El reemplazo de la Nikon D700 es una de las noticias más esperadas en los últimos tiempos junto con los ya conocidos anuncios de las Nikon D4 y su competidora la CANON EOS 1D X. A esta Nikon D800 se la esperaba durante el 2011, año que como sabemos golpeó la producción mundial de fotografía en forma del desgraciado terremoto y accidente nuclear en Japón así como de unas terribles inundaciones en Tailandia.

Hoy, por fin, Nikon parece tener todo a punto y ha presentado de forma oficial este nuevo guerrero samurai. El modelo que, junto a la mencionada Nikon D4, se convertirá en buque insignia de la marca nipona. Nada distinto de lo esperado o filtrado salvo el hecho hace poco conocido de la edición especial de la Nikon D800E.

Las características principales de este modelo son las casi ya conocidas de un impresionante Sensor CMOS de formato FX (fotograma completo) de 36,3 megapíxeles, Cuerpo de aleación de magnesio (resistente a la humedad y al polvo), cobertura del visor 100%, un nuevo AF mejorado (Sistema AF de 51 puntos Multi-CAM3500FX)con reconocimiento facial y 51 puntos de AF, 2 slots para tarjetas, conector para USB 3.0, una ISO 100 – 6400 de forma nativa, extensible entre ISO 50 e ISO 25600, Pantalla LCD de 8 cm (3,2 pulgadas) y 921.000 puntos con antirreflejos y control automático del brillo, Motor de procesamiento de imágenes EXPEED 3 con conversión A/D de 14 bits y sistema de procesamiento de imágenes a 16 bits, ráfaga de 4 fps en modo continuo (6 fps en modo DX), D-Movie en modo de multizona graba vídeos de máxima definición (Full HD) (1.080p) de formato FX y DX en 30p, 25p y 24p, cuenta con ranuras de tarjetas CF y SD, ah, y, siguiendo la tradición, el grip irá aparte.

Entrando algo más en detalle nos aseguran que este nuevo sensor de 36 Megapíxeles cuenta con una mejorada relación señal-ruido, rango dinámico amplio y lectura de 12 canales, que disponemos de modos de recorte DX donde alcanzar 5 fps o la Medición matricial en color 3D III. También cuenta con un modo silencioso, modo que ya venía, por ejemplo, en la Nikon D7000. No olvidemos que nos remiten a una velocidad del obturador de unos 200.000 ciclos y que la velocidad máxima de obturación de 1/8.000” y la sincronización del flash llega a 1/250”.

Llama la atención que saldrían dos modelos: Nikon D800 y Nikon D800E. Cosa que finalmente ha ocurrido. Al parecer el modelo “E” (una edición especial), no lleva el filtro Anti Aliasing típico para reducir el Moiré (básicamente es un filtro de paso bajo o de desenfoque), lo que ocurre es que al filtro óptico de paso bajo se le han eliminado las propiedades anti-aliasing. La respuesta más simple que podemos ofrecer es para producir imágenes más nítidas con más detalles y una mejor resolución. El Anti Aliasing elimina información que no se puede grabar “correctamente” en el sensor. Es básicamente, una capa adicional en la parte superior del sensor que reduce algo la calidad de imagen con el fin de eliminar el efecto Moiré.

¿Qué parece pretender Nikon? Pues con ello parece que Nikon está haciendo un guiño (al eliminar este filtro) dirigido a usuarios de Leica, Fuji (Leica M9, Fuji X100 y XPro1, no llevan este filtro) y formato medio donde los modelos llevan sensores sin filtro AA (o uno muy débil). La otra baza que juega con estos usuarios también es el tamaño del sensor: 36 Megapíxeles. La Nikon D800 parte de un precio base de 3000 dólares (unos 2300 euros) y la Nikon D800E de un precio base de 3300 dólares (unos 2500 euros). La Nikon D800 estará disponible a partir del mes de Marzo y pocas semanas después lo hará la Nikon D800E

Galería de fotos

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El color. Empezaré con una pequeña queja, hay gente que cuando se relaciona fotografía con pintura, parece que le molesta. Es algo que he oído en distintos foros y círculos. No entiendo porqué. La pintura es una disciplina artística de la cual ha de beber un buen fotógrafo, así como de otras muchas. Al menos en mi opinión. El manejo de la luz, perspectiva y profundidad de los grandes maestros pintores te puede ayudar muchísimo como fotógrafo.

¿Qué es la composición por color? Veamos un ejemplo para empezar a entenderlo. Cuando llega la pintura barroca, la forma comienza a definirse principalmente por el color. También por el movimiento y la luz, pero principalmente por el color. Se comienzan a adoptar nuevas perspectivas y volúmenes. Pero sobre todo hay un cambio grande en cuanto al color. Comienzan los degradados de color. El color se degrada según se alejan los objetos, esto provoca una sensación de profundidad en el espectador. Si no sabes a qué me refiero fíjate en el conocido cuadro de Las Meninas, de Velázquez.

El contraste y el color

A la hora de componer por color, uno de los principales factores es el contraste. Pensemos en dos colores que están juntos. El contraste intensifica las diferencias entre los dos. Lo sé bien, pues debido a mi cierto grado de daltonismo, cuanto más contraste existe entre dos colores contiguos mejor diferencio ambos. Podemos concluir que todos los colores de una composición fotográfica se ven influenciados por los colores con los que tienen contacto.

Así podemos hablar del Contraste de luminosidad, o de claro-oscuro, que ocurre cuando enfrentamos un color oscuro frente a uno claro. En estas ocasiones solemos decir que la imagen presenta un alto contraste. Aunque haya ausencia de color y tengamos una imagen en blanco y negro, también encontramos este contraste y, lo solemos llamar Blanco y Negro de Alto Contraste.

Artigazo en nuestro grupo de Flickr

Suele funcionar muy bien en estas imágenes. El resultado es una imagen donde priman los negros y blancos por encima de la escala de grises, resultando un contraste alto entre el negro y blanco. Por eso en post-producción podemos potenciarlo como lo hicimos en el capítulo VIII de Aprendiendo con Adobe Camera RAW.

Otro tipo de contraste es el Contraste de temperatura, que resulta cuando juntamos color cálido con otro color frío. La calidez o frialdad de un color es un hecho subjetivo, que aunque tiene su explicación en la cual no voy a entrar, nos quedamos con que asociamos colores cálidos con rojo, naranja, amarillo y verde frente a colores fríos como azul, magenta, cyan

La división de los colores en cálidos y fríos “puede” responder a una sensación térmica (de las estaciones del clima) y a la vez psicológica (melancolía, alegría, rechazo, …) que producen los colores, pero depende muchísimo de cada persona. Pues aunque asociamos colores cálidos a un atardecer o fríos a una fotografía invernal quién nos dice que no podamos cambiarlo y evocar en el espectador diferentes sensaciones.

También existe el llamado contraste de saturación, cuando enfrentamos un color puro con otros. O el contraste de valor y el contraste simultáneo (para un color dado nuestro ojo busca su complementario y si no existe lo “crea” ficticiamente). Quedémonos de momento, en que el contraste influye en color y, por tanto en la composición.

¿Entonces?¿Cómo es la composición por el color?

Atendiendo a una definición clásica de lo que es la composición de una obra artística podríamos decir algo así como que componer es ordenar los elementos plásticos y visuales de la obra teniendo en cuenta el equilibrio, distribución de pesos de luz y color, las simetrías, asimetrías y otros elementos. Es decir, la composición es el factor que proporciona coherencia formal a la fotografía, en nuestro caso.

En el caso del color se busca que las composiciones sean armónicas (por eso no suelen gustarnos las dominantes de color o los hdr exagerados), haya más o menos contraste (por ejemplo, con las claves altas o bajas, bajo contraste cromático o desaturación parcial). Siempre buscando un equilibrio que es lo que hace que funcione visualmente. Con el Blanco y Negro (sí, lo metemos aquí pues es una manera de componer por color) pasa eso mismo. Cuántas veces te has dicho: “Esta foto queda mucho mejor en blanco y negro”.

