En mis clases de iniciación siempre digo a mis alumnos que van a terminar con pesadillas después de escucharme hablar de esa montañita que se ve algunas veces en la pantalla de la cámara o en el ordenador. Es uno de los mejores amigos del fotógrafo digital. Si somos capaces de entender el histograma dominaremos la fotografía de forma inmejorable desde el punto de vista técnico. Vamos a empezar.

El histograma es una representación gráfica de la frecuencia de aparición de los diferentes niveles de luminosidad de una fotografía. Es una herramienta estadística. Y como tal debemos tratarla. Tiene dos ejes, el X y el Y:

1. En el eje X están los valores de luminosidad, exactamente 256. Del 0 que representa el negro absoluto al 255 que el blanco absoluto.
2. En el eje Y están los porcentajes. Muestra cuál es el valor más repetido de todos de forma relativa.

En ningún caso nos dice dónde están en la fotografía dichos valores. Lo digo porque mucha gente piensa que es así. Y realmente lo que vemos es un resumen de los tres histogramas posibles, uno por cada canal RGB. En la cámara y en los programas podemos llegar a ver los tres por separado o superpuestos, para llegar a conocer con exactitud los valores de cada uno de ellos. No tiene nada que ver los valores del canal Rojo con los del Azul o el Verde. No tienen que coincidir.

Los tres histogramas...

Y para complicar más las cosas lo que estamos viendo en ningún caso es la realidad pues es más bien un resumen de la misma. Lo que estamos viendo son 256 niveles. Si fuera un jpeg sería bastante exacto, pero si lo que miramos es un RAW estamos muy lejos de la realidad. Sería imposible crear un histograma fiel a la realidad. Es muy incómodo ver un histograma de más de 16000 niveles. No hay pantalla que permita verlo de una vez.

Por no entrar en el mundo de la gestión del color. Según el espacio con el que trabajemos, el histograma cambiará en gran medida... Y si recordamos que el histograma que vemos es el de la interpretación jpeg de la cámara... Todo son problemas (y ya no hablo de la diferencia de histograma entre los propios programas de Adobe...).

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Dónde medir la luz cuando hacemos una fotografía con una cámara réflex y con una sin espejo

Forma de los histogramas

Según la distribución de los valores en el histograma podemos descubrir, sin necesidad de ver la fotografía, si la imagen está quemada, subexpuesta, con contraste o sin él. Si tiene exceso de luces o de sombras... Si lo sabemos leer será más fácil ver los defectos de la imagen e intentar corregirlos. Pero hay que tener claro que donde alguien ve un fallo, otro puede ver una forma de expresarse (siempre que la pueda justificar).

Fotografía sobreexpuesta

El lado derecho está totalmente pegado y se observa que el valor más alto es 255, el blanco absoluto. Las zonas más luminosas no tienen detalle alguno.

Imagen con los blancos reventados

Fotografía subexpuesta

Según la lectura del histograma podemos observar que las sombras que están en el lado izquierdo están pegadas al valor 0. Los tonos más oscuros están empastados y en este caso son los que no tienen detalle.

Imagen con los negros sin detalle

Fotografía contrastada

Las luces y las sombras están al límite. El blanco y el negro absolutos están representados con un mayor porcentaje que las demás luminosidades. Los tonos medios tienen muy poca información en comparación. Son un valle entre dos montañas.

Luces quemadas y negros subexpuestos...

Fotografía sin contraste

En este caso la imagen no tiene ni blancos ni negros absolutos. En el ejemplo vemos que le faltan negros por doquier y no tiene blancos absolutos.

Fotografía plana, sin volumen

El histograma de entrada

Hay que diferenciar entre el histograma de entrada y el de salida. Uno y otro tienen mucha relación, pero no se parecen. El histograma de entrada es el que creamos en el momento del disparo después de elegir la exposición. En este caso, como sabéis, algunos siempre elegimos la opción de exponer a la derecha para conseguir reducir el ruido.

Eso quiere decir que nuestro objetivo primordial a la hora de trabajar con el histograma no es otro que llevar a la derecha, al máximo pero sin quemar las luces, toda la información. Las sombras en este momento no deberían importarnos en absoluto, salvo que sepamos leer correctamente la información.

