Cuando veis una fotografía en la que una persona mira a la nada desde la ventana de una habitación; cuando admiráis la imagen de una casa en el campo; cuando os gusta el cine de David Lynch o el trabajo de Stephen Shore estáis viendo la obra de Edward Hopper, el pintor de la soledad. Y podemos aprender todo sobre Hopper en el curso que grabaron con motivo de la gran exposición que se celebró en el museo Thyssen de Madrid.

Si queremos aprender otra forma de mirar, conocer a un pintor que miraba como un fotógrafo y que ha influenciado a muchos autores, no nos queda más remedio que estudiar la figura de Edward Hopper, uno de los más grandes artistas del Siglo XX.

Por eso queremos destacar hoy el curso que podemos encontrar en la página de EducaThyssen: Edward Hopper. El cine y la vida moderna. Es una ocasión estupenda para analizar la influencia de este autor en el mundo del cine y por extensión la fotografía. Su mirada fue única y todavía hoy sirve de inspiración a muchos de nosotros.

'Edward Hopper. El cine y la vida moderna'

Este curso lo podemos hacer a nuestro ritmo. Son ni más ni menos que 13 charlas que suman un total de 14 horas de información. Es verdad que está orientado al mundo del cine pero su universo se centra en la imagen. Los directores de fotografía son los que dan forma a los sueños de los directores.

'Nighthawks' de Edward Hopper 1942 (Wikimedia Commons)

Los títulos condensan la información a la que vamos a tener acceso: 'Hopper y David Lynch', 'Lo encontró en las películas: la influencia del cine en la obra de Edward Hopper', 'Ventanas a la oscuridad'... una maravillosa forma de pasar las tardes en busca de inspiración.

La lista de los conferenciantes es apabullante: Guillermo Solana (Museo Nacional Thyssen-Bornemisza), Didier Ottinger (comisario de exposiciones), Tomàs Llorens (comisario de exposiciones), José Enrique Monterde (crítico de cine), Ernest Farrés (periodista), Carlos Rodríguez (realizador), Carlos Marzal (escritor), Jean-Loup Bourget (profesor de cinematografía), Jean Foubert (especialista en cine americano), Brian O’Doherty (artista y escritor), Isabel Coixet (directora de cine), Erika Doss (profesora de Estudios Americanos), Victor Burgin (artista y escritor), Margaret Iversen (profesora de Historia del Arte), Valeriano Bozal (catedrático de Historia del Arte), Javier H. Estrada (crítico de cine) Ed Lachman (director de cine) y Juan Ruiz Anchía (director de fotografía).

En Xataka Foto

Cinco videos musicales en los que destaca la fotografía

Así que podemos tener 14 horas ocupadas en algo semejante. Y luego podemos sumar todo lo que encontraremos sobre este genial pintor en las redes... Y ver todas las películas que citan en el curso... y acercarnos a la obra de Stephen Shore o Gregory Crewdson, por poner dos ejemplos puramente fotográficos...

Porque no nos alimentamos solo de fotografía. Necesitamos conocer todo lo que nos rodea para mejorar. Y os podemos prometer que analizar la obra de alguien como Hopper nos ayudará mucho más que mirar una y otra vez las redes sociales en busca de fotografías que nos inspiren.

La nueva Super 8 de Kodak ha puesto patas arriba un sector que estaba muerto y que ha resucitado con toda su gloria. La jugada maestra consiste en modernizar un sistema que hace años que no se utiliza y cuyo mayor momento de esplendor en los últimos años fue la película 'Super 8' dirigida por JJ Abrahams. El gran planteamiento que se nos presenta es que vivimos en la elección entre técnica y estética, y Kodak ha apostado por la estética.

¿Técnica o estética?

La era digital ha conseguido logros impensables para cualquier productor de contenido digital: que todo sea versátil, flexible e instantáneo. Es la mejor forma de trabajar para optimizar los resultados, consiguiendo mejores productos a una velocidad endiabladamente rápida.

Ejemplo de ello son los fotógrafos que trabajaron en los Juegos Olímpicos de Invierno de Sochi donde muchos fotógrafos describieron cómo trabajaban: en un partido, disparaban un montón de fotografías y durante el descanso pasaban a la agencia una parte de esas fotografías para seguir disparando a continuación y transmitirlas de nuevo. Un trabajo en tiempo de récord olímpico.

Fotografía de Insomnia Cured Here

Esto no habría sido posible sin la intervención del medio digital, pero cuando hablamos de otro tipo de trabajos en los que la parte creativa entra en juego, el medio químico (en este caso hablaremos de la cinematografía) mete ficha y se posiciona en lo alto. Si bien es cierto que con el digital podemos crear ambientes y colorear fotografías con facilidad, las emulsiones químicas ofrecen una imperfección, unos tonos y un gusto que es extremadamente difícil de emular cuando tratamos con Photoshop.

