La imagen floreciente de Nueva York de los años 40 y 50 convertida en casi la capital del mundo debe mucho a la obra del fotógrafo Andreas Feininger. Las calles, el tráfico, los puentes icónicos y el carácter de paisaje vibrante fueron reflejados con maestría por este autor de origen alemán. Pero Feininger fue mucho más que un fotógrafo con grandes influencias arquitectónicas. Fue periodista gráfico para la revista Life durante dos décadas y uno de los más influyentes fotógrafos y gran pedagogo.

Esta doble vertiente, la de artista (que le venía de herencia) y la de escritor de técnica fotográfica, le convirtieron en una referencia en el siglo XX y su obra, ampliamente expuesta y que cuenta con más de treinta libros, es un capítulo esencial de la historia de la fotografía.

Sus inicios

Nació (en París, en 1906) rodeado de artistas. Su padre, el pintor vanguardista Lyonel Feininger, fue docente en la escuela Bauhaus. Andreas pasa su infancia y juventud en Berlín y tuvo un profundo acercamiento a la arquitectura, esencial para entender su estilo y su influencia. Estudió en la Bauhaus y en la escuela de arquitectura de Zerbst, dedicándose a la arquitectura antes de dar su paso a la fotografía. Ya en los años 30 realizó sus primeros publicaciones y exposiciones, para trasladarse a París a trabajar con nada menos que Le Corbusier.

Ya en 1933 se traslada a Suecia convertido en fotógrafo arquitectónico y, años después, en 1939, se traslada a Nueva York, donde al poco tiempo publica su primer libro especializado como escritor de fotografía.

Andreas Feininger: época floreciente

Asentado en Nueva York, donde adquirió la nacionalidad estadounidense, se centró en trabajara para distintas revistas, entre ellas la prestigiosa Life, así como escribiendo artículos y libros. Se forjó un nombre de referencia en este sentido, llegando a publicar numerosos libros durante el resto de su trayectoria.

En cuanto a su obra fotográfica, también fue la época más floreciente. Retratando la ciudad de Nueva York con su mirada analítica, estilo austero, jugando con las estructuras y demostrando su talento como fotógrafo del paisaje urbano y arquitectónico. Pero aunque es su faceta más conocida, con fotografías que han pasado a la historia, a Feininger también le atraía otra vertiente: documentar las formas naturales. Estaba muy interesado en la geometría, ornamentación y aspecto, siempre ensalzando la belleza.

1949 Andreas Feininger, The Gyro Globe Coney Island, New York, 1949

Esta faceta artística convivió en Feininger con sus encargos de reportajes durante más de dos décadas (para Life, entre 1943 y 1962), convirtiéndose en una figura capital y logrando elevar a nivel artístico esos encargos fotoperiodísticos que afrontaba. Feininger llegó a realizar un total de 346 reportajes para la mencionada Life, convirtiéndose en uno de los fotógrafos estrella de esta prestigiosa publicación.

Estilo y legado

Andreas Feininger. Man walking down stairs with sign that says:"$10 complete no other charges"

No fue un fotógrafo viajero ni aventurero. De hecho, fue "el representante tipo de una cultura de la fotogenia y de la imagen fija espectacular, a la que se opusieron los creadores del estilo documental moderno, entre ellos Walker Evans y Cartier-Bresson, tras apartarse del esteticismo de los autoproclamados primeros maestros de la straight photography (fotografía directa o pura)”, como ha señalado Jean-François Chevrier con motivo de una retrospectiva de su obra.

Feininger falleció en 1999 en Nueva York, la ciudad que lo consagró y la que le debe buena parte de esa imagen cosmopolita y grandiosa que se forjó en la posguerra. Cuanta con una amplísima bibliografía y decenas de exposiciones que lo convirtieron en una leyenda de la fotografía del siglo XX.

“Cada fotografía de éxito, a excepción de los disparos afortunados, comienza con una idea y un plan. Cuanto más preciso un fotógrafo sepa qué es lo que desea hacer, mejores serán las posibilidades de que lo conseguirá.”

El fotógrafo suizo Werner Bischof es una de las figuras más destacadas de la fotografía del siglo XX a pesar de su corta carrera. Falleció joven en un accidente en Perú cuando contaba con 38 años, pero ya había dejado huella de su enorme talento artístico como fotógrafo.

