Uno de los primeros pasos que debemos tomar para crecer como fotógrafos es saber tener autocrítica. Sin embargo, este no es el caso de algunos quienes siempre creen tener una visión perfecta sobre el arte y el trabajo fotográfico. Pero, ¿por qué existen personas que no pueden ver que su trabajo no es bueno?

Mediante un vídeo, Scott Choucino nos habla sobre el efecto Dunning-Kruger. Como se expone en Psychology Today, esta condición psicológica se basa en que una persona con conocimiento limitado sobre un tema puede desarrollar la suficiente confianza para creer que lo domina. Esto no solo lleva a que el individuo llegue a conclusiones erróneas o cometa errores alrededor de cómo actuar frente al tema, sino que además los ciega de darse cuenta que están mal.

Debido a que las personas no pueden calificarse a sí mismas objetivamente, tendemos a disminuir o exaltar nuestras habilidades según nuestra experiencia. En el efecto Dunning-Kruger, muchas veces quienes tienen las peores habilidades son las personas que se califican mejor en desempeño frente al resto. Mientras que ocurre lo contrario con las personas que mejor desempeñan una habilidad o conocen sobre un tema; estas creen usualmente que no hacen las cosas tan bien como creen que sería óptimo.

Aplicado en la fotografía, varios fotógrafos creen tener habilidades muy altas, e incluso dominar una especialidad fotográfica. Sin embargo, al ver su trabajo, se podría decir que están a un nivel de aficionado. Y puede ocurrir porque el aplicar los conceptos básicos fotográficos genera la idea de dominar la técnica fotográfica. Cuando comenzamos a dominar la exposición y los principios de composición podemos creer que estamos listos para enfrentarnos a todo. Pero no vemos lo mucho que nos falta aprender de la vida real. Despreciamos el trabajo de otros y nos preguntamos por qué nadie quiere el nuestro.

Al comenzar tenemos imágenes que creemos son buenas porque están relativamente bien expuestas y en blanco y negro.

En su vídeo, Choucino nos menciona que esto se ve reflejado en portfolios que están a un nivel de club de fotografía con fotógrafos jactándose de creerse los mejores. Mientras que hay fotógrafos que están sobre el nivel de muchos profesionales y aún les cuesta mostrar su trabajo pues se siguen cuestionando en la calidad del mismo. Estos segundos son aquellos que mejoran, pues siempre están buscando aprender y mejorar más sus habilidades.

Para poder combatir esta visión cegada y seguir avanzando como fotógrafos, podemos aprender a leer nuestras fotografías críticamente. Así mismo, tenemos que abrir los oídos y los ojos y aprender a leer la crítica externa de nuestro trabajo de manera precisa para encontrar los puntos que pueden mejorar nuestro estilo. Choucino presenta un interesante ejercicio de presentar nuestro trabajo a agencias de fotógrafos. Si no recibimos respuesta, significa que nuestro trabajo es fácilmente descartable. Si recibimos una respuesta negativa, por lo menos ya los agentes se toman el tiempo de decir que nuestro trabajo no es para su agencia, así que por lo menos vamos por un buen camino. Si recibimos una entrevista quiere decir que nuestras imágenes están casi en punto. Una oferta de pertenecer nos dirá que nuestro trabajo es bueno.

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Leyendo nuestras fotografías críticamente para mejorar nuestro estilo fotográfico

Sin embargo, el mejor consejo frente a todo es no olvidar que siempre hay más que aprender. Siempre podemos mejorar y siempre hay que desarrollar más nuestra mirada, nuestra técnica y nuestro estilo.

En el pasado vimos cómo analizar nuestro trabajo críticamente para poder valorar el progreso y la calidad de nuestras imágenes. Sin embargo, mejorar no solo viene con el análisis propio. Hay que escuchar las voces externas, que miran nuestro trabajo de otra manera. Para ello, hay que saber qué vale la pena, cómo interpretarlo y cómo se puede mejorar a partir de ello. Por eso, en esta ocasión hablaremos sobre el cómo tomar las críticas de nuestro trabajo para avanzar.

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Leyendo nuestras fotografías críticamente para mejorar nuestro estilo fotográfico

Sentimiento general

Sea donde sea, nuestro trabajo siempre estará expuesto a la crítica. Y, en cierto sentido, dentro de lo que se habla de nuestra obra encontramos tendencias. Ya hemos hablado sobre esto antes con el uso de indicadores claves en nuestro trabajo fotográfico. Estas tendencias nos pueden mostrar si el sentimiento general es de agrado o no a nuestra obra.

