Experimentar con estilos fotográficos ajenos a nuestro enfoque es una llamativa forma de adquirir elementos para nuestro estilo fotográfico. Una especialidad que tiene un interesante flujo de trabajo y mucho que aprender es la fotocomposición. Esa fue nuestra exploración del mes y esto lo que aprendimos con ella.

Capa capa capa

En el pasado hemos hablado de lo que podemos aprender practicando crear estilos de color; los flujos de trabajo que se adquieren con la fotografía de producto y la visión de composición y balance a la que uno se enfrenta al trabajar con fotografía de alimentos. Cada estilo fotográfico nos enseña nuevos elementos técnicos y de prácticas (y la fotocomposición no se queda corta).

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Antojos fotográficos: Experimentando con la fotografía de alimentos

Probablemente lo más llamativo de esta especialidad de la fotografía es sentarse e imaginar qué vamos a ver. Es un buen acercamiento dentro de un flujo de trabajo para planear nuestras tomas: saber cómo será nuestro espacio, qué iluminación tendrá nuestro sujeto, qué elementos complementan la imagen y qué estilo de color podemos generar para darle un espacio único. En el proceso de experimentar uno de los ejercicios realizados fue buscar fotografías viejas y pensar si podría hacer algo con ellas.

El siguiente punto de aprendizaje fue enfrentarse ante los distintos retos técnicos que cuentan nuestras imágenes. En esta exploración, por ejemplo, uno de ellos era integrar el personaje con el fondo. Debido a que la modelo tiene un vestido con transparencias y elementos que interfieren con la pantalla verde sobre la que fué capturada, eliminar el fondo y conservar transparencias era uno de los elementos a pensar en cómo solucionar. Esto nos lleva a experimentar mucho con las técnicas y herramientas de edición.

El proceso de separación e integración también nos enseña a ser muy pacientes. Podemos durar horas haciendo selecciones, eliminando objetos, haciendo máscaras especiales, explorando tipos de fusión de capas y modificando la iluminación de un elemento para que encaje dentro de la escena.

En este proceso podemos practicar elementos que hemos aprendido, como crear uniformidad entre niveles de luminancia y tonos, perfeccionar técnicas usando herramientas de selección y aprovechando el potencial de las capas de ajuste a distintos niveles.

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¿Qué son y cómo controlar los puntos de blanco y negro en nuestras imágenes?

Otro elemento importante que se aprende en este estilo de fotografía es la organización de nuestro proceso en Photoshop. Comenzar a separar elementos en grupos, nombrar las capas para saber qué ajustes debemos realizar y en dónde. Es una práctica que no tenemos quienes no trabajamos en Photoshop para más que una limpieza o correcciones que no tienen más de cuatro capas. Pero es importante tener estas prácticas para cuando trabajamos con procesos de edición y corrección más complejos (como en fotografía de producto).

El resultado de practicar con este estilo fotográfico es un gran aprendizaje a nivel de planeación y organización para lograr nuestras imágenes. Si bien no es necesario que seamos expertos creando mundos y situaciones fantásticas, es un ejercicio que nos ayuda a comprender mejor nuestras escenas y a contemplar con más detalle lo que hay en ellas.

Como siempre, la práctica nos ayuda a mejorar y adquirir velocidad. Quienes trabajáis en fotocomposiciones, ¿qué consejos le dais a la comunidad para explorar a fondo la fotocomposición?

El hyperzoom es un efecto perteneciente a la familia de los timelapses y que es posible realizar con fotografías y vídeos, aunque el resultado cuando se realiza en vídeos suele ser mucho más llamativo. El resultado es parecido a una serie de zooms entre diferentes planos con un resultad muy dinámico, una técnica perfecta para publicidad o vídeos promocionales.

Qué es el hyperzoom

El hyperzoom o flow motion es una técnica cinematográfica que es posible realizar con medios mixtos mezclando fotografías y vídeos para crear efectos de zoom pasando de un plano a otro montándolos a través de After Effects. Como comentábamos, el efecto es especialmente apropiado para publicidad gracias al espectáculo que ofrece, pero hace falta disponer de buenos planos como materia prima para lograr un montaje adecuado de los planos.

Cómo conseguir un sencillo hyperzoom en After Effects

A continuación, podemos ver un tutorial del montaje de una secuencia simple a través de After Effects. Como podemos ver para quien no entienda inglés, todo se basa en tres claves: la correcta posición del plano, la transición de la opacidad, y el movimiento de zoom hacia el objeto que queremos resaltar.

