En este pequeño tutorial y como aperitivo de nuestra edición semanal de Aprendiendo con Camera RAW vamos a ver cuatro conceptos básicos, que me han sido muy útiles a la hora componer visualmente los retratos: recortar, viñetear y corregir. No me voy a centrar en el cómo, es decir en la edición, sino en esos cuatro conceptos y cómo nos ayudan a mejorar el retrato. Para saber cómo ya lo puedes ir siguiendo en nuestro curso de Camera RAW. A estas alturas ya sabréis que mis dos modelos favoritos son mis hijos Diego y Noemí. En esta ocasión os voy a plantear los conceptos de hoy utilizando una foto de Noemí que ya publiqué en mi galería hace algunos meses. En este artículo de hoy, utilizo Lightroom 3.2, pero como ya he comentado en el curso de Camera RAW los conceptos son totalmente análogos a los que utilizamos en Camera RAW, por lo que puedes abrir tu imagen en Camera RAW y revelarlo todo allí. También quedaros con lo siguiente, después de terminar con Camera RAW o Lightroom, realizamos los ajustes finales en Photoshop.

Una de las cosas que he aprendido a golpe de ensayo y error así como a los consejos que me ha dado gente mucho más experta que yo en la fotografía de niñ@s y bebés es que no se están quietos. Partiendo de ello, has de plantearte realizar bastantes tomas hasta conseguir aquella con la que realmente estés satisfecho, realmente esto también es aplicable a los adultos muchas veces. Una cosa que debes tener en cuenta es el flash. Dado que las pupilas de los bebés sobre todo, son muy sensibles a la luz, más aún en sus primeros meses de vida, debes plantearte no dirigir el flash directamente hacia ellos por lo que si solamente dispones del flash integrado, te recomentaría que no lo usases. Si dispones de un flash externo, entonces, además es recomendable que lo dirijas hacia el techo por dos razones: lograrás una distribución mucho más uniforme de la luz y que el bebé o el niño no se sienta “flasheado” o asustado por la luz, logrando una pose más natural. Otra cosa que puedes hacer, como he hecho yo, en la toma de hoy es aprovechar la luz natural (junto con el flash a veces, aunque éste no es el caso) de la ventana para que ilumine la cara del bebé. El utilizar la luz natural también te ayudará a conseguir un balance de blancos más adecuado.

Pongámonos manos a la obra. Los datos de la toma de hoy son los siguientes: Nikon D90, Objetivo Nikkor 50mm f/1.8, ISO 200, 1/250 y apertura 1.8 y la distancia aproximada es de 1 metro. Está realizada sobre la cama de nuestro dormitorio. Comento esto último porque una de las cosas que pienso debe aprovechar un buen fotógrafo es el entorno que tiene, a veces el entorno es el que es y es complicado, por eso me gusta usar aperturas amplias para obtener un buen bokeh.

El objetivo final que queremos obtener es el siguiente:

La foto Original, el RAW sin editar … es éste:

Lo primero que podemos ver,con respecto a la imagen de abajo, es que he realizado un recorte en Lightroom e inclinado la horizontal de la cama para centrar más la atención en la cara de Noemí. Como efecto colateral, pero en positivo, el tiovivo de su cuna que estaba más centrado pasa a tener menos protagonismo, reforzando el objetivo de centrar la atención en su cara. Prueba a recortar y girar, es una gran ayuda en la composición. Esto ayuda a encontrar más fuerza en la imagen, diagonales, centrar más la atención en el sujeto y en definitiva, muchas veces, mejorar la composición.

Lo primero que pienso es el tipo de resultado que quiero obtener. Quiero llegar a una imagen “soft”. Abriendo la imagen RAW en Lightroom, ajusto un poquito la luz de relleno y la recuperación, ya que el procesado que busco es un toque de tonos “desaturados-saturados”, también bajo en las curvas las iluminaciones buscando ese efecto “soft”. Con el pincel de ajuste local y la opción mejora de iris y un tamaño de pincel adecuado repaso los ojos de Noemí aclarando un poquito.

Ahora viene el verdadero cambio por decirlo así: dividimos los tonos. Por defecto las sombras e iluminaciones tienen un tono neutro. En la opción dividir tonos suelo subir a tonos azules-magentas las sombras, subo poco a poco la saturación, en las iluminaciones hago lo mismo pero con tonos más cálidos. En este caso dejo un tono más neutro, ya que deseo que la imagen se enfríe un poco, recordando a un proceso cruzado, ello con los tonos rojos y anaranjados del resto de la foto crearán el efecto.

