Uno de los primeros pasos que debemos tomar para crecer como fotógrafos es saber tener autocrítica. Sin embargo, este no es el caso de algunos quienes siempre creen tener una visión perfecta sobre el arte y el trabajo fotográfico. Pero, ¿por qué existen personas que no pueden ver que su trabajo no es bueno?

Mediante un vídeo, Scott Choucino nos habla sobre el efecto Dunning-Kruger. Como se expone en Psychology Today, esta condición psicológica se basa en que una persona con conocimiento limitado sobre un tema puede desarrollar la suficiente confianza para creer que lo domina. Esto no solo lleva a que el individuo llegue a conclusiones erróneas o cometa errores alrededor de cómo actuar frente al tema, sino que además los ciega de darse cuenta que están mal.

Debido a que las personas no pueden calificarse a sí mismas objetivamente, tendemos a disminuir o exaltar nuestras habilidades según nuestra experiencia. En el efecto Dunning-Kruger, muchas veces quienes tienen las peores habilidades son las personas que se califican mejor en desempeño frente al resto. Mientras que ocurre lo contrario con las personas que mejor desempeñan una habilidad o conocen sobre un tema; estas creen usualmente que no hacen las cosas tan bien como creen que sería óptimo.

Aplicado en la fotografía, varios fotógrafos creen tener habilidades muy altas, e incluso dominar una especialidad fotográfica. Sin embargo, al ver su trabajo, se podría decir que están a un nivel de aficionado. Y puede ocurrir porque el aplicar los conceptos básicos fotográficos genera la idea de dominar la técnica fotográfica. Cuando comenzamos a dominar la exposición y los principios de composición podemos creer que estamos listos para enfrentarnos a todo. Pero no vemos lo mucho que nos falta aprender de la vida real. Despreciamos el trabajo de otros y nos preguntamos por qué nadie quiere el nuestro.

Al comenzar tenemos imágenes que creemos son buenas porque están relativamente bien expuestas y en blanco y negro.

En su vídeo, Choucino nos menciona que esto se ve reflejado en portfolios que están a un nivel de club de fotografía con fotógrafos jactándose de creerse los mejores. Mientras que hay fotógrafos que están sobre el nivel de muchos profesionales y aún les cuesta mostrar su trabajo pues se siguen cuestionando en la calidad del mismo. Estos segundos son aquellos que mejoran, pues siempre están buscando aprender y mejorar más sus habilidades.

Para poder combatir esta visión cegada y seguir avanzando como fotógrafos, podemos aprender a leer nuestras fotografías críticamente. Así mismo, tenemos que abrir los oídos y los ojos y aprender a leer la crítica externa de nuestro trabajo de manera precisa para encontrar los puntos que pueden mejorar nuestro estilo. Choucino presenta un interesante ejercicio de presentar nuestro trabajo a agencias de fotógrafos. Si no recibimos respuesta, significa que nuestro trabajo es fácilmente descartable. Si recibimos una respuesta negativa, por lo menos ya los agentes se toman el tiempo de decir que nuestro trabajo no es para su agencia, así que por lo menos vamos por un buen camino. Si recibimos una entrevista quiere decir que nuestras imágenes están casi en punto. Una oferta de pertenecer nos dirá que nuestro trabajo es bueno.

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Leyendo nuestras fotografías críticamente para mejorar nuestro estilo fotográfico

Sin embargo, el mejor consejo frente a todo es no olvidar que siempre hay más que aprender. Siempre podemos mejorar y siempre hay que desarrollar más nuestra mirada, nuestra técnica y nuestro estilo.

La fotografía es un constante trabajo de análisis y práctica. Crear nuestro estilo requiere que experimentemos con las distintas propiedades de la imagen. Pero, en esa exploración, puede que nos perdamos entre tanta información. Por eso es importante aprender a leer nuestras fotografías y crear un análisis crítico para encontrar los puntos a mejorar.

La trinidad de lectura

Cuando revisamos nuestro catálogo fotográfico hay un pensamiento sobre qué podemos hacer con cada una de nuestras imágenes. Siempre seleccionamos aquellas que más se acercan a la idea que tenemos en nuestra cabeza y tratamos de complementar con el proceso de revelado y edición.