El 'hipsterismo' de la Super 8 de Kodak

Esto ya lo vivimos con la fotografía química y el revival silencioso de los carretes, que han encontrado una gran porción de fotógrafos interesados en jugar con los productos químicos. Ahora y con mucha más cobertura mediática, la Super 8 augura nuevos tiempos para la cinematografía.

Tarantino y Nolan han sido dos de los más acérrimos defensores de este formato y aunque la industria es la industria y se necesita la mayor flexibilidad posible, la cinematografía química ofrece un medio que interesará a estudios que quieran hacer pequeños experimentos, alejándonos del pulidísimo, flexible y antiséptico resultado de las cámaras actuales.

Fotografía de John Nuttall

La jugada maestra de Kodak se encuentra en ofrecer unas películas únicas, y va a conseguir que el cine amateur del 2016 realice un retorno a un soporte imperfecto pero lleno de personalidad. Kazuo Hirai, CEO de Sony, definía muy bien lo que está sucediendo con el medio químico, así como con el vinilo: la gente no busca simplemente hacer un disco o una fotografía, quieren que el proceso de realizarlo se aleje de una producción en serie y sin personalidad, para convertirse en un producto artesanal lleno de valor ya no sólo comercial, sino personal. Se busca que tanto el productor como el consumidor final vivan una experiencia.

Hay quien podría pensar que todo lo que se genera alrededor del medio químico es puro 'hipsterismo', pero personalmente pienso que se está generando una divergencia entre técnica y estética en la que el consumidor está jugando un papel fundamental. Cada uno decide cómo hacer su trabajo y la intención la que lo realiza. Lo que está claro es que el panorama de soportes y medios es más amplio y diverso que nunca.

En Xataka Foto | La relevancia de la fotografía química en nuestros días

Fotografía de portada | Leo Hidalgo

Documento único éste que ha compartido la Academy Film Archive y que puede verse en el canal de youtube de los Oscars (recomendable si queréis rememorar momentos de Oscar de la historia reciente), y que nos da a conocer las películas en 16mm y 35mm que Aloha Wanderwell Baker grabó en sus viajes en coche por el mundo.

Interesantes porque fue la primera mujer que realizó esta hazaña y porque consituyen con ello un documento único que nos hace recordar esas míticas películas como "Berlín, sinfonía de una ciudad", gracias a esos coches de época y a ese bullicio que representaban las calles de las ciudades de una época que sólo conocemos a nivel de imagen por el cine y otras manifestaciones artísticas.

Unida a la Work Around the World Educational Club (WAWEC) que fue creada por Walter Wanderwell para promover la recientemente fundada en aquel momento Liga de Naciones, se dedicó a viajar por el mundo convirtiéndose así en la mujer más viajera del globo. Estos fotogramas que os comparto, no siendo un documento fotográfico en sí sino más bien cinematrográfico, no deja de ser remarcable en este blog por su importancia a nivel histórico.

Documento gráfico sin sonido que nos hace conocer lugares del mundo como Roma en los años 20 o el Taj Mahal en 1936. Unas imágenes que son toda una delicia, y que contrastan con las películas de la época donde la realidad era construida a base de grandes decorados, aquí sin embargo, todo es real.

Para interesados en la obra de Aloha, sí existe una película con sonido, la cual puede verse en la página de la Biblioteca del Congreso en Washington. Otra joyita, de aproxidamente media hora de duración, que os invito a conocer.

Vídeo Youtube

Reconozco que desde que vi la película Birdman (incluso el trailer) estaba deseando ponerme a escribir sobre ella, quizá me faltaba una aprobacion a su excelente fotografía, lo cual ha llegado en forma de Óscar. De esta manera, el film visualmente más hipnótico de los últimos años, que también le ha supuesto a Iñárritu alzarse con el premio al mejor director, nos da pie a que analicemos más a fondo su estructura y su puesta en escena tan especial.

Puesta en escena es precisamente lo que hace atractiva la película Birdman y cómo esa escena, ese escenario por donde se mueven vertiginosamente los personajes, se vuelve junto con Keaton, protagonista indiscutible de un film que nos agarra desde sus primeras notas visuales.

Narrativamente nos encontramos con un (falso) plano secuencia infinito aunque cortado en determinados planos, que no nos deja respirar como espectadores (salvo en algunos momentos donde nos dispersamos), ya que la cámara persigue a los personajes por el edificio del teatro y también en localizaciones como Times Square, lugar además muy concurrido apoyando aún más la idea de horror vacui sensorial. Y todo ello perfectamente acompañado por una música que va marcando a ritmo de percusión cada secuencia.