Abrimos la imagen ya en Photoshop. En este momento me doy cuenta que hay un pequeño arañazo en la frente de la peque. Aplico la herramienta parche para limpiar el pequeño arañazo que se había hecho Noemí en la frente. Después aplico la acción luz 3D de José María Mellado oscureciendo y/o aclarando luces y sombras. No es más que una acción que añade por encima tres capas de curvas, pero con las curvas sin tocar y con sus respectivas máscaras (en negro por defecto): la primera en modo Superponer (para Contrastar), la segunda en modo Trama (para Aclarar), y la tercera en modo Multiplicar (para Oscurecer). Sobre todo aquí aclaré un poco las sombras de la cara de Noemí. Para ello usé un pincel con una opacidad baja (20%) y di varias pasadas hasta obtener el efecto deseado. Esta acción la uso para dar volumen. Apliqué una capa blanca con una opacidad baja para bajar los colores y suavizarlos. Añadí otra capa blanca en modo superponer o luz suave para contrastar un poco algunos brillos de la cara. También con ello he conseguido vieñetear algo la imagen, oscureciendo el fondo.

Para terminar aplicamos un poco de enfoque selectivamente a la parte del rostro ya que en estos casos suelo no enfocar en el revelado sino hacerlo al finalizar el procesado. Espero que os haya ayudado a clarificar conceptos y os pueda servir en la composición de vuestros retratos, nos vemos en Xatakafoto, y recuerda: el don está en la mirada del fotógrafo.

Fotografía | Alfonso Domínguez Lavín

Si alguna vez te has preguntado cómo realizar una selección precisa y no lo lograbas conseguirlo, este es el momento de ponerse a ello. Probablemente ya hayas visto muchos tutoriales sobre el tema. Espero que en este “Tutorial: Selección por canales” de hoy, te animes definitivamente a utilizar este recurso que te vendrá muy bien.

Uno de los muchos problemas que he tenido siempre, ha sido la selección de elementos complicados. Complicados, en cuanto a su forma. Recuerdo que, primero empecé a utilizar la “famosa” varita mágica, pero por más que lo intentaba no seleccionaba nunca lo que quería yo. Luego, más tarde, descubrí, en las últimas versiones de Photoshop, la herramienta de selección rápida. Aunque esta herramienta me dió grandes alegrías en cuanto a selección de modelos, caras y cuerpos sobre fondos neutros, no me funcionaba del todo bien cuando de paisajes se trataba así como cuando uno de los modelos tenía el pelo largo y suelto: resultaba un problema. He de confesar que aunque la he utilizado bastante los resultados nunca me convencieron del todo en estos últimos casos.

Me dije que, en Photoshop, tenía que haber alguna manera de poder seleccionar esas formas complicadas como el pelo o como las ramas de un árbol de manera precisa. Entonces, como si fuera algo sorprendente, descubrí los canales. Habían estado ahí, siempre. Pero no les había hecho ni caso. Mirando mucho por internet, leyendo libros y viendo diversos tutoriales comencé a entenderlo. A pesar que los canales de color, suelen ser más conocidos precisamente por separar los diferentes coolores primarios dependiendo del modo de trabajo en el que estemos nos pueden servir para realizar selecciones complicadas. Básicamente diremos que, el más habitual, el modo RGB se descompone en 3 canales: RGB que es la combinación de los 3 primarios, Rojo, Verde y Azul.

Para poder realizar el tutorial Descarga el archivo RAW del tutorial archivo_raw.

Así es como vemos la imagen antes de empezar:

Para la realización de este tutorial es necesario partir de una imagen que tenga un gran contraste con el cielo y que posea un elemento principal que tenga una forma complicada. Por ello, he elegido una imagen que tomé este fin de semana de un pequeño árbol que tiene unas ramas bastante complicadas. Esta es la imagen final a la que llegaremos:

Antes de empezar, diré que lo que suelo hacer en muchos de estos casos y en el caso de hoy, es revelar 2 veces la imagen. También puedes realizar 2 tomas con 2 exposiciones diferentes y combinarlas. Dado que es un contraluz con una luz bastante dura, no es al atardecer ni al amanecer, me gustaría lograr una imagen que no sea la silueta en negro del árbol y el suelo contra el cielo. En mi caso, como decía, hice una única toma.

Revelado para el suelo

Abrimos el archivo RAW y hacemos el revelado, como decía, fijándonos únicamente en el suelo . Como veréis la parte inferior queda oscurecida. Cuando has acabado, le decimos que lo abra como objeto inteligente en Photoshop. Muy importante, por dos razones. Podremos volver a Camera RAW siempre que queramos y podremos duplicar la capa y editarla como objeto inteligente. El resultado obtenido es lo vemos a continuación.

Los parámetros básicos que utilicé fueron los siguientes:

Podemos ver la imagen en Camera RAW:

Revelado para el cielo

Ahora vamos a la capa que tengo abierta en Photoshop, la selecciono, y con el botón derecho elijo la opción: Nuevo Objeto inteligente como copia. Esto hará que tengamos una capa con “copia virtual” de nuestro archivo RAW, que podremos editar de forma independiente. Haciendo un doble clic en esta nueva copia, se nos abre Camera RAW y editamos los parámetros, esta vez fijándonos en el cielo.

