En el mundo profesional nos encontraremos muchas veces con clientes que piden nuestra cotización de servicios y al cabo de un tiempo nos escriben diciendo : Oye, nos gusta tu trabajo, queremos trabajar contigo… pero hay alguien que está cobrandonos menos. ¿Qué hacer en estas situaciones?

Gracias, pero…

En un reciente vídeo y artículo para FStoppers, Scott Choucino habló sobre su ética de precios, sus tarifas y un ejemplo de un caso de su trabajo. Arranca contando que durante esa semana recibió 25 propuestas de trabajo, de esas, 17 fueron de su interés, por lo que envió 17 correos con su tarifario. De los 17, 16 lo rechazaron y una oferta le dijo que si. Con este inicio, Choucino nos habla de una realidad: no siempre vamos a obtener todos los trabajos.

Luego, el fotógrafo de alimentos continúa con su explicación, habla de uno de los correos en particular. El cliente pedía alrededor de 100 tomas, fotografía editorial, super alta resolución, con licencia libre para distribución e impresión a nivel mundial en impresos y redes. Choucino le da un precio general de alrededor de 24,200 libras que se dividen en 6,000 libras de los días de trabajo del fotógrafo, 2,500 del estilista de alimentos, 1,200 de los asistentes, 1,000 del retoque, 13,500 de las licencias.

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Ante el precio, el cliente responde que otra agencia les cobra solo 5,000 libras. Choucino responde al cliente que no es un precio que pueden igualar y que espera puedan trabajar con ellos en una siguiente oportunidad.

El motivo detrás de esto es la imagen que uno le da a las empresas. Él cuenta cómo el bajarse de precio va generando en las empresas una idea de: cuando no tenemos plata, pues este fotógrafo siempre nos va a acomodar el precio. Es el barato.

Y esa es una imagen que no debemos generar sobre nosotros. En especial, porque el día que una compañía tenga plata para hacer una campaña más grande, no van a buscar al barato, buscarán a uno de los fotógrafos que están arriba en el escalafón.

Está claro que no podemos lanzarnos al mercado exigiendo grandes sumas de dinero, y que la reputación de un presupuesto más grande la debemos ganar poco a poco.

Generando valor en nuestro trabajo

En el pasado os hemos hablado sobre formas de vender nuestro trabajo. También hemos mencionado cómo trabajar gratis o a un bajo precio por el solo hecho de conseguir piezas para portfolio daña nuestra industria. Le quita valor a nuestro trabajo y fomenta que cada vez nos exploten más.

Sin embargo, no todos podemos salir a cobrar miles de euros por nuestro trabajo. Es un escalafón de trabajo que vamos ganando con la experiencia.

Lo primero que debemos hacer es crear una tabla de precios y paquetes fotográficos. Esto nos permite tener una propuesta económica, una de rango medio y una de alto presupuesto. Esto nos permite tener base de negociación y darle al cliente opciones para que sean ellos quienes se adapten a nuestro valor, más que nosotros al de ellos.

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Al principio, trabajar en proyectos de presupuestos más limitados nos permite adquirir experiencia y desarrollar nuestra creatividad. Nos permite enfocarnos, buscar nuestro nicho y encontrar un estilo. También nos muestra los límites de producción y cómo ordenar nuestros presupuestos para mejores resultados. Trabajar como asistentes y como respaldo es una buena forma de aprender sobre el mercado.

Sin embargo, a medida que aprendamos a controlar, optimizar y mostrar que sacamos el provecho a un presupuesto para obtener el mejor resultado, podremos ir subiendo nuestra tarifa con garantía de ofrecer una buena calidad.

Tenemos una ventana de negociación y esta depende principalmente en bajar la tarifa a cambio de que el cliente se haga responsable de más elementos de la producción general. Sin embargo esto tiene contras, si el cliente no consigue lo necesario, puede dañar la producción del trabajo. Por lo que se debe dejar muy claro todo lo que puede ocurrir y sobre quien cae la responsabilidad en el contrato de trabajo.

¿Vosotros qué opináis sobre ajustar las tarifas para igualar a un fotógrafo más económico?

En el pasado hemos hablado sobre consejos para presentarnos a nuevos clientes y sobre cómo podemos establecer una comunicación de confianza. En esta ocasión nuestro enfoque será en consejos para vender una idea original a un cliente para que financie o compre nuestros proyectos.

Muchas veces los trabajos que ellos piden tienen un contenido y una forma prácticamente preestablecido. Sin embargo, algunas veces se nos ocurren proyectos para vender o los mismos clientes nos piden propuestas para una campaña nueva. El tono de cómo nos comunicaremos con ellos es muy distinto si es un cliente al que llegamos por primera vez, frente a uno con el que hemos trabajado y tenemos más confianza. Pero, siempre los elementos claves se mantendrán.

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Identidad y valores

Uno de los elementos más importantes al acercarse a un cliente es reconocer las palabras clave y los valores que definen su marca. Si el enfoque de una marca es comida mexicana elegante, mi referencia de acercamiento no puede ser la de un Taco Bell. Y es el primer y más importante elemento en esta lista.

Si nuestra propuesta de proyecto no está conectada con esos valores y mensajes clave de la marca, es muy probable que el cliente no apruebe la propuesta desde la segunda diapositiva. Así que antes de presentar un proyecto a un cliente, podemos preguntarnos:

• ¿Mi proyecto es relevante con esta marca?

• ¿Estoy comunicando lo que a la marca le gusta decir?

• ¿Me identifico con los valores de esa marca?

