Hemos oído mil veces que ponernos el cinturón en el coche puede salvarnos la vida pero pocas veces lo hemos visto de forma tan gráfica como en la campaña ‘Belted Survivors’. Se trata de un proyecto de Clemenger BBDO para la Agencia de Transporte de Nueva Zelanda (equivalente a la DGT española) en la que han recreado las heridas sufridas por diez hombres que realmente fueron víctimas de un accidente en el pasado.

Las impactantes imágenes muestran las heridas que deja el propio cinturón al clavarse en la piel, pero también otras consecuencias de los accidentes de tráfico como pulmones perforados, parálisis, costillas fracturadas, espaldas y extremidades destrozadas… Todas las presentan como una especie de “insignias de honor” que muestran orgullosos estos jóvenes que, gracias a usar el cinturón, lograron sobrevivir al accidente.

El hecho de que sólo sean hombres jóvenes (“kiwis” como se les conoce en aquel país) tiene una razón de peso: Se trata del espectro de población neozelandés que más muertos tiene en carretera por culpa de no llevar puesto el cinturón (unos 90 al año), un accesorio que muchos hombres jóvenes considera innecesario. Por eso, ellos son el principal target de una campaña que tiene como objetivo concienciarles de que merece la pena su uso.

En Xataka Foto

Cómo y dónde enfocar correctamente en fotografía de paisaje

Un buen ejemplo es la historia de Liam (foto de abajo), quien se despertó de un coma justo el día antes de que naciera su hija. Si no hubiera usado el cinturón de seguridad nunca se habría despertado. Este es uno de los diez hombres que fueron elegidos para la campaña y que, como hemos adelantando, sobrevivieron a sendos accidentes que hubieran sido mortales sin el cinturón.

Para escogerlos se realizó una convocatoria nacional a la que se presentaron cientos de historias reales de personas que sobrevivieron a accidentes gracias al cinturón de seguridad. Entre todas ellas se eligió a diez hombres que fueron maquillados para simular las lesiones sufridas, ayudados por sus fotos posteriores al accidente. Los responsables de este trabajo fueron el estudio PROFX (que ha trabajado en películas como Thor: Ragnarok y la trilogía de El Hobbit) trabajando en estrecha colaboración con una especialista en medicina de emergencias.

Las fotos fueron hechas en las casas de los propios protagonistas, para asegurarse de que estuvieran en un ambiente familiar, rodeados de familiares y amigos, mientras revivían su experiencia del accidente que se grabó en vídeo. Posteriormente, la campaña fue lanzada a través de los propios perfiles sociales de los supervivientes, y apoyada por grandes carteles exteriores que se colocaron en sus lugares de origen para contar su propia historia de supervivencia dentro de sus comunidades locales.

Sin duda un trabajo impactante, con una finalidad más que loable, que perfectamente podría hacerse en España y muchos otros países y que os queríamos enseñar. ¿Qué os parece?

Más información | Belted Survivors

Ahora pueden parecernos algo vintage, pero queda claro que muchos de los anuncios publicitarios de décadas pasadas ahora serían políticamente incorrectos (tal y como nos contaban nuestros compañeros de Magnet) porque contienen valores que hoy están (afortunadamente) en el candelero, sobre todo el machismo. Pero ¿qué pasaría si diéramos la vuelta a algunos de ellos? Eso es justo lo que ha hecho Eli Rezkallah con su proyecto ‘In a Parallel Universe’.

El nombre, como ya habéis deducido, hace referencia a un “universo paralelo” en el que las mujeres “llevan los pantalones” y los hombres tienen como principal misión cuidar de la casa y los niños. En este nuevo mundo los anuncios son sospechosamente parecidos a otros (algunos de los cuales seguramente os sonarán porque son bastante conocidos) pero con los roles de género tradicionales cambiados.

La idea de este universo paralelo se le ocurrió a Eli Rezkallah, un fotógrafo y artista visual residente en Beirut (Líbano), en una visita a su familia de Nueva Jersey (EE.UU). Celebraban “Acción de Gracias” cuando oyó decir a sus tíos que las mujeres de la familia estarían mejor “cocinando, cuidando la cocina y cumpliendo con sus deberes femeninos”. Y aunque Eli es consciente de que no todos los hombres son como ellos, le parece incréible comprobar cómo muchos de los valores sexistas y machistas de décadas pasadas siguen estando presentes en la sociedad actual.

