Nuevamente, el tema de la semana vuelve a estar centrado en la cuestión del procesado y la manipulación asociados a fotografías premiadas en concursos. El suceso en esta ocasión tiene un agravante: este debate no ha hecho más que ensombrecer totalmente la cuestión en la que deberían estar todos los focos de atención, es decir, el dramático suceso que pretende reflejar la fotografía. Por eso, os proponemos la siguiente pregunta:

¿Dónde crees que está el límite para considerar procesado / manipulación?

Como de costumbre esperamos vuestras respuestas en la sección a la que podéis acceder a través del link de aquí arriba. Mientras tanto, recuperamos la pregunta de la semana pasada, sobre lo que opinábais acerca del nuevo servicio Photoshop Creative Cloud. La respuesta más valorada ha sido la de Diego:

Lo peor que te obligan a pagar una mensualidad que a la larga terminará siendo más rentable únicamente para Adobe, no para el usuario. Actualmente, puedes usar CS4, incluso CS3, sin problemas y sin haber pasado por caja mucho tiempo. Una vez entres en el modelo Creative Cloud será difícil salir y esto tampoco me gusta.

Lo mejor, no sé, quizá el trabajo colaborativo y la sincronización, pero si manejas muchas imágenes esto se complica y además no me fío de las políticas de privacidad que tienen las compañías hoy día, para estar entregarles mis imágenes o diseños, prefiero guardarlas en local y tener una copia de seguridad.

Deberían dar la opción para quienes no estén interesados en los servicios en la nube de comprar una licencia vitalicia como hasta ahora.

Como de costumbre os animamos a participar también dejando vuestras dudas, consultas o comentarios en Xataka Foto Respuestas.

Foto de portada | Thoothulee

En Xataka Foto Respuestas | ¿Dónde crees que está el límite para considerar procesado/manipulación?

A lo largo de los cuatro artículos anteriores estuvimos repasando algunas de las principales soluciones que ofrece Linux para los pasos implicados en un flujo de trabajo fotográfico profesional. Este artículo pretende enumerar aquellas soluciones que complementan a las anteriores o que no pueden ser encajadas en ningún campo concreto. Y no por ello, resultan menos útiles.

Hugin, creación de panorámicas

Hugin es uno de esos programas que permiten el stitching de imágenes panorámicas a partir de otras de menor dimensión. Es quizás la herramienta más completa en este sentido de cuantas encontramos en Linux. Ofrece lo mismo que cualquier otra herramienta profesional de este tipo. Podemos elegir puntos de control, realizar una calibración de nuestra lente, corregir la perspectiva, etc.

Luminance HDR

Su nombre lo dice todo: se trata de una aplicación para generar imágenes de alto rango dinámico a partir de varias tomas. En este momento la última versión es la 2.3.1 y puede ser descargada gratuitamente para Linux, Mac y Windows.

Foto: Sergio Perea

Como todos los programas de este tipo, realiza la fusión de imágenes según un criterio concreto, y debe ser comparado con otros programas para generar HDR para ver si el estilo de las fotografías de salida encaja con lo que buscamos. En general tiene fama de no generar fotografías demasiado naturales, sino más bien esos HDR extremos que estamos acostumbrados a ver en Flickr.

Phatch, procesar en modo batch

Ya he hablado en alguna ocasión de este software. Su utilidad reside en la posibilidad de apilar tareas de procesado de imágenes para aplicarlas a cantidades enormes de fotografías. Su utilidad puede estar enfocada a clasificar y estandarizar grandes colecciones de fotografías para ser presentadas en una web, o generadas para un archivo fotográfico. Si queréis saber más, tenéis este artículo que pretende ser una pequeña introducción a esta herramienta.

Photoprint, gestión de color para impresión

Photoprint es un gestor de impresión fotográfica para GNOME. Es posible que los haya mejores, pero este es realmente flexible por su sencillez. Símplemente tenemos que seleccionar con el explorador de archivos la fotografía y la arrastramos a la ventana de Photoprint. Entonces podremos seleccionar perfiles de color, redimensión en función del papel y algún ajuste previo como la posibilidad de cambiar la temperatura de color, un marco creativo o introducir una pequeña máscara de enfoque.