De Bischof destacan sus grandes reportajes fotoperiodísticos, tanto como para ser uno de los destacados nombres de la revista Life y de la agencia Magnum, en el periodo de la posguerra, para quienes realizó soberbios trabajos sobre el sufrimiento humano en tragedias bélicas, desde Corea y la India a Europa o Estados Unidos.

Werner Bischof, sus comienzos

Werner Bischof. SWITZERLAND. Zurich. Carved scroll. 1936.

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Nacido en Suiza en 1916, pronto destacó por su faceta artística, ya desde niño, aunque centrado primero en el dibujo y luego en la pintura. Fue en 1932 cuando ingresó en la Escuela de Artes Aplicadas de Zurich y de la mano del fotógrafo Hans Finsler cuando se centró en la fotografía y decidió dedicarse artísticamente a ella. En apenas dos años se convirtió en el alumno más destacado de la escuela en esta faceta, apoyado por su mentor, el mencionado Finsler.

Poco a poco se fue formando técnicamente, aprendiendo y experimentando mucho, dejando fluir su enorme potencial creativo con imágenes de naturaleza y mostrando gran destreza para la iluminación. Así, en poco tiempo abrió su propio estudio en Zurich dedicándose a la fotografía publicitaria y también de moda.

La guerra y sus devastadoras consecuencias: la catapulta hacia el fotoperiodismo

Werner Bischof / Magnum Photos. Freiburg im Breisgau (Alemania). 1945.

Bischof prosigue su carrera durante algunos años más, incluso tras viajar a París en 1939 para asentarse en la capital francesa (y continuar su desarrollo artístico con la pintura) pero el advenimiento de la Segunda Guerra Mundial le obliga a regresar a Suiza y proseguir con su estudio. En estos años, logra realizar trabajos publicitarios para marcas importantes y en profundizar en el dominio de la iluminación, realizando fotografías muy creativas como fuente de experimentación constante.

Cuando la guerra llega a su fin Bischof realiza un viaje a Alemania que sería esencial en su carrera. Con su Rolleiflex Automat, recorre en bicicleta algunos lugares de un país devastado. Allí fotografía las consecuencias del conflicto bélico centrando su mirada en el sufrimiento humano: hambre, miseria, casas devastadas...

Esa situación fue la que le catapulta hacia el fotoperiodismo. Siente una irrefrenable necesidad de fotografiar esas situaciones, de mostrar en reportajes el dolor de las personas que han sufrido las consecuencias de una guerra. Lo hacía por compromiso, pero también por empatía hacia las víctimas. Fue el comienzo de su fulgurante carrera en este género. Un dominador de la técnica que ahora se volcaba en un tema que le llenaba. Sus primeros trabajos como fotorreportero evidencian su talento y su enorme implicación, con imágenes llenas de cercanía y alma.

Life y Magnum

Werner Bischof. Jamshedpur, India. 1951

Empezó publicando en la prestigiosa revista suiza Du, realizando distintos trabajos que fueron forjando su espíritu de fotoperiodista. En 1946 entabla una gran amistad con el fotógrafo Ernst Haas y en 1947 sus imágenes impactantes no pasan desapercibidas para la revista Life, que le encarga varios reportajes sobre los niños como víctimas de la guerra en Europa del Este. Son imágenes poderosas, verdaderas muestras del dolor y el sufrimiento humano.

Convertido ya en un verdadero referente en el fotoreportaje de guerras, y aún siendo muy joven, en la agencia Magnum se fijan en su trabajo. En concreto, de la mano de Maria Eisner, secretaria de la agencia y una gran editora gráfica que quedó sorprendida con su trabajo sobre prisioneros austríacos regresando a Viena en 1947 y publicado en la revista Heute con fotos de Bischof. Otra gran figura de la época, Inge Morath destacó el gran talento y potencial fotoperiodístico del suizo. El mismísimo Robert Capa revisa el portfolio de Bischof en 1949 e inicia el proceso, con apoyo de Cartier-Bresson y compañía, para aceptarle como fotógrafo para la agencia por unanimidad.