Por eso, Eli empezó a imaginarse “un universo paralelo, donde los roles se invierten y los hombres prueban su propio veneno sexista”. Y lo realizó recreando anuncios antiguos anuncios publicados en revistas norteamericanas de la década de los 40, 50 y 60. Anuncios que, como decíamos, fueron creados en una época con valores muy distintos, con mensajes que claramente son sexistas y machistas y que el artista ha dado la vuelta por completo.

Así, en sus creaciones hombres y mujeres se intercambian el puesto con la idea de que “las personas que aún creen en estos estereotipos puedan ver visualmente la trampa en la que viven”. Como podéis ver, los anuncios antiguos son bastante sencillos, sin trucos de Photoshop y con una importancia primordial de la decoración. Por ello, el reto principal para recrear los nuevos recae en las fotografias que les sirven de base y que han sido realizadas magistralmente por Eli. Sin duda un gran trabajo con buen fin.

Eli Rezkallah | Página web | Instagram | Plastik Studios

En Xataka Foto | ‘Vanity’, de Murray Fredericks, usando un espejo para crear paisajes infinitos y explorar los límites de la perspectiva

Todas las fotografías de Eli Rezkallah, producidas por Plastik Studios 2018, reproducidas con permiso del autor para este artículo

Kristina Makeeva es una fotógrafa rusa que comenzó a ganar cierta popularidad por sus fotografías de Moscú, en las que una cuidada postproducción y un cuidado look que parece sacado directamente de una campaña de publicidad, hacían que nos apeteciera ir a pasar el invierno a su ciudad. Con esta nueva serie de fotografía repite la misma fórmula añadiendo un nuevo elemento: su gato.

Los que hayamos trabajado con modelos, sabemos que no es fácil realizar sesiones de fotografías si estos no son profesionales o tienen cierta facilidad para posar. Ni que decir con niños pequeños, y ya puestos en lo peor, animales. Kristina Makeeva cuenta sin embargo con la suerte de que su gato, bautizado como "chuleta", es lo que podríamos considerar un animal con paciencia que si hace falta no se mueve de donde se encuentra.

Y claro, teniendo un gato de estas condiciones, no era de extrañar que más pronto que tarde Makeeva lo tomara como modelo y que poco a poco, fuera convirtiéndose en el protagonista de su último trabajo que ya se está haciendo viral. Y es que el espíritu es muy similar a sus estampas de Rusia (que siguen presentes en algunas de estas nuevas imágenes) aunque en este caso, hay una mayor cantidad de imágenes en el interior de su casa para no cansar demasiado a su felino modelo.

Kristina Makeeva reconoce que antes de ser fotógrafa, se curtió durante un par de años realizando retoque de imágenes en Photoshop así como desarrollando distintos diseños, lo que a la hora de tomar una imagen, le permite darle un baño de luces y efectos bastante marcado. Si a este look le añadimos la presencia de un felino, animal que arrasa en las redes sociales, tenemos un trabajo que se está haciendo cada vez más popular.

Instagram | Kristina Makeeva

Blog | Livejournal

Andreas Varro es un fotógrafo suizo instalado en Estocolmo que trabaja como fotógrafo comercial, especializado en imagen conceptual y retrato. Su último proyecto, Condom Challenge, es una campaña viral en la que condones llenos de agua son lanzados a la cara de pacientes modelos, para ser retratados cuando el preservativo se rompe y les baña de agua. ¿A qué se deben estas fotografías?

Detrás de estas fotografías no haya una campaña publicitaria de ninguna marca de preservativos ni se esconde ningún fin comercial. Básicamente, tal y como nos ha relatado Andres Varro al hablar con él, simplemente quería realizar imágenes divertidas que hicieran reír a la gente y darle publicidad a su trabajo como fotógrafo. Y no, no tenía ninguna intención de parodiar el famoso Ice Bucket Challenge ni se ha inspirado en él.

Sin duda, imágenes realizadas a gran velocidad de obturación en momentos clave como una explosión de agua, son siempre espectaculares asegurando el interés de muchos internautas.