ColorHug, calibración de monitores

Pese a que Linux es capaz de reconocer los principales colorímetros del mercado, debéis saber que existe uno específicamente diseñado para Linux. Y pese a no tener la forma de una nave espacial ni luces especialmente atractivas para el consumista, debo decir que realiza su papel realmente bien. Es rápido y efectivo. Su nombre es ColorHug, y ya he hablado de él en otras ocasiones.

Pero si no quieres utilizarlo porque ya dispones de un colorímetro y además Linux te lo detecta, puedes utilizar Argyll, una aplicación que es incluso más completa que la que viene de serie con la mayoría de colorímetros.

Photo Film Street y Openshot

Photo Film Street es un sencillo pero potente programa que nos permitirá realizar animaciones de vídeo con nuestras fotografías y la música que queramos. Tenemos la posibilidad de seleccionar muchos efectos de transición, y el formato de vídeo de salida. Eso sí: no dispone de muchas más opciones.

Si queremos hacer algo más avanzado, e incluir títulos de crédito, video, etc, podemos usar herramientas más avanzadas como Openshot. Por el hecho de ser un programa con muchas opciones para la edición de vídeo, no renuncia a ser muy sencillo e intuitivo de utilizar.

Conclusión

Esto no es más que una pequeña lista que representa una gota de agua en el océano de aplicaciones disponibles para Linux. Seguramente, el que ya haya adoptado Linux para su trabajo haya elegido otras alternativas tan buenas como estas. Os animo a compartirlas en los comentarios.

Se han escrito infinidad de líneas acerca del sistema de zonas. Éstas aparecen por igual tanto en los típicos manuales de bolsillo, como en profundos manuales de fotografía avanzada. Y no es para menos. Es el primer método que enseñó a los fotógrafos cómo exponer correctamente una imagen para que lo que muestra la fotografía se asemeje lo más posible a la realidad. Hasta que Ansel Adams comenzó a mostrarlo al mundo, este aspecto era un auténtico misterio.

Sin embargo, por lo denso de algunos conceptos, pocas veces se profundiza en la relación entre este sistema y la fotografía digital; más concretamente con aspectos de ésta como la exposición o el rango dinámico. Escuchamos hablar del derecheo de histograma, pero no sabemos muy claramente el motivo científico de tal práctica. No es para menos: el sistema de zonas es bastante complejo, y para entenderlo completamente hay que tener nociones de análisis matemático, estadístico e incluso ingeniería.

Fundamentos del sistema de zonas

El sistema de zonas fue inicialmente concebido para exponer los negativos de blanco y negro. Su utilidad es la de tener una herramienta que nos ayude a concretar qué zonas son negras, blancas, grises claros, grises oscuros etc.

Como la gama de tonos existentes entre el blanco y el negro es tan grande, lo que se hace es dividir ese espectro en una serie de zonas más fáciles de distinguir por el ojo humano. Estas zonas son un estándar basado en el legado de Ansel Adams, y todavía hoy es vigente.

Como referencia para exponer la zona de gris neutro, podemos utilizar las típicas tarjetas y compararla con la zona V, que representa el gris a 18% (aunque hay cierto sector entre los fotógrafos que defienden que esta zona de gris neutro está mejor representada por un gris al 12%, y de hecho muchos fotómetros lo utilizan para sus mediciones).

¿Y en qué se basa este sistema? En que la distancia de una zona a otra representa un paso en tiempo de exposición. Por ejemplo: la zona V es tres pasos mayor que la zona II y dos pasos más oscura que la zona VII.

La realidad es que hay muchísimos tonos de gris intermedios en una fotografía. Estas zonas sólo ayudaban a empaquetarlos en un grupo más pequeño. Según el libro de Ansel Adams “El Negativo”, podemos dividir más aún estos grises:

• Grupo de valores bajos: las zonas 0 – I – II – III
• Grupo de valores medios: las zonas IV – V – VI
• Grupo de valores altos: las zonas VII – VIII – IX – X

¿Y ahora qué?

