En la primera parte del punto sobre Selección/Organización, veíamos la importancia de una buena estructuración a la hora de realizar la descarga de imágenes y la elección sobre los diferentes programas para llevarla a cabo. En este segundo punto, continuamos con el proceso de Organización de lo descargado.

Organización

Una de las mejores maneras de realizar este punto es la organización de todas las fotos en función del día de trabajo, para posteriormente organizarlas en diferentes sesiones de trabajo, si es que hacemos muchas cada día. Otra buena opción, es organizar las fotografías en carpetas por cada sesión realizada (con el respectivo nombre de la sesión o proyecto).

Una postura muy buena también es organizar las sesiones por sus aplicaciones: Moda, Publicidad, Retrato... Todo esto a pesar de que en programas como Lightroom podamos etiquetarlas perfectamente con dichos tags, ya que muchas veces para hacer copias de Seguridad de los mismos, o cuando necesitemos dar el trabajo a los clientes nos será mucho más sencillo.

Como digo el proceso de Organización es muy personal, y sólo expongo algunas pistas de las que yo considero puede ser de ayuda, ya que hoy día hacemos una cantidad ingente de fotografías.

Selección y borrado

Llegamos a un momento en el que los gestores de imágenes hacen su principal función. Tras la descarga, uno de los principales intereses debería ser siempre el de una primera visualización o un primer vistazo a las fotos descargadas. En ese vistazo empezaran nuestros descartes.

Pero antes de que se produzca esto debemos elegir que camino seguir para realizar este visionado y posterior selección/etiquetado: elegir el programa adecuado según nuestras necesidades.

Comparativa de dos imágenes en Adobe Bridge

Tanto en un programa como en otro (y en cualquier gestor de imagenes), la comparación de tomas es más que importante, ya que nos ayudará en tomas muy similares a ver pequeños detalles que no podríamos apreciar si mirásemos una a una. Temas como el enfoque (y más si es muy critico) o la trepidación, son apreciaciones que se hacen poco perceptibles a la hora de seleccionar fotografías debido al siempre pequeño tamaño al que vemos dichos imágenes al seleccionarlas, al igual que un antes y un después.

Después de unos cuantos visionados, y agregarles tags y etiquetas, ya tendremos perfectamente seleccionadas las fotografías que se quedaran en nuestra Selección Final, y cuales podrán ser borradas.

Metadatos

Este punto lo expongo como el último, aunque más bien se puede usar en casi cualquier momento trás la descarga. Los metadatos son datos que van agregados a las fotografías. Estos datos incluyen información de gran valía como pueden ser: el autor de las mismas, la cámara con la que fueron disparadas, información técnica de cada toma o datos Exif (diafragma, obturación, equilibrio de blancos…), objetivo usado, espacio de color…

Generalmente este apartado no siempre es usado por mucha gente, pero se convierte en algo muy importante cuando necesitamos realizar tomas de un mismo proyecto en días diferentes, o incluso llevar implícito el programa con el que ha sido editada o modificada alguna imagen.

El revisar todos estos datos cuando tenemos que seguir un proyecto es de gran ayuda, ya que conseguiremos usar valores ya definidos en tomas anteriores (o al menos muy similares) que hagan que la homogeneidad pueda mantenerse. Tienen gran cantidad de usos, pero como toma de contacto a ellos en el proceso de selección y organización es suficiente con esto.

Como siempre, os recuerdo que todos los puntos de este Flujo de Trabajo son meras pistas y ayudas, cada persona puede tener el suyo y puede ser igual de válido. Es por ello que os animo, como en otros puntos ya tratados, a que nos comentéis vuestros métodos para que así los demás lectores puedan aprender de ellos.

Flujo de Trabajo| Rodrigo Rivas

Fotografías| Rodrigo Rivas

En Xatakafoto | Flujo de Trabajo: Selección/Organización (I)Especial Flujo de Trabajo

Seguimos avanzando en nuestro Especial Flujo de Trabajo, y tras las dos primeras entregas sobre pre-producción-producción, y el momento de la toma en esta tercera parte vamos un poquito más alla hasta llegar a la selección y/o visualización de las tomas. En este momento el trabajo ya es, prácticamente, un proceso de “laboratorio digital”.

