En un momento en el que la globalización ha hecho mella en todos nosotros, y sigue haciéndolo cada vez más, la fotografía no ha quedado en absoluto al margen. Como muchos de vosotros sabéis, las nuevas tecnologías se han introducido de lleno en el sector fotográfico, y no sólo en lo que a técnica y a equipo se refiere.

El conocimiento del funcionamiento del sector es algo más que importante para cualquier fotógrafo, y lo que antes se solucionaba teniendo unos pocos contactos, unas agencias publicitarias, galerías, o clientes, hoy eso no es para nada suficiente si queremos conseguir orientar nuestra carrera dentro del medio.

Todos los factores enumerados anteriormente siguen siendo válidos, pero los bajos costes y la mayor cantidad de trabajos a los que se tienen acceso, hacen que el modelo de negocio tenga que cambiar si se quiere avanzar o mantenerse en él.

Fotografía de xpjt06 en nuestro grupo de Flickr

Uno de los puntos más importantes es conocer y saber el funcionamiento de los medios que promocionan y/o enseñan fotografía. El saber usar estos canales de información es una de los métodos más importantes si queremos llegar a mostrar a un amplio abanico de gente nuestro trabajo. La facilidad con la que dicho trabajo puede “transportarse” a dichos medios hace que sea mucho más factible su visionado.

Al parecer, últimamente, se paga menos por el trabajo y más por la forma de llegar a él. ¿Qué significa esto? Muy sencillo, la gente que ve los trabajos puede sentirse agradado por ellos, pero los valora mucho más si son capaces de ver parte del proceso de los mismos. Esto es debido a que la cantidad de material cada vez es mayor, y el visionado en demasía puede llegar a cansar. Los medios nos solemos sentir atraídos no sólo por los técnicas perfectamente llevadas a cabo, sino también por los temas de actualidad, y sobre todo con grandes dosis de originalidad.

Forma de llegar a los medios

Una de las formas de llegar a la prensa especializada, galerías, blogs, y/o a cualquier medio de difusión (no hablamos de redes sociales, ni nada por el estilo) es, como primer consejo, seguirlas. Parece un punto básico, pero no deja de ser necesario nombrarlo. Es imposible saber si tu material tiene cabida, o puede ser visto como algo bueno, si no sabes lo que se demanda en cada medio. Por ello es importantísimo conocer las tendencias.

En segundo termino, conocer y saber si nuestro material es original o “esta muy de moda”. Si nuestro trabajo está enfocado a un tema muy candente, debemos saber que habrá mucha oferta , por lo tanto la calidad debe estar fuera de toda duda.

Un punto muy favorable y muy atractivo hoy día, tanto para los medios como para las personas que están dentro del proceso creativo, es saber como se realiza vuestro trabajo; desde el primer momento hasta el último. Cómo llegan las ideas, cómo se plantea el trabajo, los medios para realizarlo, su coste… Los Making off son una buena forma de resumir todos estos apuntes sin necesidad de aburrir al personal. Son una forma amena y divertida de mostrar todo un proceso creativo; y es que ya sabéis, es la era multimedia…

Makin off de una sesión fotográfica del proyecto Alternative View

Obviamente hay cosas que no cambian con respecto a lo ocurrido antes del boom “digital”, y es la insistencia. A veces los contenidos no llegan a los medios si no se muestran, y es que aunque se dispone de gente que rastrea todo tipo de trabajos, hay una cantidad monstruosa de ellos, por lo que poner a todos ellos sobre la pista de tus proyectos sigue siendo algo que no debe desaparecer. Este punto podría decirse que sigue siendo parte del Old-School.

Por último, uno de los grandes aspectos que pueden decantar este azote es la buena presentación de los trabajos. Como ya hemos mencionado otras veces, disponer de un blog propio y/o una página web ayudan mucho a asociar tu trabajo con un camino más profesional y con mayor posibilidad de mención. Es por esto, que es recomendable disponer también de ello, y no sólo de canales en YouTube, Vimeo, o páginas en Facebook. Lógicamente no significa que no se puedan fijar en tu trabajo teniendo esto último, por supuesto que no, pero ayudará mucho. Recordad que nos guste o no, ser fotógrafo no sólo vale con serlo sino también parecer que lo somos.

Fotografía de dMad-Photo en nuestro grupo de Flickr

Quiero dejar claro que no hay normas fijas ni seguras; pero si es cierto que, hoy día, el sector profesional audiovisual consigue más dinero mostrando el proceso que por el propio material en sí. La cantidad de talleres, conferencias, making off… se han multiplicado en estos momentos, y la gente paga más por saber como se hace, que por el trabajo realizado. Es simple, la gente tiene más facilidades que antes para disfrutar de la fotografía, y sus ansias y ganas por aprender se multiplican. Saber compaginar el trabajo de venta fotográfica, con el de llegar a todas esas personas, en estos momentos, es fundamental.

Fotografía de Portada | Isaac Ferrera – Fotografo

En Xatakafoto | Nuevas tendencias para el fotógrafo actual (I): El uso del vídeo

Después de muchos años, la fotografía digital se ha establecido hasta un nivel en que a la mayoría de la gente le resulta extraño ver a alguien con una cámara de carrete al cuello. En todo este tiempo, miles y miles de fotógrafos de toda la vida han hecho un esfuerzo en migrar sus equipos químicos en electrónicos, adaptando flujos de trabajo y haciendo a veces enormes inversiones. ¿Tiene sentido entonces plantearse la vuelta atrás?

Para los que ya somos nativos digitales, comprar una cámara de carrete (o desempolvar la de nuestros padres o abuelos) puede resultar una jugada complicada, pero es algo que perfectamente se puede conjugar con nuestro sistema actual, especialmente si comparten la misma montura.