Así que nuestro primer filtro alrededor de las críticas de nuestro trabajo se define en separar ese sentimiento. ¿Hablan bien de mi obra? Va para lo bueno. ¿No les gusta a nivel técnico? Va para lo malo. ¿Hay consejos para pulir? Va para lo bueno. ¿Me está diciendo cómo debería hacer mi trabajo? Va para lo malo.

Sin embargo, hay que entender acá que lo bueno y lo malo no significa que sirva y no sirva. Hay que depurar en un segundo filtro qué de eso bueno sirve y qué de eso malo también sirve. Lo único que debemos desechar del sentimiento de la crítica es aquello que no da información.

El qué se dice

La visión general de la crítica suele estar ligada a los comentarios malos. Y muchas veces, si lo que queremos es que nos feliciten, podremos mostrarle a nuestros seres más cercanos las imágenes, ya que usualmente serán los primeros en alabar nuestra obra. Si queremos avanzar necesitamos saber dónde estamos quedados atrás.

Sin embargo hay un tipo de crítica positiva que siempre debe ser bienvenida: los comentarios sobre técnica. ¿Siempre clavamos el tono de la escena? ¿Nuestra edición o retoque capturan la mirada? ¿Nuestro mensaje siempre es claro? ¿Tenemos una técnica fotográfica acorde a lo que buscamos? Aquello que logra cautivar el ojo de nuestra audiencia es un elemento a rescatar, quiere decir cuáles son nuestros puntos fuertes y nos deja saber a dónde hay que dar menos prioridad.

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Cómo usar los indicadores de información clave para optimizar nuestra presencia fotográfica en la red

Sin embargo, la crítica ‘negativa’ es aquella que nos permitirá avanzar más en el camino, usualmente dividida en los estados de lectura de un espectador. Dentro de esta crítica lo que debemos buscar son los elementos que componen nuestras imágenes: Impacto, mensaje, estética, factura y técnica.

• Impacto: Se define si nuestras imágenes llaman la atención. Si cautivan desde un primer vistazo o si el público demora en ser atraídos a ver nuestro trabajo. Usualmente un mayor impacto genera más atracción, pero si la imagen no es buena el espectador se aburre y se aleja pronto de la fotografía.

• Mensaje: Una vez el espectador mira nuestra imagen, ¿entiende lo que decimos en ella? Este valor puede ser tan banal como miren este hermoso paisaje así como puede ser una crítica a la sociedad. Lo importante que debemos buscar acá es que nuestro trabajo esté lo suficientemente claro para que nuestro espectador entienda y que se trate de no sobreinterpretar la obra. Usualmente este apartado se puede medir en la discusión alrededor de la obra.

• Estética: ¿Las personas que ven nuestro trabajo encuentran armonía entre la obra, sus elementos y el mensaje? Muchas veces puede que estemos contando algo muy bien, pero que nuestra imagen no represente bien eso que contamos. El color puede estar saltando respecto a esa situación macabra y opaca de la que hablamos. Tal vez la iluminación raya respecto al sentimiento de alegría del que habla nuestra obra. Si bien es un apartado de mucha interpretación, el sentimiento general será positivo cuando todos los elementos de la obra vayan en una misma dirección.

• Factura: Como se presenta el trabajo es un elemento determinante. ¿Pongo marcos a las fotos o no?¿Muestro mi obra en un fotolibro, en una pared de galería, por redes o en una página web? Es importante que cada imagen esté optimizada al medio donde lo vamos a mostrar, esto va a ayudar directamente al impacto y a la visualización general de mi público.

• Técnica: Acá vemos todos lo técnico que pudo mejorar nuestra imagen como la exposición, composición, edición, el color, los ajustes, el retoque, etc…

El quién y cómo

Estos dos apartados usualmente vienen juntos pues depende de quién diga la crítica, también tendrá un cómo. Arranquemos por los más pesados que debemos descartar: los trolls.

Usualmente los trolls no tienen aporte alguno. Simplemente será un sí o un no sin mayor explicación. O será una explicación compleja tratando de argumentar cómo sería la fotografía de aquella persona. que salgan de nuestra vida inmediatamente.

Por el lado contrario, aquellas personas que solo dicen que la imagen es bonita o no también deben salir de nuestro análisis. Si bien son indicadores de sentimiento, si no tiene información adicional puede ser descartado.

Aquí lo que importan son dos audiencias: el público común y el público artístico.