La selección y organización del material realizado, es un apartado tremendamente importante si queremos ser unos fotógrafos ordenados y con una buena predisposición hacia nuestra fotografía. La verdad es que, este es uno de los puntos donde existe mucha variabilidad entre las fotógrafos; ya que la organización de unos, no es siempre compartida por otros. Aún así, aqui os voy a intentar exponer algunas de las opciones que hay, y profundizaré en dos por ser de las más usadas (Lightroom y Adobe Bridge).

Descarga de imágenes

Este punto es obviamente el primero y para nada opcional (a menos que tu flujo de trabajo se base en el formato analógico). En él, la información que hemos capturado en nuestra tarjeta de memoria la deberemos pasar a nuestro ordenador. Hay varias formas de realizarlo, dependiendo sobre todo del programa que utilicéis para gestionar vuestras imágenes; aunque una opción más pasa por la de no usar dicho programa y pasar directamente al programa de edición.

Pantalla de descarga de archivos en Windows

Los programas propios de cada marca son: Digital Photo Professional (Canon), Capture NX (Nikon), Photo Go (Sony) etc… dependiendo de cada marca tendremos uno

Los programas de gestión de imagenes externos a cada marca más usados hoy en día son: Adobe Bridge, Picasa, Adobe Lightroom, Aperture, ACDSee e iPhoto.

La gran diferencia existente entre unos y otros es más alta de los que muchos creen, pero para el tema de la descarga realizan las mismas funciones. El uso de los externos a cada marca se convierte en algo más útil por poder “leer” casi todos los archivos de imagen (incluidos RAW) de casi cualquier cámara, al contrario que ocurre con los primeros. Situación muy engorrosa si tenemos dos cámaras de marcas distintas.

A cotinuación os muestro una imagen de Adobe Bridge, y más en concreto la ventana de Obtener fotos de la cámara. A pesar de su nombre (mal traducido al castellano por cierto), es una opción que nos permite descargar imágenes desde cualquier dispositivo conectado al ordenador que contenga imágenes y/o vídeos. Como veis, en la columna de opciones de la derecha podemos renombrar nuestras fotos, e importarlas a la carpeta de destino que queramos; al igual que nos da la opción de convertir dichos archivos a DNG.

Vetana de Adobe Bridge – Obtener fotos de la cámara

Una de las ventajas que tenemos en este punto, es que podemos visualizar todas y cada una de las fotografías antes de su descarga, lo que hace que ya de primera mano podamos descartar algunas tomas que no necesitemos (por ejemplo tomas de prueba etc…), sin llegar a su descarga. Digamos que, en la propia descarga comienza el descarte de la selección.

Por último, procederemos a realizar una copia de seguridad de todo lo descargado en un medio diferente al que hemos hecho descarga. Por ejemplo, supongamos que hemos descargado el material en nuestro PC (caso más que lógico), en ese caso deberemos realizar una copia de seguridad en un medio externo a él (disco duro externo, RAID, DVD etc…).

Este punto es muy muy importante, y es que sobre todo si trabajamos con archivos RAW, es la prueba más fidedigna de poder dejar patente que esa foto es “tuya”, a pesar de los futuras ediciones.

Más adelante deberemos volver a realizar un backup después de la edición.

Todas estas opciones, como os dije, son temas muy personales, pero esta claro que si comenzamos con una descarga medianamente organizada y bien estructurada, a la hora de visualizarla nos será todavía más sencilla la elección y organización. Todos los demás softwares que os comenté tienen opciones muy similares a la hora de descargar/importar imágenes.

Hasta aquí esta primera parte de este punto del Flujo de Trabajo. En la siguiente parte continuaremos por la Organización, un punto bastante importante dentro de este proceso.