Gerard Amela en nuestro grupo de Flickr

Aunque elementos importantes en la composición son la simetría, la proporción, el ritmo y el movimiento, también lo es el color. En general los colores cálidos, los oscuros y los terrosos pesan más que los colores fríos, los claros, los saturados o puros. Pero que queremos decir con pesar: pues que reflejan mayor importancia. La regla aquí es que no hay regla, quizás sea la menos estricta de cuanto hemos visto y la más subjetiva, pues la percepción del color es muy diferente para cada uno. También puede ser la más creativa.

En resumen: Equilibrio y color

Normalmente el color se ve influenciado por muchos factores. Por la presencia de la luz ambiente más o menos fría o cálida. Por nuestra iluminación artificial o incluso si usamos geles de color. Pero donde más podemos manipular el color es dentro del proceso de post-producción como ya sabemos.

Un pequeño esquema, sencillo, para decidir nuestro estilo de post-producción en base al color, puede ser el siguiente:

• Decidir entre Blanco y Negro o Color, aunque tratemos el Blanco y Negro como un caso especial de color.
• Estilo suave, agresivo o neutro. Más contraste en los colores denota agresividad, menos contraste implica suavidad.
• Recortar, reencuadrando la imagen para dar más peso a unos elementos u otros en función del color.
• Y, recuerda, la psicología del color es importante a la hora de provocar sensaciones en el espectador.
• Si usas un programa que permite guardar ajustes preestablecidos, úsalos pues así podras ajustar una imagen y aplicar ese ajuste de color a la serie a la que pertenezca, si lo deseas.

En Xataka Foto | Las Reglas de Composición: Hay que conocerlas para saber romperlas (Serie)

Fotografía de portada | Javier Camporredondo en nuestro grupo de Flickr

Desde hace unos pocos días tengo una Sony NEX-7, que era, desde que había leido los primeros análisis, la cámara que andaba buscando. Aún con poco tiempo entre mis manos, he empezado a probar todo lo que puede dar de sí, pero voy a resumir las primeras impresiones que me ha causado.

Unboxing Sony NEX-7

Sony NEX-7 + Leica = WIN!

La caja de la cámara es bastante compacta y muestra bastante información de la cámara y sus características técnicas. Una vez levantada la solapa vemos que la verdadera caja con la cámara está rodeada de ese exterior. Cuando lo desplegamos por completo podemos ver más información de los accesorios compatibles y liberar la caja de la NEX-7. Completamente negra y con solo una tipología NEX-7.

Dicha caja tiene como “tapa” un compartimento que a modo de libro guarda el manual en diferentes idiomas, la garantía, un manual de objetivos y accesorio y el CD del software. Un formato muy acertado que hará que guardemos todo en orden.

Al levantar esa tapa aun no vemos la NEX-7 si no una gamuza con una etiqueta NEX-7. Un muy buen detalle que podremos usar para limpiar la pantalla de la cámara, aunque es un poco grande, la verdad. Al levantar la gamuza, ahora si, veremos la cámara encajada en un compartimento de imitación a terciopelo. La correa, esta dispuesta en otro hueco, con la leyenda “NEX-7” tiene un acabado de bastante calidad, con cuero o simil.

Como compré el cuerpo de la cámara suelto no venía más en la caja que el cargador, una visera para el visor y la batería en otro compartimento de cartón. Decir que el cable del cargador es algo corto, demasiado para mi gusto, por lo que, o usas otro, o tendrás que buscar un enchufe cercano a una mesa o al mismo suelo ;)

Sony NEX-7 en las manos

Cuando ves la cámara lo primero que piensas es que es pequeña, acostumbrado a la Canon 5D MKII o incluso a la Leica M8 lo es. Las cámaras pequeñas suelen darme problemas de ergonomía pero en este caso no fue así. Al cogerla ves que es ligera pero para nada da imagen “plasticosa”, de hecho el agarre es muy bueno, la empuñadura tiene un acabado rugoso y un tamaño-profundidad adecuados. Vaya, que muy buenas impresiones en mano.

Procedemos a cargar la batería con ansia para poder encenderla al fin. ¡Hecho! La pantalla tiene un brillo y un contraste adecuados y que sea abatible no está nada mal, hubiera preferido un sistema que permitiese más versatilidad, en este caso está muy limitado a un movimiento sobre un solo eje, pero lo suficiente para poder hacer fotos desde la cintura ;) La acercas al ojo y… ¡zas! el EVF realmente sorprendente, la verdad.

He probado unos cuantos y éste se va acercando algo a lo que sería un óptico, aunque todavía está a bastante distancia… Yo le puse la visera al visor antes de encenderla siquiera y ahora no sé si lo haría, de hecho me da miedo quitarla porque no tengo claro cómo hacerlo sin forzar demasiado :) Al usar gafas me queda “algo” separado por culpa de este “parasol”. Me da la sensación que para ver todo lo del EVF tengo que mover la cabeza :)

Bueno, pues todo lo bueno que he contado hasta ahora se pierde al entrar en los menús… Hacía tiempo que no me liaba tanto con una interfaz de un aparato electrónico, y manejo muchos ¿eh? Pues nada, éstos un lío, parecen no tener mucha lógica la ubicación de algunas secciones es confusa. Lo es incluso la presentación en pantalla, que no sabes bien al principio que menús tienen otro nivel o dónde acaba una sección y empieza otra.

En una cámara así, con la capacidad de personalización que he descubierto tiene después, es una pena que los menús no sean acordes, a ver si Sony los mejora vía firmware, no?

Primeras fotos

Sony NEX-7 noche, por Fotomaf

Pero bueno, lejos de los menús lo importante es el resultado, ¿no? Le ponemos el 16 mm f2.8 que es el objetivo de la serie E que he cogido en un principio y salimos a probarla. El sonido del obturador es bastante mecánico y metálico, no es el más bonito pero no está mal. Y no es discreto…

El manejo de las opciones con el sistema TriNavi si que es un invento, Sony en vez de poner ruedas para cada cosa ha dispuesto 3 ruedas sin nada en ellas porque en cada modo pueden servir para una cosa. Cuando estás acostumbrado a los sistemas réflex te choca bastante, pero luego vas dándote cuenta que es más cómodo de lo que creias. Al par de días ya no te acuerdas que te pareció un lío y lo usas de manera supernatural… Lo malo es que son demasiadas sensibles esas ruedas, de hecho la derecha es muy facil accionarla con facilidad y es habitual que haya que cambiar parámetros para devolverlo a los correctos… El botón del vídeo está situado en otro sitio que quizá no sea el mejor, yo al menos lo he accionado por error al llevar la cámara colgada del cuello sin más.

La pantalla es bastante útil para confirmar enfoque de las fotos al usar el modo zoom, el nivel de detalle es el correcto. El flash es bastante prescindible y da sensación de fragilidad que no se corresponde con el resto del conjunto, pero para usarlo de relleno o salir de paso en alguna foto de interior valdrá. Con un uso normal la batería puede durar unos 400-500 disparos.

Al llevar usando la cámara tres días y leído el manual varias veces (sí, no suelo leer los manuales y en este caso lo he tenido que hacer) encuentras todas las posibilidades de configuración personalizada, hay tres “Soft keys” sobre las cuales se puede configurar prácticamente todo, lo cual es brutal. Merece la pena invertir tiempo en encontrar tu combinación adecuada.

Y bueno las fotos… bien, bastante bien para lo que esperaba. Pero no como una Canon 5D MKII en niveles de ruido. No está mal hasta ISO 3200 siendo más que decente el 1600. El sensor promete mucho y si le montas buenos objetivos es bastante agradecido. Además del 16 mm le he usado, con un adaptador helicoidal, varios objetivos de la serie M de Leica, y se nota la diferencia. Vistas las fotos a nivel de “pixel peeper” realmente sorprende y merece la pena ponerle objetivos de calidad. Eso sí, para usar estos objetivos debes ayudarte de las mejoras en el enfoque manual. Hay uno que me ha parecido brutal, el focus peaking... es una ayuda en pantalla que marcará de un color (en mi caso rojo) las zonas de la fotografía que están en foco… cuando aprendes a usarlo te das cuenta que no te importa hacer enfoque a mano, casi siempre las clavas. De hecho esta opción fue determinante en mi decisión de compra al tener los objetivos M disponibles.