No debemos caer en el error de que el sistema de zonas está formado por una escala de grises uniformemente distribuidos. Por ejemplo, la distancia entre las zonas correspondientes al grupo de valores medios es mucho mayor que la correspondiente a las zonas que pertenecen a los grupos de valores bajos o altos. Esto es así por una razón práctica: las imágenes suelen tener mucho más detalle en los valores de gris medio. Y el sistema de zonas crea una percepción lineal de los valores de gris.

Las tecnologías digitales funcionan de una manera diferente: utilizan una representación lineal en forma de número para representar cada tono de gris. Dicho de otra forma: la información que recoge el negativo es logarítmica, y los archivos digitales la recogen de forma lineal (usando espacio de color RGB). En el caso de un negativo, la relación entre la densidad del gris y la cantidad de luz necesaria para conseguirlo no es lineal. Pero en fotografía digital…si.

Michael Toyama

Esto tiene una implicación importante: en la fotografía tradicional era posible controlar donde caía cada zona simplemente con una comunicación de subexposición-sobreexposición. Una variación de una Zona en un sentido o en otro equivale a un punto de diafragma (f/stop) más (hacia el 0) o menos (hacia el IX). Y el fotógrafo exponía buscando las zonas más oscuras, que no permitieran perder detalle ni textura (generalmente la zona III) para posteriormente revelar para las iluminaciones.

Cuando comenzó la fotografía digital, la fotografía de película había llegado a un grado de perfección técnica increible. Tuvo que pasar tiempo para que la fotografía digital pudiera igualarla. Hoy contamos con cámaras digitales que tienen un rango dinámico de 10 pasos (ya hay cámaras como la D4 con 14 pasos). Esto es un rango dinámico mucho mayor que el de un negativo. Pero como he comentado antes, el sensor de esta cámara grabará la información de forma lineal.

Aquí viene otro lio: pensar que la cámara almacena los diferentes grises de una forma lineal, puede llevarnos a la confusión de creer que almacena la misma información en cada uno de esos 10-14 pasos de rango dinámico, pero esto no es cierto del todo. Pensemos que un aumento de un paso representa la mitad de luz que el paso previo (f8 deja pasar la mitad de luz que f5.6). De este modo, la información contenida en el primer paso (blanco) es de 8192 tonos diferentes, en el segundo paso de 4096…hasta el décimo, que sólo tendrá 16 tonos diferentes. Es por ello que se suele recomendar el derecheo del histograma, para maximizar el rango dinámico de la imagen: porque éste se concentra en la parte de la derecha. Aquí, con la ayuda de Photivo, os muestro como se vería el histograma típico lineal (izquierda) si lo distribuyéramos según los tonos existentes en cada paso de diafragma (derecha):

Realmente, el histograma que nos presentan las cámaras y algunos programas de revelado RAW es lineal y no nos permite constatar realmente el verdadero rango dinámico de la imagen. Algunos programas como UFRAW permiten visualizar la versión “logarítmica” de un histograma y compararla con la “lineal”. Muchos de esos valores medios que aparecen en el historgrama logarítmico, una camara nos los mostraría en el lado derecho del histograma lineal, donde se concentra la mayor parte del rango dinámico.

Este histograma logarítmico tiene un aspecto muy diferente al que nos muestran otros programas como Lightroom, pero nos permite ver zonas verticales equiespaciadas que se corresponden realmente con los pasos de diafragma de la imagen analizada. Y eso nos da una idea muy fiel a la realidad del verdadero rango dinámico de la imagen. Os recomiendo experimentar con vuestras propias fotos para entender como funcionan.

Entre las utilidades de este histograma está que es más fácil establecer una relación entre la distribución de las luces en términos de diafragmas en la cámara, y la distribución de las luces de la escena real. Por la naturaleza lineal del sensor, podríamos utilizar mediciones sobre la escena real (en términos de diafragma) y compararlas con lo que nos muestra el histograma logarítmico con muy escaso margen de error. Útil, por tanto, si queremos obtener imágenes absolutamente fieles a la realidad.

Y esto, ¿cómo se utiliza?