Flujo de Trabajo | Rodrigo Rivas

Fotografías | Rodrigo Rivas

En Xatakafoto | Especial Flujo de Trabajo

National Geographic ha publicado de forma totalmente gratuita una guía resumida que explicas los conceptos básicos de la fotografía, desde los tipos de objetivos hasta los diferentes tipos de composición. Aunque realmente es un “resumen ejecutivo” en inglés, término que seguro a algunos os sonará, de un libro mucho más amplio de 400 páginas denominado “National Geographic Ultimate Field Guide to Photography”, cuya lectura, si es como el resumen gratuito que nos muestran se antoja cuando menos interesante. Dicho libro si os interesa puede encontrarse en la tienda online de National Geographic-

Independientemente de si te gusta la fotografía de naturaleza, cultural y de viajes o no, focos de muchas de las publicaciones de National Geographic he de decir que, tras la lectura, devorando cada una de las páginas, es un muy buen resumen de todo aquello que debiéramos tener en la cabeza a la hora de tomar nuestras fotografías. Siempre está bien parar un momento, leer algo sobre fotografía, analizar y comparar nuestro propio estilo frente al de otros. Seguro que aprendes algo nuevo. Que lo disfrutéis.

En Xataka Foto:

• Libros sobre fotografía interesantes (II). Libros en español

• Libros sobre fotografía interesantes (I). Libros en inglés

Más información | National Geographic | National Geographic Photography Basics [PDF]

Hace casi un año ya pusimos en marcha un concurso de la mano de Canon para regalar una Canon EOS 60D. Meses después repetimos premio con otro concurso y como la aceptación siempre ha sido muy buena por vuestra parte, pues nos ponemos en marcha con un nuevo concurso.

Eso sí, como la Canon EOS 60D ya debe ser bien conocida por todos vosotros el reto planteado en el concurso es responder a algunas preguntas sobre la cámara. Así demostráis que lo conocéis todo y la podéis conseguir como premio (en un kit con el objetivo EF-S 18-135 IS).

Os invitamos a participar en el post del concurso en nuestro Club, donde podéis conocer en detalle cómo participar. Estamos deseando conocer un nuevo ganador de una Canon EOS 60D. ¡Mucha suerte!

Participa | Si ya conoces todo sobre Canon EOS 60D, demuéstranoslo y llévatela a casa

Nos introducimos en la última semana del mes de Septiembre, y por tanto la última entrada de Inspiración cinematográfica del mes. La semana pasada tuvimos como “acompañantes” en nuestros artículos a Bernardo Bertoluci y Vittorio Storaro como maestros de ceremonias de El Último Emperador. Film, en el que repasábamos uno de los usos más sublimes del color en el cine.

Esta semana, pretendo acercaros un final épico a la sección de este mes con el análisis de Gangs of New York. Repetimos director de los ya analizados, Martin Scorsese, pero para que os deis cuenta la buenísima adaptación que tiene un director a las diferentes facetas que se le presentan. En el apartado de la iluminación, nos encontramos ante el alemán Michael Ballhaus, que muchos lo conoceréis por ser el director de fotografía de la mítica Dracula de Coppola.

La película nos traslada a la gran Manzana en el año 1846, y justamente unos años antes del crecimiento de la ciudad de New York. En estos años mientras el pais estadounidense se encontraba inmerso en una guerra civil, la ciudad neoyorkina se debatía también en sus propias guerras lideradas por bandas de todo tipo (saqueadores, ladrones, asesinos etc…) Y justamente una de estas batallas internas de la ciudad es la que se nos cuenta, en la cual Amsterdam (Leonardo Dicaprio) tras ser encerrado en un orfanato vuelve a las calles de Five Points para vengar la muerte de su padre, y líder de la banda los “Conejos Muertos”, años atrás a manos de Bill Cutting “El Carnicero”(Daniel Day-Lewis) y jefe de la banda de los “Nativos”.

Planos, encuadres, técnicas creativas…

¿Es Martin Scorsese uno de los grandes directores de cine del planeta? Pues aunque todo sea muy subjetivo, podríamos dejar bastante claro que si. Y uno de los ejemplos es esta película, una de las tres mejores películas que ha hecho pasado el año dos mil que lo demuestran (junto con Shutter Island y El Aviador, y veremos Sinatra en qué queda).