En resumen: que me lo estoy pasando muy bien con la NEX-7, tiene una capacidad técnica tremenda y con un sensor competente. No va a cambiar a mi Full Frame en ciertos trabajos pero ya puedo afirmar que será la cámara que más use en este 2012. Si necesitáis saber algo más y creéis que os puedo ayudar sólo tenéis que dejar un comentario más abajo ;)

Fotos | Fotomaf en Instagram y Flickr
En Xataka Foto | Sony NEX-7

Repasando mi documentación, me encontré hace poco este tema del rendimiento de Adobe Photoshop que tenía apuntado hacía tiempo. Confieso que la mejor recomendación para mí, en este caso, es seguir lo que recomienda el fabricante aunque con algunos matices que te da la experiencia de los años. Hablando con una amiga en su estudio hace poco me comentó que ni se había planteado la posibilidad de configurar Photoshop: “Pero, ¿no viene ya configurado?”, me preguntó. Miré la configuración del sistema, abrí su Photoshop CS5, entré en Editar/Preferencias/Rendimiento y le configuré unos cuantos parámetros. El otro día me llamó y me dio las gracias porque notaba que había mejorado el rendimiento.

Existen cuatro formas principales de mejorar el rendimiento de Photoshop: optimizar la configuración del hardware, especificar las preferencias de rendimiento, utilizar buenos hábitos de trabajo en Photoshop (como el uso de capas de ajuste, por ejemplo) y llevar a cabo ciertos pasos para acelerar el sistema operativo (no tener el disco duro hasta arriba, limpiar ficheros temporales, defragmentar y cuestiones similares que os sonarán). No solamente disponer de un buen equipo nos permitirá un mejor flujo de trabajo, también una configuración adecuada contribuirá a ello.

No hay una receta mágica. En cada uno de vuestros casos dependerá de vuestras configuraciones particulares pero esperamos que algunos de estos consejos os ayuden a mejorar el rendimiento de Photoshop.

La CPU

Como decía contar con un buen hardware de lo más potente siempre nos ayudará. Pero ¿cuál son los parámetros hardware adecuados para un funcionamiento digno de Photoshop?. La velocidad de procesamiento de Photoshop está limitada por la velocidad de la CPU. La versión CS4 de Photoshop requería un procesador de al menos 1,8GHz (con un rendimiento bastante pobre en mi opinión) y la CS5 admite ya procesadores multicore como punto de partida en Mac Os aunque en Windows rebaja las pretensiones a un procesador de un solo núcleo pero de al menos 2GHz. Así que cuántos más núcleos, mayor velocidad, en definitiva mayor potencia de CPU mejor. Aquí no hay mucho misterio.

La memoria RAM

Otro factor muy importante, es la memoria RAM. Cuánta más dispongamos mejor, evidentemente. Aunque aquí hay ciertas limitaciones provenientes del propio sistema operativo y la gestión de la misma. Pero, ¿cuál es la cantidad de RAM que maneja Photoshop?

Versión de Photoshop	Versión de sistema operativo	Cantidad máxima de RAM que Photoshop puede usar
CS4, CS5, 32 bits	Windows 32 de bits	1,7 GB
CS4, CS5, 32 bits	Windows de 64 bits	3,2 GB
CS4, CS5, 64 bits*	Windows de 64 bits	Tanta memoria RAM como pueda contener su ordenador
CS4, 32 bits	Mac OS	3 GB
CS5, 32 bits	Mac OS	2,1 GB
CS5, 64 bits	Mac OS	Tanta memoria RAM como pueda contener su ordenador

Por defecto, Photoshop utiliza el 70% de la memoria RAM disponible. Observa el “indicador de eficiencia” mientras trabajas en Photoshop para saber cuándo Photoshop agota la memoria RAM y empieza a usar el disco de memoria virtual, lo cual reduce el rendimiento. ¿El valor de eficiencia te estarás preguntando? Ahora lo vemos. Si el valor de Eficiencia es inferior a 100%, Photoshop está utilizando el disco de memoria virtual y, por tanto, el funcionamiento es más lento. Si la eficiencia es inferior a 90%-95%, asignas más memoria RAM a Photoshop en las preferencias de rendimiento Editar/Preferencias/Rendimiento, en caso de haber asignado el máximo posible no nos quedará otra que añadir más memoria RAM al sistema. ¿Dónde vemos este valor de eficiencia y otros valores interesantes?: observa la siguiente imagen.

Disco Duro(HDD)

El siguiente factor es el disco duro. Ya que Photoshop lee y escribe casi constantemente información mientras se trabaja con una imagen, cuanto más rápido sea el disco que contenga la imagen o el disco de memoria virtual, más rápidamente podrá procesar Photoshop la información de la imagen. Seguramente os habréis dado cuenta de un indicador en la parte inferior de las imágenes que indica: “tamaño en disco”, esto nos da idea del tamaño que ocupará el archivo en disco pero también es indicador del uso que está haciendo Photoshop en el disco. Para mejorar el rendimiento de Photoshop, es conveniente usar un disco con una velocidad de transferencia de datos rápida, lo más rápida posible.

Discos de estado sólido(SSD)

Instalar Photoshop en un disco de estado sólido (SSD) permite que Photoshop se inicie con rapidez pero ninguna ventaja más. Para sacar el máximo partido de un SSD, lo mejor es usarlo como disco de memoria virtual de Photoshop. De este modo, ganamos en importantes mejoras de rendimiento cuando tengamos imágenes que superen el tamaño de la memoria RAM asignada a Photoshop ya que intercambiar segmentos entre la RAM y un SSD es mucho más rápido que intercambiar entre la RAM y el disco duro. De hecho, esta ampliación usando un SSD es rentable una vez que hayamos instalado el máximo de memoria RAM, ya que, en principio (relación calidad-precio-rendimiento añadir RAM para mejorar el rendimiento es más rentable que adquirir un SSD actualmente).

Fotografía de Isaac Ferrera en nuestro grupo de flickr

GPU o tarjeta gráfica

Photoshop usa la GPU de la tarjeta gráfica del ordenador para que la pantalla se redibuje más rápidamente. Por eso es importante tener una tarjeta gráfica dedicada y no integrada (cosa que suele ocurrir sobre todo en portátiles). Otro requisito es que la tarjeta soporte el estándar OpenGL. Existe una lista de tarjetas “probadas” que podéis comprobar aquí. En este caso cuanta más memoria dedicada tenga nuestra tarjeta gráfica mejor.

Otros factores que afectan el rendimiento

A pesar de todo ello, para trabajar con Photoshop, tanto si andamos justos de recursos como si no siempre viene bien tener en cuenta otros factores que, en ocasiones, provienen de hábitos que tenemos acumulados con el paso del tiempo:

1. Tener demasiados documentos/imágenes/fotografías a la vez disminuye el rendimiento
2. Los llamados efectos de las opciones de fusión de las capas como sombreados o relieves afectan extrañanamente al rendimiento (pues no le he encontrado explicación a esto con el paso del tiempo). También
3. Configurar un número de estados de historia adecuados. Un tamaño de 40 pasos en el histórico es más que suficiente en la mayoría de los casos. Y si vas a hacer una edición destructiva como puede ser clonando o usando las herramientas de subexponer o sobreexponer, siempre tienes la opción de hacer una instantánea en el histórico. Opción ésta recomendable y mucho más eficiente siempre.
4. Generar y duplicar en exceso capas cuando podemos usar en muchos casos capas de ajuste, más eficientes.
5. Aunque desde Adobe recomiendan utilizar una profundidad de 8 bits para mejorar el rendimiento, en nuestro caso, como fotógrafos, no debemos utilizarla por una cuestión de calidad de imagen y primarlo sobre el rendimiento. La conversión a 8 bits por canal elimina datos de la imagen.
6. Deshacer, el portapapeles y los estados de historia que contienen datos de imagen en ocasiones nos puede venir bien. Para liberar memoria RAM, seleccionas Edición > Purgar y, a continuación, Deshacer, Portapapeles, Historias o Todo.
7. Photoshop usa un sistema de almacenamiento de imágenes en caché para redibujar más rápidamente las imágenes. El valor predeterminado de Niveles de caché es 4, aunque este valor debe configurarse en función de la memoria y el tipo de imágenes habituales que trabajes. Así si utilizas archivos relativamente pequeños (1 megapíxel) y muchas capas (más de 50), establecer la caché en 1 ó 2 es lo mejor. Para archivos de más de 10 megapíxeles lo mejor es poner un valor superior a 4.
8. Usar un sistema de 64bits te permitirá usar Photoshop casi un 15% más rápido ademñas de como veíamos en la tabla más arriba no tener limitaciones en el uso de memoria RAM más que la impuesta por el propio sistema operativo.