La consagración y su terrible accidente

Werner Bischof. SOUTH KOREA. Island of Koje Do. Between 1950 and 1953.

Ya como miembro de Magnum en 1949, el suizo realiza excepcionales reportajes que le encargan, siendo Capa su mentor y convirtiéndose en uno de sus grandes amigos. En este periodo realiza reportajes en Italia y Gran Bretaña (1950) y, posteriormente viaja a la India (1951), donde lleva a cabo un excepcional reportaje sobre la hambruna, que fue publicado por Life y, en ese momento, su fama internacional es indiscutible, convirtiéndose en uno de los mejores fotógrafos en el mundo.

Posteriormente, su prolífica carrera como fotoperiodista no se detendría, trabajando en Japón, Corea, Hong Kong e Indochina (1951-52). Siempre retratando a la población civil y sus dificultades en diferentes conflictos, y destacando por su prodigioso dominio de la composición, su gran precisión técnica y dominio de la luz.

En 1954 marcha a América Latina a seguir retratando la miseria en México, Panamá, Chile y Perú. Donde realiza un gran trabajo capturando la cultura y costumbres de sus habitantes. Aunque, lamentablemente supuso el fin de su trayectoria y de su vida, puesto que sufrió un accidente en los Andes peruanos.

Werner Bischof / Magnum Photos. Ciudad de México. 1954.

Bischof no pudo continuar con su brillante trayectoria, pero nos quedan sus imágenes, sus reportajes llenos de sentimiento y el resultado de un fotógrafo extraordinario. Un gran artista que encontró en el fotoperiodismo su mejor modo de expresión y elevó su nivel, dejando un legado de imágenes icónicas y esenciales para entender la historia y las consecuencias de la guerra en la humanidad.

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'Fred Herzog. Modern Color', el primer monográfico para reivindicar a un pionero de la fotografía a color

Sitio oficial | www.wernerbischof.com

En Magnum Photos | Werner Bischof

Muchos son los grandes fotógrafos de los que podemos (y debemos) aprender. Pero muy pocos han llegado a sentar cátedra con la contundencia que lo ha hecho Ernst Haas en la historia de la fotografía. Como filósofo reflexionó sobre el hecho fotográfico, como profesor no dejó de inculcar sus conocimientos y, además, fue un maestro del color. Quizás el más influyente (con permiso de otros genios como Saul Leiter o William Eggleston), que cultivó tanto en la fotografía documental (siendo miembro de la agencia Magnum) como en la fotografía comercial sin perder ese espíritu colorista, creativo e innovador.

Y es que si algo puede definir al gran Haas es precisamente que Haas nunca perdió la curiosidad como artista. Se reinventó (también era pintor y se le puede considerar un completo artista visual), innovó, no dejó de probar nuevas fórmulas, de llevar más allá su talento fotográfico. Pero, tras tantos halagos, conozcamos un poco más sobre su obra y entenderemos la importancia de su legado y el por que lo considero uno de mis fotógrafos de cabecera. Imprescindible.

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Ernst Haas: sus inicios

Ernst Haas nació en 1921 en Viena aunque se nacionalizó estadounidense años después. Cuando tuvo que emigrar de su Austria natal por ser descendente de judíos y abandonar sus planes de formarse en medicina. Eso hizo cambiar su rumbo, estudiar Bellas Artes y, al poco, comenzar a trabajar como fotógrafo ya en EEUU. Su carrera fue creciente en aquella época, donde cultivaba la fotografía documental, con habilidad de reportero y viajando por Europa, consiguió un puesto fijo en la prestigiosa revista Life, donde ya había publicado. Pero eligió la agencia Magnum como destino profesional, auspiciado por el gran Robert Capa.

Pero no abandonamos la revista Life tan pronto porque fue crucial en su carrera. De hecho, en 1953 publica un reportaje clave: Images of a Magic City. Un trabajo innovador en lo formal, todo un ensayo fotográfico que aún hoy día no ha perdido un ápice de su fuerza y atractivo (fue muy adelantado a su tiempo y una suerte que Life, que buscaba trabajos para un público generalista, apostara por él). Haas se atrevió a experimentar con el color para un trabajo de encargo sobre la, muy fotografiada, ciudad de Nueva York.