En Gangs of New York, Scorsese sabe que esta contando una historia basada en un guión original el cual es muy muy descriptivo, y el que el incluso quiso llevar a más. La descripción siempre suele albergar algo muy importante, y es encuadrar en donde se realizan las acciones, y esto es algo que no sólo hace fenomenal sino que encima lo realiza de una manera soberbia. El llevar un plano general a un plano medio o plano corto, mediante un paneo sin cortes (y vicerserva), en el que juega con el movimiento de los actores es sencillamente exquisito. La estructuración de planos ya no sólo corre a cargo del movimiento de la cámara, sino que la asocia al movimiento global de toda la escena, y es que sólo les falta moverse a los edificios también para que todo fuera en sintonía.

La asociación de objetos y personas, o de acciones con ellas, también se hace, en muchas ocasiones, mediante paneos rápidos y en mismo plano, lo que da mucha más continuidad a una película que en muchos momentos se puede hacer algo pesada. Una de las mejores formas en las que hacer llamar la atención del espectador en los instantes importantes, es la la sucesión de planos de una misma escena de forma rápida a ritmo de saltos como si de un zoom se tratara.

Este film es como una gran obra de teatro, y los planos cenitales y nadir la hacen aún más si cabe sentirnos delante de la pantalla, como si un teatro se posicionara ante nosotros.

Pero si algó dentro de este apartado hace a esta película grande muy grande para la inspiración de cualquier fotografo, es lo perfecta selección de composición elegida para todas las tomas. Ver Gangs of New York es una forma de inspiración total para un fotógrafo callejero. En esta película Martin Scorsese se convirtio en un Weston o una Dorothea Lange de la época. Sin duda una delicia observar lo bien “reflejada” que está la sociedad de ese instante (según el guión original por supuesto).

En definitiva, una cinta que nos deja ver como Martin Scorsese es capaz de amoldarse a los diferentes guiones que tiene entre las manos, y siempre consigue darle un toque personal con el cual destacar, como bien pudimos ver en el analisis que hicimos de Taxi Driver.

Iluminación

Michael Ballhaus tenia un encargo, y no era otro que darle un aire épico histórico a la luz, pero sobre todo que tuviera mucha teatralidad, y así fue como lo hizo. La verdad es que a mi parecer es una película tremendamente difícil de iluminar, y de planificar. Al igual que como vimos en El Último Emperador, hay mucha escenografía real y esto complica enormemente la labor de iluminar, pero gracias a los contrastes entre interiores y exteriores le fue mucho más sencillo.

En general podríamos decir que toda la luz es una luz fuerte y contrastada en los interiores, mientras que se juega con la frialdad del momento en los exteriores diurnos con una luz más suave, pero en general hay que dejar claro que reina la luz cálida, amarillos, rojos, marrones… todo para dar aún mas sensación a los espectadores que nos encontramos ante un momento tumultuoso, en el que la paz y el sosiego es claramente impredecible. Otra cosa que ayudó a evocar todo esto es la ausencia de luz blanca dentro de los espacios cerrados, ya que o en algunos lugares no llegaba (por ser algo muy novedoso y sólo los ricos podían disponer de ella), o por ser las bombillas de un tono demasiado cálido.

Aparte de la luz interior, que muchas veces resulta tremendamente cargante y asfixiante, el uso de humo realza aún mas si cabe la dureza de algunas tomas, incluso ayudando mucho más a dar ese aire teatral que os comenté. El rebote de luces, también marcan los contraluces para despegar un poco a los personajes del fondo, aunque la diferencia de iluminaciones entre personajes y entorno ya es suficientemente buena para conseguir este efecto.

Sin duda, una iluminación bastante cargante y que a mi modo de ver algunas veces confunde en exceso, pero que tambien gracias a esto la hace más natural si cabe. Un lujo para la vista, a pesar de que no consiguiera un premio.

Y como todas las semanas os presento un par de curiosidades sobre la cinta. La primera de todas, es que el proyecto para rodarla empezó en 1977 y de hecho el productor Alberto Grimaldi la anunció ese año como una película en preparación. Pero bueno por el altísimo presupuesto que necesitaba no se estrenó hasta 2002. Y como segunda curiosidad, comentaros que salen algunas imágenes actuales de New York que el director rodó antes de trasladar el proyecto a Roma. Un par de años después con el estreno de la película decidió dejarlas a pesar de que salieran las Torres Gemelas, ya que todos los personajes que aparecen en su cinta lucharon y murieron por construir la ciudad y no por destruirla.