El público común usualmente no sabe de los elementos específicos que hacen que la obra sea buena o no. Pero si tienen comentarios sobre los elementos y la escena que son valiosos. Pueden hablarnos sobre cómo los hace sentir, ayudándonos a identificar mensaje. Pueden encontrar elementos distractores que los sacan de la imagen. Pueden decir que les agrada o disgusta algo por x o y elemento dentro de la imagen.

El público artístico es usualmente quien nos puede ayudar a un nivel más profundo. Son quienes nos pueden aconsejar a nivel de técnica y estética el cómo puede mejorar nuestro trabajo. Sin embargo, es importante ver quién dice qué, pues algunas veces encontraremos colegas y artistas que no tienen mucha experiencia y hablarán desde el gusto y no en concreto desde cómo puede aportar elementos a nuestro estilo.

Esperamos estos elementos sean de utilidad para vosotros. ¿Qué temas del desarrollo de estilo fotográfico os gustaría conocer en un futuro?

La fotografía es un constante trabajo de análisis y práctica. Crear nuestro estilo requiere que experimentemos con las distintas propiedades de la imagen. Pero, en esa exploración, puede que nos perdamos entre tanta información. Por eso es importante aprender a leer nuestras fotografías y crear un análisis crítico para encontrar los puntos a mejorar.

La trinidad de lectura

Cuando revisamos nuestro catálogo fotográfico hay un pensamiento sobre qué podemos hacer con cada una de nuestras imágenes. Siempre seleccionamos aquellas que más se acercan a la idea que tenemos en nuestra cabeza y tratamos de complementar con el proceso de revelado y edición.

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¿Con tiempo libre? A experimentar todo el flujo de trabajo fotografiando objetos en nuestro hogar

En este flujo, los elementos que revisamos son principalmente composición, luz y color de la imagen. Estos tres elementos son aquellos que podemos modificar tras haber capturado la escena. Es aquí donde arranca nuestro primer proceso de autocrítica.

Muchas veces, tras terminar la edición de nuestras imágenes, publicamos nuestras fotografías en redes y dejamos de lado el observarlas para sacar su máximo potencial. Sin embargo, tras ese resultado vale la pena dedicarnos a observar críticamente la imágen. Para ello, lo primero que haremos es analizar los componentes editados:

Composición:

En este apartado nos enfocamos en ver el balance de los elementos en nuestra escena. ¿Cómo está ubicado nuestro sujeto principal, qué tipo de lectura le damos a la imágen? ¿Hay líneas que guían nuestra mirada o dependemos de un contraste de espacio muerto en contraste a nuestro sujeto?

Aprender a leer esta composición nos ayuda a saber cómo sacar el mejor provecho de la imagen, a saber dónde debemos sacrificar elementos, a identificar qué en esa imagen no nos cuenta nada y debemos eliminar. No solo nos permite entender mejor qué queremos mostrar con esa imagen, sino que nos ayuda a entender mejor cómo manejar otras tomas similares en el futuro, saber qué espacio debemos darle a los sujetos e identificar ángulos o momentos.

Luz:

El análisis de la luz es sin duda el más importante de nuestra profesión, a fin de cuentas es nuestra herramienta principal. Por ello debemos ser meticulosos con los elementos de la imagen, saber en relación de luminancia qué efecto le damos a la lectura de la imagen. La base principal es que nuestro cerebro busca los puntos de luz más rápido que los puntos oscuros, por lo cual debemos identificar qué elementos nos captan la atención de manera inmediata. Luego preguntarnos ¿son importantes o distractores?

Ahí comienza nuestro proceso de qué podemos limpiar de la imagen, cómo podemos generar un contraste de lectura o qué elementos podemos reforzar para que tengan un primer impacto visual de entrada. Una buena forma de realizar esta lectura es transformar nuestras imágenes a escala de grises, jugar con el contraste y ver cómo está manejado y cómo podemos mejorar el contraste de nuestra fotografía.

Color:

El color es uno de los elementos más interesantes en la fotografía. Debido a nuestro bagaje cultural, los colores pueden tener distintas interpretaciones, generar sentimientos o sensaciones y resultar en agrado o descontento. Por eso, en la creación de un estilo personal, el color será nuestro aliado o nuestro enemigo; además de un elemento para controlar con especial atención.