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El histograma de las cámaras nos miente si disparamos en RAW

Si la zona izquierda está totalmente pegada, es decir, el valor 0 es el más alto quiere decir que los negros están muy subexpuestos, y podemos tener problemas de ruido si luego queremos levantarlos en un programa de edición. También es señal de que el rango dinámico de la escena es superior al que puede captar la cámara, y que a lo mejor tenemos que hacer dos disparos o hacer uso del flash... Pero eso es otra historia...

El histograma de salida

Este es el histograma que podemos crear, a partir del de entrada, para dar forma definitiva a la fotografía. Si hemos expuesto a la derecha, tenemos la posibilidad de redistribuir mucha más información sin miedo al ruido. Tendremos la posibilidad de revelar con más garantías. Expresándome de forma muy básica, estará lleno de información y no tendremos el temido banding.

En este momento podemos cambiar canal por canal para modificar la información de color, y oscurecer o aclarar las luces y las sombras. Lo que quiero recordar en este momento es que no existe lo que algunos llaman el histograma ideal. Se puede hablar del histograma perfecto para cada fotografía en función de lo que estamos buscando. En absoluto el histograma tiene que presentar la parte central más abultada que ambos lados. Cada luz tiene su forma y por lo tanto cada histograma será distinto.

El histograma de salida

Personalmente busco que el histograma de salida tenga dos características fundamentales, y que intento respetar en todos los revelados que hago, salvo honrosas excepciones. Parto de la idea que propuso Ansel Adams en sus libros sobre el sistema de zonas: toda fotografía debe tener un blanco y un negro absoluto. Todo lo demás es propio de cada imagen. Esto quiere decir que tiene que haber información en ambos extremos para conseguir el mayor rango dinámico posible.

Espero que con esta breve introducción el histograma deje de ser una complicación y se convierta en lo que realmente es, uno de los mejores aliados de la fotografía digital.

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Qué es y cómo utilizar la capa de ajuste 'Blanco y negro' de Photoshop

La reproducción del color es una pesadilla para todos los fotógrafos que buscan la mayor calidad a la hora de hacer una fotografía. El color digital puede ser muchas veces un gran problema, como nos han comentado algunos lectores. Hoy vamos a señalar los pasos que hay que dar para conseguir fotografiar el color que estamos viendo.

Os voy a contar una historia personal. Es tiempo de confesiones. Una vez tuve que fotografiar cerca de 500 prendas para una marca de moda. Era la típica fotografía de producto con fondo blanco. Durante muchos días estuve fotografiando sin parar hasta que llegó una nueva remesa. Tenían un color turquesa muy intenso, de origen artesanal y sin la posibilidad de conocer su valor Pantone. Bien, ese color turquesa salía de un azul rabioso.

El color en cuestión

No os podéis imaginar el problema. Esas fotografías eran para colgarlas en una tienda online. Si el color no coincidía el cliente devolvería seguramente la prenda al sentirse engañado. No os diré todo lo que hice para conseguirlo, pero para que hagáis una idea, probé con distintas fuentes de iluminación y varias cámaras de alta gama. Me costó sudor y lágrimas. Pero al final lo conseguí gracias a la ayuda inestimable de un especialista en la gestión del color.

Bastantes veces os podréis encontrar con problemas como este, sobre todo si os dedicáis a la fotografía de producto. Por eso os voy a enseñar el ABC para evitar grandes disgustos. La clave es seguirlos a rajatabla, y contar siempre con el apoyo de un profesional en caso del más mínimo problema.

Primeros pasos

Siempre hay que asumir que todo se va a complicar, así que cuanto antes los resolvamos mejor. Todos los equipos tienen que estar perfectamente calibrados y preparados, y aún así no podemos asegurar el resultado al 100%. Y puede que tengamos suerte en algunas ocasiones, que todo esté perfecto a la primera (es maravilloso cuando sucede), pero os aseguro que en esta especialidad hay que actuar siempre como si fuera la primera vez que lo hicimos bien para que quede perfecto. Repasar una y otra vez todas las cosas.

En primer lugar necesitamos un espacio adecuado para trabajar. Donde no se mezclen las luces de la calle con los flashes o los fluorescentes de una sala contigua. Para reproducir sin problemas el color las luces tienen que tener la misma temperatura de color, entre otras cosas.

ColorChecker Passport Photo

No podemos pensar en fotografiar el color con garantías si no contamos con una tarjeta de calibración de color. En el mercado hay muchas. Para situaciones normales creo que la mejor es la ColorChecker Passport Photo, por su tamaño manejable. Con ellas podemos saber de antemano por dónde va a ir el color antes de empezar la sesión. Es fundamental saber utilizar un programa para poder interpretar toda la información de la carta, como DNG Profile Editor.