En resumen

Es casi cierto que, en este caso, se cumple la máxima de “cuanto más, mejor” pero has visto que podemos ajustar algunos aspectos de nuestra configuración para sacar más partido a Photoshop. Esperamos que estos consejos te ayuden a mejorar el rendimiento de tu Photoshop y vaya algo más ligero. Recuerda que no hay una receta mágica y que dependerá en gran parte de la configuración de tu sistema e ir probando algunas de las propuestas aquí expuestas. Próximamente saldrá Photoshop CS6, pero seguramente lo aquí expuesto seguirá teniendo validez pues gran parte de estos consejos podrían valer para otras muchas aplicaciones.

Fotografía de Portada | Manurs en nuestro grupo de flickr
Más información | Adobe | Blog de Jhon Nack

La marca japonesa Tokina ha anunciado a través de su web (versión japonesa), el nuevo objetivo Tokina 11-16mm AT-X 116 PRO DX II. Un objetivo que pretende ocupar el lugar del reconocido Tokina 11-16mm AT-X 116 PRO DX que tan buenos resultados ha ofrecido. Continua así la apuesta por el mismo segmento de mercado, pues se sigue tratando de un versión destinada a las cámaras con formato APS-C.

Como características principales podemos decir que cuenta con mejoras en el motor interno así como el GMR o sensor magnético de precisión (ya incorporado en Tokina AT-X PRO 16-28 f2.8 FX) que permite mayor precisión en el sistema de autofoco. 13 lentes en 11 grupos, diámetro de filtro de 77mm, revestimiento de multicapa en las lentes y más de medio kilo de peso completan el conjunto de características principales.

La versión para montura Nikon, saldrá en Marzo de este año mientras que su homóloga para montura Canon lo hará en Julio de este mismo año. Ambos modelos rondarán los 900 euros en su precio de salida, según la conversión de yenes a nuestra moneda, por lo que puede resultar al final algo más caro.

Más Información | Tokina (traducción del japonés)

Omar Josef es un artista del retoque de fotografías especializado en editorial y publicidad. Ha realizado trabajos para primeras marcas y publicaciones internacionales. Actualmente colabora como retocador en Digital Art Studio, probablemente nos encontramos con una de las personas que mejor controla esta disciplina en nuestro país.

Nos encontramos con una entrevista algo atípica pues Omar es retocador digital, no es fotógrafo. Cada vez es más habitual que el trabajo fotográfico se especialice y se formen estudios con auténticos equipos de trabajo donde cada cual tiene su función. Ese es el futuro. Y el cambio, ha llegado ya.

Xataka Foto: Hola Omar, encantado de poder charlar un rato contigo sobre el apasionante mundo del retoque fotográfico.

Omar Josef: Igualmente, encantado de hablar con vosotros.

Cuéntame un poco como llegas a especializarte en ello, ya que tengo entendido que tus comienzos con el retoque fotográfico son algo atípicos ya que pasas de la aviación comercial al campo de la edición digital.

Pues sí que fue un comienzo raro. Hace algunos años estaba realizando mi formación de piloto, lo que compaginaba trabajando en una aerolínea de Dubai en la que trabajé unos 3 años. Fue allí donde conocí a un fotógrafo de moda bastante establecido hecho éste que me permitió meter la cabeza en las grandes producciones publicitarias y editoriales que realizaba. A partir de ahí, a medida que pasaba el tiempo me vi más involucrado en la producción fotográfica que en la aviación. Si bien terminé mi formación de piloto, el retoque digital es mi profesión.

Entonces tu formación visual y fotográfica es …

Mi formación técnica fue completamente autodidactica, pero sería injusto dejarlo ahí, porque de conocer la herramienta a dedicarme profesionalmente a esto hubo un proceso que no habría sido posible sin la ayuda de varios mentores.

Alterar la morfología ¿cuándo, cómo y por qué?

Pues eso es algo muy difícil de explicar. A veces es por una necesidad estética y otras por requisitos de la producción. Si la imagen necesita ciertas formas, se hace lo posible para proporcionarlas durante pre-producción (casting, localización, escenografía). Todo lo que no se pudo solucionar en pre, se arregla en post.

Retoque excesivo ¿cuándo?

No creo que exista el retoque excesivo. Lo que pasa es que hay tipos de retoque que solo encajan en ciertos géneros de fotografía. Cada estilo de retoque va ligado a cada estilo de fotografía. El problema aparece cuando retocamos una imagen con un estilo que no le encaja. No se debe retocar una retrato de un personaje publico como si estuvieras retocando una campaña alta costura.

¿Cómo y cuándo decides dar el salto al campo profesional?

Antes de hacerme profesional ya trabajaba como asistente para otros retocadores. Realizaba tareas sencillas pero repetitivas como la limpieza de pieles y pelo. Poco a poco empecé a asumir algunos de sus clientes y el cambio fue bastante progresivo. Ese fue realmente el comienzo de mi aprendizaje de la parte profesional de todo esto.

Capture One, Camera RAW y otros … cada uno para qué los usas, qué es lo que más te gusta
de cada y lo que menos.

Hace un par de años esa pregunta era más fácil de responder porque la diferencia de calidad entre ambos era bastante grande. Hoy en día ambos programas son igualmente válidos en términos de calidad visual ya que Camera Raw ha mejorado mucho en el área del color. Uso los dos porque con el tiempo he aprendido cual le viene mejor a cada estilo de imagen (Parece ser que las imágenes más coloridas prefieren Capture One).

La ventaja principal de Capture One es la posibilidad de usar cualquier perfil de color de trabajo que tengamos en nuestro ordenador, mientras que en Camera Raw existe cierta limitación. La ventaja de Camera Raw es la posibilidad de trabajar con objetos inteligentes RAW para montar la capa principal de trabajo sin tener que revelar varios TIFF como cuando trabajamos con Capture One u otros programas ajenos a Adobe. En el día a día trabajando como técnico digital , tenemos que ser completamente eficientes con todos los programas que nos encontremos en los estudios dependiendo de la cámara que se esté usando (Phocus, Leaf capture, Phase One).

Fotografía de Javier Garceche y Luis de las Alas

Cada estilo de retoque va ligado a cada estilo de fotografía.

En Digital Art Studio contamos con instalaciones y profesionales para ofrecer servicios de post-producción de foto fija de alta calidad. Para mí, trabajar en Digital Art Studio supone una enorme ventaja, porque tengo acceso a producciones a los que no podría llegar trabajando únicamente por mi cuenta. Además comparto estudio con gente muy talentosa en sus campos y eso me permite seguir aprendiendo. No puedo decir exactamente los trabajos que vendrán, pero con total seguridad serán de esos que acaban orgullosamente en el portfolio, cosa que para un profesional no es algo que pase con frecuencia.

Te dedicas también a la formación en tu campo. ¿A quién va dirigida? ¿Qué espera la gente que va tus cursos? Qué les enseñas?