Posiblemente esta es una de esas películas que hay mucha gente que no habrá visto, o habrá oído hablar de ella. Debo reconocer que para algunas personas puede parecer larga y algo monótona, pero si consigues meterme bien en la historia y ademas de eso decides ver el fantástico trabajo de Scorsese, conseguirás que las dos horas y media de película te resultan más que bien invertidas. Además es una película que consiguió diez nominaciones a los Oscars, y no se llevó ninguna a pesar de que para mi Daniel Day-Lewis se mereciera el premio al mejor actor.

Como todas las semanas os recuerdo, que podéis visitar todas las demás películas analizadas en Inspiración cinematográfica, y espero que el mes que viene podamos seguir compartiendo estos tips de inspiración en el cine, al igual que espero vuestras sugerencias, dudas y demás.

En Xatakafoto | Inspiración cinematográfica

En Weblogs | Blogdecine.com

Hace unas semanas, pudimos asistir a una presentación de Wacom en la que la compañía alemana iba a mostrar lo que iba a ser la renovación de unos de sus productos insignia, la tercera generación de sus tabletas Bamboo (tanto Pen & Touch, como la serie Fun). Como muchos sabéis, este modelo es el más vendido dentro del sector fotográfico, sobre todo por la relación calidad-precio, y disponer de todo lo necesario tanto para aficionados como para muchos profesionales dentro del sector. Os voy a presentar primero las novedades de la renovación y posteriormente os daré mis impresiones sobre el modelo Bamboo FUN Medium, el cual hemos podido probar antes de su salida al mercado.

Diseño

En primer lugar, os puedo comentar que una de las primeras novedades que apreciamos a simple vista en ambos modelos (tanto PEN &Touch como FUN), es el cambio del diseño y de su color secundario. Mientras que en las Bamboo Pen & Touch mantiene su color negro, cambia el color blanco por el verde. La Bamboo Fun deja su color metal principal para cambiar su secundario a un negro, dejándonos una combinación totalmente perfecta para los “maqueros” con las mismas tonalidades (dicho por la propia WACOM)

El diseño también cambia un poco, y las esquinas tan redondeadas nos dejan paso a una tableta más rectangular y panorámica en todos los modelos.

Nuevas característcas y mejoras

Quizá este es el plato fuerte de esta nueva generación de Bamboo y que posiblemente muchos agradeceréis. Por primera vez, y tras su inclusión en la Intuos 4, esta gama de tabletas adquiere la tecnología Inalámbrica en todos sus modelos, excepto en el modelo Pen. Esto será posible mediante un kit que se vende por separado (39,90€), el cual consiste en una batería, un receptor y un transmisor (no vale cualquier Bluetooth, ya que de esta forma se consigue que no haya interferencias entre diferentes gadgets/aparatos y tanto el emisor como receptor tienen una misma banda)

Como ya muchos sabréis, estas tabletas ofrecen la tecnología multi-touch que se mantiene y mejora mucho más su precisión, al igual que lo hace la tecnología del lápiz, más precisa (manteniendo los 1024 puntos de presión), y el cual han rediseñado para un mejor agarre.

El último punto a tratar es el de los botones personalizables, y es que aunque no son ninguna novedad, dejar patente que se mantienen y siguen dando una gran variedad de opciones para la navegación.

Probando la Bamboo Fun Medium

Como usuario que soy de tabletas gráficas (y más en concreto ahora mismo de la Intuos 4 Wireless), debo decir que esta renovación de las Bamboo me ha gustado bastante. Es un modelo que puede encajar perfectamente en cualquier casa con ordenador, incluso si no se le da un uso creativo, gracias a la inclusión de la tecnología inalámbrica.

Puntos a favor

Puntos en contra

Conclusión

Definitivamente esta nueva generación de las Bamboo nos deja un buen sabor de boca y gracias a su opción inalámbrica, convierte a este accesorio en no sólo un accesorio fotográfico, sino un acessorio de mucha comodidad para el uso de tu ordenador con aplicaciones multimedia, gracias a la opción multi-touch.