Entendiendo estos conceptos teóricos, podemos afirmar que si queremos maximizar el rango dinámico de la imagen es mejor derechear el histograma. En fotografía digital, una exposición correcta (vuelvo a reiterar: si no pretendemos hacer alardes creativos sino ceñirnos a la técnica y obtener el máximo rango dinámico posible de la escena) es la que está expuesta para los tonos medios y sin quemar las altas luces. Pero podemos ir más allá, y salvar ciertas situaciones en las que no sabemos como exponer.

Por ejemplo: si el rango dinámico de la escena supera al que la cámara es capaz de proporcionarnos, no tenemos más remedio que elegir entre sacrificar las altas luces o las sombras. Y aquí entra en juego por primera vez esto del sistema de zonas y todo lo relatado hasta ahora: podemos buscar una forma de reflectividad media, y utilizar nuestro fotómetro para exponer a gris neutro. En ese momento, podremos mover un paso de luz arriba o abajo para decidir si decidimos perder altas luces o sombras. De esta forma podemos obtener la fotografía deseada con el máximo rango dinámico que nos permite un sólo disparo.

Exponiendo la piel. Foto: Sergio Perea

Pero también podemos utilizar el sistema de zonas para medir, por ejemplo, la exposición de la piel. En el caso de la piel caucásica, sabemos que su exposición ideal está entre las zonas IV y VI. Pues bien: sólo tenemos que medir la exposición con nuestra cámara a gris medio (podemos por ejemplo, sacar una fotografía con el enfoque automático desactivado de una porción de la cara, y observar donde queda el histograma). Y después, a partir de esa medición, sobreexponer +1 y +1½ pasos por encima de ese gris medio.

Conclusión

Como véis, el sistema de zonas si es útil en fotografía digital. Tal vez con algunas matizaciones respecto a su formato original. Pero no deja de ser una gran ayuda. Es complicado explicarlo sin utilizar una sola fórmula matemática, pero espero que aclare algunos conceptos.

Foto de portada | Allan

Aunque estaban anunciados desde septiembre pasado, Zeiss ya ha confirmado los dos primeros objetivos de lo que será una nueva línea de lentes compatibles con los sistemas Fuji y NEX. Siendo fiel a la fama que le precede, Zeiss ha decidido apostar por focales fijas, de gran nitidez, ergonomía y calidad contrastada. Nada nuevo si hablamos de esta marca.

Estoy seguro de que en el futuro habrá más focales para completar la oferta, dada la creciente popularidad de estas cámaras. Pero de momento, Zeiss arranca con dos modelos que inauguran esta nueva línea de objetivos bautizada ya como Touit. La compañía también anunció en su momento la lente Macro 50mm f2.8 pero parece ser que este tercer modelo no estará disponible hasta septiembre.

Zeiss Touit 2.8/12

La Zeiss Touit 2.8/12, cuya longitud focal es 12mm, tendrá en los sensores APS-C un equivalente a 18mm en FF. 11 elementos distribuidos en 8 grupos. Dispone de autofoco, y está disponible tanto para Fuji X como para NEX. Tiene un peso de 270 gramos en la versión para Fujifilm y de 260 gramos en el caso del modelo con montura NEX. Su distancia mínima de enfoque es de 18 centímetros.

Zeiss Touit 1.8/32

En este caso, la Zeiss Touit 1.8/32 se trata de una focal de 32mm, equivalente por el factor de recorte a unos 48mm en APS-C. 8 elementos organizados en 5 grupos. Su peso es algo más ligero que el modelo anterior: 200 gramos la versión para Fuji y 210 gramos en el caso del modelo para Sony NEX.

Estos dos nuevos modelos, si los complementamos con el 50mm que está por llegar y el Zeiss 24 mm f1.8 (que tiene montura E y ya hace las delicias de algunos usuarios desde hace tiempo), constituirían una gama de focales bastante completa en las mirrorless a las que va destinado.

Via | Zeiss

Poder controlar la profundidad de campo eligiendo qué partes de la imagen enfocar después de haber tomado la fotografía. Este es el reto que se ha planteado Nokia. Esto quizás os recuerde a esa eterna promesa/revolución llamada Lytro, de la que tanto hemos leido, pero que poca gente ha visto.