Los cursos que realizo van dirigidos principalmente a fotógrafos. Hay mucha gente que empieza en fotografía que necesita ver como trabaja alguien que está establecido en la industria para resolver dudas, aprender trucos y asegurar sus conocimientos. También, aunque parezca difícil, durante mis talleres enseño casi todo lo que sé, técnicamente hablando, e intento dejar unos buenos cimientos para que los alumnos puedan seguir mejorando la parte conceptual y artística luego por su cuenta. Además, gracias a Digital Art Studio, tengo la suerte de poder cubrir el temario completo con imágenes de altísimo nivel, publicadas previamente en revistas tan importantes como Vogue o Elle.

La perfección se roza al tratar cada uno de los detalles … hay mucho trabajo detrás estoy seguro, pero cuál el secreto del éxito porque para llegar hasta donde estás, habrás pasado por muchas dificultades.

Esta es una profesión que depende al 100% de la confianza que deposita un fotógrafo en ti, para que retoques sus imágenes y en cierto modo te conviertas en coautor de la obra. Llegar a establecerse en esto pasa también por tener paciencia y perseverancia, pero sobre todo trata de saber identificar las tendencias actuales. Para trabajar en esto hay que tener un ojo en cada revista de moda y publicidad que sale a la luz. Eso es algo que hacen fotógrafos, productores, creativos y, claro, también nosotros.

Muchos de nuestros lectores se dirán: “Últimamente me apasiona el retoque digital pero me gustaría mejorar”. Alguna recomendación además de acudir a alguno de tus talleres, claro está. ¿Por dónde debería empezar alguien aficionado a la fotografía y con cierta base ya con Photoshop?

Lo primero es deshacerse cuanto antes de todas las limitaciones técnicas. No hay nada peor que ver como tu creatividad se vé limitada por tu técnica. Es importante aprender las herramientas lo más rapido posible para despues dar el salto y empezar a aprender lo que realmente importa, que es la parte artística. Para eso es importante tener claro cuales son las verdaderas referencias a seguir. Un consejo que siempre doy a quien quiere dedicarse al retoque de alto nivel es saber dónde buscar para aprender “lo que vale” y solo apuntar hacia ser capaz de reproducirlo. Durante el proceso de aprendizaje, una foto que hiciste hace tan solo un par de semanas, se convierte rápidamente en algo que no aceptas en tu propio portfolio… y así se va mejorando en esto.

Javier Garceche

Un consejo que siempre doy a quien quiere dedicarse al retoque de alto nivel es saber donde buscar para aprender “lo que vale” y solo apuntar hacia ser capaz de reproducirlo.

A nivel alto profesional los equipos de trabajo son el futuro (por equipo, me refiero al fotógrafo, retocador, asistentes varios, maquilladores, estilistas, … etc) y que España está ofreciendo buenos profesionales en casi todos los aspectos pero, concretamente, a niveles no tan altos parece que el retoque digital está denostado, despreciado incluso. Me parece, en mi opinión, que es por desconociemiento del tema e incluso, en ocasiones, por la envidia de no saber hacerlo. ¿Qué les dirías a esa gente que opina eso?

La razon para eso puede ser que la fotografía como oficio existe en areas de la industria muy lejanas entre sí. Por eso, en fotoperiodismo es claro que no se entienda la necesidad de profesionales como los retocadores, por una cuestión ética. Basta una oportunidad para fijarse como funcionan otras disciplinas de la fotografía para entender el porqué de los actuales sistemas y equipos de trabajo. Tengo la suerte de trabajar con varios fotógrafos que forman parte de un completo estudio de producción. Detrás de cada imagen está el trabajo de decenas de profesionales. Hoy en día los retocadores somos una parte de ese equipo.

…en fotoperiodismo queda claro que no se entienda la necesidad de profesionales como los retocadores, por una cuestión ética…

Qué opinas que en en EEUU parece que se quiere aprobar una ley anti-retoque digital por la que las fotografías publicitarias deben advertir de ello. ¿No nos estamos pasando?

La verdad es que no sé mucho del tema. Supongo que el retoque ha cobrado una falsa fama de cambiar realidades en el peor sentido posible. En realidad, durante un trabajo de retoque, dedicamos más tiempo a la parte artística, como podría hacerlo un fotógrafo de la vieja escuela, que a “malvadamente” introducir la mayor cantidad de mentiras en el lienzo, como se intenta hacer creer.

¿No te pica el gusanillo de coger la cámara alguna vez?

Los fotógrafos son fotógrafos y los retocadores somos retocadores. Me gusta la fotografía, claro, pero mi gusanillo está contento con las imágenes con las que trabajo día a día. Si me pusiera a hacer fotografía, seguro que iría más de perderme por ahi con una analógica al hombro que de intentar realizar una producción en la que no sabría ni por donde empezar.

Xataka Foto: Muchas gracias Omar, fue un placer compartir este rato contigo y te deseamos mucho éxito en tus proyectos.

Omar Josef: ¡Gracias a vosotros!

Eso has sido todo. Como mencionaba al comienzo ésta resulta ser la primera vez que entrevistamos a un retocador digital. Debemos considerar que esta amada profesión para unos o afición para otros, se encuentra en un punto de inflexión tras la llegada de lo digital hace unos cuantos ya. Esperamos que haya sido de vuestro interés y agradecer de nuevo a Omar Josef su disponibilidad para hablar con nosotros sabiendo la gran carga de trabajo que tiene entre manos en estos momentos.

Más información | Omar Josef
Fotografía de portada | Javier Garceche

La edición por zonas es el mejor recurso que tenemos para mejorar nuestras fotografías. Adobe Photoshop nos da muchas maneras de hacerlo, pero en muchas fotos no necesitamos o no queremos liarnos a trabajar por capas. Rápido y sencillo es el objetivo de este tutorial.

Tengamos presente que la edición por zonas debe mejorar el equilibrio y el detalle. Tanto en las luces como en las sombras.

Las herramientas

Para hacerlo sencillo usaremos dos herramientas básicas de Adobe Photoshop. La herramienta de selección Lazo y el Pincel Historia. Para el equilibrio de la foto, usaremos el ajuste Curvas.

Edición por zonas: Paso a Paso

En el tutorial, mejoraré el aspecto y exposición de las nubes de este paisaje de “Ses Salines” en Ibiza.

Lo primero es duplicar la capa para conservar un original de nuestra foto. Nos será útil si tenemos que rescatar alguna parte del original. Uso el atajo CTRL o CMD + J.

Selecciono la herramienta Lazo. Antes de seleccionar las nubes, aplico una cantidad de píxel en desvanecer. Esta cantidad de píxel corresponde al degradado que va a tener nuestra selección. El objetivo: difuminar los bordes de nuestro efecto.

Selecciono lo mejor posible todo el contorno de las nubes.

Para mejorar esta zona de la foto, uso Imagen —> Ajuste —> Curvas (CTRL o CMD + M), añadiendo contraste a las nubes.

Doy al OK y quito la selección (CTRL o CMD + D)

Para perfeccionar el borde de nuestro efecto pinto con el pincel historia con la dureza a cero.

Listo. Nubes mejoradas.

Trucos y consejos

La selección con la herramienta Lazo puede ser difícil para los que tienen menos precisión con el ratón. No importa, quitamos la selección y repetimos. Pronto saldrá bien.

Controlo el desvanecer de la siguiente manera:

• Selecciones grandes, desvanecer alto.
• Selecciones pequeñas, desvanecer bajo.
• Me he dejado un trozo de selección o he seleccionado más de la cuenta: usa “Añadir a selección” o “Restar a selección” en el menú de la herramienta.
• Me he pasado con el efecto (demasiado contraste): Tengo dos opciones, si he duplicado la capa, bajar la Opacidad o, sino, trabajar con la Opacidad del Pincel Historia en el menú de la herramienta.

Conclusión

Esta técnica no sustituye al trabajo por capas que uso para trabajos mas precisos, pero si lo uso en: oscurecer fondos, aclarar ojos y realizar mejoras en los cielos. Eso sí, siempre que no me importe una edición destructiva de mis fotos.