Presentar una trama que se basa en un rol teatral y fijar un guión apoyado en un plano secuencia más o menos lineal cronológicamente en el tiempo no es algo nuevo en el cine, salvo que en esta ocasión lo que hace que el ritmo no decaiga es ese fluir de las escenas que se suceden unas tras otras, gracias a una cámara que no deja de moverse entre los recovecos de bambalinas y del propio escenario. Una cámara que además consigue una sutileza extrema en algunas secuencias y que es capaz que enlazar la noche con el día con planos que, desde la calle, se acaban colando por la ventana del camerino del protagonista al amanecer.

Como espectadores, esa comicidad en el guión y ese movimiento de la cámara, la cual no hace sino bailar al son de las pulsiones de unos actores que tienen que poner su mejor sonrisa cuando el patio de butacas se levanta en aplausos, es lo que nos mantiene pegados al sillón sin haber probado bocado a las palomitas. Es una película que consigue que queramos saber qué genialidad se esconde a la vuelta de la esquina, que consigue que estemos impacientes por ver a dónde nos conducirá esa cámara.

Su director de fotografía Emmanuel Lubezki

Al final el estrés al que están sometidos los personajes se termina proyectando en nosotros, que ni tan siquiera podemos descansar en ese impasse que supone el vuelo de Birdman sobre las calles de Manhattan. Indiscutiblemente el trabajo de Iñárritu es prácticamente impecable como director, sobre todo como director de actores ya que no sólo Keaton sino Norton o la propia Emma Stone están fantásticos, pero aquí lo que nos importa es Emmanuel Lubezki que nos atrapa con su frenética fotografía.

Emmanuel Lubezki, o el Chivo como le conocen en la profesión, consigue con este premio su segundo Óscar, el primero fue con Gravity, consolidando así una carrera que le ha llevado a trabajar con directores como Tim Burton o Terrence Malick, visualmente también muy potentes en sus películas, y que le ha hecho estar presente en la ceremonia como nominado en cinco ocasiones más. De esta manera vemos que es un director de fotografía al que las películas experimentales, como El árbol de la vida, y como esta "Birdman" le van como anillo al dedo.

En resumen

Si no habéis visto esta cinta, os recomiendo encarecidamente hacerlo, más allá del descoloque que supone para algunos su puesta en escena y su guión, visualmente es una fuente inagotable de recursos para la inspiración. Nos hace comprender que las reglas se pueden romper, que un producto puede ser bueno más allá de las extravagancias y locuras de un director que, con su valentía, nos hace disfrutar del poder que tiene la imagen en el mundo del cine.

No os la perdáis ahora que estará más de moda que nunca y que será objeto de conversación aunque sólo sea en el día de hoy. Un film para ver en más de una ocasión, para saborear cada secuencia y para dejarnos llevar por una cámara que nos hace protagonistas metiéndonos de lleno en el gran escenario que supone esta nueva revisión al crepúsculo de los dioses.

En Blog de cine Birdman (o la inesperada virtud de la ignorancia)

Una de mis películas favoritas de la historia, considerada además Patrimonio Cultural de la Humanidad, llega a la ciudad de San Sebastián en forma de exposición, en una muestra que la ha llevado a recorrer otras ciudades europeas desde su puesta de largo en Berlín, y que absolutamente os recomiendo, no ya porque en ella se presentan 115 fotografías relacionadas con el rodaje, sino porque viene a darnos a conocer uno de los mejores largos del genio Fritz Lang.

Nos referimos a la mítica "Metrópolis". Cinta que hablaba de un futuro que ya nos hacía reflexionar sobre los robots y la deshumanización y que constituye una pieza clave dentro de la historia del cine. Por la profundidad de la historia, por los decorados y por la interpretación de unos protagonistas que aún no habían conocido el cine sonoro.

"Metrópolis: La obra maestra reencontrada" es una muestra que, gracias a los documentos fotográficos, nos hace conocer el trabajo de todo un equipo al servicio de una película que, ya en 1927, no tenía nada que envidiar a las superproducciones que ha dado la historia posteriormente. Si analizamos también cada fotograma como una imagen fotográfica, viene a ser la inspiración perfecta, con escenas icónicas que han formado parte de nuestro imaginario incluso para los que nunca han visto la cinta.

Os comparto el trailer a propósito de su re-estreno donde se incluían 25 minutos adicionales, ya que la película fue acortada tras su primer estreno el siglo pasado, pero en Youtube tenéis acceso a la película completa por lo que no hay excusa para no visionar esta joya del cine mundial. Ya con sólo ver este trocito os daréis cuenta de la maravillosa fotografía que desprende cada fotograma, tanto en las situaciones más megalómanas como en los primeros planos donde, sin voz, los actores tenían que poner toda la interpretación en sus gestos corporales.