Vía | Andreas Varro

Cada uno tenemos nuestra historia detrás de la fotografía. Nuestros orígenes en esta disciplina, qué nos hizo coger una cámara por primera vez, cómo llegamos a enamorarnos de este arte. En el caso de Albert Hardy su historia comenzó a los catorce años cuando, siendo el mayor de siete hermanos tuvo que dejar la escuela para trabajar en el laboratorio de un químico que revelaba fotos.

Ese primer acercamiento con el mundo de la fotografía hizo que fuera aprendiendo de forma autodidacta, comenzando gracias a su primera adquisición que fue una pequeña cámara de placas, más tarde se compraría una Leica de 35mm, no sin antes haber obtenido remuneraciones con la venta de 200 copias donde aparecían George V y a la reina Mary en su carruaje.

Poco a poco fue entrando en prensa gracias a colaboraciones con publicaciones como The Bicycle, incluso llegó a formar su propia firma independiente, Criterion. Ese tesón le llevó a que Tom Hopkinson quisiera que formara parte de las filas de una de las publicaciones más importantes del Reino Unido de los años 30 y 40.

Tropas en Gibraltrar.

Picture Post, para ponernos en situación, fue una revista que a los dos meses de su primera publicación ya vendía 1,700,000 copias. De carácter liberal y antifascista, se opuso a la persecución de los judíos por parte de los nazis en Alemania. Tuvo su época dorada durante la II Guerra Mundial, cayendo en declive hasta su disolución en 1957.

Volviendo a Hardy, sirvió como fotógrafo en la unidad fotográfica (AFPU) durante la II Guerra Mundial siendo ya jefe de fotografía del Picture Post, cubriendo desde la liberación de París hasta su entrada, siendo uno de los pocos fotógrafos en hacerlo, al campo de concentración ya liberado de Bergen-Belsen.

También estuvo en la guerra de Corea, ganando el premio Missouri Pictures of the Year por su trabajo junto al periodista James Cameron, contando las atrocidades de Naciones Unidas en Pusan. Pero fue ya cuando Post Picture cerró el momento en que se dedicó a publicidad, siendo uno de los más reconocidos hasta su retirada en 1964.

Un fotógrafo que se hizo a sí mismo habiendo llegado a la fotografía por necesidad, que ganó varios premios dentro de la profesión y que incluso llegó a ser jefe del Picture Post. Viajó, recorrió el mundo con su cámara para contar al mundo las babaries de la guerra desde la dignidad y se retiró habiendo dejado numerosas publicaciones y un trabajo impecable. Atentos a las palabras finales del vídeo que os hemos compartido.

Hace unos días que circula ya por la red y es que en “The Camera Store”, se han marcado una divertida y espectacular campaña publicitaria, en la que vemos a 2 grupos de combatientes fotógrafos armados con sus cámaras y no con armas afortunadamente. El vídeo en cuestión está bastante bien editado y resulta muy divertido por lo exagerado en algunos momentos de las actuaciones de los participantes del mismo. Así que prepárate para disfrutar unos minutos.

De todas formas la idea no es nueva, y parece que todo está inventado baste como ejemplo, este otro vídeo de la campaña publicitaria de Canon en el 2009 donde los fotógrafos combatientes quedaban congenlados: “aim it, shoot it, freeze it” que vendría a ser: “apunta, dispara y congélalo”.

Y a continuación el cómo se hizo:

En este vídeo el fotógrafo Casey Templeton acaba mostrando las numerosas respuestas de las agencias a las que envió el paquete promocional. Cada respuesta postal devuelta es un posible nuevo cliente captado que acabará generando trabajo y dinero. Es un buen ejemplo para concienciarnos de la importancia, crucial, de una buena publicidad.

Ayer celebrábamos el Día de Internet plenamente convencidos de que en esta nueva era no hay fotógrafo que se precie que no tenga una galería online, página web o cuenta en varias redes sociales y es que además de hacer un buen trabajo con la cámara es necesario saber venderse muy bien.