Como sé que no soy el único que se ha planteado esta vuelta a los orígenes, voy a intentar responder a la pregunta que me llevan haciendo los últimos meses, en los que me he embarcado en esta aventura de hacer fotos “como se han hecho toda la vida”: ¿por qué molestarte en andar peleándote con carretes?

1. Aprenderás a medir la exposición…

A día de hoy muchos estamos tan ligados al RAW que no concebimos hacer una foto en JPG, por el miedo a no poder editarla a gusto a posteriori. Esto nos hace a menudo despreocupados en cuanto a la exposición, recurriendo al famoso “me puedo equivocar en 1EV y no pasa nada”.

Al tirar en carrete perdemos en muchos casos ese control (la mayoría de los aficionados revelarán en laboratorios estándar, sin intercambiar indicaciones sobre cómo realizar el proceso), pero eso nos puede ayudar a entender e interiorizar mucho mejor algo que hemos relegado a la cámara, y que es uno de los pilares básicos de la captura fotográfica: la exposición.

Después de una temporada en el mundo analógico, conceptos eminentemente digitales como el histograma o el derecheo serán mucho más naturales, y otros como la edición por zonas tendrán un sentido más completo.

Fotografía con película Kodak Vision 3 250D de 35mm (16EV de latitud). Foto: Eloy Gómez

2…aunque tendrás más latitud

Siguiendo con la exposición, trabajar en negativo le da la vuelta a la tortilla, llegando tiene un punto que tiene su pequeña carga d e ironía: aunque estamos cuidando con mimo la exposición, tendremos una latitud que puede rondar los 15 pasos, igualando o superando a la mejor de las cámaras digitales.

Sumando estos dos puntos descubriremos que si somos capaces de cuadrar la iluminación para cada momento y situación, aprenderemos a sacar el máximo partido al elemento sensible de nuestro equipo, sea un carrete caducado que tenemos en el congelador, o el último sensor recién salido del horno. Una vez más, la fotografía tradicional nos da lecciones que podemos aplicar cuando intentemos que nuestro móvil haga mejores fotos.

3. Tendrás más implicación con todo el proceso

Aunque en digital hagamos capturas, revelados o impresiones, la accesibilidad de la fotografía actual ha convertido a las cámaras en cajas negras que a partir de un botón generan un fichero en una tarjeta de memoria. Con una cámara clásica, en cambio, tendremos más a mano (literalmente) cada uno de los elementos que conforman nuestro equipo.

El simple hecho de montar el carrete, exponerlo, rebobinarlo y llevarlo a revelar hace que trabajemos con elementos mecánicos que en muchos casos siguen estando presentes aunque ocultos. Y, cuanto más antigua y manual sea la cámara, más reales y tangibles serán los conceptos que aparecen en los menús de nuestra digital: el obturador, las aperturas, el disparador, el exposímetro…

Cuando le he explicado las bases de la fotografía a algunos amigos, siempre he agradecido llevar un 50mm manual en el bolsillo: girar la rueda de aperturas y ver cómo se abren y se cierran las palas del obturador es mucho más gráfico que cualquier artículo que podamos escribiros sobre el tema.

Holga GN de formato medio (18€) con película Fuji Across 100. Foto: Eloy Gómez

4. Conocerás el formato completo, o incluso más allá

Hemos mitificado los 35mm como el summum de la calidad, dándoles incluso el rimbombante nombre de “formato completo”. Una vez más, podemos encontrar mucha ironía en esto, si tenemos en cuenta que en su día este formato nació para crear sistemas de tamaño reducido a riesgo de reducir su calidad, y tuvieron que pasar muchos años y muchos grandes fotógrafos para llegar a dignificarlo y estandarizarlo.

Volviendo un paso atrás del mundo de los sensores, un altísimo porcentaje de las cámaras que podemos encontrar son de ese “formato completo“, y no es difícil ni extraño llegar a sistemas de formato medio por menos de lo que nos cuesta un teleobjetivo de gama baja. Incluso algunas de las cámaras lomográficas más conocidas, como la Holga (arriba) o la Diana, son de 6×6.

Por tanto, Si vuestra obsesión es que vuestro 35mm ha dejado de ser angular, ¿por qué no buscar un cuerpo de respaldo donde vuelva a serlo?

5. Obtendrás resultados en papel

Cuando por fin hayamos tomado la foto, inevitablemente acabaremos teniendo en la mano su representación física, el negativo o la diapositiva, que en la gran mayoría de los casos se verán positivados en papel fotográficos.

A día de hoy vemos las fotos en pantallas que muchas veces están sin calibrar, y sólo en muy contadas ocasiones sacamos copias de las imágenes, muchas veces en impresoras domésticas de dudosa calidad. Aunque este sistema es cómodo y productivo, tener todas nuestras imágenes en papel sigue siendo una forma muy natural de repasar nuestro archivo y de compartirlas con amigos y familiares.

Si con estos cinco puntos aún no os hemos convencido para lanzaros a la aventura de los químicos y el carrete, esperad a la segunda parte del artículo: Aún hay muchos más motivos.

Foto de cabecera | Nina Across the Universe (Rolleiflex 3.5, Fuji Velvia 100 ASA, digitalizada con iluminación natural sobre una ventana)

Una manera de asfixiar, varias formas de llevar toda esta técnica a una situación totalmente gráfica, desmelenada, mortal y, porque no decirlo, en algunos casos divertida, es lo que nos muestran Diego Argulló y Agata Siniasrka en este vídeo compuesto por cinemagraphs sobre este tema.