Los parámetros básicos que utilicé fueron los siguientes:

Podemos ver la imagen en Camera RAW, donde en los laterales y en la zona del horizonte, señaladas en rojo, podemos ver que hemos recuperado en gran parte esas nubes que estaban ocultas. Esto podría haberse forzado algo más, pero decidí dejarlo así para tener un bonito efecto de fuerte luz por detrás del árbol:

Ahora seleccionamos cada capa por separado y pulsamos botón derecho / rasterizar capa. De este modo las capas dejarán de ser objetos inteligentes. Ya no lo necesitamos. No abriremos Camera RAW ya. De esta forma pintamos de negro como indica la imagen anterior.

En esta segunda imagen hemos tratado de recuperar el cielo, principalmente, subiendo el control de los negros. Lo que además, le aporta una agradable sensación de viñeteado, que me gusta bastante. También he tocado el control de las curvas hasta dejarlo en el tono que he considerado adecuado.

Aunque el cielo ha quedado a mi gusto, lo lógico es que toda la zona del suelo fuera negra. Dado que utilizaremos la otra parte que hemos revelado anteriormente. Cogemos un pincel negro y pintamos sobre las pequeñas zonas blancas que vemos en la parte del suelo, señalada en color amarillo.

Enfocando

Finalmente os muestro el enfoque utilizado en ambas objetos inteligentes. Esto es cuestión de gustos. A mí en los blancos y negros me gusta meterle algo de grano para darle textura, porque me recuerda al toque analógico de antaño. Este detalle en la web y a los tamaños que solemos subir nuestras fotos no resulta muy apreciable pero a la hora de revelar en un tamaño grande sí.

La selección por canales

Finalmente, ¿qué hemos obtenido? Una imagen donde tenemos el cielo expuesto a nuestro gusto y otra donde la parte del suelo y del árbol están correctamente expuestas. El problema de la selección comienza ahora. Una solución que podríamos utlizar es usar la varita mágica sobre el cielo y crear la máscara, pero no sería del todo preciso pero encontraríamos los problemas que comentábamos al principio de este artículo.

Seleccionamos la capa con el cielo bien editado y el suelo negro. A continuación, vamos a los canales. Éstos se encuentran justo al lado de la pestaña que pone Capas. Aunque la imagen esté en Blanco y Negro, para simplicar el proceso, veremos que hay ligeras diferencias entre los canales rojo, verde y azul. Vamos a canales y pulsamos uno a uno los diferentes canales (manteniendo solamente uno activo cada vez). Lo siguiente es decidir sobre cuál de ellos nos ofrece más contraste entre el cielo y la tierra. Esto no es del todo exacto nunca y podréis elegir otro canal. En mi caso, elijo el canal azul, aunque en blanco y negro no notaremos la diferencia, pero en color elegiremos el que tenga un mayor contraste Lo selecciono y con el botón derecho elijo duplicar canal. Dejo todos los canales activados menos el “azul copia”.

Ajusto un poco los niveles del nuevo canal “azul copia”. Para ello llevo el deslizador blanco hacia la izquierda, recortando los blancos y llevo el deslizador negro, hacia la derecha, recortando los negros. Finalmente ajusta el deslizador gris un poco, de tal forma que consigas un canal casi en Blanco y Negro pero sin perder definición en los detalles del contorno del árbol. Para ello puedes hacer un zoom previo a la imagen y ajustar los niveles viendo la imagen aumentada.

A partir de este momento puedo realizar dos cosas. O bien retoco el canal manualmente con el pincel y luego creo la selección o bien cargo la selección y luego la retoco. Como queráis. Yo, prefiero la segunda opción. Así, elegimos la herramienta Selección, pulsamos sobre la imagen con el botón derecho y elegimos cargar selección. Podemos ver que nos falta un poquito en los laterales de la selección. Pero si nos fijamos bien, el contorno del árbol contra el cielo está perfectamente realizado, incluidas las pequeñas ramas.

Una vez cargada la selección, vamos al icono con un círculo blanco que está dentro del Panel de capas en la parte inferior, para crear una máscara basada en la selección que acabamos de cargar.

Ahora deberíamos ver la imagen con un cielo “casi” perfectamente ajustado. Digo casi porque nos falta recuperar un poquito en los laterales.

Para ello, hacemos clic en la máscara y con un pincel blanco retocamos un poco en los laterales hasta recuperar la máscara en los laterales.

Ajustes finales

Esta imagen sin embargo, presentaba un pequeño problema antes de finalizar. En la parte superior, observamos una zona algo sobre expuesta que además hace que la atención se nos vaya hacia la parte superior. Esto podemos arreglarlo con un pequeño degradado en negro, en modo subexposición lineal, de la forma que vemos a continuación.