Dicho lo cuál y como demuestra el vídeo no deberíamos descuidar las estrategias promocionales físicas más tradicionales. Así deberíamos contar con unas buenas tarjetas de visita y tener en cuenta, a la hora de confeccionar una buena estrategia para nuestro portafolio (digital o impresio) si apostamos por calidad o cantidad. Afortunadamente para nosotros, los más modestos, la promoción fotográfica no queda restringida a la contratación de servicios profesionales y dedicados sino que, en cambio, se presta a la explotación de la creatividad y las artes manuales, no hay más que buscar ideas originales como por ejemplo crear sobres con nuestras fotografías. ¿Cómo promocionáis vuestro trabajo?

Vía | F Stoppers
Vídeo | Vimeo | Casey Templeton

Hace poco contacté con Joel Grimes, un fotógrafo del que admiro sus trabajos y al que vengo siguiendo desde hace un año. Incluso hace unos meses me permití el lujo de tratar de imitar su estilo en mi propia galería de flickr con esta fotografía de mi hijo Diego.

Joel Grimes es uno de los grandes fotógrafos de publicidad en el mundo. Joel es un artista que mezcla Realidad y Fantasía. Mucho toque de realidad y esa pizca de fantasía onírica es la gran receta de sus imágenes. Su gran experiencia, su extraordinaria fotografía y su poderosa técnica de retoque fotográfico le han convertido en un gran fotógrafo. Joel se graduó de la Universidad de Arizona 1984 con un BFA en Fotografía, y poco después se mudó a Denver, Colorado para montar una tienda como fotógrafo comercial.

Durante años ha trabajado para algunas de las principales agencias publicitarias de todo Estados Unidos así como para clientes como AARP, AT&T, Best Western, Boston Market, Case Logic, Chimera, Colorado Rockies, Denver Broncos, Discovery Channel, Goldman Sachs, Hewlett Packard, Hyatt, Phillips 66 Aviation, Pentax, Philip Morris USA, National Geographic, Nikon, Qwest, Red Robin, Roper, Ruger, Sony, Trimble, USA Boxing, Village Inn,  Visa, Volvo and Xcel Energy. Sus proyectos de realidad y fantasía le han llevado por todo los Estados Unidos así como por más de 50 países alrededor del mundo.

He decir, antes de dejaros con la entrevista a Joel Grimes, que Joel me ha parecido una persona extraordinariamente cercana y muy humilde. Da gusto encontrar gente como él tan dispuesta a colaborar. Disfrutad que merece la pena.

Xatakafoto: Hola Joel, gracias por tu tiempo

Joel : Hola, gracias a vosotros por vuestro interés en mi trabajo.

Xatakafoto: Cuéntanos un poco sobre ti.

Joel: Bien, he sido fotógrafo profesional desde 1985 y principalmente he trabajado en el sector publicitario. Siempre me he visto un artista y nunca he dudado ver la fotografía como proceso creativo. La fotografía es la mejor representacion de la realidad, y, por lo tanto, me veo a mi mismo como un ilusionista, mezclando dos mundos, entre lo percibido realmente y la fantasía. Me gusta presentar a mis modelos como gente íntegra.

Xatakafoto: ¿Dónde vives?

Joel: Tengo mi hogar en Tucson, Arizona, aunque tengo un estudio en Los Ángeles, California. Trato de pasar 2 semanas al mes en cada lugar.

Xatakafoto: Tus fotografías deportivas me parecen impresionantes.¿Cómo empezaste con ello?

Joel: Los atletas resultan ser grandes modelos, aunque debería decir que desde un principio me atraían sujetos a fotografiar. Así, el esquema de 3 luces que he estado usando en los últimos años es perfecto para este look de fotografía deportiva.

Xatakafoto: ¿Qué diferencias encuentras entre fotografiar modelos y atletas?

Joel: La principal dieferencia al fotografiar modelos y deportistas, es que tiendo a suavizar la luz. Normalmente lo que suelo utilizar es grandes difusores o acerco más los difusores pequeños. Además, en los modelos la piel juega un papel muy importante en el proceso y esto fuerza tu atención hacia la luz y el retoque.

Xatakafoto: ¿Qué tipo de cámaras utilizas?

Joel: Pues actualmente uso una Canon 5D Mark II

Xatakafoto: Usas Canon, entonces. ¿Algún motivo en especial o es una elección personal?