Exposición ideada por la Deutsche Kinemathek de Berlín y que recala en San Sebastián coincidiendo con la 62 edición del Festival Internacional de Cine y con la Semana de Cine Fantástico y de Terror. Hecho que marcará la afluencia de público y que nos encantaría siguiese su itinerancia por otras ciudades españolas. No os la perdáis. Hasta el 2 de noviembre en el Museo San Telmo.

Más información Museo San Telmo

En Xataka Foto nos gusta comentar el trabajo de buenos profesionales españoles en el campo de la fotografía. Hoy entrevistamos a Jorge Alvariño, un fotógrafo especializado en fotos promocionales de películas (acaba de realizar las de 'Torrente 5'), además de fotografía publicitaria y editorial.

En su haber cuenta con un amplio currículum fotografiando a celebridades y estrellas del cine. Una vinculación con el séptimo arte que le viene desde sus comienzos como fotofija en rodajes. Pero vamos a conocer un poco mejor a Jorge Alvariño en esta entrevista.

Empezaste en fotofija en rodajes ¿cómo se llega a realizar este trabajo? ¿tenías experiencia anterior como fotógrafo?

©Jorge Alvariño

Yo empecé como fotofija y como fotógrafo de rebote. El primer dinero que gané como fotógrafo fue haciendo la fotofija del largometraje “The Birthday” y también fue mi primer trabajo profesional.

Antes de eso mi padre me dejaba sus réflex para ir jugando, pero yo no tenia idea de ser profesional. Mis hermanos sí que se dedicaban al cine, Mikel como guionista y Javi como director de arte.

Mientras estudiaba Biología en la Universidad de Salamanca, vinieron a rodar una película a la ciudad, "Octavia", y gracias a que mi hermano Javi trabajaba allí, pude entrar como meritorio en el equipo de cámara. Allí conocí al director de fotografía José Luis López Linares, que al finalizar el rodaje me ofreció trabajar en una película dirigida por Carlos Saura. Después de esa película, vinieron rodajes de spots publicitarios y otras películas convirtiéndome en un fijo en su equipo.

Viendo que me encantaba el mundo del cine y la fotografía, cambié la carrera de biología por estudiar foto en Madrid, y, durante mi primer año, mi amigo Eugenio Mira, con el que ya habia rodado un cortometraje, me dio la oportunidad de fotografiar mi primer cartel y mi primera película: "The Birthday".

A partir de ese momento, he estado trabajando como fotógrafo para diferentes películas y series de televisión haciendo tanto fotofija en rodaje, como sesiones de foto promocionales para cartel. También trabajo en publicidad y por supuesto haciendo retrato editorial para revistas.

¿Qué es lo más complicado en la fotofija?

Cuando empezé a trabajar en celuloide, el trabajo de fotofija consistía en realizar una foto desde el mismo ángulo y encuadre que la cámara de cine para tener ese fotograma fijo y poderlo pasar a revistas rápidamente. Realizar eso hoy en día no tiene futuro porque las cámaras digitales de cine tienen unas resoluciones bestiales y se pueden obtener esos fotogramas con mayor fidelidad directamente desde el material original.

La fotofija tiene que dar algo más, y eso es lo que yo hago en rodajes. Le doy un encuadre diferente al de cámara (aparte del de cámara claro, eso siempre hay que tenerlo por si acaso) buscando contar lo que sucede en la secuencia que estamos rodando en una solo imagen. También invento mis propias situaciones deteniendo el rodaje un instante, aunque intento que eso suceda lo menos posible. Y por último estoy en todo momento buscando fotos y material que pueda servir para que la gente de marketing pueda tener el mejor material para el póster, pressbooks, DVDs, ediciones especiales y cosas así.

Es el caso del teaser poster de “Agnosia”. En medio del rodaje en un decorado impresionante, vi a la actriz Bárbara Goenaga descansando en el borde de la cama. Inmediatamente me di cuenta del potencial de esa imagen y corrí a hablar con el ayudante de dirección para detener el rodaje 20 segundos y hacer la foto. Cuando consigo que una foto, tal cual, se convierta en un póster es cuando más feliz me hace este trabajo.

¿Cuáles son las claves a destacar en la fotofija?

Lo primero saber estar en un rodaje. Esto es fundamental. Si no vas a durar muy poco en un set sin montar un pollo. He visto a fotógrafos sin experiencia en rodajes liarla muy gorda porque en medio de una toma con sonido directo hacen una foto y suena el click desconcentrando a actores y estropeando el audio de la secuencia, o hacen fotos con flash (¿?), o golpean al cámara, o salen en plano... Es un espacio de trabajo hostil en el que muchas veces y para el resto del equipo, el fotofija es un señor con cámara que molesta en todo momento. Lo que hay que hacer es que nadie del equipo se de cuenta de nuestra presencia y molestar lo menos posible al ritmo de rodaje.