En este apartado, nuestra crítica personal no debe ser si ese estilo nos queda o no, sino cómo estamos utilizando el color para darle sentimiento y lectura a la imagen. ¿Queremos emular un tipo de película fotográfica para dar el sentimiento de una época? ¿Queremos que la imagen se mueva por una armonía de color? ¿Estamos creando una lectura a través de un contraste de color? ¿Queremos emular la paleta de colores de una pintura, una película u otra fotografía?¿Queremos tratar de reproducir un color natural o queremos llevar nuestra imagen a un punto más de fantasía y jugar con sus tonos?

Sea que trabajemos fotografías en blanco y negro o a color, es otro elemento de información más en la imagen. Uno que está más relacionado a nuestros sentidos y sentimientos. Si bien hay consejos a la hora de armonizar los colores mediante reglas de paletas de color (monocromía, triada, complementarios, etc…), los tonos son una representación del propósito de la imagen.

El análisis de nuestras imágenes y la reedición meditada nos ayudará a progresar en nuestro estilo; encontrar nuestros puntos fuertes y nuestras debilidades; planear nuestras siguientes tomas mucho mejor. Entre más aprendamos a leer nuestro trabajo, más entenderemos cómo sacar su máximo potencial.

Como parte de este blog, muchas veces tengo que criticar fotografías, tanto para post específicos (como los duelos de críticas) como para otros más generales. Valorar el trabajo de los demás siempre es delicado, y lo es mucho más cuando entran en juegos valores subjetivos.

Siendo autodidacta, aunque consumidor compulsivo de fotografías por afición, he ido recopilando con el tiempo algunas ideas sobre cómo realizar este tipo de trabajos. Espero que os ayuden cuando también os encontréis en esta delicada posición.

Dónde y cuando hacer críticas

Este punto puede parecer de perogrullo, pero es vital tenerlo siempre meridianamente claro: no todo el mundo está dispuesto a recibir críticas negativas, y por tanto no siempre podemos esperar que acepten nuestro comentario con una sonrisa.

Por nuestra parte, en Xataka Foto jugamos con la ventaja de que vosotros sois los que nos ofrecéis material con el que trabajar, en sitios como el hilo de fotocríticas de nuestro Flickr, pero muchas veces también expresamos nuestra opinión sobre fotografías profesionales. El punto más delicado es tratar con fotógrafos amateur que no lo han solicitado explícitamente.

Por ejemplo, rara vez encontraréis críticas completas en Flickr, donde abundan los “me gusta” y los “únete a mi grupo”. Un paso intermedio son los foros especializados, donde supuestamente las fotos están abiertas a comentarios, aunque muchos usuarios (especialmente los más novatos y/o egocéntricos) no encajan demasiado bien los negativos.

Por último, hay algunas páginas donde lo común es que echen por tierra tu trabajo. Normalmente, ésta es la mejor manera de aprender, pero mi experiencia es que incluso en webs especializadas podemos encontrarnos con más de un enfado. Ante la duda, lo mejor es preguntar primero y actuar con humildad.

Valoración técnica y objetiva

Entrando de lleno en la valoración, la parte donde podemos encontrar más guías y bibliografía es en la técnica, que a su vez es donde entran en juego más factores objetivos. Los puntos más comunes que podemos tratar son:

• Encuadre y composición: Desde los típicos horizontes torcidos a puntos más complejos como la conveniencia o no de usar cánones predefinidos (tercios, regla de oro, etc.)

• Puntos de atención: Relacionada con el anterior, aunque no necesariamente. Por ejemplo, podemos tratar el uso de contrastes, colores o enfoques selectivos para orientar al ojo a la hora de leer la foto.

• Exposición y parametrización de la cámara: ¿La foto está sub o sobreexpuesta? ¿Una mala elección de los parámetros ha causado trepidación o desenfoque? ¿Se usó un balance de blancos incorrecto?

• Calidad final: Factores como la nitidez y el ruido, que pueden venir definidos por configuraciones previas a la toma, por el postproceso, o simplemente por limitaciones en el equipo.

Todos estos puntos, y especialmente los últimos, hay que tomarlos dentro de un contexto y según el nivel del fotógrafo y el equipo utilizado: La misma foto que puede ser digna de alabanza para un neófito o para un aficionado que usa su teléfono móvil, o puede ser completamente criticable para un profesional de una agencia de noticias.

Un consejo es recurrir, siempre que estén disponibles, a los datos de la toma que encontramos en la cabecera EXIF, y que muchos servicios como Flickr nos ofrecen dentro de su interfaz. También, podemos plantearnos muchas cosas sobre la manera de hacer la foto con datos tan simples como la ubicación, la fecha y hora de la captura, o incluso otras fotos de la misma tanda que haya publicado el fotógrafo.