Referencias y estilo

El siguiente punto clave al presentar una propuesta original a un cliente es mostrar que nuestro proyecto es un complemento a su línea de trabajo. Si bien nuestras piezas deben destacar nuestro estilo, la alineación del mismo debe seguir el camino de la de la marca (salvo cuando están buscando renovar o modificar esa imagen). Si nuestro cliente tiene una línea muy sofisticada, pero con imágenes que tienden a lo sobreexpuesto y con colores vibrantes, una serie de tonos pasteles y subexpuesta puede romper con la identidad de la marca, haciendo que rechacen el proyecto por muy bueno que sea.

En esta medida, a la hora de presentar un proyecto es importante buscar referencias visuales que ayuden al cliente a entender lo que se busca realizar, a entender el color, la exposición y en lo posible lo que será de la fotografía o la serie. Estas ayudas, además de definir la fotografía, evitan dolores de cabeza que surgen cuando algún elemento queda ‘a la imaginación’ y sigue siendo libre de ser interpretado por el cliente.

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Presupuestos coherentes

El tercer factor clave en la venta de todo proyecto será el presupuesto. Un cliente está dispuesto a pagar por un buen trabajo. Está claro que entre más confianza o más experiencia previa con esa marca, será más probable que financien nuestros proyectos. Sin embargo, el trabajo de uno refleja el precio.

Los clientes no toman apuestas sin tener una buena probabilidad de beneficiarse de ese trabajo, incluso cuando la propuesta se presenta a una beca de inversión artística o un fondo de inversión especial. Un presupuesto debe suplir los costos generales y tener un porcentaje de imprevistos. Pero un presupuesto desbalanceado lo único que generará es inconformidad en el cliente. Irse por lo barato no cumplirá con las promesas de la toma, e irse por lo alto dejará deseando mucho sobre el producto final, lo que hará que el cliente pierda percepción de calidad sobre nuestro trabajo.

Muchas veces el financiamiento de los proyectos fotográficos viene de tomar riesgos y conseguir proponer nuevas ideas. Así que, esperamos estos consejos ayuden a tener un acercamiento más efectivo a la hora de presentarlos.

Con la evolución del cine digital, los sistemas de producción han aprovechado los avances técnicos para integrar nuevas formas de grabación. Para arrancar mes, un nuevo thriller se ha estrenado: 'The Possession of Hannah Grace', o 'Cadáver' como se ha retitulado en su estreno. Una de sus curiosidades es que es la primera película de gran presupuesto hollywoodense que se ha grabada completamente con varias cámaras Sony A7S II.

La decisión principal del uso de las mirrorless de Sony fue la ventaja que daba para tener múltiples cámaras durante grabación. Esto permitió grabar más cantidad en un proyecto que estaba muy ajustado de tiempos; además de permitir reducir el presupuesto en gran cantidad. Las cámaras fueron emparejadas con ópticas anamórficas Vantage Hawk 65.

Para el ahorro de tiempo, se utilizaron seis A7S II, cada una emparejada con una de las distintas ópticas en set (dos 40mm, dos 60mm y dos95mm). Además de poder grabar a multi cámara, esto le permitió al equipo ahorrar tiempo en cambios de óptica y la montada de cada sistema.

El director de fotografía, Lennert Hillege, menciona en un reportaje con PetaPixel que la principal limitación fue la compresión de 8-bit en el color de la A7S II. Esto hacía que debieran tener mucho cuidado en la forma que iluminaban y trataban el color. Sin embargo, la perfección de imagen total no era el propósito de las cabezas del proyecto. Esto permitió enfocarse más en la narrativa que en ofrecer planos bonitos rodados con cámaras de cine como la ALEXA o la RED.

‘Cadáver’, su título en español, trata sobre extrañas ocurrencias demoníacas que ocurren alrededor de una mujer que trabaja en una morgue. El thriller de exorcismo está en carteleras españolas y parece una interesante apuesta que muestra cómo están evolucionando los procesos de producción cinematográficas.

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Ver películas para mejorar nuestras fotografías

Presupuestar un trabajo fotográfico en ocasiones no es fácil, aunque, y a no ser que destaquemos sobre la media, lo normal es que el mercado mande. Por tanto, conocer el mercado es importante, para no tirar los precios, ni ponerlos por las nubes.

En eposure, una compañía británica que hace de intermediaria entre fotógrafos profesionales y empresas, han realizado unas gráficas, consecuencia de unas encuestas, donde se refleja como anda el mercado por Reino Unido y por Estados Unidos, que seguro que van a sorprender a más de uno.

Os lo adelanto, os van a entrar ganas de iros de España (si os quedaba alguna):

Como veis las tarifas no están nada mal. La mayoría de fotógrafos norteamericanos cobran entre 900 y 2000 dólares por día de trabajo, y los británicos algo menos, ya que la mayoría pide entre 300 y 700 libras.

Interesante también las gráficas de la evolución de los precios, comparando las tarifas medias actuales con las de hace cinco años. Podemos ver como, por ejemplo muchos fotógrafos norteamericanos cobraban entre 700 y 800 dólares, y pocos entre 1.250 y 1.500, que es el mayor precio medio actual.

En el Reino Unido, por su parte, se ve un incremento general de los precios, aunque el aumento ha sido más moderado.

Las estadísticas son estadísticas, tampoco hay que tomárselas al pie de la letra, pero si os interesa el tema, no está de más echarle un ojo a este vídeo, donde se explican de forma más detallada:

¿Habrá que irse mudando no?

Vía | eposure · eposure Foto | epsos.de