Escenas que consiguen mezclar lo violento con un toque de humor negro, por supuesto con un humor propio gracias a la escenificación del movimiento de los cinemagraphs. Una perfecta mezcla que por separado nos dejaría patente dos “sabores diferentes” al verlas, consiguen una sensación más que genial al ser unidas. Hoy en día, y si hablamos en terminos gastronómicos, se dice que juntar lo dulce con lo salado consigue dar un placer a nuestro paladar como jamás se había pensado; y así podría decirse de esta obra llamada Breathless.

Diego Argulló es un artista español que reside en estos momentos en Berlin (donde se mudó tras estudiar filosofía en una de las universidad madrileñas), lugar en el que decidió volcarse al mundo artístico, y más concretamente en el audiovisual.

Otro claro ejemplo de que con poquísimos medios, y una mente creativa es posible llegar a un resultados geniales dentro del mundo fotográfico y audiovisual. Disfrutarlo porqué en alguna que otra foto seguro que os reís.

ACTUALIZACIÓN – Visto que algunos lectores se han podido sentir ofendidos, quiero dejar claro que tanto el vídeo como la manera de expresarlo, no intentan exponen en ninguna forma una apología a la violencia ni mucho menos. La explicación va enfocada a realizar de una forma creativa y descontextualizada la denuncia sobre el tema; al igual que lo es la obra. A pesar de todo, pido disculpas si se entendió de la forma contraria y por supuesto mostrar mi total rechazo ante ello.

Sitio Web | Diego Argulló | Agata Siniarska

En Xatakafoto | Kinotopic, una aplicación iOS para introducirte en los Cinemagraphs

La copia en papel es una de las grandes damnificadas de la fotografía digital. Pero tener copias en papel de nuestras fiestas, excursiones, viajes o vacaciones hace que el recuerdo perdure y las copias ganan valor con el tiempo.

Hacer copias de nuestras fotografías en papel ha cambiado mucho en los últimos años. Con la revolución digital, la oferta se ha ampliado. Hemos pasado del revelado en una hora, al revelado instantáneo; de entregar el carrete en una tienda que se encargaba de todo, a los kioscos de auto servicio.

Diferentes tecnologías de impresión conviven con servicios que nos pueden parecer similares. En estos consejos, para sacar copias en papel de nuestras fotografías, conoceremos los tipos de impresión posibles, como sacarle más partido a la tecnología y la mejor manera para conservar nuestras copias.

Tecnología de impresión

Conozcamos los servicios a los que accedemos en las tiendas de fotografía.

El kiosco digital, recoge y toma nota de nuestro pedido, pero también es la fachada común para las diferentes tecnologías de impresión.

Cuando hablamos de revelado instantáneo suele ir ligado a impresión por sublimación. Las impresoras de sublimación se diferencian de las impresoras de inyección porque usan “tintas”(ceras) Roja, Verde y Azul Cian, Magenta y Amarillo para imprimir y sustituyen el negro (K) por un barniz, o lo que es lo mismo, usan RGB al igual que nuestras cámaras para obtener la imagen.

La impresora de sublimación realiza tres pasadas sobre el papel, una por cada color, y aplica un acabado final o laminado que puede ser brillo o mate. Este acabado protege nuestra copia hasta el punto que podemos limpiar nuestras fotografías de huellas o pequeñas manchas con un trapo un poco húmedo.

El Minilab químico es la otra opción que podemos encontrarnos y suele usarse para encargos de 1 hora si la tienda tiene el minilab en el local, o para encargos de 24 horas si la tienda trabaja con un laboratorio externo. Los minilabs trabajan con química y con papel fotográfico sensible a la luz. La exposición se hace con cabezal láser por lo que, al igual que la sublimación, trabajan en RGB.

En la actualidad, se empiezan a introducir minilabs de inyección de tinta o impresión en seco, con unos resultados muy buenos y garantías sobre la duración de las copias a muy largo plazo.

Consejos al hacer el encargo en la tienda

Tenemos que tener claro que las copias, en este tipo de máquinas, no nos garantizan la exactitud de color entre lo que vemos en la pantalla y la copia final.

Siempre que podamos, tenemos que huir del revelado instantáneo por sublimación. Este tipo de máquinas funciona de manera automática, sin ningún tipo de supervisión. Con lo cual, los resultados no siempre serán los esperados. Sobre todo en el tema de los colores o la luminosidad de la copia. Buscaremos siempre servicios donde tengan a un técnico supervisando la impresión.

Llevaremos nuestras fotografías en formato JPG, sin bajar de calidad y con el espacio de color en sRGB. Para tener nuestras fotos en sRGB, tenemos dos opciones:

• Si disparamos en JPG, elegiremos el espacio de color sRGB en la cámara. Si nuestra cámara no tiene esta opción, casi seguro que trabaja en sRGB.
• Si disparamos en RAW, realizaremos nuestros ajustes y exportaremos o guardaremos en JPG, asignando el perfil sRGB. El kiosco digital no reconoce nuestros archivos en RAW.

También es importante tener en cuenta las proporciones de nuestras fotos. Con la mayoría de cámaras digitales, podemos cambiar el formato de nuestras fotografías. Hacerlas más cuadradas o más panorámicas. El papel fotográfico tiene formato 3:2, pero en las cámaras podemos elegir el 4:3, más cuadrado, y el 16:9, más alargado. Tanto el 4:3, como el 16:9 son formatos más adecuados para la pantalla. Si usamos estos formatos, al imprimirlos en 3:2, tendremos que recortar imagen o dejar margen blanco.

El tamaño de la copia es otra de las opciones que tenemos. Lo mas habitual es el 10×15 cm, el más práctico para los álbumes y el mas económico. Pero si queremos copias mas vistosas, no descartéis tamaños mayores como el 15×20. Dependiendo siempre de la máquina, podemos llegar a 30×40 cm.