Por supuesto, y es algo que la gente minusvalora o no aprecia lo suficiente, la importancia de trabajar con un buen monitor para ver exactamente los colores. Me llama la atención la gente que trabaja solo con la pantalla del portátil, o aquellos que se conforman con el monitor del supermercado de la esquina, y sin embargo compran cámaras de alta gama. Cada uno es libre de hacer lo que quiera, por supuesto, pero para trabajos finos un monitor de calidad es fundamental. Y no os olvidéis que hay que calibrarlo y perfilarlo.

La rutina de trabajo

Antes de un trabajo serio, en el que la reproducción correcta de los colores es fundamental, os recomiendo seguir la siguiente rutina de trabajo. Pero os puedo asegurar que hasta que no veáis hacerlo a un profesional del tema, no tendréis la seguridad de hacer las cosas bien al 100%.

Primero hay que colocar el producto en el estudio (o habitación de casa) en un lugar donde se pueda manipular con comodidad, y que no suponga pérdida de salud... Todavía recuerdo cuando me hice doscientos bolsos en una mesa baja cómo quedó mi espalda...

En el estudio solo debe existir la luz que vamos a utilizar para iluminar el producto. Y si estamos trabajando con dos unidades, las bombillas deben llevar más o menos las mismas horas encendidas. En algunos casos os podría sorprender la diferencia de temperatura entre dos flashes.

Y tendremos configurada la gestión de color en la cámara. Lo más sencillo de todo. Solo hay que entrar en el menú y marcar Adobe RGB (1998). Y espero que no dudéis de que hay que disparar en RAW.

Una vez colocado todo para empezar a disparar tendremos que preparar la carta de calibración para hacerle una fotografía. Si en ese momento podemos comprobar cómo está todo en el ordenador, todo será más sencillo. Por este motivo es muy útil conectar la cámara al ordenador por cable o por WiFi y comprobar resultados in situ.

La de problemas que me dio

Si todo está perfecto, es tiempo de fotografiar todos los objetos que hayamos planificado para esa sesión. El tiempo que utilicemos dependerá de lo complicado que sea colocarlo.

Y ya frente al ordenador, con una iluminación adecuada en la habitación (la mayoría de las veces trabajamos con demasiada luz ambiente) empezaremos a revelar las fotografías. Por supuesto el monitor estará calibrado y el programa de revelado con toda la gestión de color activa.

Como veis son muchos pasos. Aparentemente es fácil, pero para hacerlo bien hay que estar seguro de todos y cada uno de los pasos que demos. Si fallamos en cualquiera pueden pasar dos cosas: que tengamos que repetir la sesión o que nos pasemos horas y horas delante del ordenador.

En Xataka Foto| Entiende de una vez por todas la gestión de color en tu ordenador

Aunque ya trataremos con profundidad y en su momento oportuno el tema de la gestión de color, quería citar la existencia de este gadget, ColorMunki, que es todo un "aparatejo" muy útil (y de fácil manejo) para controlar que el color de nuestras imágenes se mantenga invariable en todo el proceso: en nuestro monitor, en la impresión o en una proyección.

Está destinado a fotógrafos y diseñadores que quieran tener un control exhaustivo del color con un sencillo e innovador accesorio (espectrofotómetro). Existen dos versiones, una de ellas más específica para nuestro mundo, el de la fotografía digital. Fue presentado en la pasada feria PMA 2008 por la marca X-Rite, una de las pioneras y más prestigiosas en esto de la gestión de color.

ColorMunki Photo se parece, en su aspecto, a un típico flexómetro, una de esas cintas métricas enrrollables que solemos tener en casa para medir. Y en su reducidas dimensiones es capaz de realizar el perfilado de monitores, impresoras, proyectores, además de medir la luz ambiente y hacer una medición puntual del color. Es compatible tanto para Windows como para Mac y viene acompañado de un software, tanto para ajustes básicos, como para más avanzados. Os puedo asegurar por mi experiencia, que con el tiempo estos aparatos se irán imponiendo a nivel de usuarios avanzados, y que son tremendamente eficaces y necesarios a nivel profesional. Este modelo es realmente atractivo, pequeño, sencillo y de precio muy asequible (unos 500 euros).

Vía | Fotografias.net y DSLR Magazine Sitio oficial | Color Munki y X-Rite España Para adquirirlo | Pantone España