Inmediatamente después de hacer el degradado vamos al menú Editar / Transición de Degradado y ajustamos la intensidad hasta que los grises coincidan aproximadamente con la tonalidad gris de los laterales. ¡Como si hubiémos utilizado un filtro graduado de densidad neutra!. ¿Dónde pondría el mío? Ah, en casa. Ahí estaba bien. Esta es una forma de arreglarlo, aunque prefiero usar el filtro ya que suelo tener más control de la luz en el momento de tomar la fotografía.

Conclusión

Ya está lista nuestra imagen. Un poco de enfoque y hemos acabado. Espero, que os haya gustado el resultado. Hay muchas maneras de hacer este tipo de selecciones, pero esta es una de las que, personalmente, más precisión me parece que otorga al resultado final. Finalmente, comentaros que dado que hemos recibido algunas peticiones sobre cómo editar en RAW, estamos preparando un curso sobre edición RAW con Adobe Camera RAW y Lightroom. Estad atentos a Xatakafoto.

Fotografías y Archivo RAW | Alfonso Domínguez Lavín

Una fotografía basada en lo que se llama Alto Contraste es aquella en que expresa un gran diferencia entre las luces y las sombras. Cuando nos encontramos con un objeto de la realidad muy contrastado, es decir que existen una gran diferencia entre las luces y las sombras, lo que hace una exposición automática es reducir el valor de la parte iluminada y la parte oscurecida. Con ello se obtiene una fotografía media entre luces y sombras que conlleva una falta de detalle. Pero esto no es lo que buscamos, buscamos fotografías de alto contraste para inspirarte.

De todas maneras, el nivel de Alto Contraste es un gusto personal. Las apreciaciones, muy comunes en este tipo de fotografías, sobre si está expuesto o sobre expuesto, deben quedar solamente en eso. A veces nos quedamos únicamente en esos detalles pero al espectador común que disfruta de la imagen no le suele preocupar eso. Si funciona visualmente, funciona.

Fotografía de Aitor jorge Pascua en nuestro grupo flickr

Por ejemplo, en los retratos, una técnica muy utilizada a lo largo del tiempo, ha sido la de usar un fondo blanco. Si vestimos al modelo con ropas ligeramente oscuras facilitaremos la posibilidad de obtener un alto contraste entre el modelo y el fondo blanco. En cambio si el modelo viste ropa clara, esta posibilidad desparecerá y obtener un alto contraste resulta mucho más complicado. En estos casos una medición ponderada al centro funciona muy bien. También en los casos de fotografías de conciertos encontramos estos contrastes muy fuertes, en este caso una medición puntual sobre el artista funcionará bastante bien.

Fotografía de Aitor Lopez de Audikana en nuestro grupo flickr

También podrían entrar en esta categoría de Alto Contraste los llamados retratos en Clave Baja, donde utilizando como norma general un fondo negro, iluminamos parte del sujeto, obteniendo así un gran volumen en los contornos del modelo como ya nos contó en su día nuestro compañero Jesús León en su artículo sobre fotografías de Clave Baja, aunque también podemos utilizar objetos de color predominantemente claro frente a un fondo negro.

Fotografía de KORGAN en nuestro grupo flickr

Fotografía de Luis Hernández en nuestro grupo flickr

En resumen, tradicionalmente con Alto Contraste, como indica su nombre, nos referimos a una imagen en la cual vamos a encontrar Negros muy profundos y los Blancos muy iluminados pero esto no quiere decir que el alto contraste se encuentre solo en fotografías de ByN, sino también en las de color. . Aunque los más puristas dirán que si es un blanco y negro, es un blanco y negro. Que no es muchos tonos medios y poco blanco y negro. Quizás se pierdan detalle en las sombras, y en las altas luces, pero se gana muchísima fuerza en la imagen. Personalmente, mi concepto de alto contraste es algo más amplio. No pasa porque los negros pierdan todo el detalle y las iluminaciones estén totalmente sobre expuestas, me gusta el detalle y para ello no podemos prescindir absolutamente del todo de los tonos medios, tanto para blanco y negro como para color, en mi opinión. También veremos como, en determinados casos el uso acertado del HDR puede ayudar a ofrecer fotografías de alto contraste.

Fotografía de Alex Jiménenez en nuestro grupo de flickr

Veamos algunos ejemplos más de imágenes de Alto Contraste y cómo pueden servirnos de inspiración, teniendo en cuenta que hemos escogido las siguientes imágenes por su alto grado de contraste.

Fotografía de José Singla en nuestro grupo flickr

Fotografía de domimb en nuestro grupo flickr

No podíamos olvidar la fotografía en color y para ello hemos dejado hueco a esta imagen de Arnau23 que se apoya en técnicas de iluminación, algo que no podemos olvidar en cuanto obtener imágenes muy contrastadas como las que vimos hace unas semanas en la entrevista a Joel Grimes.