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¿Con tiempo libre? A experimentar todo el flujo de trabajo fotografiando objetos en nuestro hogar

En este flujo, los elementos que revisamos son principalmente composición, luz y color de la imagen. Estos tres elementos son aquellos que podemos modificar tras haber capturado la escena. Es aquí donde arranca nuestro primer proceso de autocrítica.

Muchas veces, tras terminar la edición de nuestras imágenes, publicamos nuestras fotografías en redes y dejamos de lado el observarlas para sacar su máximo potencial. Sin embargo, tras ese resultado vale la pena dedicarnos a observar críticamente la imágen. Para ello, lo primero que haremos es analizar los componentes editados:

Composición:

En este apartado nos enfocamos en ver el balance de los elementos en nuestra escena. ¿Cómo está ubicado nuestro sujeto principal, qué tipo de lectura le damos a la imágen? ¿Hay líneas que guían nuestra mirada o dependemos de un contraste de espacio muerto en contraste a nuestro sujeto?

Aprender a leer esta composición nos ayuda a saber cómo sacar el mejor provecho de la imagen, a saber dónde debemos sacrificar elementos, a identificar qué en esa imagen no nos cuenta nada y debemos eliminar. No solo nos permite entender mejor qué queremos mostrar con esa imagen, sino que nos ayuda a entender mejor cómo manejar otras tomas similares en el futuro, saber qué espacio debemos darle a los sujetos e identificar ángulos o momentos.

Luz:

El análisis de la luz es sin duda el más importante de nuestra profesión, a fin de cuentas es nuestra herramienta principal. Por ello debemos ser meticulosos con los elementos de la imagen, saber en relación de luminancia qué efecto le damos a la lectura de la imagen. La base principal es que nuestro cerebro busca los puntos de luz más rápido que los puntos oscuros, por lo cual debemos identificar qué elementos nos captan la atención de manera inmediata. Luego preguntarnos ¿son importantes o distractores?

Ahí comienza nuestro proceso de qué podemos limpiar de la imagen, cómo podemos generar un contraste de lectura o qué elementos podemos reforzar para que tengan un primer impacto visual de entrada. Una buena forma de realizar esta lectura es transformar nuestras imágenes a escala de grises, jugar con el contraste y ver cómo está manejado y cómo podemos mejorar el contraste de nuestra fotografía.

Color:

El color es uno de los elementos más interesantes en la fotografía. Debido a nuestro bagaje cultural, los colores pueden tener distintas interpretaciones, generar sentimientos o sensaciones y resultar en agrado o descontento. Por eso, en la creación de un estilo personal, el color será nuestro aliado o nuestro enemigo; además de un elemento para controlar con especial atención.

En este apartado, nuestra crítica personal no debe ser si ese estilo nos queda o no, sino cómo estamos utilizando el color para darle sentimiento y lectura a la imagen. ¿Queremos emular un tipo de película fotográfica para dar el sentimiento de una época? ¿Queremos que la imagen se mueva por una armonía de color? ¿Estamos creando una lectura a través de un contraste de color? ¿Queremos emular la paleta de colores de una pintura, una película u otra fotografía?¿Queremos tratar de reproducir un color natural o queremos llevar nuestra imagen a un punto más de fantasía y jugar con sus tonos?

Sea que trabajemos fotografías en blanco y negro o a color, es otro elemento de información más en la imagen. Uno que está más relacionado a nuestros sentidos y sentimientos. Si bien hay consejos a la hora de armonizar los colores mediante reglas de paletas de color (monocromía, triada, complementarios, etc…), los tonos son una representación del propósito de la imagen.

El análisis de nuestras imágenes y la reedición meditada nos ayudará a progresar en nuestro estilo; encontrar nuestros puntos fuertes y nuestras debilidades; planear nuestras siguientes tomas mucho mejor. Entre más aprendamos a leer nuestro trabajo, más entenderemos cómo sacar su máximo potencial.

Somos todos los que estamos pero no estamos todos los que somos; así podría ir diciéndole a todos y cada uno de los que abordan el tema de la fotografía actual o hablamos sobre ella.