Valoración artística y subjetiva

Esta parte es seguramente mucho más importante, pero he querido tratarla después porque es mucho más complicada, y es realmente donde entra en juego nuestra formación, intuición y experiencia. En este apartado entrarían todas las sensaciones que la fotografía sea capaz de transmitirnos.

• Impresión general: Siempre es positivo hacer una referencia a lo que la fotografía nos ha transmitido antes de analizarla con detalle, tanto visualmente (si es clara o confusa, por ejemplo) como en nuestro estado de ánimo (si transmite serenidad, fuerza, etc.)

• Mensaje: Tanto si se obtiene a primera vista como si aparece tras un análisis detallado, casi cualquier fotografía intenta contar algo. Una fotografía puede ser una crítica social, un documento o incluso no tener mensaje alguno, como en algunas fotografías arquitectónicas o puramente geométricas.

• Complejidad y originalidad: En muchos casos es digno de mención el esfuerzo que ha requerido crear la fotografía, y no sólo por la pura complejidad técnica, sino también por la creatividad o la originalidad a la hora de idearla o ejecutarla.

• Estudia al fotógrafo: Ya lo hemos dicho antes, pero aquí es mucho más importante. Especialmente si tratamos con un artista reconocido, conocer su trayectoria nos puede ayudar a comprender el qué y el por qué de lo que estamos viendo.

• Compara con los grandes: Pasados casi dos siglos después de las primeras fotografías, no hay por qué reinventar la rueda continuamente. Todos hemos leído en mayor o menor medida algo sobre los grandes fotógrafos, y estos conocimientos son muy poderosos para enmarcar la crítica en un contexto.

O bien en éste o en el anterior apartado seguramente llegaremos en algún momento al temido “yo hubiera hecho“, donde proponemos cambios a la hora de haber tomado o procesado la imagen. Hay audiencias a las que esto le parecerá interesante, y otras donde les parecerá una aberración, así que lo dejo a vuestro criterio.

A mí personalmente me gusta proponer ese tipo de “que hubiera pasado sí“ (especialmente en cuanto a otros posibles encuadres), pero siempre dejando claro que es algo que sólo tiene sentido para las siguientes fotografías que vayamos a hacer, y no para la que estamos comentando.

Empieza por tus propias fotos

Antes de lanzarnos a la desesperada a valorar el trabajo de los demás, es vital ser lo más críticos posibles con el nuestro. Hacerlo no sólo nos convertirá en mejores críticos, sino también e indudablemente en mejores fotógrafos.

Con nuestro propio trabajo no necesitamos tener miramientos: Yo, de hecho, os aconsejaría dedicarle alguna vez una tarde completa a repasar vuestras fotos favoritas buscándoles todo tipo de fallos, incluso repitiendo las que os sea posibles tratando de acercarnos a lo que consideremos la perfección, por muy inexistente o inalcanzable que sea.

Y, por supuesto, si estamos dispuestos a criticar el trabajo de los demás, también deberíamos ofrecer el nuestro al mundo. Ya sabéis que estamos a vuestra disposición, pero si queréis algo más rápido y directo, id a vuestro foro favorito y subid vuestra foto a la sección de críticas.

En cualquier caso, estamos hablando de opiniones y de puntos de vista personales, así que, estéis al lado de la crítica que estéis, recordad siempre mantener un espíritu constructivo y, sobre todo, buen humor. Tened también siempre presente, tanto si sois críticos como criticados, no llevar nunca un comentario al terreno personal.

Fotos | Denis Dervisevic | Jorge Martín y Lanpernas 2.0, de nuestro grupo de Flickr | hobvias sudoneighm

Lo mas complicado siempre son los comienzos, sobre todo si te estás introduciendo en el campo elegido de manera autodidacta. Como no podría ser de otra manera, la fotografía tiene mucho de esto y si te has introducido en ella de una manera autodidacta, nunca sabrás si sigues el camino correcto consiguiendo unos buenos resultados. GuruShots pretende ser una página donde puntúen tus fotografías y te proporcionen algunas pautas para conseguir mejorar tu estilo.

Su funcionamiento es muy sencillo, subir una fotografía (no en formato RAW), proporcionar una serie de datos EXIF de la misma, los cuales darán las pautas para saber en que condiciones fue sacada la fotografía y una pequeña descripción de lo que buscaba el fotógrafo con la toma de la misma.