Como mejoras para el ambito de diseño y retoque, hay que dejar claro que se nota sobre todo en el lapiz y su diseño. Para los que uséis a menudo este tipo de tabletas, y tengáis una pantalla superior a las 23” os recomiendo haceros con un modelo Mediano (como el que hemos probado), mientras que si disponéis de una pantalla más pequeña o vuestro uso de la tableta no suele ser muy exahubtivo, creo que con el tamaño Pequeño (tanto Fun como Pen & Touch) os dará más que de sobra para vuestro trabajo.

Debo decir, y repito, que a pesar de la mejora inalámbrica, debéis tener en cuenta que esta característica sólo se produce si compráis el kit que se vende por separado, y esto es algo que no me acaba de agradar pues me resulta un poco “engañoso”. Por lo demás, deciros que me ha gustado mucho y, yo como usuario de Intuos que soy, la he visto como una alternativa genial a aquellas personas que quieren algo de buena calidad sin llegar a precios algo más altos.

Sitio Web | Wacom

En Applesfera | Un trackpad decente, una tableta mejor: analizamos las nuevas Wacom Bamboo

Tras una semana de descanso, vuelvo con Inspiración Cinematográfica, el especial que os traigo todas las semanas para intentar ayudaros a buscar inspiración dentro del cine, y más en concreto en temas sobre lenguaje audiovisual e iluminación. En la última entrega, analizamos Origen, película del director Christopher Nolan, en la que os mostrábamos un uso más que recombolesco de los planos y su narración.

Antes de ir con la película de esta semana, la semana pasada os realice una pregunta sobre Origen, la cuál era sobre una escena inspirada en Matrix, que a su vez estaba inspirada en varios libros de teorías psicológicas de autores como Sigmund Freud. La escena a la que me refería es en la que Don Cobb (Leonardo DiCaprio) enseña el mundo de los sueños a Ariadne y le dice como funciona; en Matrix la escena es similar cuando Morpheo muestra a Neo como es y de que esta formado Matrix. En cuanto a tipología de planos son muy similares, al igual que argumentativamente. Muchas gracias a todos los que respondisteis a la pregunta.

Y por fin llegamos a la película de esta semana. Esta vez, vamos a analizar una película de corte biográfico-histórico, y para ello nos transladaremos a la China de principios de siglo XX en los últimos coletezos del Imperio Chino. Vamos a analizar El Último Emperador, dirigida por uno de los genios en el campo de la cinematografía como es Bernardo Bertolucci, y fotográficamente llevada a cabo por otro gran genio como Vittorio Storaro.

El film nos cuenta la vida del último emperador chino Aisin-Gioro Pu Yi, que ascendió al trono con tan sólo 3 años, y que años después tendría que abdicar bajo las fuerzas republicanas que querian terminar con la época Imperial en China. Posterior a esto fue encarcelado con la llegada del comunismo al país (por ser un “aliado” de Japón) y liberado tras años en la carcel, para finalmente acabar siendo jardinero del Jardín Botánico de Pekin durante la epoca de Mao.

Planos, encuadres, técnicas creativas…

Nos encontramos quizá ante una de las películas históricas mejor narradas visualmente de la historia del cine. La grandeza de la historia, queda más que patente en la grandeza visual de todos y cada uno de los planos que nos lleva a la pantalla Bernardo Bertolucci, mientras nos cuenta la vida de Pu Yi.

Sin duda, la gran mayoría de la película incluye muchísimos planos generales, realizados a la par de paneos jugando narrativamente de una forma grandiosa. Los puntos de vista de estos planos, muchas veces transportándonos a la mirada subjetiva de alguno de los personajes, hacen que nos podamos introducir todavía más aún, en la grandeza de lo que nos intenta contar el director, sobre todo en la primera parte de la película. Toda esta tipologia de planos, acentúan muchísimo la intención de hacer ver al espectador que nos encontramos ante algo poco habitual, algo que a simple vista rebosa majestuosidad e inmensidad. Incluso en momentos más lúgubres de la película, como en tomas de la época comunista, podemos seguir viendo como se sigue realizando todos estos planos pero con una perspectiva diferente, gracias sobre todo a Vittorio Storaro y su iluminación.