Para ello, han invertido en la startup californiana Pelican Imaging que posee tecnología útil para desarrollar el invento. Y la tecnología es muy semejante a la de esas Lytro: cámaras plenópticas, en las que un grupo de microlentes, muy cercanas al sensor, reparten la luz para hacerle llegar al mismo las desviaciones lumínicas desde todas las zonas posibles.

La verdad es que es una pena lo que pasa con Nokia. Fabrica productos de gran calidad, invierte auténticas montañas de dinero en I+d para ser competitivos e incluso consiguen innovaciones con las que nadie se atreve (la última, un teléfono con cámara de 41mpx) poniendo especial énfasis en el aspecto fotográfico (podemos afirmar que son bastante responsables de que los teléfonos actuales lleven una cámara acoplada). Pero parece que a sus productos les cuesta competir con la hegemonía de Google y Apple en el terreno de los sistemas operativos para móviles.

¿Y por qué vuelven a intentarlo? os preguntaréis. La respuesta es fácil: según estudios de mercado de Strategy Analytics, una de las principales razones para comprar o devolver el teléfono está en la calidad de imagen de su cámara. Y Nokia quiere seguir siendo un referente en este campo. Más en un momento en el que parece que la guerra por los megapixels ha tocado a su fin, dadas las limitaciones físicas de los móviles. Las marcas se las han ingeniado hasta la saciedad por exprimir ese campo, con bailes tecnológicos e incluso lingüisticos en forma de “ultrapixels” de la mano de HTC. Basta ya de megapixeles. Queremos innovación.

Via | Bloomberg

Nick Fancher es un fotógrafo de moda de Ohio que ha condensado en poco más de 6 minutos de vídeo su flujo de trabajo completo utilizando Lightroom.

El objetivo de este video es ilustrar el hecho de que con Lightroom es capaz de trabajar más eficientemente que con Camera Raw + Photoshop. Y ello lo demuestra procesando un total de 500 fotografías para conseguir 100 finales en menos de una hora.

El vídeo muestra el proceso a cámara rápida, pero de una manera bastante clara. Es muy recomendable para quien está iniciando sus pasos en Lightroom, o para quien quiere repasar su propio flujo de trabajo en busca de nuevas ideas. No pretende ser el método definitivo, ni mucho menos, pero si un posible punto de inicio para crearnos nuestro propio esquema.

Para mucha gente podría no contener ninguna información secreta pero contiene atajos que nos pueden ayudar a comprobar si nuestro trabajo es tan eficiente. Por ejemplo: explica cómo consigue agrupar fotografías con una iluminación semejante para aplicar un procesado similar a todas ellas. O como en un primer recorrido por las 500 imágenes iniciales utiliza la clasificación de estrellas para ir seleccionando las imágenes que pasarán la criba del fotógrafo para posteriormente ser procesadas. Es algo así como una clase práctica de Lightroom condensada en 6 minutos.

Via | fstoppers

No es ningún secreto que la Canon EOS M, la única apuesta de Canon por el segmento de las CSC sin espejo, no ha sido un gran éxito de ventas. Quizás los principales factores que hayan influido en ello sean su excesivo precio, no haber tenido grandes alardes técnicos o la mala prensa que le han dado algunas reviews.

Personalmente, tuve la oportunidad de probarla y me pareció un buen producto. Algo caro, algo tardío (Canon nunca se mostró especialmente comprometido con este segmento de cámaras), pero posiblemente no merecía ser tan defenestrada (en mi opinión) por parte de muchos bancos de pruebas. En cualquier caso, el público es el que manda. Y ahora a Canon le toca reinventarse o morir.

Parece que la estrategia de Canon pasa por seguir apostando por este segmento. No por capricho ni vocación, sino porque este tipo de cámaras ya han dejado de ser el futuro y se han convertido en el presente.

Según plantean desde Canon Rumors, Canon estaría planeando comercializar dos nuevos modelos de cámaras EVIL. Por una parte una actualización de la Canon EOS M, con un sistema de enfoque mejorado (este punto fue uno de los más criticados). Y por otra, un modelo da gama alta, ya provisto de visor y más pensado para competir contra modelos más elitistas. Además, todo ello vendría acompañado de tres nuevos objetivos.