Lo segundo tienes que tener el equipo adecuado. Una buena cámara de fotos (yo tengo una 5D Mark III), buenísimas lentes (fijas serie L y zooms serie L) y un blimp que es una caja incomodísima en la que metes la cámara e insonoriza el disparo permitiéndote hacer fotos en toma. El blimp es fundamental para rodajes internacionales, aquí se va utilizando cada vez más.

Por último tienes que estar empapado del proyecto. En muchas ocasiones vas a tener que dirigir a los actores en alguna foto y haber leído el guión y estar atento a la interpretación del actor a lo largo del rodaje sirve para recordar gestos, actitudes y acciones que son interesantes para fotografiar en el shooting de cartel.

Incluso en tu trabajo más personal, te centras en el retrato ¿es lo que más te gusta?

©Jorge Alvariño

Realmente lo que más me gusta es trabajar en rodajes haciendo fotos para la promoción de la película. Retratar al director en el set, los decorados, actores descansando, el equipo técnico, ese mundo del backstage y del making of me vuelve loco.

Y ¡hacer posters de películas claro! Me encanta ver la Gran Vía de Madrid, revistas y edificios con mis fotos.

El problema es que trabajo en una película al año y cada vez es más complicado entrar a trabajar a un rodaje a tiempo completo, así que ahora estoy más centrado en retrato editorial a celebridades.

Tus retratos, al margen de que están relacionados con el mundo del espectáculo, poseen un estilo muy cercano al cine ¿cuáles consideras que han sido tus influencias?

©Jorge Alvariño

Al salir directamente de la escuela de fotografía para empezar a trabajar no pude estar en un estudio como asistente, así que mi escuela de iluminación y maestros han sido todos los rodajes en los que he trabajado y todos los directores de fotografía con los que he rodado: Vittorio Storaro, Jose Luis López Linares, Enrique Chediak, Unax Mendía... También por supuesto otros grandes directores de foto con los que no he tenido el gustazo de trabajar: Gordon Willis, Darius Khondji, Emmanuel Lubezki, Robert Richardson, Janusz Kaminsky, Néstor Almendros...

Como fotógrafos me encantan Richard Avedon, Anton Corbijn, Annie Leibovitz, Justin Stephens, Collin Bell, Jill Greenberg, Rico Torres, Michael Muller, Martin Schoeller, Javier Salas, Mario Sierra, Marco Grob, Rubén Martín, Clay Enos y sobre todo Gregory Crewdson.

¿Trabajas siempre en España? ¿cómo ves la situación actual en la fotografía en general y en la fotografía editorial en particular?

©Jorge Alvariño

La situación profesional de los fotógrafos profesionales en España es crítica. Los que estamos trabajando habitualmente somos unos afortunados, pero tenemos que hacer frente a pagos a más de 90 días, a regateos permanentes sobre presupuestos y a unas condiciones que son reflejo de la situación económica en la que estamos. Del tema de como están los autónomos en este país mejor ni hablemos.

Trabajo en España y cada vez más fuera de España o para clientes extranjeros. Por ejemplo,en agosto hice fotos para una revista americana especializada en cine y me pagaron en cuanto recibieron las fotos. Algo que aquí es relativamente complicado que suceda.

Cuéntanos alguna anécdota de alguna sesión de fotografía editorial o de publicidad

©Jorge Alvariño

Me ha pasado de todo haciendo fotos. Recuerdo que en medio de unas fotos promocionales para una escuela de publicidad de Madrid, entró la directora en la sala donde hacíamos fotos diciendo "¡fuego, fuego!". Tuvimos que salir corriendo del edificio porque un restaurante chino que estaba debajo tenía la cocina en llamas. Todo acabó bien, llegaron los bomberos y apagaron el incendio rápidamente, pero mi equipo estaba arriba yo abajo.

En las fotos que hice a José Corbacho, le cubrimos de pintura en pigmento como si fuese el Holi, el Festival de la India. Al final de la sesión estábamos todos cubiertos de una capa de polvo de color rosa, el equipo, los flashes, el sinfín blanco del estudio e incluso la calle a la puerta del estudio estaba de color rosa. Es curioso que el único que salió limpio de esas fotos fue el propio José Corbacho que al final de las fotos se pudo dar una ducha y quitarse toda la pintura del cuerpo.

¿Cómo resumirías el proceso a la hora de realizar fotos promocionales de una película? ¿qué detalles destacarías?

Hay dos tipos de fotos promocionales en un rodaje. Las que vas haciendo día a día durante el rodaje, lo que se llama fotofija, y luego está el shooting del póster.

El shooting del póster es una locura. Normalmente las fotos se realizan durante el rodaje de la película y teniendo en cuenta el ritmo y los contratiempos que hay un rodaje es muy difícil tener el tiempo que querríamos con cada actor para hacer los retratos promocionales.