Como bien os comenté, los movimientos de cámara en esta película son bastante habituales pero sin ser, en absoluto, bruscos y justamente realizados para conseguir llegar al espectador una sensación histórica e incluso épica. El interés de conseguir realizar una película biográfica, es conseguir contar algo como si pudiéramos estar nosotros retrocediendo en el tiempo y vivirlo de manera más cercana. Por todo esto, la pelicula se arropa de una gran cantidad de planos secuencias que a pesar de no ser subjetivos en absoluto, son capaces muchas veces de hacernos partícipes de una historia como si la estuvieramos viviendo en nuestras propias carnes.

En todos los planos podemos observar como la profundidad de campo, en general, no suele ser muy pequeña, y esto hace que debamos avalar más aún el trabajo de gente como directores de arte, y el director de fotografía, pues el “engaño” no es tan acusado como en otras peliculas, lo que vemos es lo que hay y la intuición se deja de lado. Todo lo que tiene que ver con aislar personajes es trabajo en casi toda la película de la luz.

En definitiva, planos aparentemente sencillos pero extremadamente cuidados y con una dificultad sobre todo narrativa (parte tremendamente complicada a pesar de no parecerlo a simple vista) que dejaría a muchos directores mas de meses pensando como realizarlos, son lo que hacen a este guión uno de los mejor llevados a la gran pantalla. Y es cierto reconocer, que sin la posibilidad de haber tenido un alto presupuesto y sin la posibilidad de que pudieran tener el permiso para rodar en tales localizaciones, todo habría sido mucho más complicado para Bertolucci.

Iluminación

Hablar de la fotografía de El Último Emperador, es hablar de la inclusión de una de las teorías sobre el color más famosas de la historia, la teoría del color de Goethe, llevada al cine por Vittorio Storaro. El uso del color como parte importante de la emotividad, sensaciones y emociones fue en esta película un factor importantísimo para separar grandes momentos de la misma entre sí, al igual que conseguir separar dentro de un mismo plano a personajes, sin la necesidad de uso de muchas otras técnicas ya explicadas como el uso de contraluces, o luces de alto contraste.

Toda la cinta esta repleta de color, de colores cálidos y vivos como en toda la primera etapa del reinado de Pu Yi; o de colores fríos y apagados en momentos de la época comunista. La luz y este tipo de psicología del color, fue la que consiguió hacer, que partes tan sumamente duras pudieran esconderse bajo ese manto de luz, sin llegar a poner imagenes de verdadera crudeza. Imágenes que posiblemente hubieran enfadado a gran parte de la sociedad China, y muy especialmente a sus dirigentes. Hay que recordar que hasta entonces, nadie había teniedo la posibilidad de conseguir rodar en La Ciudad Prohibida y fue gracias a las autoridades, y al visto bueno sobre la película de las mismas, lo que hizo que se pudiera.

La verdad es que Storaro uso todo tipo de luces en este film, algo tan complicado por el hecho de tener que iluminar dos épocas bien distintas y tan diferentes dentro de la historia de China. En la primera etapa, la Imperial, podemos ver como la luz de los interiores suele ser bastante contrastada, propia de las luces incandescentes y cálidas , que unido a los colores usados (oros, rojos etc..) consiguen sumergirnos en un ambiente de riqueza pero de misterio a la vez, reflejándonos un mundo al alcance de unos pocos elegidos.

En la etapa comunista, la luz cálida se sustituye por luces frías, apagadas y plomizas. Los contraste muy marcados, dejan paso a una luz muy suave y tamizada sin a penas contrastes. Los personajes muchas veces parecen camuflarse con el entorno, gracias al uso del color, dando una sensación de frialdad pero grandiosidad propia de un colectivo en el que nada ni nadie sobresale, y sólo el tamaño de los monumentos o construcciones pueden hablar sobre la importancia del lugar.

Un trabajo tremendo el realizado por Storaro, pues aquí si que hay que recalcar, y en letras mayúsculas, que no hay trabajo digital posterior a la grabación. Lo que demuestra la grandeza de este director de fotografía, que teniendo que emular e iluminar grande extensiones de toma (y más aún al haber tantos planos secuencia) no podemos apreciar practicamente ningún error en toda la película.