Tal vez este paso signifique un mayor compromiso por parte de Canon por las cámaras EVIL. Personalmente creo que para los usuarios de Canon sería una gran noticia, por la capacidad de Canon de innovar en lo que hace y por la posibilidad de integrar estos modelos en el ecosistema de accesorios de la marca, incluyendo las lentes (ya existe un adaptador de Canon). De momento, parte con algo de retraso, asi que mucho se tendrán que poner las pilas.

Via | Canon Rumors

La previsualización consiste en ese talento que tienen los algunos fotógrafos de anticiparse mentalmente a la fotografía a partir de la escena que tienen delante. De ello habló en su momento Ansel Adams, definiendo esta habilidad como una de las principales fortalezas que distinguían a los grandes fotógrafos. De ahí, el título de este artículo.

Soy de la opinión de que la previsualización, al igual que la creatividad, no son habilidades que se adquieren a través de los genes, sino que se educan con esfuerzo y constancia. Por ello, os propongo algunos consejos para desarrollar el llamado “ojo fotográfico”. No lo consideremos la panacea: no hay demasiado tiempo para previsualizar cuando tomamos fotografías espontáneas y a veces éstas aparecen por sorpresa o fruto de la buena suerte. Sin embargo, en otros tipos de fotografía como el paisaje, la previsualización adquiere una importancia vital.

Estudiar composición

Sergio Perea

Esto es tan cierto, que probablemente a algunas personas les parezca una obviedad. Pero la composición es en realidad el lenguaje con el que vamos a comunicar nuestra obra. Para imaginarnos una foto, debemos entender este lenguaje. ¿Cuantas veces has estado frente a un lugar increible, y al fotografiar has visto que la imagen no funcionaba?

Sin una buena composición que permita dar soporte a la previsualización, la fotografía será conceptualmente poco clara. Y seguramente parezca más fruto de la aletoriedad que de la premeditación.

Para los que no están muy acostumbrados a componer, puede ser un buen ejercicio llevarse un lápiz y un papel para dibujar la escena. No hay que hacerlo con grandes pretensiones artísticas. Sólo unas pocas líneas que nos ayuden a identificar y aislar determinados elementos. Es a lo mejor algo aparatoso dibujar antes de hacer cada foto, pero hacer este ejercicio de vez en cuando nos ayudará a mejorar. Poco a poco, iremos aprendiendo a ver de una sentada todas esas líneas y formas que permanecen ocultas al ojo del neófito.

Conocer tu equipo al detalle

Mike Baird

No basta con que lo que ves en la pantalla te convenza. En primer lugar, lo que te muestra la pantalla no es más que una previsualización del RAW creada a partir de una interpretación de éste por parte de la cámara. Su función es la de ayudarnos a comprobar que la fotografía está bien expuesta y revisar la composición. Pero eso que ves en la pantalla, no es la fotografía. Recordemos que los fotógrafos de película previsualizaban antiguamente la fotografía sin necesidad de pantallas ni histogramas.

Además, debes tener en cuenta que la fotografía final podría tener bien poco que ver con lo que se ve en la pantalla. Por ejemplo, si la fotografía final va a procesarse en blanco y negro, ésta hay que “pensarla” de manera diferente: visualizar las diferentes zonas, identificar aquellas zonas que serán blancas y negras, tener claro si la fotografía va a ser más oscura…en definitiva: es recomendable tener claro incluso qué tipo de procesado va a tener la fotografía.

Identificar qué es lo que nos permite anticiparnos

Sergio Perea

Cada tipo de fotografía requiere métodos distintos de anticipación. Por ejemplo: para fotografiar un paisaje, la anticipación vendrá dada a partir de nuestro conocimiento de la luz. Ese momento mágico sucederá cuando la luz sea adecuada.

Si por el contrario, estamos fotografiando un evento deportivo, la previsualización vendrá muy condicionada por nuestra capacidad para anticiparnos a la acción. Y por ello, conocer bien el deporte que estamos fotografiando, será lo más importante.