¿Brillo o mate? La eterna pregunta ante la que siempre dudamos. Pero mas allá, de la cuestión estética o del gusto personal, las diferencias son estas:

• El acabado brillo da más profundidad de color. Los colores son mas intensos, pero tenemos reflejos al ver las copias. También se marcan mas fácilmente los dedos.
• El acabado mate apaga los colores, pero es menos delicado.

Conservar las copias

La humedad y la luz son nuestros peores enemigos. Guardaremos nuestras fotos en lugares secos y resguardados de la luz directa del sol. Así evitaremos que las copias se curven o pierdan color.

Lo mejor son los álbumes, a poder ser, con hojas libres de ácido, donde la copia está protegida y facilita el visionado de las fotos.

Si la foto va en un marco, conviene dejar secar bien el cristal después de limpiarlo y antes de poner la copia. Situar el marco lejos de la luz directa del sol.

Conclusión

Tener copias en papel hace que la fotografía sea mas física, potenciando el recuerdo del momento. También se convierten en un respaldo del archivo digital, mas fácil de perder. Yo os recomiendo seleccionar las fotografías que cuenten los momentos clave de esa excursión, viaje o vacaciones y hacer copias. Seleccionando bien, las copias no serán muchas y no supondrá una gasto muy elevado.

En Xataka Foto | El placer de abrir el cajón de las fotos

Fotografía | José Juan Gonzálvez

Resulta complicado sorprender en estos tiempos, cuando las filtraciones ya nos habían avanzado algunas especificaciones e incluso imágenes de la nueva presentación de Olympus. Volcada de lleno en el sistema Micro Cuatro Tercios, desde la firma japonesa han querido ofrecer una cámara de altas prestaciones, dentro de las CSC y por encima de sus populares y bien acogidas PEN digitales.

Así, inaugura la serie OM-D, claramente inspirada en sus clásicas OM y no sólo en su aspecto, con la nueva Olympus E-M5, ahora mismo el buque insignia del sistema Micro Cuatro Tercios. Y decididamente la competencia más clara a la Fujifilm X-PRo1 y Sony NEX-7 que hasta ahora ofrecían las prestaciones más elevadas en este tipo de cámaras compactas sin espejo y con objetivos intercambiables.

Olympus E-M5, clasicismo y robustez

Como indicamos, Olympus se ha inspirado en sus clásicas OM ofreciendo una cámara que mantiene este estilo retro que tan de moda está entre las cámaras digitales. Pero no solo es envoltorio, nada de fragilidad, muy al contrario, la casa nipona ha preparado un cuerpo robusto, en aleación de magnesio y sellado. Es el inicio de una nueva etapa, una nueva serie, la OM-D que puede deparar buenas expectativas para Olympus. Sin duda este E-M5 se postula como una de las más interesantes novedades recientes.

Entrando en más detalles de sus características, tenemos que destacar su sensor Live MOS de 16,1 megapíxeles, visor electrónico a la altura del ojo (y haciendo parecer por su aspecto una falsa SLR) con 100% de cobertura (y una resolución nada menos que de 1,44 megapíxeles), promete sensibilidades de hasta 25600 ISO y posee posibilidad de captar vídeo en Full HD 1080i.

Estabilizador revolucionario y enfoque ultraveloz

Dos de sus prestaciones novedosas y que más llaman la atención son el estabilizador óptico. Declarado como el primer sistema de estabilización en cinco ejes y que, a falta de una prueba sólida, se anuncia que con capacidad para compensar hasta el equivalente de cinco pasos. Ya sabemos lo bien que han funcionado estos sistemas en el sistema E de Olympus, así que es de suponer que aquí encontraremos un gran aliado para el usuario de la E-M5.

La otra prestación interesante es su autofocus. Un enfoque que ya en las PEN venía demostrando ser de los más rápidos entre las CSC y que ahora se indica como el autofocus más rápido del mundo incluyendo el campo de las réflex monoculares profesionales. Sin duda este enunciado hay que ponerlo en cautela hasta que una prueba nos lo certifique, pero no dudamos que aquí es donde más están destacando las últimas cámaras de Olympus.

Del resto podemos detallar que posee una nueva versión de procesador, se trata del TruePic VI de doble núcleo, con la particularidad de procesar separadamente la visualización Live View para el visor y los datos para el registro de la imagen, refrescando el visor a gran velocidad.

La pantalla posterior es OLED de 3 pulgadas y 610.000 puntos de resolución, además de ser táctil y abatible. Nos hubiera gustado que fuera giratoria, como en otros modelos de sistema E, pero al menos no han obviado la posibilidad de bascular arriba (80º) y abajo (50º).

Esta Olympus E-M5 parece que estará disponible en el mes de abril a un precio de unos 1.100 euros, con la posibilidad de adquirirlo en un kit con el nuevo Zuiko Digital 12-50 mm f3.5-6.3 ED EZ lo que elevaría su precio aproximado a los 1.300 euros. Por cierto, también llegarán en breve otros dos nuevos objetivos de gama alta como son el Zuiko Digital ED 75mm (150mm equivalente) f/1,8 y cuerpo metálico, además del Zuiko Digital ED 60mm (120mm equivalente) f/2,8 Macro 1:1. Y un buen lote de accesorios (flashes, grips,…) para complementar esta nueva serie OM-D.

Más info | olympusomd.com

Parece que hoy es uno de esos días en que las noticias fotográficas nos hacen a todos estar revoloteando. Al anuncio realizado hoy por la marca Nikon de su nueva D800 y D800E, la otra gran empresa del sector, Canon, ha anunciado hoy la renovación de uno de los buques insignia dentro sus objetivos: el 24-70.

Canon ha anunciado la esperadisima renovación de uno de los objetivos más relevantes e importantes de su gama profesional (serie L) el Canon EF 24-70mm f/2.8L II USM, al igual que la misma de las focales fijas gran angulares Canon EF 24mm f/2.8 IS USM y Canon EF 28mm f/2.8 IS USM.