Tienes que tener todo muy preparado ya que el actor va a estar solamente unos minutos delante de tu cámara para la foto del póster y se suele marcar un margen de tiempo muy amplio para que cuando pueda, se escape del set de rodaje y vaya al de foto, o sea que estás de guardia.

©Jorge Alvariño

En el caso de las fotos a Clive Owen para la promoción de "Intruders", tenía tres esquemas de luz diferentes montados a la vez para no tener que mover luces ni hacerle perder el tiempo. Mi asistente iba apagando y encendiendo las luces a toda pastilla mientras yo le daba indicaciones a Clive para conseguir el material que necesitábamos. Clive Owen estuvo en el set apenas 10 minutos y nosotros estuvimos preparando esas fotos un día entero preiluminando con un doble que tenía su misma altura, corte de pelo e incluso ¡la misma ropa!

Hay que ser muy rápido, tener claro lo que quieres y quieren tus clientes y sacar todas las fotos posibles en el tiempo que tienes al actor delante tuyo.

Luego, si has hecho los deberes y estás totalmente metido en el proyecto, ocurren cosas como durante el shooting del póster de “Open Windows” en el que mientras fotografiaba a Neil Maskwell me vino una imagen a la cabeza que encajaba perfectamente con el personaje y el concepto de la película. La hice y terminó siendo el teaser póster de la peli.

¿Qué consejo le darías a alguien que quiera desarrollar su carrera como fotógrafo de retratos y editorial?

El mismo que le digo a toda la gente que quiere ser fotógrafo profesional, que vea y haga muchas fotos. Todo el día. Y cuando haya hecho una sesión, se ponga a preparar la siguiente analizando los fallos y estudiando los aciertos de la anterior. Así es como se aprende.

Luego que busque su propio estilo. Yo tengo una carpeta en el escritorio de mi ordenador y mientras estoy viendo portfolios y webs de revistas guardo todo lo que me gusta en ella para tener una fuente de referencias cuando voy a hacer fotos. Esto también es muy útil para buscar patrones de lo que nos gusta y entender hacia dónde queremos ir en nuestra fotografía y encontrar nuestro estilo.

Acabo de presentar un curso online donde explico el proceso de trabajo, de inicio a fin, para un encargo editorial. Allí podéis ver el flujo de trabajo que sigo en mi día a día como retratista para magazines.

Además de fotógrafo, eres director de fotografía de dos revistas digitales... ¿son el futuro como una alternativa sólida?

Para mi son un presente muy sólido. Las revistas en papel nunca van a desaparecer. Son otra cosa, aunque hay similitudes, pero la experiencia como lector es totalmente diferente. VAV y MINE son ahora mismo un referente en España como magazine para iPad, pero hace un par de años cuando empezábamos, era complicado conseguir personalidades para retratar o hacer los vídeos que hacemos en esas revistas. Ahora mismo tenemos a personalidades de primer nivel nacional e internacional en nuestras portadas como Elijah Wood, Luis Tosar, Jorge Drexler...

¿Qué crees que aportan en la actualidad?

Es una manera diferente de acercarse al mundo del lifestyle y de los magazines. El eslogan de VAV es para ver, leer, oir y tocar y lo que buscamos en ambas revistas es crear una experiencia nueva e interactiva en cada número. Las portadas se mueven, hay conciertos acústicos dentro de la revista, animaciones, todo muy interactivo y aprovechando el soporte al máximo.

©Jorge Alvariño

Esto ha sido todo. Agradezco a Jorge la oportunidad de esta entrevista y os invito a que echéis un vistazo a su web, al curso online que tiene sobre retrato editorial y podéis seguirle en Instagram, Twitter o Facebook.

No es raro que los directores o actores de cine se dediquen a la fotografía ni lo contrario, que los fotógrafos hagan incursiones en el cine. De hecho, uno de los máximos responsables de llevar a cabo la visión del director es el director de fotografía de una película. En este caso no ha sido así, pero sí, Benjamin Von Wong ha sido el creador de este experimento. La dirección corre a cargo de Francis Binet y la producción por parte de 5 Knights Productions.

Benjamin Von Wong es un reputado fotógrafo y, además, reconocido fan de Juego de Tronos, la serie de fantasía medieval de la que muchos nos confesamos seguidores. Si no podías esperar a la siguiente temporada te aconsejo que veas los vídeos que te pongo a continuación. Así que se ha puesto manos a la obra para llevar su idea a cabo. Son 7 minutos nada más, pero el resultado merece la pena y promete. Supongo, solo supongo, que el nombre del protagonista, Benjen Stark, algo tendrá que ver con Benjamin, el nombre de nuestro fotógrafo.