Fotografía de Arnau 23 en nuestro grupo de flickr

En último lugar he elegido esta fotografía de Malegrya porque además de tener un alto contraste lo tiene también en sentido metafórico por lo chocante entre la chica y los monjes, un pequeño guiño al doble sentido del contraste.

Fotografía de Malegrya en nuestro grupo flickr

Finalmente, unos pequeños consejos en cuanto al procesado de imágenes de Alto Contraste en Blanco y Negro. Para realizar estos pasos en Camera RAW y conseguir una foto en Blanco y Negro de Alto Contraste podemos guiarnos por los siguientes valores, siempre y cuando trabajemos sobre una imagen que esté bien expuesta:

Saturación = 0 o bien ponerlo en Escala de Grises
Los negros: entre 30 y 60 (dependerá de la exposición de la foto, en algunos casos podremos subir la exposición hasta +1.00)
La Luz de Relleno: entre 15 y 40
Contraste: Entre 30 y 70
Recuperación: entre 10 y 30
Claridad, entre 40 y 50
Curva de puntos: Poner Contraste fuerte y ajustar las sombras y las iluminaciones de forma que no se pierdan detalles.
Valor de Enfoque: De 70 a 110
Radio de Enfoque: De 1,5 a 3
Detalle de Enfoque: De 25 a 50

Y hace unos días os ponía como ejemplo esta otra imagen en el artículo sobre selección por canales consiguiendo un alto contraste:

Fotografía de Alfonso Domínguez Lavín

Básicamente si no ponemos la saturación a 0, obtendremos una imagen muy contrastada pero en color, aunque aquí probablemente tendremos que variar alguno de los parámetros que hemos tocado anteriormente. Otra posibilidad en Blanco y Negro que tenemos es usar el plugin Nik Silver Efex del que hablábamos hace unos días. Espero que este artículo os haya animado a realizar fotografías de Alto Contraste y que nos mostréis los resultados.

Fotografía de Portada | Santiago Díaz

Continuamos hablando de los histogramas, ésta vez analizando fotos que habéis subido a nuestro grupo de Flickr, para hacernos una idea de qué información es capaz de ofrecernos.

Partimos de la imagen de cabecera, que tiene lo que muchos consideran un histograma perfecto (lo tenéis en vertical): cubriendo toda la gama de tonos, desde los más oscuros a los más claros, sin ningún salto brusco, y bajando suavemente en el extremo izquierdo y derecho.

Si nos fiamos de los tags de la imagen, vemos que la manera de conseguir esa gama tan amplia fue con la técnica HDR, en este caso bastante bien tratada, sin tratar conseguir efectos exagerados, ni producir los temidos halos.

Tal y como hablábamos al final del anterior artículo, una imagen correctamente expuesta no siempre tiene por qué tener un histograma tan bonito (si es que podemos usar esta palabra). Tomemos, por ejemplo, la siguiente imagen:

Las fotos de niebla suelen tener poco contraste, y esto es absolutamente normal. Así, en la foto de la parte superior vemos cómo tenemos un histograma comprimido en muy poco espacio (en este caso, la zona más alta, ya que los tonos son grises muy claros). Sabemos que no se llega al blanco puro viendo simplemente que la zona ocupada de la gráfica no alcanza el extremo derecho.

Si tratásemos de estirar el histograma, para conseguir uno similar al de la primera imagen, tendríamos una fotografía muchísimo más contrastada, que no mantendría en absoluto el feeling o el realismo de la escena. Además, al partir de una gama de tonos tan concreta, acabaríamos con una imagen con mucho ruido y posiblemente con transiciones bruscas entre algunos niveles de gris.

Un caso muy similar es el de esta toma, realizada en clave alta. Pese a que la zona ocupada principal del histograma es la misma, vemos como el contraste general es más alto, y de hecho encontramos siempre algo de información en toda la gama de grises, desde el negro al blanco absoluto.

En general, esta gráfica y su inversa (reflejada horizontalmente) la podemos considerar típica para las claves altas y bajas, respectivamente. Para ejemplificar esta última abandonamos el blanco y negro, y vemos qué información nos ofrecen los histogramas parciales del color:

El histograma desplazado a la izquierda, aunque con bastante información en los medios tonos, confirma efectivamente que trabajamos en este caso con una imagen oscura aunque no con una clave baja pura. Lo interesante, de todas formas, es ver las gráficas por color.

Por un lado, tenemos el rojo, que destaca claramente en la fotografía y en la gráfica. El tono más puro es el pelo, que ocupa un buen porcentaje de la imagen, y de un vistazo al histograma observamos que es el que domina en los tonos medios.

El resto de colores predominantes (la piel y el vestido) tienen también un alto porcentaje de rojo, pero también tienen toques de azul y verde. Así, vemos como aparecen picos de ambos colores, especialmente en la zona más oscura (seguramente, los pliegues del vestido y las sombras de la piel).