Estas tres nuevas presentaciones, enfocadas sobre todo al mercado de las cámaras FF de Canon, puede que sean la antesala para la presentación en no demasiado tiempo de alguna de sus nuevas cámaras.

Canon EF 24-70mm f/2.8L II USM

Parece que después mucho tiempo pidiendolo a gritos, Canon lanza por fin esta nueva versión de una de sus lentes estrellas. Al final parece que todos los rumores sobre la inclusión de estabilización en ella no han sido ciertos, y la empresa nipona ha apostado por un diseño mucho más compacto y un re-diseño total en toda su construcción, pero sin estabilizador.

Esta renovación, al contrario que otras, puede decirse que muestra un total lavado de cara; ya que ha introducido un nuevo diseño de las lentes que lo componen, añadiendo dos lentes de Ultra-baja dispersión y una de Superbaja dispersión Asférica las cuales consiguen disminuir en gran medida las aberraciones cromáticas, dando así imágenes más nítidas y con más contraste. Por supuesto también se ha conseguido disminuir considerablemente la distorsión en todas las distancias focales que lo componen.

Su distancia mínima de enfoque también se ha visto alterada, siendo ahora menor que el de su anterior versión. Aunque uno de los aspectos que mejoran a este objetivo, es la posibilidad de conseguir un enfoque más preciso pudiendo ajustar manualmente el enfoque, incluso estando activado el AF sin el miedo a romper los motores de enfoque (imagino que serán siempre ajustes muy pequeños).

Al parecer nos encontramos con unos de los zooms con más calidad que se puedan observar hasta la fecha. Su nueva construcción, más compacta pero con un diámetro mayor (82mm en vez de los 77 de su predecesor) y con mejores sellados, junto a las mejores mecánicas del zoom, nos hacen ver que esta lente volverá a ser sin duda la lente estrella de la marca.

El precio será de $2299.

Canon EF 24mm f/2.8 IS USM y Canon EF 28mm f/2.8 IS USM

Otra de las renovaciones es la de estas dos focales fijas de Canon, que tanto han gustado y vendido en estos años. Por primera vez en el mercado se introduce la estabilización en objetivos gran angulares fijos.

Ambos objetivos, que son muy usados en paisaje y en reportaje, van a conseguir que la nitidez en ambas modalidades sean aun mayores en momentos en los que la “velocidad del disparo” sea más necesaria. Al igual que en el 24-70 comentado anteriormente, se podrá ajustar su enfoque manualmente incluso con el AF activado.

Por último, el diseño interno de las lentes también se ha visto modificado, consiguiendo reducir aún más todo tipo de aberraciones, al igual que la reducción del llamado “ghosting”.

Via | DC Japón

Existen multitud de situaciones en las que podemos fotografiar a desconocidos en la calle, pero lo primero que tenemos que hacer es sentirnos cómodos en mitad de la calle con nuestra cámara, no es necesario empezar directamente al estilo, un tanto agresivo, de Bruce Gilden, sino que podemos ir acostumbrándonos a acercarnos a las personas poco a poco y a medida que nos sintamos más cómodos, conseguir acercanos más y con menos miedo.

Vamos a ver entonces algunas cosas que podemos hacer para conseguir nuestras primeras fotografías en las que aparezcan desconocidos y no lo pasemos tremendamente mal al disparar. Al fin y al cabo de lo que se trata es de disfrutar. Pero antes de empezar, debemos tener claro que si alguien no quiere ser fotografiado es mejor respetarlo, y si dudamos sobre si puede molestarle, preguntando simplemente “¿Le importa si le saco una foto?”, saldremos de dudas. Una sonrisa siempre ayuda.

Un teleobjetivo no es nuestro mejor amigo

Foto de SlapBcn en nuestro grupo de Flickr

Además, salvo que hagamos las fotos desde detrás de la persona que fotografiamos, en cuyo caso da igual usar un teleobjetivo que un angular, seguramente se percatarán igualmente de que les estamos apuntando con nuestra cámara, pero con la diferencia de que pueden molestarse más ante la sensación de ser espiados desde la distancia.

Lo mejor para empezar es hacerlo con un objetivo normal (50mm en formato de 35mm), o incluso algún objetivo zoom con un rango que vaya desde angular a un tele corto (por ejemplo, un 24-85mm en formato de 35mm) que nos permitirán mantenernos a una cierta distancia pero a la vez nos obligarán a acercarnos si no queremos que la persona se convierta en un simple punto en nuestra foto, ayudándonos a perder el miedo a ser vistos.

Ya tendremos tiempo, una vez que estemos más familiarizados con la fotografía de desconocidos, de utilizar el teleobjetivo largo buscando un efecto determinado en nuestras fotografías, como desenfoques marcados o acercamiento de los planos, que no nos aportan otros tipos de objetivos, o bien para fotografiar escenas a las que por el motivo que sea no podemos acercarnos físicamente.

Las personas como parte de la composición

Foto de soybuscador en nuestro grupo de Flickr

Observamos a ver si se acerca alguien y mientras tanto vamos midiendo la luz y buscando un buen encuadre. Aprovechamos para previsualizar mentalmente por donde tendría que pasar una persona para encajar y mejorar la composición inicial. En cuanto veamos que alguien se acerca y que pasará por donde queremos, hacemos como si sacásemos la foto a ese rincón tan bonito, es decir, disimulamos, pero disparamos en el momento en el que la persona cruza ante nuestra cámara.