Así, viendo pequeños cortos como éste, observando los ángulos, los planos, la estética, el maquillaje, los movimientos, podemos darnos cuenta de la importancia que tiene la fotografía en el cine y las series de televisión, algo de lo que varias veces os han hablado mis compañeros Santiago y Rodrigo en sus respectivos análisis de series y películas. Para observar más detalles sobre cómo se realizó la producción no dejes de ver el siguiente vídeo, en francés, eso sí.

Tal vez se logre la producción del segundo capítulo de esta Fan Fiction que homenajea muy dignamente a Juego de Tronos. Yo, al menos, estoy deseando ver el segundo capítulo.

En Xataka Foto | Inspiración Cinematográfica

Más información | 'A Tale of Benjen Stark', Benjamin Von Wong

Creado por Monika Delgado y Mickey Todiwala y con el tema musical "Lament" de Jacaszek como banda sonora, este vídeo que quiero compartir con vosotros representa la esencia de los espacios abandonados que tanto nos inspiran a la hora de fotografiar.

Desde que tengo uso de razón en esto de la fotografía, los lugares desolados han sido fuente de inspiración en el trabajo de muchos de nosotros. Un sofá, una casa en ruinas, un avión abandonado, un coche que cuenta historias a través de sus ventanillas sin cristal y el óxido, esa pátina que regala el paso del tiempo.

Una música envolvente, sin restar protagonismo a las imágenes, un movimiento lento, escogido para llevarnos de la mano haciendo que queramos descubrir que hay más allá, en un paseo que nos lleva por diferentes espacios que harían las delicias de cualquier fotógrafo.

Si queréis seguir disfrutando de los vídeos de Mickey Todiwala, os recomiendo su canal de vimeo, donde encontraréis trabajos exquisitos en cuanto a la imagen visual, con una nitidez desbordante y un sentido del ritmo pausado pero elegante. No os lo perdais.

Vídeo vimeo

Como sabéis, estamos escogiendo para vosotros aquellas series de televisión que, por su fotografía, más os pueden interesar. Tras dos semanas de descanso, continuamos con nuestro especial de recomendaciones televisivas con las mejores series para fotógrafos.

Y justo ahora, tras la muerte el mes pasado de su actor protagonista, lo hacemos con una de las series de televisión más laureadas de todos los tiempos: Los Soprano.

Como decía, en el reciente mes de junio falleció James Gandolfini, un genial actor que entre sus papeles más destacados tuvo el honor de interpretar a Tony Soprano. Así pues, valga este artículo como nuestro homenaje particular a este grande del cine.

h2. Los Soprano

Esta obra maestra de David Chase, ha sido mimada en lo referente a fotografía por Phil Abraham y Alik Sakharov.

Tony Soprano en la consulta de la Dra. Melfi, un escenario recurrente.

Decir antes de nada que si hay una serie con renombre, fama y premios, sin duda es ésta. Puede que haya otras grandes series con más fama o premios pero posiblemente Los Soprano sea, de todas ellas, la que más gente recuerda con más cariño y admiración.

Estamos nuevamente ante una serie sobre la mafia y sobre los mafiosos, pero además nos muestra un punto de vista familiar de todos sus personajes. Aunque no me quiero enrollar entrando en detalles sobre la serie en sí misma, sí que habréis adivinado ya que, debido a esto, los primeros planos serán uno de los pilares principales.

h2. La luz, nuevamente una clave principal del lenguaje

Nos encontramos hasta la saciedad con escenas interiores donde tenemos una luz natural de contra y una luz de relleno muy suave para conservar detalle en las sombras - en gran parte de los rostros - de la que ni siquiera somos conscientes.

Christopher Moltisanti, uno de los personajes sobre los que se recrea la fotografía de la serie

Este es un esquema de iluminación que, como ya vais viendo, se repite una y otra vez en prácticamente todas las series y películas de escuela de Hollywood, pero especialmente en aquellas producciones donde se prima la intensidad de los diálogos, las negociaciones y de la expresividad verbal y gestual de los propios personajes.

Este tipo de luz y de planos, permiten que nuestro ojo no tenga que esforzarse para percibir un catálogo "a todo color" de gestos, reacciones y miradas, pero sobre todo nos ofrece - casi de manera subconsciente - una información sobre los estados de ánimo o las intenciones.

No es lo mismo un gánster fumando pensativo en una habitación en penumbra, que otro tomando el sol en la terraza mientras degusta un cannoli.

h2. La comida, la vestimenta gánster y la estética italo-americana

Paulie tomando el sol y Tony acompañándole en el habitual desayuno de la terraza.

Si en algo se recrea Los Soprano - además de en los propios personajes - es en toda la parafernalia propia de las familias italo-americanas: la comida italiana, los infinitos desayunos, los manteles de cuadros, las expresiones y formas de hablar propias de los inmigrantes italianos en norteamérica, etc.

Se dice que es una serie muy familiar por este tipo de cosas, y por elegir en muchos casos escenarios caseros para localizar los acontecimientos de la historia. Fotográficamente hablando, es posible que nos encontremos con mucho más metraje con encuadres cotidianos y hogareños que de cualquier otro tipo.