Una vez rellenados estos sencillos datos podremos escoger entre un amplio abanico de reconocidos expertos en fotografía de todo el mundo para que critique nuestro trabajo. Las fichas de los posibles expertos a elegir nos dan una clara idea de a que tipo de fotografía se dedica y cuanto tiempo lleva en ello, por lo que deberemos ser cautelosos y escoger un experto cuyo estilo de fotografía se amolde a la foto que hayamos enviado.

Tras enviar la solicitud de crítica, el experto elegido puede aceptar o rechazar la foto. Si la acepta el experto podrá tardar entre 24-48 horas en obtener una puntuación a la misma. El servicio cuesta en torno a los nueve euros por fotografía comentada, pero te dejan probar el servicio una vez de forma gratuita para que valores el servicio.

Enlace | GuruShots

Foto | Tiagø Ribeiro

Hace unos meses en Photocritic nos trajeron una serie de consejos para mejorar la calidad de los comentarios que perciben nuestros trabajos en Internet, por ejemplo en redes sociales como Flickr. Y es que ya se sabe, no es lo mismo un comentario de alguien que se para a observar de verdad tu fotografía y comenta sus puntos fuertes y débiles, que uno del estilo “post 1, award 5” o similar. Los usuarios de Flickr sabréis a lo que me refiero perfectamente.

Es cierto que este tipo de grupos donde es obligatorio asignar premios a un número determinado de fotografías o invitar a un número de contactos a unirse es muy bueno para aumentar el número de comentarios, de favoritos y las posibilidades de aparecer en Explore. Quizás también se puede usar como recurso temporal cuando se está empezando en Flickr, para conseguir un número de contactos y de visibilidad. Pero, ¿le hace algún favor al desarrollo y mejora de nuestra fotografía?

Es posible que a alguien sí que le haya sido útil en este aspecto. Pero sin duda son más recomendables otro tipo de prácticas, que nos pongan más los pies en la tierra y nos aporten críticas constructivas más allá del “awesome!/ fabulous work! / fantastic! + imagen de turno”. Estos son algunos métodos que nos proponían:

• Unirse a grupos de Flickr que se dediquen a la crítica entre miembros. Para ello, podemos realizar una búsqueda de grupos con la palabra “critique” o “crítica”. Hay muchos grupos dedicados a ello, puedes escoger los que se adapten mejor a tus gustos.

• Puedes probar también en grupos de crítica de DeviantArt, con el extra de que no sólo obtendrás críticas de otros fotógrafos, sino también de artistas de diferentes campos, lo que puede ser muy enriquecedor.

• Unirte a foros de fotografía con secciones de crítica. Un ejemplo sería la sección “La Pulidora” de Canonistas o “Comenta tus fotos” de Pentaxeros, por mencionar foros muy conocidos.

Foto | Leeks

Una vez que pertenezcas a estas comunidades, sólo te hará falta comenzar a compartir tus fotos y tener paciencia. Es posible al principio no obtengas muchos comentarios al ser nuevo, pero si comienzas a comentar el trabajo de los demás y a cuidar los contactos que establezcas, en poco tiempo verás tus esfuerzos recompensados y tendrás críticas más elaboradas de tus imágenes.

Algunos consejos extra:

• Procura siempre esforzarte en los comentarios que dejes en las fotografías de otros, evitando decir lo de siempre.

• No reacciones a la defensiva cuando alguien haga una crítica dura sobre una de tus imágenes. Reflexiona bien sobre ello y no contestes en el mismo tono, porque puede provocar que visitas posteriores decidan no dejar ninguna aportación.

• Intenta acercarte a fotógrafos a los que admires y mantener el contacto con ellos.

Vía | Photocritic

Todo iba muy bien en mis comienzos, hasta que poco a poco empezaba a no entender algunos “consejos”, aparte de volverme loco con muchas contradicciones.

Un día subes una foto y de repente alguien te dice que el encuadre es muy cerrado, otro te dice que está muy abierto, uno te dice que le falta luz, el otro te dice que tiene mucha luz… al final acabas hecho un lio y terminas por plantearte ¿me están ayudando a mejorar o todo se basa en hacer fotos a gusto de los demás?.

Está claro que no siempre es así. Algunas veces, cuando alguien te comenta algo sobre tus fotos, puedes llegar a entender perfectamente a lo que se refiere y ayudarte a mejorar. Pero como no siempre es así, debemos estar pendiente de las críticas que realmente ayudan de las que no, y si no llevamos mucho tiempo en esto ¿cómo diferenciarlas?.