A día de hoy la fotografía ha dejado de ser (para muchos) la fiel definición de "escribir con luz" a ramificarse en mil definiciones con tantos significados como personas la dicen, transcriben, exhortan, escriben... En estos momentos habrá muchas personas creyendo hacer "fotografía" mientras hace clic en una cámara, mientras están delante de un incandescente monitor y una Wacom con el Photoshop, mientras venden una cámara fotográfica, mientras se estudian las mil características técnicas de su próximo objetivo o sensor de su cámara, o incuso yo mismo escribiendo estas líneas. Y así hasta un sin fin de definiciones.

¿Dónde está la fotografía para nosotros?

Muchos sostienen que la fotografía ha conseguido abordar todos y cada uno de los puntos que observamos, de todos y cada uno de los minúsculos espacios que parecían ni existir; aunque también que reconocer que hay muchos que creen que hemos sido nosotros los que la hemos llevado allí... pero, ¿no sería posible que esos espacios ya estaban llenos de ella y pocas veces nos habíamos parado a verlos hasta descubrirlos?

Fotografía de - Anda -

La tecnología siempre ha supuesto un nuevo punto de partida al mundo fotográfico, más en concreto, hoy día, a devolver a la fotografía a ese mismo lugar de origen que George Eastman Kodak quiso con su Kodak Vista 100 y su tan mítica y reconocida frase "Usted aprieta el botón, nosotros hacemos el resto" (es muy importante que la gente que se queja de que hoy la fotografía la hace cualquiera recapacite sobre esta frase de 1888 y lo que significaría a día de hoy con, por ejemplo, la fotografía móvil). Y así ha sido, la compañía que un día llevó a la casilla de salida a la fotografía, se desinfló tras más de cien años estando en la cima. Y es que muchos opinan que el momento agonizante de Kodak ha sido el punto y/o momento de inflexión en la fotografía como la conocemos hoy.

Hay personas que simplemente dicen que la fotografía es lo mismo de siempre pero renovada a los nuevos tiempos de hoy. Y la verdad es que es posible, no hay duda. Todos los conceptos que parecen ponerse de moda hoy, ya estaban inventados años atrás aunque puede que con otros nombres (no hablaré sobre el selfie pues ya hay artículos y artículos sobre ello), incluso el hacer las cámaras más pequeñas, más portables, siempre ha sido una constante.

Conceptos que comparten esencia

Hablar de técnica fotográfica siempre estuvo y estará más que presente en los fotógrafos (o acaso no existen libros y escritos con innumerables leyes que hasta hoy día han seguido vigentes, Sistema de Zonas, ley Sunny 16...). Cierto, la tecnología avanza y por tanto las leyes se modifican o cambian, pero justamente esa es la situación... se cambian unas por otras (derecheo...)

Fotografía de walter guisao

La concepción de la fotografía menos técnica y que tanto se demanda hoy con la falta de creatividad ha estado siempre en la vida fotográfica, al igual que la confrontación entre ambas corrientes (pictorialismo versus purismo). Y es que entrar en foros o webs sobre fotografía en la que se debate sobre si una imagen es fotografía o es dibujo, si la falta de originalidad está más que patente y que las imágenes "perfectas" aburren, etc... no es más que un nuevo episodio en la existencia del renacentismo fotográfico.

Seamos claros, la fotografía aunque pasen los años siempre ha sido y será lo mismo. En todas las corrientes artísticas ocurren momentos de explosión y vuelta al pasado, y es que aunque nos cueste reconocerlo está casi todo inventado y sólo cambian las herramientas. Y es que, hasta la propia fotografía fue un "invento" (permitirme la redundancia) que se originó en dos lugares diferentes y sin la posibilidad de comunicación de hoy día. No es menos sabido que, por tanto, pudiera ocurrir lo mismo a lo largo de la historia con todo lo que se podría hacer con ella.

