una herramienta muy novedosa y que nos puede ayudar, con resultados profesionales, a generar una realista profundidad de campo, controlando bien todos los parámetros adecuados, según cada imagen. Asimismo, el plugin nos permite añadir un viñeteado, que se complementa a la perfección con un enfoque selectivo. El software nos permite guardar los parámetros para no tener que repetir la operación con imágenes similares. Está disponible tanto para Mac como para Windows a un precio de unos 100 euros al cambio (159,95 dólares).

Vía | Outbackphoto Descargar Demo | FocalPoint 1.0 (requiere registro) Web oficial | onOne Software

Repasamos una interesante y breve aunque provechosa lectura del blog Beyond Phototips donde exponen los errores más comunes en la fotografía y sus soluciones. Son aquellas cosas a tener en cuenta y que hay que evitar a toda costa (a menos que se quieran utilizar con fines artísticos).

1. Ojos rojos. Ya hemos hablado sobre ello en XatakaFoto. Resumiendo, hay que evitar disparar el flash frontalmente delante de la persona fotografiada para evitar este efecto desagradable.

2. Objetos movidos. La causa principal es haber utilizado una velocidad de obturación demasiado baja. Hay que aumentarla. Como perderás luminosidad lo aconsejable será que abras más el diafragma o aumentes la sensibilidad ISO. Como alternativa puedes utilizar también el flash.

3. Objetos desenfocados. Para mi la más importante. Todo lo demás puede arreglarse (más o menos) a posteriori o tener una justificación artística. Si no te salen las fotografías enfocadas lo más probable es que o lo hagas en condiciones complicadas (de poca luz) o tengas una lente mala. O cambias una cosa u otra. O las dos.

4. Flash reflejado en cristal. Si hay cristal dentro de nuestra composición y queremos/debemos utilizar el flash, hay que evitar dispararlo perpendicularmente a éste, si no, la luz se refleja y entra dentro de la lente, produciendo un resultado bastante... poco atractivo.

5. "Aura" alrededor de las fuentes de luz. A veces la luz que llega a la lente no es absorvida y rebota en su superfície creando este efecto. Lo mejor es utilizar un parasol (que incluso puedes imprimir).

6. Viñeteado. Todas las lentes producen en mayor o menor medida un viñeteado. Las mejores producen poco y las peores más. Evitar el uso de filtors de degradado y/o cómprate mejores objetivos (que fácil, ¿no?). Hoy en día el viñeteado parece estar de moda. En XatakaFoto os hemos mostrado como reproducirlo en Photoshop.

En conclusión, repito lo que he comentado anteriormente: Hay que evitar a toda costa enfocar mal. El motivo de la foto (casi) nunca puede estar desenfocado. Todo lo demás lo encuentro relativo.

Vía | Beyond phototips

Hoy toca un poquito de Photoshop, algo muy sencillito para vestir un poquito a nuestras fotografías. Se trata de añadir el tan extendido viñeteado que a poco que naveguéis por galerías de fotos habréis visto a mansalva.

Dos métodos son los que os mostramos y son muy fáciles de aplicar, no saber cómo hacerlo ya no te servirá como excusa. ¡Pero no abuses! Recuerda que utilizado con gusto y como un retoque discreto, le puede añadir un aire bastante interesante a las fotos donde lo apliquemos.

Sin más, os dejamos con el vídeo.