Pero este trabajo, publicado en dos partes en Life (que se pueden ver completos gracias a Google Books), no es sólo pionero en el uso del color en fotografía, sino también por la forma de afrontarlo: no es un trabajo descriptivo de la ciudad. Vemos reflejos, sombras, juego con los colores y la formas… mucha abstracción. Era un trabajo arriesgado, reflexivo y buena muestra de los intereses artísticos que movían a Haas. Incluso para un encargo así fue capaz de llevarlo a su terreno, a la experimentación y demostrar que no hay límites creativos si uno se lo propone. Toda una lección. A partir de aquí Haas logró un prestigio y un respeto enorme que la agencia Magnum se encargó de potenciar.

Su talento le permitía alternar trabajos de pura fotografía documental con otros trabajos comerciales (como su famosa campaña para Marlboro) sin abandonar sus experimentaciones en proyectos más personales. Algo que solo alguien con su talento se puede permitir. En sus ensayos explicaba la clave:

“El único secreto para hacer buenas fotos es no perder la curiosidad ni creer que se ha alcanzado un objetivo, se trata de seguir buscando”.

El color y el movimiento: dos pilares en la obra de Ernst Haas

En adelante se le vincularía como el gran fotógrafo referente sobre el uso del color, aunque no por ello se puede desdeñar ni perder de vista su trabajo anterior y el realizado en blanco y negro. Haas se convirtió en un experto en la reproducción de copias a color de sus trabajos, tanto como para dominar el proceso Dye Transfer, que Kodak comercializaba desde 1946 y que permite obtener copias de máxima calidad.

Siguió trabajando para Life, coordinando la agencia Magnum e, incluso enseñando fotografía y reflexionando (escribiendo algunos ensayos), sin perder su visión ni creatividad en ningún momento. De hecho, logra realizar otro reportaje innovador que se ha convertido en otro de sus grandes logros fotográficos. Así, en 1957 realiza Beauty in a Brutal Art, un trabajo sobre el arte de la tauromaquia en España. Exposiciones lentas que otorgaban una belleza inusitada al arte del toreo. De nuevo, innovando (para la época, ya que además fue realizado a color).

En años siguiente continuó realizado trabajos muy brillantes, que le llevaron incluso a aproximarse al mundo del cine. Fue llamado por John Huston para encargarse de la dirección de fotografía de la superproducción “La Biblia”. Y en 1971 realizó un libro espectacular: The Creation, con imágenes registradas por la propia naturaleza. Más innovación.

Libros y premios

John Szarkowski, el que fuera prestigioso y capital director del Departamento de Fotografía del Museo de Arte Moderno de Nueva York dijo de Haas: "...ningún fotógrafo ha expresado mejor que él el puro goce físico de ver…".

Ernst Haas ha publicado numerosos libros, entre los que podemos destacar el mencionado The Creation (1971), Ernst Haas in America, Himalayan Pilgrimage, Color Corrections o el recién publicado, esta misma primavera, Ernst Haas on Set, donde se recogen sus fotografías en los estudios de rodaje de Hollywood. Echando un ojo a esta bibliografía la conclusión es clara: Haas era un fotógrafo todoterreno (ha sido uno de los mejores retratistas de Marilyn Monroe, por ejemplo) y siempre buscaba innovar y dar rienda suelta a la creatividad.

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En cuanto a premios, podemos destacar el último, en 1986, justo el año de su fallecimiento, como es el Premio Internacional de la Fundación Hasselblad.

En conclusión, un maestro del que hay tanto por aprender.

"No estoy interesado en fotografiar cosas nuevas. Estoy interesado en ver cosas nuevas"

Para seguir con la estela de fotógrafos clásicos pertenecientes a la revista LIFE que estamos viendo esta semana, toca el turno de hablaros de Gordon Parks. He comenzado visitando su trabajo sobre un reportaje en un club de showgirls pero he ido fascinándome a través de una longeva vida llena de proyectos de gran calado no sólo a nivel fotográfico sino social.