Joel: He utilizado Nikon durante más de 25 años y no he sido más feliz. Pero cuando comenzó a desarrollarse la carrera por la fotografía digital, Canon me pareció un paso por delante de Nikon con sus cámaras de sensor completo y esa fue la principal razón por la que me cambié. Pienso que esa carrera se ha igualado bastante, aunque sigo siendo un fan de Canon. Sin embargo, he de confesar, que la cámara no hace al Fotógrafo.

Xatakafoto: ¿Cuál es el mejor de tus objetivos o el favorito?

Joel: Soy un fanático de los angulares. Muchos de mis retratos deportivos están realizados con un 24mm y la mayoría de los fondos con un 16mm. Me gusta ese look de perspectiva forzada y los objetivos ultraangulares ayudan a conseguir ese resultado. Creo que es la principal cualidad que ha marcado mi carrera.

Xatakafoto: Joel, ¿Nos podrías dar algún consejo para la gente que empieza?

Joel: Por supuesto: “Dispara con lo que tengas”. Que no caigan en la trampa de necesitar una tonelada de equipo para crear. Tú puedes sorprender al mundo con solo una cámara y un objetivo.

Xatakafoto: Cuando estás fotografiando siempre tienes en cuenta la posibilidad de …

Joel: Pues que siempre intento dejar que las tomas sigan su curso natural. No trato de agobiar al modelo. A veces puedo pedir repetir las tomas pero muchas veces dejo que luego me sorprendan.

Xatakafoto: Una de las primeras cosas que me llamó la atención de tu galería de fotos, es el efecto hiper-realístico de tus imágenes. Pero entonces pensé, es solamente técnica, lo más importante es la foto que hay detrás. Sin embargo, cuéntanos un poco.

Joel:  Como ya he mencionado, me veo a mi mismo como un ilusionista. Mis imágenes tienen ese toque realista en cuanto representación de la realidad pero con un toque de fantasía. Durante años, he estado iluminado a los modelos en exteriores y oscureciendo los fondos usando sincronización de alta velocidad. La mayoría de mis imágenes tienen dos partes, los modelos en un estudio con fondo blanco y los fondos exteriores procesados como HDR de 5 tomas con 1 paso de exposición. Después lo mezclo en Photoshop y uso gran cantidad de capas para conseguir ese look desaturado que suelo darles. Para lograr el procesado que actualmente uso, básicamente me encierro durante unas 2 semanas y trabajo la imagen de principio a fin casi unas 100 veces hasta que logro exactamente el toque que busco. En cuanto a la iluminación, la mayor parte de mis fotos deportivas y del mundo del  espectáculo, uso el esquema de 3 luces para conseguir ese efecto dramático que puedes ver.

Esquema básico de 3 luces que usa Joel, elaboración propia.

Joel: Pienso que es realmente imposible aprender iluminación por el simple uso de los diagramas. Aunque sí, es cierto que te pueden dar una visión general de dónde están colocadas las luces, pero la iluminación no es un proceso técnico en sí. Es un proceso intuitivo, emocional y emotivo. Desde una perspectiva creativa-artística el cómo la luz toca la cara solamente puede ser medido físicamente de dos formas visualmente: en el pasado, usaba una polaroid, y ahora, por supuesto, tenemos un monitor digital que nos ayuda en el proceso.

Xatakafoto: ¿Cuál es lo más importante a la ahora de disparar?¿Alguna pista?

Joel: Tengo una frase para ello. “Un aparato no puede tomar una decisión creativa, eso está reservado para la mente humana”. Así la intuición debe ser tu guía, no un instrumento como el fotómetro o el historgama. Sé un artista, déjate llevar por la intuición.

Xatakafoto: La foto que todavía no has hecho es …

Joel:  Nunca hay escasez de modelos a los que fotorgafiar. Aún sigo explorando el campo de los atletas como materia de estudio y hay algunos atletas profesionales a los que me encantaría tener la oportunidad de retratar.

Xatakafoto: Uno de tus últimos trabajos ha sido …

Joel: Acabo de terminar un trabajo sobre 11 jugadores profesionales de baloncesto que forman parte de la Street Ball League.

