En Xataka Foto hemos hablado muchas veces de la «pintura con luz», una técnica fotográfica conocida en los países anglosajones como light painting. Estoy seguro de que la mayor parte de vosotros sabéis perfectamente en qué consiste, pero no está de más repasarlo brevemente para aquellos lectores que no han oído hablar de esta forma de crear fotografías.

La pintura con luz consiste, grosso modo, en dibujar con una fuente de luz a mano alzada y sobre un lienzo imaginario mientras tomamos con nuestra cámara una fotografía de larga exposición. Aunque no es una técnica demasiado compleja, dominarla no es sencillo, sobre todo si queremos dar rienda suelta a nuestra creatividad y obtener instantáneas de calidad. Precisamente, el vídeo que tenéis debajo de estas líneas nos propone varios consejos de enorme utilidad tanto para quien da sus primeros pasos en esta técnica como para quien necesita afianzarla.

El responsable de este vídeo es Tim Cooper, un fotógrafo estadounidense especializado en divulgar y enseñar fotografía, que, como podéis comprobar, se explica de maravilla. De hecho, en realidad este vídeo es una clase maestra dedicada a la pintura con luz. Eso sí, si queréis aprovechar los cerca de 90 minutos que dura esta clase tendréis que tener cierta soltura con el inglés porque el vídeo carece de subtítulos. En cualquier caso, si el inglés no es un problema y os interesa esta técnica fotográfica, no os lo perdáis.

Imagen | Chris Seitz
Vía | ISO 1200
En Xataka Foto | La evolución del lightpainting tiene un nombre: Pixelstick

Foto | Adriana Lestido | La salsera

La clase magistral de Adriana Lestido fue la última de las impartidas este mes en Alcalá de Henares. Actualmente su retrospectiva "Amores Difíciles" puede visitarse en la Casa de América de Madrid, siendo una de las muestras oficiales de PHotoEspaña 2010.

Adriana Lestido nació en Buenos Aires, su lugar actual de residencia. Comenzó trabajando en el fotoperiodismo mientras desarrollaba de forma paralela una fotografía más personal, para terminar decantándose por esta segunda de manera definitiva.

Sus fotos desprenden una gran sensibilidad, y poseen un trasfondo social ya apreciable desde su época en el fotoperiodismo. Afirma que sus fotografías, más que tener un fin concreto, nacen de una necesidad personal, y el fin que tengan, sólo el tiempo lo puede decir.

Foto | Adriana Lestido | Marcha por la vida, Buenos Aires, 1982

• Hablando de su serie temprana “El amor”, comentó que en un principio fueron fotos personales tomadas en viajes, y fue después cuando se dio cuenta de que eran algo más.

• Afirma que su trabajo no es intencional, ella quiere ver, y el resultado final de su trabajo es, precisamente, lo que ha visto.

• Trabaja mucho en la edición, en el sentido de limpiar, de sacar las fotos que no son esenciales en una serie y asociar imágenes. Trata de encontrar lo que quiere dar a través de la asociación, de encontrar la forma dentro del bloque. Siempre tiene muchísimos descartes.

• En “Mujeres presas” dicho proceso fue especialmente complicado, y posteriormente hizo una nueva selección distinta a la primera, en la que sacó a la luz fotografías anteriormente no publicadas.

Foto | Adriana Lestido | Serie "Mujeres presas"

• Llama la atención que en este mismo trabajo mencionado, destaquen más para ella las dificultades administrativas que tuvo que superar para poder realizar fotografías en la prisión, que las dificultades de la relación con las mujeres a la hora de retratarlas. Explica que habitualmente intenta no invadir, que sea un proceso natural, acompañar a lo que está viendo. Iba mostrando las imágenes que va tomando a sus retratadas para que entendieran su mirada.

• Elaborar una retrospectiva ha resultado un trabajo en sí mismo ya que ha implicado “resignificar” todo, encontrar el fundamento de su mirada.

• Casi siempre se vale de luz natural y por ello utiliza velocidades lentas. Muchas de sus fotos están movidas, pero es un efecto buscado que le gusta, siente que hay imágenes que tienen mucha más fuerza cuando no están nítidas. Relaciona mucho la fotografía con lo onírico.

Foto | Adriana Lestido | Serie "Madres e hijas"

• No siente que haya sido difícil mantener su estilo a lo largo de los años, ya que, según sus palabras, cuando uno orienta la energía donde tiene que orientarla, todo llega.

Concluimos aquí los reportajes sobre las clases magistrales públicas ofrecidas en el marco de las actividades organizadas en PHotoEspaña 2010. Lamentablemente, el fotógrafo sudafricano Pieter Hugo, que también iba a formar parte de ellas, tuvo que cancelar su viaje a España por motivos familiares graves. Esperamos que el resto de ellas hayan resultado de vuestro interés.

Web oficial | Adriana Lestido

En Xataka Foto | Clase Magistral de Lise Sarfati, Clase Magistral de Miles Aldridge

Foto | Miles Aldridge | Homeworks

Continuamos con las clases magistrales de PhotoEspaña. La siguiente corresponde a Miles Aldridge, fotógrafo de moda inglés con trabajos muy detallistas llenos de color y provocación, muchas veces no exentos de polémica. Desde los 90 ha colaborado con Vogue, The New York Times, The Face y Numéro, entre otros.