Fue el primer afro-americano que trabajó para LIFE a tiempo completo y al mismo tiempo en producir y dirigir una película para Hollywood. Sus raíces le permitieron adentrarse en ciertos reportajes incapaces de haber sido cubiertos por un fotoperiodista blanco, así lo hico con el movimiento Musulmán negro y el Partido de las Panteras negras.

Sus mayores logros los consiguió gracias a la Farm Security Administration, organización de la que había formado parte Dorothea Lange entre otros, y que le reportó trabajos tan fascinantes como "American Gothic", su fotografía más repreoducida, o el reportaje al niño de las favelas Flavio Da Silva. La fotografía como denuncia social como bien vino a resumir en una frase sobre lo que hizo plantearse su vocación como fotógrafo:

Vi que la cámara podía ser un arma contra la pobreza, el racismo y otros males sociales.

Su producción fue tan extensa que no sólo le llevó a fotografiar las clases más bajas sino también la moda parisina y los principales personajes de la cultura a todos los niveles artísticos. Pocas veces quedo rendida ante el trabajo de un fotógrafo en casi su totalidad, pero Gordon Parks tiene esa capacidad de hacer que el espectador quede absorto y con ganas de más al visitar su portfolio.

Sin duda sabía acercarse a los niños como casi ningún otro, a los trabajores obreros, a los criminales y a las modelos con la misma facilidad y empatía creada con todos ellos. Era su forma de crear ambiente en cada fotografía, su forma de mirarles a los ojos, su olfato para hacer que todo estuviese en su lugar sin dejar espacios incoherentes.

Os recomiendo visitar la web de su fundación e ir pasando una a una cada imagen presentada por temáticas en su archivo. Y después, dejarla guardada en vuestros favoritos para volver a ella cuando tengáis un vacío creativo, o todos los días, porque estas imágenes habría que verlas todos los días junto con una taza de café. Disfrutadlas... y luego, no os perdais el documental sobre su vida y obra.

Fotógrafo Gordon Parks

Sobre Allan Grant ya hablamos en aquel post dedicado a los fotógrafos que retrataron a Marilyn Monroe, pero no lo suficiente como para conocer toda su obra. Se le conoce por haber fotografiado a famosos, raro que no se le haya dedicado una exposición en Madrid, con el año que hemos tenido de muestras dedicadas al Star System americano. Ya tendrá su oportunidad, por lo pronto, vamos a ver los trabajos que hizo más allá de Hollywood, porque los tuvo y muy buenos.

Nacido en Nueva York en 1919, comenzó a trabajar como copista en un laboratorio para fotógrafos tan notables como Robert Capa. En 1945 empezó como freelance en la revista Life, como nuestra amiga Nina Leen, sólo que Grant fue contrado finalmente en 1946 a tiempo completo.

Clint Walker, James Arness, Richard Boone, Robert Horton, James Garner, John Payne 1955 (c) Allan Grant

He estado revisando su trabajo y tiene un buen archivo de fotografías bajo el glamour de los focos de Hollywood, pasaron por su cámara desde la mítica Marilyn para una sesión días antes de su fallecimiento, hasta Gregory Peck, Spencer Tracy, Grace Kelly (tiene una foto maravillosa con Audrey Hepburn en el backstage de los premios Oscar) o Liz Taylor también espléndida, entre otros muchos, porque la lista es muy amplia.

Ola de calor, NY 1952 (c) Allan Grant

Pero no sólo hacía bien su trabajo en el campo del retrato, si observamos sus fotografías de naturaleza, algunas tomas nos dejan sin palabras, además jugando con las posibilidades del blanco y negro para estampar toda una declaración de intenciones imponiéndose su sello como autor.

Entre sus mejores fotografías, aquella tomada en la ola de calor que azotó Nueva York en 1952 donde un niño aparece junto a un escape de agua, con una preciosa luz y reflejos que le dan armonía y belleza al instante captado. También otra de sus imágenes más conocidas, la de unos novios en su boda subidos a un poste de una bandera. A original no le gana nadie con esa estampa.

Portada para LIFE (c) Allan Grant

El mundo de los aviones también fue recurrente en su trabajo, con varias espectaculares imágenes en su portfolio, así como su extenso catálogo cubriendo noticias que incluyen a personajes como Nixon o Lana Turner en el juicio cuando fue involucrada en la muerte de su novio. Amén de todas las portadas que realizó para la revista LIFE, cuya muestra podéis ver en su web y donde os destaco la dedicada a Shirley Maclaine y su hija en una estampa adorable y cercana.