Fotografía | José Juan Gonzalvez

Esto es uno de los múltiples dilemas a los que nos enfrentamos muchos al querer editar una fotografía. Somos muchos los que nos hemos parado muchas veces delante de una toma y pensando ¿Quedará mejor en blanco y negro o color?. Aunque existen muchas variantes, y muchísimas e infinidades posibilidades de porqué una toma es mejor de una forma u otra (ya que entran temas muy subjetivos también), voy a intentar daros algunas pistas sobre como saber si una foto tiene posibilidades de ser “revelada“ en blanco y negro:

Fotografiar sabiendo lo que queremos

Uno de los principales errores que cometemos al intentar pasar una fotografía a blanco y negro, es el tener esa duda justo en el momento del procesado. El primero, y principal, consejo de todos es que debéis tener en la cabeza antes de la toma, si la misma va a ser en color o por el contrario va a decantarse por este mítico duotono. Es cierto que aparentemente con este punto no se dice nada, pero es importante tener esta idea fija siempre, pues muchas veces un proyecto, una serie, o un trabajo fotográfico con una temática especifica, la mayoría de veces requiere de este punto antes realizar las fotografías.

La atemporalidad como arma del blanco y negro

Quiero recordar que las fotografías en blanco y negro al estar carentes de color (entendamos que el negro y blanco no lo son), suelen mostrar y dar una sensación de atemporalidad; y es que la viveza del color nos muestra con algo más de claridad un posible momento en el tiempo con más exactitud. Lógicamente, todo esto tiene sus matices, pero a grandes rasgos es así; por tanto cuando queramos dar esta sensación en la cual no enmarcar lo fotografiado en un lapso de tiempo muy fácil de prever por el espectador, debemos saber que ésta es una buena posibilidad.

Aprender a ver en “Black & White”

Parece una punto muy extraño, pero el caso es que aprender como se traducen los colores a escala de grises es uno de los puntos más complicados, al principio, pero que sin duda te ayudaran por encima de cualquier otro punto dentro de la técnica. Muchos os habréis percatado que al fotografiar en blanco y negro, hay ciertos tonos en color que adquieren unos muy similares en blanco y negro, y que por consiguiente si están muy juntos en toma puedan llegar a “empastarse”. Esto genera perdida de detalle y un sin fin de desajustes.

Conociendo, por tanto, con que colores asociar cada tonalidad de gris, nos será muy sencillo componer mejor ciertas tomas, saber si en el posterior revelado tendremos más o menos contraste, si podremos cambiar dicho color en postproducción para adecuarlo mejor etc…

Una muestra de equivalencia del color con la tonalidad de gris correspondiente en cada caso

El contraste alto un gran aliado

Aunque este punto es sobre todo muy subjetivo, pues como dije antes la fotografía en blanco y negro en su técnica de llevarla a cabo depende mucho del lenguaje que queramos transmitir, si es cierto que el alto contraste dentro de este tipo de fotografías adquiere un valor añadido sobre el resultado final. El alto contraste, como bien sabéis, deja un valor intermedio de tonos de grises entre los negros y blancos muy escaso, lo que da mucho más volumen a la fotografía marcando mucho más todos los rasgos de la toma. Para que nos entedamos, la fotografía adquiere más fuerza ante el ojo del espectador.

Elegir este tipo de contraste frente a contraste más neutros o bajos, es importante pero difícil en determinados momentos. Tened siempre en cuenta que para conseguir esto es indispensable seguir el anterior consejo sobre aprender a ver en Blanco y Negro; ya que podemos “empastar” colores de la misma gama tonal al pasarlos a escala de grises. Es cierto que muchas veces este contraste podemos aumentarlo en postproducción, pero si conseguimos una buena base conseguiremos mejores resultados.

Fotografía de Gonzalo Déniz en nuestro grupo de Flickr

Y por supuesto esto no quiere decir que no se puedan, ni deban, realizar tomas en blanco y negro con bajo contraste; por supuesto que se pueden, y a veces según el resultado que se quiera obtener pueden resultar mejores que las de alto contraste.

Conseguir texturas

Este punto se solapa con el anterior, pues generalmente una imagen con alto contraste suele conseguir sacar a relucir texturas, aunque no siempre. Conseguir que en las tomas de blanco y negro las texturas salgan a florecer es, casi siempre, tarea importante. En color, las texturas muchas veces son importantes, pero gracias a los colores nos es más fácil adivinar los materiales que vemos (eso no indica que no sea importante en color). En blanco y negro sin embargo, enfatizar todos los rasgos posibles de una fotografía aumentan su volumen y su cercanía al espectador (también en color, pero en menor grado); al igual que el reconocimiento de lo que ve, hasta el punto de saber que tiene ante sus ojos con un solo golpe de vista.

A pesar de todo, no debemos caer en la excesiva texturización; y es por eso que los contrastes entre zonas con muchas texturas y zonas más suaves, consiguen aumentar la atención sobre las zonas importantes de las tomas sin llegar a sobrecargarlas visualmente. Este ejemplo es muy usual en fotografías HDR con tone mapping, en las cuales el abuso de texturizar acaba por destrozar (a mi manera de ver) las fotografías.

Fotografía de MaX – Sergio en nuestro grupo de Flickr

Elegir bien la luz

Este consejo también se solapa con los anteriores, y es que la elección de la luz es importante para conseguir los resultados que queremos conseguir con estas fotografías. La mejor luz para conseguir tomas con buenas texturas es sin duda la luz que se proyecta a primera hora de la mañana y al final del mismo. Ambas luces marcan perfectamente los rasgos de todo lo fotografiado.

Pero como comenté antes, la fotografía tanto en color como en blanco y negro puede tener miles de posibilidades, y por ello si en nuestro trabajo hemos decidido usar otra luz para enfatizar otro tipo de actitudes, es obvio que se puede y debe hacerse.

Las formas y patrones

Uno de los temas que mejor se reflejan en la fotografía de blanco y negro son sin duda las formas. Las lineas, fotografías con patrones que llevan a puntos de fuga, simetrías e imágenes geométricas, etc… son un gran reclamo para este tipo de instantáneas. La falta de color hace introducirse mucho más a través de las guias y caminos que se forman, seduciendo así más la mente de quienes las observan. Gracias a los fuertes contrastes y al buen uso de la luz se puede conseguir que la mirada del espectador fije un camino a seguir.

Fotografía de Orteg@ en nuestro grupo de Flickr

Escondiendo las distracciones

Más que un punto técnico podríamos mencionar esto como un mero truco para conseguir atraer la atención y no desviarla. El color muchas veces consigue atraer mucho más a los que vemos una foto que los propios objetos que deseamos que se vean. Y es que, colores muy intensos pueden distraernos de lo verdaderamente importante de una toma. Gracias al blanco y negro podemos conseguir eliminar esa distracción, intentado centrar la atención del espectador en lo que nosotros deseamos por medio de todos los medios antes mencionados.

Y recordad, estos puntos no son únicos dentro de la fotografía en blanco y negro, pero si son de los más usados para conseguir buenas imágenes, y muchos de ellos se pueden conseguir añadiendo a la toma la ayuda de la postproducción.

A pesar de ello, siempre tenemos que tener en cuenta el principal motivo de nuestras fotos, y es por eso que como en muchos tipos de fotografías nunca hay normas fijas, y las normas las marca el fin que queremos mostrar.

Fotografía de portada | Victor Jori

Recuerdo haber paseado por Nueva York en búsqueda de uno de los viejos fotomatones, esos que revelaban en el momento a la antigua usanza y que sacaban una tira por medio de cuatro disparos. No lo encontré. Pero meses más tarde, caminando por Viena, cual fue mi sopresa al toparme con uno de ellos en la zona donde se encuentran los museos dedicados al arte contemporáneo. No lo dudé un segundo, me debía a mí misma una de esas fotos y esa maquinita encantadora parecía estar esperándome para ello desde siempre.