Es tan increíble todo el proceso de evolución tecnológica en la fotografía que muchos se pegan por conseguir las últimas y mejores cámaras, los últimos modelos de sus objetivos, o el mejor accesorio para creer conseguir la imagen que más impacte al mundo, cuando lo que ocurre es que al final la gran mayoría de las veces son las imágenes más simples (pero llenas de "ese algo" que falta) las que acaban por dar sentido y dar verdadero impacto a los que visionamos dichas obras. Pero ni si quiera esto es nuevo, es una constante en todos estos ciento setenta y cinco años de historia fotográfica.

El avance es sólo aparente

Y es que la fotografía puede avanzar todo lo que quiera, podremos llegar a la Luna, podremos impresionarnos con la nitidez de una fotografía o con la belleza del más bonito paisaje, hasta podremos cambiar una Rollei por una nueva Sony RX100 III; pero si llega un momento en el que todo acaba volviendo a un punto parecido, no es ni más ni menos es porque algo nos hemos dejado olvidado. Ese algo que posiblemente no tenga que ver ni con la técnica, ni con lo artístico, ni con todo lo hasta hoy visto... Y es que, posiblemente, es en esos momentos cuando la historia nos deja volver atrás para arreglar algo que muy posiblemente se encuentre en nosotros mismos.

Fotografía de Ximo Michavila

Como comentaba nada más empezar este artículo "Somos todos los que estamos pero no estamos todos los que somos", y es justamente porque creo que falta algo en algunos de nosotros para que todos los que somos, realmente, seamos todos los que estamos alrededor de esto que se denomina fotografía.

Nota: Este artículo ha sido realizado desde una perspectiva objetiva al igual que lo es el mundo de la fotografía al cual me dedico y tengo tan presente cada día. Por tanto, y respetando toda las posibles opiniones y/o situaciones individuales, considero este texto una mera forma de expresión ante todo lo que vivimos cada día y veo, oigo, percibo en todos los ámbitos del mundo fotográfico, sin que sea una opinión hacia todos los que la practican

Cuando estamos sentado delante de nuestro ordenador procesando nuestra última sesión de fotos nos encontramos con una de las tareas más duras. No se trata de encontrar el punto de contraste exacto, ni de disimular una minúscula mota que atrae hipnóticamente nuestra mirada… no. Se trata de descartar.

Hacemos muchas fotos. Y en ocasiones es muy fácil descartar las que encontramos con mal enfoque, encuadre, demasiado sobreexpuesta… pero ¿y el resto?

Es una tarea dura cuando llega ese momento plagado de dudas en las que nos bloqueamos mirando la pantalla. Ese instante en el que durante unos minutos giramos el cuello, miramos desde varias perspectivas, ampliamos hasta diez veces para ver los detalles… todo ello intentando encontrar un mínimo argumento de autoconvencimiento, de que esa captura es buena. Pero en el último instante, sin atenernos a una razón clara decidimos borrarla, descartarla.

Después, esa foto nos acompaña. La hemos borrado de nuestra carpeta, pero sigue apareciéndose, incluso en sueños y nos habla, nos dice que no es justo. Luego la recuperamos y nos decimos que sí, que es válida y que será una más de las que se suma a la selección definitiva de nuestra sesión.

Aunque sabemos de sobra que no estamos convencidos y buscamos más argumentos donde sea y cómo sea para mantenerla entre las elegidas. La subimos a Flickr esperando comentarios. Pero nos encontramos: “Nice shot!”, “bonito encuadre”, “me gusta“… y nos aferramos a ellos para mantenernos firmes en nuestro convencimiento. Le preguntamos a los seres cercanos, pero a ellos siempre les gustan todas nuestras fotos y sabemos que no van a encontrar ese detalle clave que nos puede hacer cambiar de opinión. Todo eso no sirve de nada. Y tras varios días y con ganas de cerrar el asunto, volvemos a mirarla detenidamente. Le damos una nueva oportunidad, la volvemos a procesar, incluso la convertimos a blanco y negro, la reencuadramos,… y finalmente nos decimos que sí, que es buena y punto. Como el resto.