Es probable que la persona al vernos con la cámara, se pare y espere a que saquemos la foto o cambie su rumbo y pase por detrás nuestro para no molestarnos, en ese caso, le damos las gracias y sonreimos, que le vamos a hacer, pero en algunas ocasiones puede funcionarnos y conseguir una buena foto sin molestar a nadie.

La ventaja de esto es que podemos conseguir fotografías interesantes gracias a una buena composición en las que la persona nos ayuda a componer la imagen sin sentir que la estabamos fotografiando al no ser el motivo principal de la fotografía.

Se trata de un tipo de fotografías en las que da igual quién o cómo sea la persona de la foto, simplemente son un elemento más de la fotografía, que añaden interés pero sin sentirse acosados. Esto nos permite mantener una cierta distancia para ir acostumbrándonos a disparar cuando una persona está ante nuestra cámara.

El angular nos puede ayudar a disimular

Fotografía de José Barceló

Es cierto, tendremos que acercarnos más, pero aprovechemos eso para hacer fotos con personas cerca de nuestra cámara sin que les intimide nuestra presencia. En la foto de arriba, esta pareja me preguntó: “No salimos en la foto, ¿no?” Es decir, estaban convencidos de que no salían, pero querían confirmarlo.

Volvemos a la escena de antes, estamos haciendo una foto en la calle, sin personas, pero alguien aparece, se mete en nuestro encuadre y antes de que salga disparamos. Podemos conseguir fotos en las que la persona sí sea el motivo principal de la foto pero sin que se agobie demasiado por eso ya que no tiene del todo claro si ha salido en la foto.

El problema que tenemos con los objetivos angulares es que la persona tiene que estar cerca de la cámara, sino, como sabemos, todos los planos se alejan y la persona perderá protagonismo.

Otra ventaja de utilizar objetivos angulares en estas situaciones es que disponen de una gran profundidad de campo, con lo que si se trata de una foto rápida y no acertamos el punto de enfoque exactamente donde queremos, tampoco será un gran problema ya que prácticamente toda la foto aparecerá enfocada.

La persona que ha pasado ante nuestra cámara, puede preguntarnos a ver si realmente sale en la foto. Ahí cada uno debe decidir su respuesta en función de la situación en la que se encuentra y la reacción de la persona de la foto, pero suele dar mejor resultado decir que sí, que realmente ha salido en la foto, e inmediatamente antes de que ponga mala cara o proteste, ofrecerle una copia de la foto y sonreir.

Espacios para fotógrafos

Foto de Lograi en nuestro grupo de Flickr

Por ejemplo podemos frecuentar zonas turísticas, monumentos, catedrales, etc. donde es habital que la gente esté un rato dando un paseo y sacando fotografías y no se nos quedarán mirando por hacer lo mismo.

También podemos asistir a lugares frecuentados por personas con una mentalidad más abierta hacia lo que es la fotografía, como puedan ser los alrededores de galerías y museos por ejemplo. Es cierto que esto no nos asegura buenas fotos ni evitar algún problema, pero si vamos con la mentalidad de que a las personas de estos espacios no les molesta, a nosotros también nos costará menos hacer las fotos y transmitir a los fotografiados que no estamos haciendo nada por lo que pedir disculpas.

Situaciones especiales para quitarte el miedo

Fotografía de José Barceló

Podemos aprovechar estos eventos para mezclarnos con la multitud y pasar más desapercibidos. De esta forma podremos conseguir fotografías más naturales sin que la gente se moleste por ser fotografiada.

Puede que nos pregunten a ver si la foto que acabamos de hacer va a salir en algún periódico. De nuevo podemos responder en función de la situación y la personalidad de cada uno, pero simplemente con decir que eso no depende de nosotros, sino que es el editor el que decide, podemos evitar tener que dar más explicaciones.

Acordaos de la fotografía analógica

Fotografía de José Barceló

Lo que ocurre es que gracias a que no puede verse la foto al instante, tenemos la excusa perfecta para no tener que enseñarla cuando alguno de los fotografiados nos pregunta si ha salido en la fotografía.

Bastará con decirle que no estamos seguros, que pensamos que sí o que no, según prefiramos, pero que si sale y quiere una copia de la foto cuando la tengamos revelada, que puede ponerse en contacto con nosotros.

Conclusión

Como decía al principio, la educación y la simpatía pueden ayudarnos mucho para evitar problemas. Cada uno debe conocerse a sí mismo y saber en qué puede mejorar a la hora de relacionarse con los desconocidos, pero personalmente lo que mejor me funciona es ir con la verdad por delante.

“¿Por qué me has hecho una foto?” suele ser la pregunta más temida cuando le sacamos una foto a algún desconocido. Debemos tener una respuesta más o menos en la cabeza para las distintas situaciones. Si tenemos un motivo, podremos explicárselo. Si no lo tenemos, podemos inventárnoslo o bien explicarle que nos gustan este tipo de fotografías, ofrecerle ver la foto y, si le ha molestado, pedirle disculpas.

Al fin y al cabo de lo que se trata es de disfrutar al máximo, conseguir buenas fotografías y no meternos en problemas gordos por una foto que puede que ni nos guste. A medida que vamos perdiendo el miedo y experimentando, cada uno termina conociendo qué le funciona mejor según su personalidad.

Foto de portada | #Sanxo#
En Xataka Foto | Fotografía Callejera

Hace no demasiado tiempo cuando estuve impartiendo mi último taller sobre iluminación y strobist para retrato, me di cuenta que había alguna persona que aún creía que el uso del flash era única y exclusivamente para cuando a penas existía luz.

En general frases como estas no están exentas de razón, pero obviamente no es una verdad absoluta ni mucha menos. El flash es una herramienta de iluminación que puede servirnos tanto como una luz principal como una luz de relleno. ¿Qué significa esto? Pues muy sencillo, significa que un flash no sólo podemos, sino que muchas veces debemos usarlo en situaciones de luz, y cuando digo luz me refiero a mucha luz, al igual que los reflectores (como ya os comenté en un artículo sobre su uso y sus tipos).