Aldridge reconoce sin pudor que comenzó por casualidad en el mundo de la fotografía, y realizó sus primeros trabajos sin tener ningún tipo de técnica. Según sus propias palabras, aceptaba cada trabajo que le ofrecían, y mientras fingía que sabía lo que estaba haciendo, intentaba aprender lo más rápido posible bebiendo del conocimiento de los técnicos.

Ahora, a pocos años de alcanzar los 50 y con una vasta creación a sus espaldas, nos habla de sus preferencias y sus rutinas a la hora de afrontar cada trabajo.

Foto | Miles Aldridge | The Last Range of Colours

• Elabora borradores de las fotografías de cada proyecto. Lo que empezaron siendo dibujos para aclarar sus propias ideas y transmitir mejor al equipo lo que quería, ha terminado siendo una costumbre. A pesar de esto siempre surgen nuevas tomas en el momento que no tenía planeadas. Tiene la historia en su mente y mientras lleva a cabo la producción, va viendo nuevas cosas.

• Toma clichés del arte y la fotografía y les da la vuelta. Por ejemplo, para su serie “Lyp Synch”, una de las más conocidas, hizo que la modelo se pintara la cara de negro en contraposición con las típicas imágenes de chicas pálidas con labios rojos. El resultado final es una imagen bastante alejada de la armonía y la belleza clásica.

Foto | Miles Aldridge | Lyp Synch

• Todo está manufacturado para las fotografías, pero intenta que no de esa sensación, que parezca que la historia que cuenta existe de verdad, que ha sucedido. En la fotografía de moda se intenta hacer arte, pero todo está completamente planeado.

• En cuanto a la preparación previa de sus proyectos, intenta cuidar todos los detalles. Por ejemplo, para preparar el proyecto de París en que caracteriza a dos modelos como turistas suecas, estuvo persiguiendo a turistas por la ciudad con su cámara, para inspirarse para el trabajo que iba a realizar después. En su trabajo The Last Range of Colours, elaborado en un parque infantil, dicho parque fue seleccionado entre decenas.

• En la fotografía de moda el estilista es tan importante como el fotógrafo. Escoge a estilistas con los que tiene una gran confianza.

• Todo lo que hace va a post-producción. El fotógrafo defiende el hecho de que todas sus fotografías sean retocadas con la idea de que si tenemos una cámara y un carrete, ¿por qué sentimos que debemos limitarnos a lo que ellos puedan ofrecernos? ¿Por qué no ir más allá de las limitaciones intrínsecas de ambos?

Foto | Miles Aldridge | Immaculee

• Cree en la imaginación más que en cualquier otra cosa, la imaginación estimulada por la vida real. Como curiosidad, dijo que su serie “Immaculee”, una de las más polémicas, se inspiró en su estancia en Granada.

Las fotos para ilustrar este artículo son una mínima representación de todo lo que ha hecho. Si no conocíais a Miles Aldridge, os recomiendo que veáis su portfolio completo para haceros una idea mucho más fidedigna de su trabajo.

Web oficial | Miles Aldridge

Foto | Lise Sarfati | Christine #4, serie “She”

Lise Sarfati, autora francesa de fotografía documental, ofreció el pasado miércoles una clase magistral en Alcalá de Henares con motivo de la celebración del Campus PHE Grandes Maestros.

En dicho encuentro la autora presentó sus series y mencionó algunos detalles sobre su proceso creativo, cuyos puntos esenciales mencionamos a continuación.

• Sobre su objetivo antes de comenzar a realizar una serie: ella siempre sabe qué es lo quiere reflejar y construye sus series de forma cuidadosa, pero jamás se lo menciona a las personas a las que fotografía para no condicionarlos. Tampoco suele hablar sobre la interpretación de su trabajo después, porque para ella la interpretación está en cada uno, y no es necesario que ella explique nada.

• Acercamiento a las personas que retrata: escoge a las personas a las que quiere retratar no por su atractivo físico, sino por lo que transmiten. Por ejemplo, en su serie “The New Life“, quería reconstruir sentimientos que ella misma había tenido en su adolescencia, como el de sentirse fuera de contexto.

Foto | Lise Sarfati | Rose #56, serie “The New Life”

Cuando concierta una cita con una persona para hacerle fotografías no hay nadie más, sólo ellos dos, y no le da indicaciones sobre qué debe hacer. Permite a sus modelos moverse libremente y hacer lo que normalmente harían, porque los quiere retratar en su contexto.

No importa tanto que una foto sea natural como que sea real. Cuando te encuentras con alguien para hacerle fotos, nunca es una situación natural, lo importante es que sea real. Cada persona intenta responder a la cámara de forma distinta.

• Iluminación: en su intención de que la relación entre fotógrafo y sujeto fotografiado sea lo más natural posible, Sarfati no utiliza nunca flash ni ningún tipo de iluminación artificial. Según sus propias palabras “mi cámara es pequeña, soy una persona modesta delante de ellos, creo que es bueno para crear las series adecuadas”.

Foto | Lise Sarfati | Margo #3, serie “Inmaculate”

• Sobre los parámetros habituales que utiliza: Comentó que para ella son lo de menos, que evidentemente cambian en función de la situación y de la luz, pero que simplemente recoge muchos momentos y posteriormente selecciona.

• Sobre el procesado de las fotos: nunca descubre lo que verdaderamente ha hecho hasta que llega a París y comienza el proceso de revelado y de selección.

Web oficial | Lise Sarfati