Satisfechos plenamente y con el buen sabor de boca de haber hecho lo correcto, con la satisfacción de concluir por fin el largo y tedioso proceso de descarte, procedemos a guardar el trabajo y hacer la copia de seguridad correspondiente. Justo en ese instante, paramos. Instintivamente la acabamos descartando. ¿Y si nos hubiéramos fiado de nuestra primera impresión siendo más selectivos? Igual todo sería más fácil. O no.

Foto | Mario Inoportuno (en nuestro grupo de Flickr)

En Xataka Foto:

• Autocrítica: aprende de tus descartes

• Barbecho fotográfico, ¿lo practicas?

A todos nos encanta cuando una fotografía recibe muchos elogios. Ya sea cuando la exhibimos a amigos cercanos o bien al recibir comentarios en nuestro fotoblog, Flickr o donde la tengamos expuesta. Eso nos ayuda, nos alegra y supone un buen impulso para seguir tomando fotografías. También está claro que no solemos tomarnos demasiado bien las críticas. A veces no las entendemos, no las compartimos o simplemente no siempre estamos dispuestos a que nos reconozcan los fallos. Pero ¿qué pasa con la autocrítica?

Intentamos buscar en los demás la forma de reafirmar nuestro estilo, o simplemente ante las dudas esperamos que unos comentarios constructivos nos enseñen el camino. Pero no podemos olvidarnos de reflexionar, de observar bien nuestro trabajo y extraer conclusiones críticas que, a buen seguro, nos empujarán a mejorar nuestras fotografías en adelante.

Repasa las fotografías descartadas

Un buen ejercicio de autocrítica es dedicarse un tiempo a revisar esas fotografías que hemos descartado. Las que descargamos de la tarjeta de memoria y tras un rápido vistazo en la pantalla del ordenador dejamos abandonadas en el disco duro (o simplemente las borramos para ahorra espacio). Rara vez volvemos atrás y analizamos con detalle si somos capaces de sacarles partido. Y no está de más hacerlo.

Un repaso crítico y tranquilo por esas fotos que hemos descartados nos puede ser mucho más útil de lo que pensamos. No ya sólo porque en el momento en el que la descartamos se nos pasó por alto sus posibilidades y podemos rescatarlas, sino también porque podemos aprender de nuestros errores más habituales, al tiempo que podemo apreciar cómo hemos conseguido solventar otros.

Lo habitual es que conforme uno aprende, durante ese largo camino que asimila conceptos (profundidad de campo, medición correcta, exposición, composición…), vamos mejorando algunos pero a lo mejor no tanto otros. Echando un vistazo a nuestras fotografías menos agraciadas podemos seguro aprender de los errores.

Autocrítica: toma nota, asimila y busca la solución

En ese vistazo detenido a los descartes, que en muchos casos nos puede llevar tiempo, podemos poco a poco ir anotando errores o simplemente cosas a mejorar. No hay prisa, seguramente si están almacenadas hace semanas o meses, no importan que sigan estando un poco más. Así podemos retroceder, bucear en nuestros archivos y comprobar los tropiezos más comunes, lo que falla, aquello que no consigue que una fotografía logre convencer plentamente, lo que queríamos lograr y lo que nos faltaba para alcanzarlo.

Está claro que la ayuda externa, una visión de alguien ajeno nos puede ser muy útil. Pero el ejercicio de autocrítica no debería obviarse en ningún caso. Es necesario para asumir y asimilar nuestra forma de afrontar las fotografías y, en ocasiones, podemos descubrir nuevos caminos o simplemente abandonar manías o costumbres que nos impiden mejorar.

Os puedo asegurar que una revisión a fondo de nuestras fotografías descartadas, si lo hacemos con serenidad, anotando detalles, asimilando conceptos y el estilo y proponiendo soluciones, encontraremos una forma idónea para seguir evolucionando y creciendo como fotógrafos. Podemos descubrir que nos desenvolvemos mejor en los retratos, o en los paisajes o que definitivamente no conseguimos buenas capturas con poca luz o macrofotografía. De todo ello, podemos extraer el lado positivo: potenciar lo que mejor se nos da y aprender para mejorar en lo que flaqueamos.

En Xataka Foto | ¿Realmente ayuda la crítica fotográfica?
Fotos | comedy_nose, Zaprittsky y Esparta