Según mi manera de ver y conocer la luz, podría catalogar al flash como un arma potentísima dentro de la creatividad fotográfica. Los diferentes motivos por los que se usa un flash podrían ir desde intentar iluminar escenas(cuidado con esto, porque hablo de iluminar no de alumbrar) que no tenga casi luz, pasando por usarlo para iluminar un fondo, hasta usarlo como luz de relleno para conseguir rebajar el contraste de escenas… Además la luz del flash puede conseguir darnos ese volumen que muchas veces nos falta en muchas de nuestras fotografías, potenciando formas, figuras y un sin fin de estructuras.

Es en parte por todo esto que os explico traeros unas pequeñas explicaciones más visuales sobre el uso del flash cuando nos encontramos a plena luz del día. Corre a cargo de Mark Wallace, y en el podréis ver como el uso de la luz natural junto con la del flash es mucho más utilizado de lo que muchos creen.

En próximos artículos os hablaré un poco más sobre algunos usos del flash y sus posibilidades.

Y recordad que la luz de una fotografía es uno de los factores que pueden encumbrarla o eclipsarla con respecto a los ojos de quien la mira.

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Tom Ang, afamado fotógrafo inglés delimita la fotografía en apartados: retrato, desnudos, paisajes, naturaleza, fauna, moda, viajes, deportes, arquitectura, fotografía artística, documental. Para todos sigue una misma estructura, muy clara, ordenada y que ayuda al lector enormemente a aprender como ya os comentaba mi compañero Aitor Carbajo el mes pasado sobre otro de sus libros titulado: “El fotógrafo completo”.

Lo primero que me ha venido a la cabeza para describir este libro es que es conciso y muy claro en todos los conceptos. Y esto se agradece muchísimo, pues una de las cosas de las que me he cansado hace tiempo es la “palabrería” que en muchas ocasiones encontramos en algunos autores de fotografía y, que tras leer, el capítulo correspondiente te quedas pensando: “pero … si no ha dicho nada en 30 páginas”. Pero no, en este libro poca paja encontrarás así que, al grano. Si estás empezando en esto de la fotografía te lo recomiendo. Si llevas unos cuanto años, también. Si establecemos nivel básico, medio, avanzado y experto, yo clasificaría este libro “Fotografía digital paso a paso” de Tom Ang adecuado hasta un nivel básico-medio-avanzado de conocimientos, apto para todos los públicos.

El libro y sus proyectos

Es un libro que se puede leer de diferentes formas. Todo seguido, devorando cada uno los conceptos que están muy bien explicados y además, en general, bastante bien traducidos a nuestro idioma, cosa que se agradece enormemente. O bien por partes, coger distintos bloques y centrarte en cada uno de ellos, como si fuera un manual. Pero hay una tercera vía que consiste en ir realizando las pequeñas propuestas y consejos en forma de miniproyecto. Desde luego, sin duda alguna, esta última vía resulta ser la mejor para aquellos que, utilizando este libro, deseen mejorar en la técnica fotográfica. Para ello, podéis coger estos proyectos y adaptarlos según vuestras necesidades.

Pero en qué consisten estos proyectos, que es lo que me ha parecido más interesante y por lo que distinguiría este libro de otros muchos. No quiere decir que la cuestión de plantear ejercicios sea nueva ni mucho menos. Pero la forma amena y divertida de los planteamientos hace te puedas plantear proyectos y lo que es más, como apuntaba antes, plantearte otros proyectos a partir de los que propone Tom Ang. Con un poco de disciplina y paciencia seguro que obtienes buenos resultados. En estos proyectos Tom Ang te fuerza a realizar retos que puedes adaptar perfectamete a tu propia situación, además de instarte a buscar información sobre determinados conceptos o autores, según sea el caso. Todo con el objetivo de pasar un rato divertido aprendiendo.

¿De qué nos habla Tom Ang?

De todo un poco. Es un libro que abarca prácticamente cualquier disciplina de la fotografía. Por lo que si estás empezando es una gran guía para que descubras en qué disciplina te sientes mejor. Este libro te habla de forma general de fotografía, de técnica fotográfica e incluso algo de edición. Desde elegir la cámara según las situaciones, configurar la cámara, componer, retratar o elegir adecuadamente los mejores momentos de luz. Siempre desde un lenguaje sencillo.

Por tanto, se trata de una publicación muy recomendable, como decía, si tu nivel se encuentra entre básico e intermedio/avanzado, pues aunque ya tengas bastantes conociemientos este libro como decía al principio también lo puedes usar a modo de consulta como si fuera un manual. Encuadernado en tapa dura, con papel de alto gramaje, está pensado para durar. Su precio es de unos 46 euros. Agradecemos a Ediciones Omega el hacernos llegar este libro

En Xataka Foto | El fotógrafo completo de Tom Ang. Aumenta tus conocimientos de fotografía de mano de este prolífico autor

Más información | Ediciones Omega

Cuando empezamos a usar objetivos clásicos en nuestra cámara digital, siempre surge una duda: ¿por qué hay adaptadores que cuestan más de 100 o 200 euros, y otros que cuestan poco más de 20? ¿Qué diferencias de calidad o de funcionalidad puede darnos un aparato que, básicamente, es sólo un trozo de metal que adapta dos roscas?

El primer hecho fundamental es la precisión en la longitud de esta pieza: cada montura tiene una distancia de registro (medida desde el plano focal hasta el objetivo) distinta, y para que todo funcione correctamente, ésta tiene que mantenerse al milímetro.