Esta fotografía es un ejemplo mucho más claro de cómo a veces es necesario mirar los histogramas parciales para tener toda la información. Al haberse usado flashes con geles de colores, hay zonas de color grandes y bien diferenciadas, y así vemos que cada una de las gráficas (rojo, verde y azul) ha acabado teniendo datos bastante distintos.

Es de notar también como Lightroom (de donde he capturado el histograma) nos está indicando con las flechas de los extremos que hay pixels negros y blancos puros. Muchos fotógrafos considerarían un error (de la captura y del tratamiento) que esto ocurra, ya que se pierde información de las luces altas y las sombras, pero yo no diría en absoluto que eso suponga un problema en esta foto.

Por último, un caso curioso son las imágenes con desaturados parciales, que tienen una gráfica general donde coinciden todos los histogramas, manchada con los colores donde se ha mantenido la saturación. A modo de ejemplo tenemos esta cabina de teléfonos que, nuevamente, tiene un tono de rojo con tintes de verde y azul.

En esta foto está aún más claro el recorte en blancos y negros puros, que se salen del gráfico por los laterales (podéis verlo mejor en la versión desaturada de la derecha). ¿Habría ganado la imagen con un bonito cielo plagado de nubes (bastante poco escocés), y unas sombras ricas en detalles pero menos marcadas? Sea como sea, sería otra foto distinta, con un histograma distinto, y no por ello más o menos válida.

Una vez finalizados los ejemplos, en la siguiente parte del artículo tocará arremangarse, para ver cómo utilizar el histograma en el momento de la toma y del postproceso. De todas formas, si tenéis sugerencias de temas a tratar, podéis contárnoslos en los comentarios, y trataré de adaptarme a vuestras sugerencias.

Fotos | Amir Kuckovic | Aitor Jorge Pascua | Gerardo Soria | Patricia Chumillas | Pablo Anguita | Jasmin Bauer, todas de nuestro grupo de Flickr

Como sabéis, en Xataka Foto estamos llevando a cabo un curso de fotografía. Si bien hemos empezado por lo más básico, intentaremos llegar a niveles avanzados.

Por si alguien no lo conocía os dejamos con un Índice de lo que hemos visto hasta el día de hoy. Para que tengáis el curso siempre a mano iremos actualizando esta entrada a la que podéis acceder desde el banner del panel lateral.

Esto son los temas que hemos visto hasta el momento:

1. La luz y la formación de imágenes
2. Partes importantes de la cámara
3. Como vemos y como fotografiamos
4. Tipos de cámara. Clasificación
5. Tipos de cámaras. Ventajas e inconvenientes
6. Tipos de cámaras. ¿Qué cámara necesito?
7. Tipos de objetivos
8. Tipos de Plano (I)
9. Tipos de Plano (II)
10. Tarjetas de memoria y soportes de almacenamiento
11. Tarjetas de memoria y dispositivos de almacenamiento
12. Velocidad de obturación (I)
13. Velocidad de obturación (II)
14. La apertura: Teoría
15. La apertura : Ejemplos prácticos
16. Fotografía en manual: Introducción
17. Fotografía en manual: Ejemplos prácticos
18. ISO: la sensibilidad de tu cámara
19. El autofocus: Introducción
20. El autofocus: Modos de autofocus
21. El autofocus: Consideraciones sobre el autofocus
22. El encuadre
23. La medición: Introducción
24. La medición: Casos especiales
25. La composición
26. La composición: Aplicaciones
27. El Color. Introducción al color
28. El Color. Cómo hacer uso del color
29. El balance de blancos – Introducción
30. El balance de blancos – Uso creativo
31. El flash: Conceptos
32. El flash: Tipos de flash
33. El flash: Modos de flash
34. Los filtros fotográficos
35. Accesorios
36. Protección y limpieza de los objetivos
37. Tipos de archivos fotográficos
38. Consejos prácticos para mejorar. Composición
39. Consejos prácticos para mejorar. Técnica
Curso de Fotografía: 40. Edición de imágenes

Esperemos que os guste y que sigáis leyéndonos.

Foto | kanegen

Se va acercando el calor, lo que significa que los más afortunados serán compensados con unas merecidas vacaciones. Muchos de vosotros seguro que pillareis un avión para desplazaros al lugar que hayáis elegido para vuestro destino ¿porque no aprovechar esas horas de trayecto para hacer fotos?

Es posible que más de uno de vosotros ya tenga la típica foto del ala asomando por la ventanilla del avión, pero aunque no lo parezca en un espacio tan reducido, podemos sacar fotos bastante interesantes como capturar la inmensidad del cielo o hacer fotos a vista de pájaro con el paisaje de nuestra ciudad desde el aire.

Para ayudaros hacer mejor fotos cuando estéis volando, desde pixph nos dan una serie de consejos muy útiles que nos pueden venir muy bien para hacer fotos diferentes y sobretodo para que nos salgan mucho mejor.