Xatakafoto: ¿Cuál es la parte más divertida de ser un fotógrafo?

Joel: La fotografía pienso que te abre puertas a la vida de la gente que de otra forma no existirían. Me encanta la idea capturar la personalidad de alguien.

Xatakafoto: Tus workshops son bastante conocidospero cuéntanos un poco.

Joel: Bien, intento hacer al menos un workshop al mes en mi estudio de Los Ángeles. Además trato de hacerlos en diversas ciudades de EEUU según el tiempo me lo permita. Este último otoño, he realizado algunos workshops en Reino Unido e Israel.

Xatakafoto: ¿Para cuándo un workshop de Joel Grimes en España?

Joel: Me encantaría ir a España. Pienso que serían un cielo muy HDR. Lo único que necesito es una invitación.

Xatakafoto: Hecho Joel. Y ¿workshops online?

Joel: No estoy muy seguro de ello. Ya veremos que depara el futuro. En mi blog podéis ver gran cantidad de información en www.joelgrimesworkshops.com. Tenéis varios tutoriales que cubren mis procesos de iluminación para los tratamientos que hago con Photoshop.

Xatakafoto: Gracias Joel, ha sido un placer conocerte. Espero que el día que vengas a España nos llames.
Joel: ¡Eso está hecho!

Más información | www.joelgrimes.com  y su galería en flickr

Si algunas vez has tenido problemas iluminando una escena para conseguir tiempos de exposición aceptables, imagina que tienes conseguir tomar 600 imágenes por segundo en plena noche. Ese problema se encontró el fotógrafo Vincent Laforet grabando un anuncio un anuncio para una empresa de calzados, y tuvo que solucionarlo con la friolera de 225.000 vatios de luz (según sus propias palabras, suficiente para freir un huevo en diez segundos, o un pavo en una hora).

El principal problema que tuvo fue que, incluso con esta ingente cantidad de luz, sólo pudo conseguir trabajar con una apertura de f/2.0, que con las focales de hasta 100mm con las que trabajaba, le daba una profundidad de campo ínfima. Teniendo en cuenta que cada segundo real se traducía en 25 segundos en el resultado, un pequeño instante fuera de foco podía dar al traste una secuencia completa. Afortunadamente, Vincent contaba con un operador de cámara con 26 años de experiencia, y el apoyo de sistemas automatizados de enfoque.

Si alguno ha pensado en que debería haber iluminado aún más la escena, pensad que subir un paso de exposición requiere duplicar el equipo de iluminación, y sólo le permitiría llegar a f2.8. Eso sí, por lo menos no creo que pasaran demasiado frío, con todas esas luces calentando el escenario.

En su blog personal tenéis un vídeo del making-off, y un timelapse con el montaje del equipo. Para los curiosos, la cámara usada fue una Phantom HD Gold, tirando a ISO 640, con ópticas Cooke S4/i. El resultado, tecnicismos aparte, tiene una calidad estética y un impacto visual que, pese a la nieve, no dejará frío a nadie.

Web oficial | Vicent Laforet
Via | Petapixel

Hace unos días desde Xataka Foto ya os hablábamos de la importancia que tienen las imágenes en la publicidad, por ese motivo hoy os quiero mostrar el trabajo del francés Romain Laurent.

Sin duda, este fotógrafo es uno de los grandes maestros en el campo de la publicidad y su trabajo ha sido reconocido por empresas como Citroen, Coca-Cola, Epson, Microsoft, decathlon o Nissan, entre otras.

No cabe duda que Romain Laurent nos quiere mostrar en sus creaciones su peculiar visión de la realidad, rozando muchas veces el surrealismo y lo absurdo. Pero siempre utilizando ese toque de humor que le caracteriza.

Como podemos observar en sus fotografías una de sus singularidades es que tiene tendencia a utilizar los efectos visuales creados por ordenador para hacernos llegar un mensaje, muchas veces jugando con la gravedad, logrando de esa forma, transmitirnos sensaciones y no dejarnos impasibles a sus creaciones.

Su originalidad, se puede observar en todas sus fotografías y desde mi punto de vista, no cabe duda que son grandes obras de arte.

Web oficial | Romain Laurent