Desde hace poco he ido viendo la crítica fotográfica como un lugar de “colegueo”, en donde varios amigos se dedican a piropearse las fotos entre ellos y a criticar las fotos de los demás (ya sea con criterio o sin él). Por ello, he decidido hacer un alto y por ahora sólo me dedicaré a ver las fotos de los demás, ya que me he dado cuenta de que lo mejor para progresar es saber criticar uno mismo sus propias fotos, y no hay nada mejor que el paso del tiempo para ello. Tan sólo tenéis que hacer la siguiente prueba: ver una o varias fotos que hicierais hace un año y que os parecieran buenas. Podría casi garantizaros de que os sorprendereis de la cantidad de fallos que se las pueden sacar en algunos casos, incluso cuando en su momento os parecieran perfectas. Es evidente que no siempre tiene porque ser así, pero si sucede mucho en los comienzos.

Si uno es capaz de autocorregirse, conseguirá ir en una única dirección dando como resultado un estilo personal, que al fin y al cabo, es la búsqueda de todo buen fotógrafo.

Foto | herzeleyd

Retomamos el duelo de críticas, de nuevo con una imagen, en este caso muy tierna, de un lector David Lacarta.

Antes de nada agradecer a David su atrevimiento, gracias por ofrecernos tu foto para comentarla.

Y, ahora, si el señor Belchi lo tiene a bien, elegimos revólver, pegamos nuestras espaldas, caminamos diez pasos en sentido opuesto y disparamos.

Crítica 1: David Cabezón Sin duda, el punto fuerte de esta imagen es el momento captado. Es fenomenalmente tierno y el blanco y negro le va muy bien. Pero bajo mi punto de vista le faltan algunas cosas para pasar de ser una foto agradable a ser una gran foto. Veamos los detalles que la podrían haber hecho más potente: * El momento es casi inmejorable, pero la posición del fotógrafo sí lo es. El punto más potente de esta imagen debería ser la expresión de los niños y tanto la distancia como el ángulo escogidos para la toma no son los más adecuados. De hecho, al niño no se le ve la cara y a la niña la vemos menos de lo que seguramente nos gustaría. Una pena. * A mí me hubiera gustado ver a los niños de frente y que hubiese un poco más de interacción entre ellos o entre ellos y el fotógrafo para darle a la foto ese plus de 'momento irrepetible' que lamentablemente le falta. * ¿Os habéis fijado en que detrás de los niños hay un cristal? Es probable que el reflejo que produce fuese lo que comprometió la posición del fotógrafo que, por no aparecer en la foto, la tomó desde un lado. Ojo a los fondos cuando fotografiáis. Estas cosas pasan y hay que estar atento a ello. * Para terminar, además del momento dulce, me gustaría resaltar el blanco y negro. Está muy bien logrado y aplicado de manera adecuada a la escena. Sin negros muy negros ni blancos muy blancos, manteniendo alejado un dramatismo que no iría bien aquí.

Mi conclusión es que la idea es buena, pero habría que haber seguido disparando y moviéndonos alrededor de los niños durante unos segundos más para tratar de lograr la toma perfecta.

Crítica 2: Israel Belchi

Oh! Me encanta esta fotografía... Tengo debilidad por las fotos de niños. Felicidades David, es una foto muy bonita. Peeeeero...

• Teniendo en cuenta que para que los retratos (especialmente los de niños y niñas), sobretodo si son espontáneos, muchas veces no se pueden controlar todas las variables antes de tomar la foto...
• El encuadre no es el más adecuado. Sería mejor foto si fuera algo más frontal.
• Ojo con los espacios libres a los lados de la parejita. Lo mejor sería que el encuadre dejara el mismo espacio libre para uno y para otro. Lo mismo para el espacio superior y el inferior. Más cerca, mucho mejor.
• Su posición corporal es parte del encanto de la foto. Aún así, no descartaría haber cerrado el plano mucho más. Esto no quiere decir que así esté mal, claro...
• La teoría dice que la expresión facial (y por consiguiente el contacto ocular directo) es lo que más transmite en un retrato. Pero no por ello debemos descartar toda la comunicación que se extrae de la postura corporal y la escena en conjunto. No echo en falta que se les vea más los rostros.
• Soy un ferviente amante del blanco y negro. Pero tengo una manía muy personal. Para los niños, normalmente color. Les sienta (creo) mucho mejor. Especialmente por su ropita habitualmente muy colorida. Esto es muy subjetivo...
• Como bonus, sugiero otras posibles fotazos... ¿Qué tal los detalles en primer plano? Por ejemplo, las manos recogidas de la niña frente a sus zapatos? ¿O un primer plano de esas dos cabecitas, una apoyada en la otra?