Foto | FriaLOve

Sé legal y cumple las normas

Dispara a principios del vuelo

No esperes hacer las fotos al final del vuelo y si puedes hazlas al principio. Evitaras que en tus fotos salgan reflejadas esos pequeños copos de hielo que se suelen ver por la ventanilla cuando llevamos un rato en el aire. El motivo que eso pase son las bajas temperaturas que coje el avión cuando está en una altitud considerable y hace que en la ventanilla se condense el agua que pedan tener las nubes.
Así que aprovecha cuando la ventanilla esté más clara y seguro que la cámara hará mejores capturas.

Foto | josef.stuefer

Reflejos incómodos

Uno de los errores más comunes que solemos tener a la hora de hacer fotos en los aviones es el es acercar la cámara todo lo que podemos a la ventanilla para que no salga ningún reflejo en la foto. Pero eso nos conlleva otro problema, que la foto saldrá movida debido a las vibraciones del avión.
La solución más fácil es utilizar un parasol a nuestro objetivo y acercarnos a la ventanilla todo lo que podamos, pero sin llegar a tocarla. Siempre nos podemos ayudar de los asientos para intentar estabilizarnos.

Foto | gbaku

Mejor sin flash

No creo que tenga mucho sentido disparar en flash delante de la ventanilla, entre otras cosas lo único que conseguiremos será a parte de deslumbrar a los pasajeros, es que en la foto no se vea nada por el reflejo de la luz contra el cristal. Mejor si lo dejamos apagado.

Foto | : ƥɾαɳαʋ :

Utilizar el enfoque manual

Porque si utilizamos el enfoque automático es posible que nos enfoque defectos del cristal que no nos interesa capturar, como algunos arañazos o la simple suciedad que pueda tener el cristal. Lo podemos intentar limpiar pero al tener doble cristal no creo que hagamos gran cosa. De esa manera, si utilizamos el enfoque manual somos nosotros quien elegimos que es lo que más nos interesa y podemos ser más selectivos. Aparte, nos ahorramos un gran trabajo en el procesado intentando camuflar todos esos errores.

Foto | Jensenchua

Cámara en mano

Cuando el avión está listo, tanto como para despegar como para aterrizar, no tenemos mucho tiempo para hacer fotos. Al hacernos apagar las cámaras por el tema de la seguridad, podemos perder la preciosa instantánea de ver la tierra desde el aire. Así que, cuando el indicador del cinturón nos avise de que nos podemos quitar el cinturón y podemos encender las cámaras tenemos que estar preparados y ser rápidos para disparar esos preciosos momentos, porque no duran mucho. Al poco rato solo veremos agua y muchas nubes.

Foto | Alex E. Proimos

Busca los detalles

Como en cualquier toma fotográfica, busca pequeños detalles que diferencien tu foto de las demás. No te centres solo en el exterior, puedes intentar centrarte en el motor del avión, en las alas del avión o incluso en partes del interior sin que la protagonista de la foto sean las nubes o la luz calida del sol. Busca otro punto de interés para que la foto sea más característica, seguro que no te arrepientes.

Foto | Olivier Bruchez

Via | pixph

Foto | mikebaird

Viernes de reflexión para empezar el fin de semana dándole vueltas a la cabeza. Y es que hoy quería hablaros de algo que nos pasa a muchos aficionados a la fotografía a poco que nuestras fotos (o nuestra cámara réflex) empiezan a gustarle a nuestros conocidos, amigos de nuestros amigos, etc.

Poco tiempo transcurre desde ese momento hasta que te empiezan a hacer propuestas del tipo “oye, vaya cámara que tienes, ¿puedes hacer las fotos de la comunión de mi hija? Yo con 4 fotos que hagas me conformo”. Y ojo, peligro, que “me conformo” normalmente quiere decir, ¿me las haces gratis que no tengo ganas de pagar a un fotógrafo?

Y no quiero hablar de intrusismo laboral ni nada por el estilo, tampoco quiero entrar en ese tema, pero personalmente opino que si empezamos a tomarnos la fotografía como algo serio, debemos valorar el trabajo.

What The Duck traducida por Caborian

La boda de tu prima de Andorra, la comunión del hijo del portero, el bautizo de un compañero del trabajo, eso son los eventos más solicitados, BBC que llaman por ahí, pero seguro que también tendréis propuestas de books a chicos o chicas que quieran uno, fotos de arquitectura o de locales, o cualquier otra temática que se os ocurra.

Tampoco me interpretéis mal, no quiero decir que seamos peseteros y que le cobremos a todo el mundo, y tampoco que tengamos que decir que no por defecto. Si nos lo pide cualquier persona a la que tengamos afecto, un familiar o alguien allegado al que queramos hacerle ese regalo, seguro que lo agradecen, si nos apetece porque queremos aprender, también, pero hacedme caso, no os convirtáis en “el amigo que sabe de informática al que todo el mundo llama cuando la impresora no imprime”.