También son habituales los escenarios de clubs privados y no privados, los desplazamientos en coche y las visitas "de cortesía" tan propias de los mafiosos.

La familia Soprano a punto de cenar.

En todos los casos, la fotografía está trabajada al máximo nivel y puede presumir de unas cualidades de primera en cuanto a iluminación, composición y contenido.

Si aún no la habéis visto, no puedo evitar recomendárosla encarecidamente puesto que es una de las obras más cuidadas del formato serial. Al menos yo, he aprendido mucho observando la fotografía de Los Soprano.

Más información | The Sopranos (HBO)

Volvemos con nuestro especial sobre las series de televisión que creemos que destacan por su buena fotografía y queremos recomendaros.

Y pasamos de un asesino en serie que nos cae bien a un padre de familia muy peculiar que, tras toda una vida por el buen camino, se pierde en una espiral hacia el malo. Manufactura y distribución de metaanfetamina (_meth_ o _crystal_ en inglés), y todo lo que ello conlleva, en _Breaking Bad_.

h2. Breaking Bad

Vince Gilligan es el creador de esta trepidante y genial serie, mientras que su director de fotografía es Michael Slovis.

Al igual que en el caso de Dexter, se trata de una serie que se recrea mucho visualmente en el personaje principal, trabajando la luz sobre su rostro y expresiones.

Y también, nuevamente tiene una de mis cabeceras favoritas, aunque mucho más minimalista y sencilla en este caso. Un muy buen ejercicio de créditos pero que poco o nada tiene que ver con la fotografía.

Para mí ambas series son similares en muchos aspectos, aunque difieren en otros tantos. Podríamos decir que aquí también volvemos a tener una recurrencia en ese uso de la luz que potencia el lado malvado de los protagonistas.

h2. Desiertos, sudor, polvo y humo

Probablemente la mejor decisión que han tomado Gilligan y Slovis ha sido el ambientarlo en el estado de Nuevo México. Los parajes terrosos, desérticos y polvorientos se suceden capítulo tras capítulos, bajo el sol abrasador del sur de Estados Unidos.

Toda la serie en sus cinco temporadas emana polvo desértico, sudor y "sed" por cada uno de sus frames. Un escenario conjunto que proporciona una estética y sensaciones que se transmiten de manera poderosa al espectador.

El humo es una de las claves principales, así como las mascarillas, las gafas, el plástico y la goma (herramientas de laboratorio). La cámara se recrea en los útiles y en los procedimientos del laboratorio y vemos constantemente cómo se recurre a estos elementos para componer preciosas fotos en movimiento muy equilibradas y mimadas.

Por supuesto, y como toda serie centrada en negocios turbios, la segunda clave sería sin duda los primerísimo primer planos que se suceden a lo largo de innumerables conversaciones y negociaciones de lo más tensas e intensas. Normalmente siguiendo ese maravilloso esquema de una luz fuerte trasera y lateral combinada con una suave luz de relleno que nos permite ver detalle.

h2. El contraste como elemento de descanso visual

Todas estas situaciones tensas, incómodas o duras, están convenientemente aderezadas y contrastadas con escenas cotidianas y contemplativas en las que casi el tiempo se detiene: fuertes contraluces hogareños, rayos de sol por la ventana, ambientes recreativos familiares y pensativos por la noche a la luz de la piscina.

Estas escenas sirven de descanso y evitan que nuestro ojo se acostumbre - o acomode - demasiado a los tonos rojizos y áridos.

Otro elemento bastante recurrente a lo largo de la serie son las piscinas. Ese contraste entre el desierto y el agua azul juega un papel importante a nivel visual, además de servir para algunas de las numerosas "uniones visuales" entre escena y escena (como no soy un experto en cine, no sé qué nombre tiene ese recurso en el que una escena termina con un elemento con el que también empieza la siguiente).

En cuanto a los planos, es una serie en la que sus creadores arriesgan constantemente. Aunque con el dominio que demuestran, casi podríamos decir que de arriesgado no tiene nada, ya que les sale todo bien.

Esto se deja notar principalmente en la cantidad de picados y contrapicados que encontramos, angulares con la cámara tirada en el suelo junto a algún "sujeto", puntos de vista colocados en el interior de una lavadora industrial o dentro de una piscina ensangrentada bajo el agua - en el que probablemente sea el mejor plano que recuerdo de Breaking Bad y uno de los mejores que recuerdo en el cine y la TV - y muchas otras.

En definitiva, se trata de una serie donde la plasticidad de la imagen y la potencia de los planos son fundamentales, y son precisamente estos elementos los que le confieren la fuerza que tiene y lo que nos hace disfrutar de este manjar fotográfico.

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