Dependiendo si el problema es por defecto o por exceso, nos encontraremos que no podemos enfocar hasta el infinito, o bien que podemos “pasarnos” el límite máximo perdiendo además distancia en el enfoque cercano. Cualquiera de estos dos problemas hace inútil la escala de distancias del objetivo y nos generará problemas especialmente si trabajamos con preenfoque o buscando la hiperfocal.

Sólo con esto merece la pena considerar una inversión mayor en una marca de confianza o en una gama más alta, especialmente en las monturas que vayamos a trabajar más intensivamente, buscando más allá de frases de venta como “permite enfoque al infinito” que no son suficientes para garantizar la calidad.

Además de esto, podemos encontrar accesorios de este tipo que agregan nuevas funcionalidades. Vamos a repasar algunas:

Sony NEX-5n con adaptador LA-EA2 y objetivo réflex 70-300

Mantener todos los automatismos

Si el adaptador es simplemente una pieza de acople entre el cuerpo y la lente, la cámara no recibirá ninguna información de qué le hemos colocado. Por eso es habitual tener que activar alguna opción que permita disparar sin objetivo acoplado, y en la imagen resultante no tendremos ningún tipo de datos EXIF que nos indiquen cómo se realizó la toma. Además, el diafragma tendrá que estar configurado en el objetivo.

Para solucionarlo, algunos fabricantes han creado adaptadores con la electrónica necesaria para intercambiar y transformar toda la información con la que trabajan cuerpo y óptica. De esta manera, podemos usar el objetivo adaptado exactamente igual que uno nativo, con su autofocus, su apertura automática y sus datos EXIF.

Como ejemplo, tenemos los adaptadores de Sony para usar sus objetivos réflex en las cámaras NEX: el EA1, que realiza todas las funciones descritas, y el LA-EA2, que añade además la posibilidad de enfoque por detección de fase (algo que las NEX no hacen nativamente). Este último se dispara a más de 300 euros, para que os hagáis una idea de lo complejo que puede llegar a ser su diseño y fabricación.

Confirmación de enfoque

Una manera mucho más simple y barata de enfocar con una lente adaptada es ponerle a esta pieza un chip de confirmación de enfoque: no hará que funcione el autofocus (si es que el objetivo lo tiene), pero conseguirá que la cámara nos avise cuando crea que hemos logrado el foco. Este aviso puede ser sonoro o visual, dependiendo del cuerpo.

En algunos casos, este chip de vende por separado, para pegarlo (literalmente) a un adaptador que ya tengamos, y en otros lo podéis encontrar unido. Dado que este chip necesita comunicación con la cámara, también podéis encontrar con distintas versiones con determinada información preconfigurada, de manera que en los datos EXIF aparezca la distancia focal correspondiente. Esto es muy interesante si nuestra cámara tiene estabilización en el cuerpo, ya que esta información se utiliza internamente para saber cómo y cuándo activar esta función.

Objetivo Carl Zeiss de montura Pentacon Six de formato medio, con adaptador descentrable.
Foto: Andrés Miguez, de nuestro grupo de Flickr

Con efecto “tilt-shift”

Si nuestro sueño siempre ha sido tener un objetivo descentrable, también podemos darle esta función al adaptador, permitiendo usarlo en todo tipo de objetivos por un precio muy inferior a las ópticas específicas.

El más conocido de estos aparatos es el Lensbaby Tilt Transformer, capaz de acoplar objetivos Nikon en cámaras CSC, aunque muchos fabricantes (especialmente, las típicas marcas chinas de dudosa calidad) han lanzado los suyos.

Esta baja calidad hace que la mayoría sean más aptos para fotografía artística (efecto minuatura) que para enderezar fotografías arquitectónicas o aumentar la profundidad de campo de los macros, terrenos donde un descentrable “de verdad” hará probablemente un mejor trabajo.

Con su propio diafragma

Si el problema es diafragmar en la lente, bien porque nos resulte incómodo, o bien porque queremos usar un objetivo que no tenga rueda de aperturas (básicamente, cualquier óptica autofocus de las últimas décadas), ¿por qué no colocar un diafragma externo en el adaptador?

Estos curiosos aparatos, que alguna vez os hemos mencionado, capturan la información de apertura que la cámara le está enviando a la lente, y abren o cierran sus propias láminas de diafragma, dejando las del objetivo abiertas.

Personalmente me parece una solución de compromiso que no tiene sentido en objetivos de gama alta, ya que difícilmente la calidad del desenfoque del adaptador pueda mejorar a la que realiza el propio objetivo.

Adaptadores helicoidales

Si trabajáis con objetivos telemétricos en cámaras CSC (como nos contaba Mauro Fuentes recientemente), os habréis encontrado con el problema de la distancia de enfoque mínima, que rara vez baja de los 70 centímetros por limitaciones de funcionamiento el telémetro.

Una manera de solucionar este punto, dándole una nueva vida a estos objetivos, son los adaptadores helicoidales, que incluyen un segundo anillo de enfoque que trabaja en la práctica como tubo de extensión de efecto gradual: en un extremo no se altera la distancia de registro, actuando como un adaptador estándar, separándose paulatinamente la lente del cuerpo al accionarlo.

En la imagen superior tenéis un ejemplo de su uso con un Voigtlander Skopar 21mm f4, trabajando a su apertura máxima y con su rueda de enfoque colocada en su punto más cercano (50cm). Al accionar el helicoidal (imagen derecha) esta distancia se acorta hasta unos pocos centímetros, convirtiendo nuestro angular estándar en un práctico “casi macro“.

Espero que este artículo haya dado un poco de luz en el mundo de los adaptadores, y os ayude a decidiros cuando busquéis la manera de reutilizar vuestra lente favorita en el nuevo cuerpo que acabéis de comprar.

Foto de cabecera | desmorider