Y es que si tenemos intención de avanzar, profesionalizar mínimamente nuestra pasión, tenemos que empezar por valorar nuestro trabajo y los primeros que tenemos hacerlos somos nosotros. Si un conocido, con el que no tenemos ningún compromiso, no lo valora, mejor que lo intente con otro.

Foto | llamnudds

Y no es cuestión de ir de divo, de estrella, ni nada por el estilo. Valorar un trabajo, y ponerle un precio cuando creemos que el trabajo lo merece no es para nada descabellado, es más, es lo normal, y si lo hacemos desde primera hora seguro que nos cuesta menos conforme pase el tiempo.

Yo, que evidentemente no me libro de estas proposiciones lo tengo claro, y aunque ya me ha tocado cubrir a familiares en determinadas circunstancias, simplemente porque me apetecía, cuando ha llegado el momento he sabido decir que no y ponerle un precio a mi trabajo.

En todo caso, si os veis en un compromiso que no os apetece para nada, es prefirible recomendar a un profesional, un fotógrafo especializado en el tema, que para eso están.

Cuestión aparte es el tema del “intrusimo laboral”. Evidentemente, si vemos que la cosa no se limita a un par de encargos al año, tenemos que legalizar el tema. Hacernos autónomos, cotizar a la seguridad social y facturar, son tareas que no podemos evitar si de verdad nos interesa tomarlo como profesión.

Por último, os dejo algunos post que pueden interesaros sobre este tema. Por un lado echarle un ojo a estos 12 consejos para tu primer encargo profesional y a esta guía para presupuestar un trabajo fotográfico. Por otro, no os perdais los consejos que nos dieron nuestros compis de Pymes y autónomos para trabajar legalmente como fotógrafo

Seguro que en alguna que otra ocasión habéis pensado en imprimir vuestras fotos a un tamaño mucho mayor al que os permite vuestra impresora de casa.

Para hacerlo tenemos dos opciones, bien llevar o mandar nuestra foto a un laboratorio fotográfico, online o físico, donde nos la impriman al tamaño deseado o bien usar uno de los programas que os traemos hoy, dos aplicaciones pensadas específicamente para dividir la imagen en varias partes y poder imprimirlas desde la impresora de casa.

Easy Poster Printer es uno de ellos. Se trata de un software para Windows, muy sencillo, y además gratuito, con el que podrás hacer ampliaciones de hasta 20 × 20 metros, vamos que podrás empapelar la habitación con una de tus fotos si quieres.

Poster Print es otra alternativa, en este caso de pago y para Mac y básicamente te permite hacer lo mismo, imprimir tus fotos al tamaño que elijas dividiendo la imagen en varias partes en A4, o el tamaño de papel que tengamos en casa.

Pero todavía hay más opciones. Recuerda que en Xataka Foto ya os hablamos de Rasterbator y Block Posters, dos alternativas más para hacerlo.

Una buena opción si no queremos calidad extrema pero si nos gustaría poder imprimir nuestras fotos a gran tamaño sin comernos mucho la cabeza. Se pueden conseguir composiciones interesantes: Galería 1 y Galería 2

Vía | Obtura4
Más Información | Easy Poster Printer – Poster Print

Si con la técnica del Tilt Shift podemos dar el efecto de maqueta a una fotografía real; en el artículo que os traemos hoy, vemos como las maquetas construidas por Michael Paul Smith parecen imágenes reales.

Smith es un fotógrafo estadounidense obsesionado con reconstruir la ciudad de su infancia. Nació en Pennsylvania, y hace años que construye maquetas de la ciudad tal y como él la recuerda de niño.

El realismo que ofrecen sus recreaciones es realmente asombroso. Lo mejor es que las imágenes son tal y como salen de la cámara, sin ningún procesado por Photoshop.

Smith comenta que el truco que utiliza para darle a las maquetas un efecto más realista es muy simple:

Coloca una maqueta con el fondo adecuado y dispara”.

Las maquetas están construidas a escala 1:24 y han sido elaboradas siempre con objetos cotidianos y materiales caseros.

Gracias a Manu por el aviso.

Vía | Fogonazos

Tanta le gusta la fotografía que no encontró forma mejor de pedirle matrimonio a su novia que realizando un Light Painting con el que escribió “Emily, will you marry me?” (Emily, ¿quieres casarte conmigo?. Para hacerlo utilizó aproximadamente 800 disparos de 10 segundos de exposición durante tres noches en Raleigh, Carolina del Norte.

El resultado y el vídeo del Making Of que ha preparado para contarlo son impresionantes, no le pudo quedar mejor:

Si queréis ver todo el proceso y una explicación detallada no dejéis de echar un vistazo a su web, donde lo explica paso a paso.

Vía | alt1040 > Punto geek
Más Información | derick and emily