No me habría planteado hablar del fotomatón si no llega a ser por “El cielo sobre Berlín“ y una de sus frases “Espero delante de un fotomatón, y sale la foto de otra cara.” Eso junto con la foto encontrada que me hice en la capital austríaca, me empujó a contaros la historia de esta leyenda de la fotografía, de los autores que hoy utilizan esta técnica para sus trabajos y de algún que otro guiño cinematográfico. Sentaos cómodamente delante de la pantalla y sonreir. Tres, dos, uno… disparamos.

Un poco de historia

Anatole Josepho con una de sus máquinas y Walker Evans

La primera patente data de 1889 y posteriormente Monsieur Enjalbert mostró una máquina similar en la Exposición Universal de París. Sin embargo aún estaban muy alejadas de ser autosuficientes. No fue hasta 1925 cuando se instaló en Nueva York, gracias al ruso Anatol Josepho, el primer fotomatón con cortinilla y pantalla de fondo, formato que lo hizo famoso. Es el que ha llegado a nuestros días y que se difundió a nivel mundial. Aunque la compañía que le dio el término Photomaton por el que lo conocemos era francesa, uno de sus distribuidores más conocidos es la empresa inglesa Photo-Me, que se ha ido renovando tecnológicamente en la era digital e incluso hace colaboraciones con aclamados diseñadores, como el pasado año cuando Philippe Starck les diseñó una nueva cabina.

Los primeros modelos venían equipados con flashes que se activaban a intervalos regulares, sistema que prosiguió hasta 1993 cuando se cambiaron por una cámara numérica. Tecnotron, empresa que se ha encargado de su distribución en España, retiró el último fotomáton antiguo que quedaba hace poco más de dos años. Según contaba su director técnico Alberto Bortolusi, el mantenimiento estaba siendo un problema, se optó entonces por “cambiar el revelador, el fijador y el agua por un ordenador y una impresora de sublimación térmica.” Si bien es cierto que a partir de los años 90 se pusieron de moda los fotomatones en los centros comerciales para la realización de fotos divertidas, hoy se están abriendo a otro tipo de mercado, como el alquiler de máquinas para eventos de bodas o fiestas de cumpleaños. Curioso, ¿verdad?

La evolución está muy bien, el cambio del analógico al digital veía venirse, era lógico. Pero, ¿qué hacíamos ahora los nostálgicos? Y la respuesta nos cayó del cielo en forma de máquinas vintage. Gracias al proyecto llevado a cabo por Photoautomat.de se volvía a recuperar el sabor de antaño, el formato de la tira en vertical y los cuatro míticos disparos. La única pega es que para encontrarnos estos fotomatones hay que viajar, sobre todo están dispersos por Alemania y Austria, como el de Viena que os contaba al principio, aunque también se han extendido a Italia al instalarse uno de ellos en Florencia.

Lo interesante de este proyecto es que han ido restaurando fotomatones antiguos para situarlos, principalmente, en lugares ligados al ámbito artístico. En su web, donde hay noticias curiosas, planos de situación y otras delicias, nos encontramos además una galería donde la gente ha ido enviando sus tiras fotográficas. De hecho podéis encontrar mi careto entre el resto de participantes. No dejéis de echarle un vistazo, merece la pena descubrir cómo han ido restaurando estas máquinas convirtiéndolas en auténticos objetos de deseo.

Introduzca 3 monedas, son 4 disparos por Maya Kapouski

Tiras fotográficas realizadas en un fotomatón por Maya Kapouski

Desde Martin Parr y la inclusión de las tiras de sus amigos en sus fotolibros, hasta el más reciente Yu Tsai que utiliza este formato para sus fotografías de celebrities, son varios los que han utilizado el fotomatón como fuente de inspiración para sus obras. Pero sin duda hay un trabajo que siempre me ha fascinado desde que lo conociera hace unos años. Estoy hablando de “Introduzca 3 monedas, son 4 disparos” realizado por Maya Kapouski.

Según nos cuenta, esta artista que vive a caballo entre España y Alemania, escogió ese título del eslogan que rezaba en los fotomatones, para englobar una serie que surgió gracias a la recopilación de fotografías suyas que su padre había ido guardando y que reflejaban el paso del tiempo. Al encontrarse con ese material pensó que podría continuarlo y de ahí pasó a engrosar la colección haciéndose fotos siempre que surgía la oportunidad. Conceptualmente es un trabajo cautivador, por todo lo que supone a nivel fotográfico y artístico, ya que nos encontramos con una serie de fotografías que han sido tomadas a lo largo de la vida de esta autora.

Pero su trabajo con el fotomatón no termina en sus autorretratos, sino que se atrevió a realizar bodegones, porque como ella misma nos comenta “en una época donde la fotografía digital mejoraba a la velocidad de la luz y los precios me parecian inalcanzables, poder disfrutar de una cámara de revelado instantaneo y con iluminación controlada me parecía un lujo.” Sin duda un trabajo distinto al que estamos acostumbrados. De paso os invito a navegar por su web, porque además de un estilo fotográfico muy fresco y joven, sus planteamientos visuales son francamente interesantes.

Amelie y su historia con el fotomatón

Y para cerrar, el guiño al cine que os había prometido. Aunque tenía Amelie en mente desde que empecé a darle forma a este post, quería sin embargo bucear por la Red para ver si encontraba otros ejemplos menos conocidos. Encontré un corto, pero por su carácter más ligado al cine de terror, preferí seguir con la película francesa. De todos modos podéis verlo en youtube, sobre todo hay un detalle que me llamó la atención, ese gesto del que va a fotografiarse, nervioso, que tras el primer flashazo, respira tranquilo. Y es que ponerse delante de la cámara del fotomatón impone, sobre todo si estamos buscando la foto para nuestro DNI.

Os dejo entonces con la película francesa, cuyo director de fotografía Bruno Delbonnel, la dotó de una estética inconfundible cosechando un gran éxito comercial y de crítica. El fotomatón (que también puede encontrarse en Francia en su versión vintage gracias a Fotoaumat.fr) es sin duda un protagonista más de la película, pero no cuento más para quien no la haya visto. Sin más os dejo disfrutando del trailer. Y recordad que si tenéis trabajos ligados a esta máquina fotográfica, nos encantará verlos, porque también es historia de la fotografía y casi todos hemos posado para ella.

Foto de cabecera | César Gil Montañés de nuestro grupo de Flickr
Fotógrafa | Maya Kapouski
Máquinas automáticas vintage | Fotoaumat.fr | Photoautomat.de

Forum del nuevo FNAC situado en el Paseo de la Castellana de Madrid, 10:30 de la mañana. Sentado con su portatil, Salvi Danés, esperando para nuestra entrevista. Nos presentan, nos acomodamos en las butacas del escenario y tomando un café comenzamos a charlar. Tímido pero con las ideas muy claras sobre lo que quiere y cómo le gusta trabajar, este joven fotógrafo barcelonés se está abriendo paso en el mundo de la fotografía gracias a su talento. Un talento por el que fue reconocido y que lo convierten en la nueva promesa FNAC de 2011.

Durante un rato, nos habló de la serie “Dark Isolation, Tokio”, de cómo se siente en las ciudades, de sus proyectos y de su forma de trabajar. Por la tarde, ambientados con sabores japoneses gracias al sake que nos sirvieron, hizo la presentación para el público en general. Un público en su mayoría alejado de los circuitos artísticos por ser un trabajo expuesto en un marco donde se dan cita espectadores de todos los ámbitos. Salvi Danés, que fue a Japón con la idea de retratar la imágen más frívola de Tokio, nos contó cómo se encontró con la soledad y cambió su discurso. De paso nos hizo un adelanto visual del proyecto sobre Moscú que tiene entre manos, porque de algún modo conecta con la ciudad nipona. Y así, entre fotografías y confesiones, fuimos conociendo su obra. Sin más, os dejo con la entrevista.

Xataka Foto: Para empezar quería darte la enhorabuena por este premio como nuevo talento FNAC 2011.
Muchas gracias, para mí es un honor, también por venir a compartirlo aquí a Madrid.

¿Qué está suponiendo para ti este reconocimiento?
Aparte de la difusión de mi trabajo, sobre todo el empujón a nivel emocional y motivacional para seguir trabajando, creo que la parte más importe de los premios al final es esa motivación.