Y así, cada tipo de fotografía exigirá por nuestra parte un esfuerzo diferente. Y por ello, deberemos crearnos nuestros propios pasos, que en general irán dirigidos a cubrir el siguiente hito: ¿qué historia quiero contar? Este hito, es el fin común de cualquier fotografía, del tipo que sea. Nosotros sólo tenemos que construir esos pasos y llevar a buen puerto nuestra historia.

Foto de portada | Jane Ng

En este caso podemos afirmar rotundamente que la realidad supera la ficción. Si Instagram desarrolló en su momento un sinfín de filtros imitando ciertos tipos de película, ahora un par de estudiantes de Stanford llamados Olivia Vagelos y Martin Bush han desarrollado unos filtros de cristal que imitan a los de Instagram.

Y pese a lo extraño de la noticia, la idea no es tan mala. Son filtros universales, que pueden apilarse unos con otros y por tanto dejan cierta cota de creatividad en manos del fotógrafo. Incluso pueden ser utilizados en la grabación de vídeo.

El proyecto va a ser puesto de Kickstarter con el fin de cubrir los costes de fabricación. Una vez se consiga, el precio de cada cristal no llegará a los 30 euros en las tiendas.

Via | petapixel

Google Glass es el gadget más esperado de los últimos años. Y mientras nos maravillamos con sus especificaciones técnicas, parece que el verdadero epicentro del debate se focaliza en las cuestiones legales que plantea. Una tecnología totalmente nueva, que según algunos expertos podría obligarnos a replantear nuestro marco legal.

Capaces de captar imágenes y video en cualquier momento, subir información a internet, y con una autonomía a prueba de bombas, es posible que lleguen a darle algún que otro dolor de cabeza a nuestros legisladores. Por ejemplo: la comodidad de llevar siempre una cámara encima irá dando paso a una paulatina pérdida de la privacidad. Los más agoreros hablan ya del nacimiento del Gran Hermano, al estilo de la conocida novela 1984 de George Orwell.

Lingeswaran Marimuthukumar

Pero el agravante en esta versión algo pesimista sería que ese “ojo que todo lo ve” sería portado por cada uno de nosotros. Al menos, no todos ven el panorama tan negro. Otros más optimistas afirman que no es muy diferente a un smartphone, aunque eso sí, permite captar imágenes de una forma muy disimulada, y eso generará algunos conflictos. Pero formarán parte del período de adaptación a esta nueva tecnología.

En EEUU ya hay quien se adelanta a los problemas de forma más o menos oportunista, y echando más leña al fuego del debate. Recientemente el propietario de un bar de Seattle decidió dar la nota en todos los medios prohibiendo el uso de estas gafas en su local.

Claro que, noticias como esta no hacen más que alimentar la paranoia social. Pero junto a esta negatividad también existe un debate muy vivo que nos puede ayudar a adelantarnos a lo que venga. Según se acerca la fecha de su lanzamiento van surgiendo nuevas preguntas sin respuesta. Por ejemplo: ¿habrá que cambiar las leyes de tráfico para que su uso no provoque accidentes? ¿Está preparada la LOPD española para regular su uso? ¿será posible regular la publicidad a través de ellas y en base a los datos que recogen de nosotros?

David Ingram

Como toda nueva tecnología, estas gafas pueden generar cierto miedo o rechazo inicial e un gran sector de la población, debidos sobre todo a la escasez de información (sólo unos pocos privilegiados han podido probarlas, y ello a cambio de 1.500 euros). Probablemente habrá un período de adaptación, y si las gafas resultan útiles, podrían acabar formando parte inseparable de nuestras vidas como en su momento ocurrió con los teléfonos móviles. Cada vez menos gente tiene dudas de que esto será así, para bien o para mal.

En cualquier caso, reconozco que de momento soy incapaz de responder estas preguntas, y ahora estoy en un mar de dudas mucho más mundanas respecto a este futuro producto de consumo. Por ejemplo: si los smartphones nos han conseguido saturar de contenidos de poca calidad y de paso dejar tocado al ya de por sí convaleciente mercado de la fotografía, ¿estas gafas terminarán de rematarlo?

Foto de portada | M.A. Cabrera Luengo