Con esto en mente, el único límite es la creatividad. En el siguiente vídeo de Rob Whitworth observamos cómo podemos mezclar planos de timelapse con un zoom in hacia una habitación de hotel para después hacerle un tracking a una persona como si estuviéramos en un hyperlapse y así continuamente.

En el siguiente vídeo de Singapur, aunque no está tan pulido como el de Dubai vemos un uso de medios mixtos: en ocasiones el autor trabaja con vídeos y otras fotografías. Podemos ver claramente cómo mueve la cámara a través de una fotografía porque vemos el ruido digital y los píxeles como los veríamos si hiciéramos zoom a cualquiera de nuestras fotografías. El resultado no deja de ser igualmente impresionante, además de una forma muy original de conocer una ciudad.

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En Xataka Foto ya os hemos enseñado alguna vez fotografías retocadas mucho antes del nacimiento del Photoshop o de otro software de retoque. Como apuntó mi compañero Santiago en su artículo fotografías históricas falseadas desde siempre se ha alterado el contenido original de las fotografías. No es nada nuevo de esta época.

Hoy os muestro algunos de los engaños fotográficos más famosos de la historia, algunas de ellas trucadas en el cuarto oscuro creando situaciones imposibles de creer, irreales y oníricas pero que en aquella época fueron consideradas verídicas, y otras imágenes que engañaban al espectador mediante actores y trabajadas puestas de escenas. Veremos 5 imágenes que consiguieron pasar por verdaderas en su momento, aunque en realidad hay muchas más.

Uno de los engaños más conocidos es la foto del monstruo del Lago Ness, imagen que abre este artículo, que fue una de las primeras y más famosas fotografías del animal marino cuya leyenda dice que habita en el Lago que se encuentra en las Highlands de Escocia. La imagen tomada en 1934 por el cirujano británico Robert Wilson fue considerada como verdadera durante mucho tiempo, pero al final se demostró que tal animal prehistórico era en realidad un submarino de juguete con una falsa cabeza de monstruo.

El primer fake de la historia de la fotografía

La imagen de arriba podría considerarse como el primer fake de la historia de la fotografía. En 1830 Hipólito Bayard, inventor del calotipo, cansado de ser ninguneado y de ver como Daguerre conseguía toda la atención de la Academia de Arte y las Ciencias francesas por el daguerrotipo decidió escenificar su muerte. Así bajo el nombre de Self Portrait as a Drowned Man Bayard muestra su descontento por las injusticias cometidas hacia él y hacia su invento a través de su supuesto suicidio. En la parte posterior de la foto se podía leer lo siguiente:

El cadáver que usted ve aquí es el del señor Bayard, inventor del proceso que acaba de ser mostrado. Por lo que sé este experimentador infatigable ha estado ocupado cerca de tres años con su descubrimiento. El Gobierno, que ha sido demasiado generoso con el señor Daguerre, ha dicho que no puede hacer nada para el señor Bayard, y el pobre infeliz se ha ahogado. ¡Oh los caprichos de la vida humana ….! … Él ha estado en el depósito de cadáveres durante varios días, y nadie ha reconocido ni lo reclamó. Señoras y señores, es mejor que pasen a verlo de inmediato por que pudiera ser que se ofendiera a su sentido del olfato, ya que, como se puede observar, la cara y las manos del caballero están empezando a decaer.

La figura de Abraham Lincoln suceptible a polémica

La imagen de Lincoln muerto fue otra de las fotografías más famosas que a pesar de ser una puesta de escena fue considerada real. Tras el asesinato de Lincoln en 1865, el Ejército prohibió que se realizará fotografías del difunto durante su velatorio. Pero a pesar de ello unos artistas con la ayuda de un doble recrearon la famosa imagen de Lincoln en su ataúd. La imagen fue una de las más difundida de la época, a pesar de que el hombre de la foto no era Lincoln y además fingía estar muerto.

Otro de los grandes engaños fotográficos es la imagen que vemos arriba. Un fotomontaje de 1871 realizado por William Mumler, considerado el padre de la fotografía espiritista. En la imagen podemos ver el retrato de la viuda de Abraham Lincoln y detrás de ella una tenue figura que posa sus manos sobre los hombros de la viuda. La leyenda dice que era el fantasma de Lincoln, pero en verdad era un truco de Mumler que capitalizaba su fama de fotógrafo espiritista.

50 años engañados

Y por último una de las imágenes que estuvo considerada como verdadera casi 50 años. El fotomontaje es de 1920 y se ve a una joven rodeada de diminutas hadas bailando y tocando instrumentos. Aunque parezca mentira no fue hasta 1970 que dicha fotografía se considero como fraude, hasta entonces se creía que era real.