¿Has visto más interés por parte de galerías? ¿Hay alguna que ya te represente?
En este momento no hay ninguna que me represente ni tampoco un interés exagerado pero sí es verdad que el trabajo se mueve, suenan nombres, más espacios donde publicar en medios con cierto renombre y bagaje.

Hay una tendencia actualmente, como por ejemplo vimos con Victor Garrido y su Shanghai, en mostrar las ciudades asiáticas desde la perspectiva de la soledad, del cambio y de cómo ello les afecta. En tu caso nos hablas de todo esto a través de la capital japonesa, ¿por qué Tokio?
Elegí Tokio porque dentro de la temática tratada, es como el aislamiento personal, esa paradoja de sentirse solo en un lugar donde estás muy acompañado, un lugar súper poblado por decirlo de algún modo. Pero no creo que sea una característica especial de Tokio, sino algo más que va implícito en la cultura urbana. No creo que Tokio sea el paradigma en este aspecto. Ahora he vuelto de Moscú y he encontrado muchos paralelismos que convergen en esta idea, por tanto no creo que sea una característica propia de Tokio.

¿Cómo defines tu fotografía? Te defiendes tanto en los espacios urbanos como en el medio rural con mucha soltura.
No tengo problemas en trabajar en los dos ámbitos, lo que sí me da la ciudad es una cierta libertad, pasar desapercibido entre la multitud y poder trabajar un poco más “agresivamente”, que en un entorno más rural o de espacios más abiertos sería más complicado. Pero me siento muy cómodo en las ciudades.

¿Cómo te acercas a los sujetos? En muchos ejemplos es como si invadieras su espacio.
No soy mucho de hablar con la gente a la hora de fotografiarles, casi al contrario, tampoco les asusto pero espero para conseguir una mirada o gesto, que de otra manera no conseguiría. Por eso te digo que mi estilo puede ser un poquito agresivo. Muy cercano al sujeto.

Me llama la atención la manera en que expones tu trabajo en tu web, el modo en que abres las series con una portada a modo de cuaderno, como si quisieras contar una historia.
Exacto, aparte de tener buenas imágenes, tiene que tener una narrativa, tiene que contar una historia. Por ello el formato de una exposición o un libro permite este tipo de narración. Independientemente de la calidad de una imágen individual.

¿Tienes una idea previa o te vas encontrando las fotos en tu camino?
Una idea previa siempre hay, también marcado un poco por el estilo, pero las fotos me van surgiendo, a veces sí que te quedas en un sitio para pescar una buena foto porque ves una buena situación, una buena luz.

Es curioso cómo en los trabajos que he podido observar, sueles incluir árboles, que en entornos rurales puede tener más sentido su inclusión en la historia, pero en los urbanos, ¿qué quieres mostrar con ello?
Sí, en el entorno rural por su presencia, pero en entornos urbanos como representación del ahogamiento que el asfalto produce en el ser vivo, que puede ser tanto un árbol como una persona en el metro.

También es interesante cómo mezclas fotografía a color con otras en blanco y negro en algunos de tus trabajos.
En algunas series sí, en esta de Tokio no, con el uso de flash que fue por experimentación e instintivamente, y este estilo que un poco busqué, el color funcionaba muchísimo mejor. En este caso conseguí una serie donde el color no es que destaque con su presencia pero entiendo le da un carácter que envuelve todo y por eso me sentí muy cómodo. Si la narrativa no se rompe, no tengo problema en mezclar ambas técnicas.

En “Blackcelona” sí que mezclas otro tipo de soportes y distintas ediciones.
Sí, porque es un trabajo muy instintivo, aparte de ser un trabajo en proceso, es menos premeditado, tomo imágenes de lo que representa para mí la ciudad y edito con un cierto sentido independientemente de lo que comentabas del color o el blanco y negro e incluso el formato.

Polonia, Tokio, ahora nos comentabas que acabas de llegar de Moscú, ¿cómo consigues la financiación para tus trabajos?
Muy sencillo, búscandome la vida como puedo. Para Tokio tuve la suerte de que me dieran una beca de fotoperiodismo joven de Barcelona (Click), pero normalmente es totalmente autofinanciado, aparte de que no vivo de mis fotografías, tengo mi trabajo pararelo a la fotografía. Y a veces tener la oportunidad de que alguien confíe en ti y te facilite el capital para poder realizar el reportaje. Porque éste de Tokio no es una producción barata, el viaje, los costes de la vida allí, la estancia de mes y medio…

Háblanos de tu serie sobre Polonia.
Pues la hice justo después de mi viaje de Tokio y buscaba encontrar algo totalmente distinto, y por gente de la profesión y conocidos que también tengo allí, me decidí a ir. La verdad es que me encantó, aparte esa mezcla con la religiosidad, con la entrada a la UE y ese proceso de cambio constante. El aislamiento por su religión y sus raíces me impactó bastante y así lo he intentado plasmar en las imágenes.

La serie sobre los gitanos, “Sara’s Gypsies” nos parece muy impactante, ahí sí nos encontramos con una invasión de su espacio más cercano, sobre todo en las imágenes de la playa. Supongo que para estas fotografías sí hablaste con ellos.
Aparte de las fotos de los campamentos que es donde viven, hay una semana, cuatro o cinco días donde hay una concentración religiosa y no era el único fotógrafo allí presente. Sí estableces una cierta relación, aparte de los estereotipos que tienen, son gente muy amable y me sentí muy arropado, por ello esa aproximación que creo se refleja en las imágenes.

En la web, nos llama la atención el apartado de “Fragments”.
Es un pequeño capítulo en la web de cosas que me gustan, como un capricho. En una postal donde sale una imágen, detrás hay una historia. Ese paralelismo con la fotografía, la historia que hay detrás es muy personal. Son postales encontradas en el mercado de San Jerónimo, donde voy habitualmente.

Y ahora, ¿qué proyectos tienes en marcha?
He vuelto de Moscú, donde buscaba un trabajo con convergencias con el de Tokio, no para justificar que no es sólo Tokio donde se puede encontrar ese aislamiento personal dentro de las ciudades, sino que es un caso de dinámica urbana, algo que se da en las capitales del mundo y creo que voy a seguir en esa línea. Recuperar capital e intentar mover las imágenes y a ver si sale alguna ayuda para poder contribuir trabajando en ello.

Te interesan las ciudades de fuera de España, seguirás trabajando con ellas por lo que veo.
Sí, me tiene bastante enganchado esta línea de aislamiento que tienen las ciudades. Paralelamente como te he comentado está el proyecto de Barcelona.

Pero también es un trabajo distinto porque es tu ciudad.
Exacto, en Madrid, por ejemplo, sí he encontrado un poco esa sensación de aislamiento, quizá por no ser la ciudad propia de uno y no conocerla. Creo que es más difícil encontrarlo en tu propia casa, es complicado.

Por tu experiencia, ¿recomiendas presentarse a concursos?
Sí, por supuesto. Siempre que tenga una repercusión que a ti te aporte algo, no por motivos económicos ni fama, sino por buscar el apoyo de las personas que miran esas imágenes y las valoran de alguna manera, ese feedback que ves de que la gente se interesa por ellas, independientemente de que no te ganes la vida con ello, sí ayuda a motivarte para seguir trabajando.

Te deseamos mucha suerte y te damos las gracias por dedicarnos parte de tu tiempo.
A ver, a ver cómo va surgiendo todo. Muchas gracias a vosotros.

Desde aquí recomiendo un paseo a fondo por sus fotografías a través de su web y una visita a la exposición en el FNAC de Castellana en Madrid que podrá verse hasta el 29 de febrero, pero después podrá visitarse en Zaragoza, Málaga y Valencia en los próximos meses. Desde Xataka Foto le deseamos una carrera llena de éxitos y le agradecemos la oportunidad al igual que al FNAC de habernos acogido e invitado a pasar un día muy fotográfico.

Más información | Salvi Danés | FNAC
En Xataka Foto | La Shanghai de Víctor Garrido en Blank Paper