Importante: Os recordamos que para sugerirnos vuestras fotos para los duelos, debéis hacerlo a través del formulario de contacto. Utilizad los comentarios del post para criticar la fotografía. ¡Gracias!

Llevamos más de un mes sin duelos y los xatakafoteros residentes ya empiezan a estar demasiado tranquilos. Incluso diría que confiados. Y la verdad es que no es plan de dormirse en los laureles.

Nos debemos a nuestro público. A vosotros, que estáis en las gradas sedientos, cuando menos, de un poco de acción.

Así que aquí va mi reto para el Sr Belchi. Se trata de una foto de un paisano mío, una instantánea tomada en la ferrolana Praia das Fontes en Cobas (Ferrol, A Coruña) por el fotoperiodista gallego Jorge Meis.

Crítica 1: David Cabezón Podríamos abordar esta imagen por muchos flancos, quizás por eso me llamó la atención. Vayamos por partes: * La composición es perfectamente académica, muy eficaz. El tercio superior para el cielo, los dos más bajos para el suelo. El horizonte perfectamente recto (muy importante cuando fotografiamos el mar). * El movimiento del agua captado mientras la ola se retiraba nos indica varias cosas, aunque no podamos afirmar casi ninguna con rotundidad: la foto se tomó sobre un trípode, puesto que se trata de una exposición larga. Es probable que, si era de día, se empleasen filtros de densidad neutra (ND) para no quemar la foto. Quizás había poca luz, con lo que se pudo conseguir la exposición larga sobre el trípode sin quemar nada. * La nitidez de todos los términos de la foto nos llevan a pensar de nuevo en una exposición larga, acompañada de una apertura muy pequeña del diafragma para maximizar la profundidad de campo. Una técnica muy empleada cuando se trata de paisajes, que aquí da fenomenales resultados al tener frente a la cámara un elemento como el mar, en constante movimiento. * El blanco y negro conseguido, con unos negros muy negros y unos blancos muy blancos, añade dramatismo a la escena. Además ayuda a enfatizar el volumen de las nubes, otro de los elementos que contribuyen a crear la atmósfera de esta foto. * Por último, el marco, discreto y elegante, ayuda a poner en valor una foto de por sí estupenda, lejos de molestar.

Crítica 2: Israel Belchi

Pues poca cosa podré añadir a los comentarios ya hechos a la fotografía, y es que hay que reconocer que el Sr Cabezón tiene un excelente paladar en lo que a fotografía (de paisaje) se refiere. No estaría mal que de vez en cuando eligiera alguna foto de menos calidad para que pudiera discrepar enérgicamente de sus apreciaciones. Pero algo sí que puedo señalar:

• La composición es un tanto clásica y perfectamente resuleta. Como comenta David, perfecta ubicación del horizonte. Pero lo que me llama la atención es que el autor no haya situado ninguna de las rocas en alguna intersección de las líneas que dividen las fotos en los famosos tercios. Académicamente debería ser así, pero a la roca (casi) central no le hace falta. Ya nos llama poderosamente la atención.
• La combinación de dos decisiones de Jorge Meis es lo que le da a la fotografía la magia. Me explico: por un lado el blanco y negro, muy contrastado y perfecto con esas nubes amenazadoras, le dan un dramatismo enorme a la fotografía. Por otra parte, el efecto de movimiento conseguido con el agua le da el toque de fantasía al paisaje. Esta es mi ecuación: dramatismo + fantasía = magia. Fácil, ¿no?
• La distribución de elementos claros y oscuros de la foto también juegan un papel importante en la composición. Fíjate en los tonos de gris de la foto. De abajo a arriba, casi sin mezclar como en un café irlandés, oscuro, claro, oscuro y claro (sin tener en cuenta las rocas). Me explico mejor con este pequeño esquema:

• Desde mi más absoluta humildad, ya que no consigo tomar fotos ni la mitad de bonitas que Jorge Meis, yo propondría un corte vertical de la fotografía con la misma ubicación del horizonte y con la roca central como única protagonista y situada en el centro respecto al eje horizontal.

David, no te escondas, ¡que la semana que viene te reto yo a ti!

Foto | Praia das Fontes Cortesía de su autor, Jorge Meis