Y bueno como creo que os gusta conocer alguna curiosidad, aunque no tenga que ver con los apartados hablados, os contaré nuevamente un par de curiosidades. La primera de ellas es que el hermano menor de Pu Yi, y que le ayudó a escribir su autobiografía, fue también encargado de supervisar y asesora la película durante el rodaje. Y la segunda es que se usaron para algunas escenas más de 19.000 extras, y es que como ya os dije antes, estabamos en 1987 y el uso del ordenador para arreglos en el cine aún no era muy usado salvo para algunas películas de ciencia ficción.

Una grandísima película que no os debéis perder. Es una de las grandes obras maestras del cine, y más si tenemos en cuenta lo bien realizada que está. Asi que bueno, os he dado unas pequeñas pautas o tips, como siempre os digo, y ahora os toca a vosotros descubrir los entresijos de la misma, visionándola o revisionándola (según sea el caso). Para cualquier duda, ya sabéis que me tenéis a vuestra disposición y os agradezco enormemente el éxito que está teniendo esta serie de artículos sobre Inspiración Cinematográfica, esperando que siga siendo de vuestro agrado. Tambien os agradezco mucho vuestros comentarios y los consejos sobre las películas que vendría bien analizar.

Os esperamos la semana que viene y os dejo como todas las semanas con un par de fotogramas y el trailer, no sin antes recordaros que si os gusta el cine y todo lo relacionado con él no dejéis de visitar a nuestros compañeros de Blogdecine.com .

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Foto | Margot Kohl en The Burning House

Esta semana, os tenemos preparada una pequeña sopresa para aquellos que seáis mas o menos nuevos en Xatakafoto. A parte del Time Lapse habitual de cada semana, os voy a ofrecer también un Timelapse genial que publicamos hace ya mas de año y medio, y que muy posiblemente, para muchos de los que hoy estáis en Xatakafoto, no hayáis visto.

En nuestro timelapse de la semana, nos transladamos a Nueva Zelanda, y más concretamente al Parque Nacional de Tongariro. En él, Jared Brandon realizó este espectacular timelapse, tanto con tomas diurnas como nocturnas. Lo más impresionante de todo, es que a la vista cualquiera podría decir que Jared lleva ya un tiempo en este mundo del timelapse, pero no, porque este es su primero de todos. Si, como lo leeis es el primero que hace…

La verdad, es que se le augura un buen futuro a este fotógrafo de bodas, como le de por ponerse algo más en serio a disparar para realizar este tipo de obras. Bonitos movimientos, buena elección de encuadres, exposiciones nocturnas bien realizadas etc… hasta una música muy bien elegida. En definitiva, una manera más que buena de empezar, y que hoy os traemos para que disfruteis con ello.

Y bueno, como ya os comenté al principio del post, hoy queremos irnos un año y medio atrás en Xatakafoto, para recordaros un maravillo timelapse que nos trajo nuestro compañero Mario Ximenez sobre la ciudad de Vancouver, y que creo que estaría genial recordarlo, sobre todo, para toda esa gente nueva que cada día descubris Xatakafoto, y mucho del contenido posiblemente ni lo conozcáis. Con esto quiero que sepáis, que tenemos mucho contenido de calidad en el blog a pesar del paso de tiempo, asi que no dudeis en buscarlo y curiosear.

Os dejo el vídeo, y por supuesto el enlace al post que se hizo en su día (Vancouver City, espectacular timelapse) en el que os explicarán cosas sobre el timelapse de Vancouver (música, el proyecto etc…), y tambien donde podréis ver la dirección para ver más timelapses de calidad, realizados por el autor de este que aquí os pongo.

Sitio Oficial | Jared Brandon

En Xatakafoto | Vancouver City, espectacular timelapse

La segunda semana de septiembre, y parece que el periodo de adaptación después de las vacaciones se va acabando. Desde Xatakafoto, hemos seguido trabajando para traeros, como todas las semanas curiosidades y algunas noticias surgidas en la blogosfera durante esta semana:

Y esto ha sido todo por esta semana. Desde el equipo de Xatakafoto, daros las gracias por visitarnos, y por compartir cada día este mundo tan apasionante que es la fotografía. Como siempre, os invitamos a colaborar con nosotros, como cada semana, a través de nuestro formulario de contacto.