En resumen

Como veis sólo os he mostrado 5 de los engaños fotográficos más conocidos y famosos, pero como he dicho al inicio del post, hay muchos más. Así que os animo a que busquéis más fotografías trucadas, ya sea mediante la puesta en escena o a través del laboratorio fotográfico. Imágenes que sorprenden no por el hecho de ser consideradas verídicas, sino por los engaños visuales que utilizaban en aquella época.

En Xataka Foto | Fotografías históricas que fueron falseadas

Más información | Fstoppers

Me gusta encontrar fotomontajes, y no sólo aquellos que formaban parte de las corrientes de propaganda política o acciones revolucionarias, sino de ese tipo de fotografía que ilustraba revistas, publicidad, postales y calendarios por su sentido del humor y originalidad creativa.

Alfred Gescheidt y sus imágenes dieron la vuelta al mundo, quizás muchos de nosotros no teníamos su nombre en mente, pero sí algunos de sus montajes nos son familiares. Esquire , LIFE, o el The New York Times entre otras publicaciones se hicieron eco de sus obras, así como la revista Oui que le publicó una columna durante tres años bajo el título “Mundo de Gescheidt”.

Nacido en Queens, Nueva York, en 1926, tenía un instinto natural para la street photography llegando a documentar las playas y calles de la América de los años 50. Pero sin duda, como ya hemos venido anunciando, se le conoce por sus fotomontajes.

Mezclaba cuerpos de adultos con cabezas de niños, hacía representaciones del tipo Arcimboldo, jugaba con las dimensiones del cuerpo humano, siendo sus temáticas más recurrentes las de tipo sexual así como las referencias a la toxicidad del tábaco. Podéis conocer su obra gracias a la página de la galería Higher Pictures, donde además encontraréis trabajos de otros autores también expuestos.

Como habréis podido observar, todo lo hacía gracias al copiado manual en el laboratorio, sin recursos informáticos, igual que en España nuestro fotógrafo de moda (a buenas horas por los homenajes tras su reciente fallecimiento) Jorge Rueda, al que también, como al norteamericano, se le consideraba artista.

Fotógrafo | Alfred Gescheidt

Desde que se inventó el Photoshop para el retoque fotográfico, la evolución del mismo ha ido llevando al programa a ser usando también como una de las herramientas de montaje fotográfico más usadas en el mundo. Pero trás la llegada de la tecnología 3D a cualquier ordenador y/o manos parece ser que cada vez el Photoshop y otros demás softwares usado para tales fines, pueden tener las horas contadas (al menos en la forma en la que hoy lo utilizamos) para realizar todo esto.

En el método que aqui os exponemos, la integración de estos objetos 3D (renderizados) con el entorno nos deja claramente perplejos, tanto por su realismo como por la brillantez de la integración y recreación de la luz ambiente en los objetos creados. A la par de todo ello, estos objetos no sólo son integrados, sino que pueden interactuar con partes de la fotografia ya tomada sin necesidad de ser partes 3D creadas de nuevo. Esto está realizado con algunos de los programas de diseño 3D que podemos encontrar en el mercado, tales como el 3D Max, Blender, C4D etc... y un pluging adicional llamado LuxRender, encargado de la recrear la luz ambiente que hay en la foto, e incluso de crear una nueva que interactue con la ya existente.

Todo esto logicamente ya era posible en postproducciones muy grandes como el cine, o series con mucha inversión, pero la gracia de todo esto es que con a penas estos dos programas y sin ninguna postproducción más, los resultados son espectaculares. Según los autores del proyecto, Kevin Karsch, Varsha Hedau, David Forsyth, Derek Hoiem, imágenes como las mostradas fueron visionadas junto a otras reales (sin ninguna postproducción) y nadie supo diferenciar nada, pasaron inadvertidas. Por último, los autores nos comentan que este método ha sido usado por la industria del cine y la del videojuego para la recreación de espacios.

Ahora mismo, y al ver la forma en la que se avecina todo esto (y no por el 3D en si, porque ya se que existe la fotografía 3D), sólo se me viene a la mente una frase de la película Blade Runner... ""Yo... he visto cosas que vosotros no creeríais: Atacar naves en llamas más allá de Orión. He visto rayos C brillar en la oscuridad cerca de la Puerta de Tannhäuser. Todos esos momentos se perderán... en el tiempo... como lágrimas en la lluvia. Es hora de morir" ¿Habrá un momento en el que podamos contar como abueletes, que nosotros editabamos con Photoshop? Viendo esto... ni lo descarto...

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Via | Petapixel (via PhotoWeekly Only)