Y por si aún nos quedamos con ganas de más, en su sección "Speaking of Pictures" podemos encontrarnos algunas de sus más divertidas y creativas fotografías, que nos confirman la versatilidad de un fotógrafo que aún trabajando en varios campos, siempre guardaba un trocito de su personalidad en todas las imágenes que tomaba. Todo un fichaje el que hizo la revista LIFE con este genio, y todo un placer haberle dedicado unas líneas en este post.

Fotógrafo | Allan Grant | LIFE Portada Natalie Wood y Warren Beatty en la ceremonia de los Oscars (c) Allan Grant

Si hay una década que destacó por la elegancia en la belleza femenina, con permiso de los años 20, fue la de los años 40. Si a ello le sumamos un archivo gráfico que a día de hoy nos permite disfrutar de aquella forma de entender la feminidad, comprendida además como nadie por la fotógrafa Nina Leen, nuestra admiración por aquella etapa se acrecienta.

Es un verdadero placer hojear las fotografías de esta fotógrafa de ascendecia rusa que, tras un periplo por Europa, se afincó en Estados Unidos. Con su inseparable Rollei, pudo trabajar para el sector de la moda gracias a sus colaboraciones con la revista Life, pero también realizando reportajes callejeros.

Lo que más destaca de su trabajo, es la perfección a la hora de acercarse a sus retratados. Impecable su acabado. Impecables sus formas. Impecable su manera de encuadrar poses. Dinámicas, con elegancia, creativas. En su mayoría retratos de mujeres que encarnaban un mundo perfecto. El del sueño americano. El que proviene de esa enmarcada felicidad que hacía suspirar al mundo viendo la televisión en familia desde el sofá de sus casas.

Nina Leen—Time & Life Pictures/Getty Images

Amante de los animales, no en vano comenzó en la fotografía fotografiándolos, retrató años más tarde la vida de su perrito adoptado Lucky así como publicó dos libros sobre los muerciélagos porque la fascinaban. Como también lo hicieron los adolescentes americanos cuando llegó a EEUU, reflejándolo en series como "A Teenager Monopolizes the Telephone" que hicieron que la revista Life se interesase por su trabajo. Es así como su colaboración comenzó a dar sus frutos llegando a ser una de las primeras mujeres en trabajar para ellos como fotógrafa realizando más de 40 portadas.

Todoterreno, fotografió tanto a personajes de la cultura, una de sus más conocidas fotografías es la dedicada a The Irascibles, donde aparecen en una misma toma desde Mark Rothko a Jackson Pollock. También retrató a la nobleza europea, hizo fotografías en los clubs de jazz y extendió sus reportajes incluso al mundo del circo. Fotografías, estas últimas que os animo a contemplar gracias a la revista Life.

Nina Leen—Time & Life Pictures/Getty Images

Os invito también a ver el reportaje sobre "Young Women’s Republican Club of Milford", fotografías donde se ve a un extenso grupo de mujeres divirtiéndose a la manera de los hombres, es decir, jugando al poker, fumando, practicando boxeo e incluso striptease y, que desde nuestro punto de vista, resultan cuando menos curiosas.

La verdad es que llevo un buen rato revisando los portfolios de Nina Leen y no hay fotografía que me disguste, algo por lo que puedo estarle muy agradecida donde quiera esté, no es fácil que el trabajo de un fotográfo guste en su totalidad. Será la elegancia, serán los años 40-50, será el marco americano de fondo o será su manera de hacerme vibrar con sus imágenes. Sea lo que sea, no puedo sino rendirme a sus pies.

Más información | Nina Leen en Life

A pesar del auge imparable del libro electrónico, es curioso como la prestigiosa publicación LIFE que ya lleva tiempo centrada exclusivamente en su versión digital nos sorprende con un libro impreso. Como no podía ser de otra forma lo hace a lo grande. Así ‘LIFE. Los Grandes Fotógrafos’ se convierte en un volumen de más de 600 páginas repleto de su historia, que es la memoria visual del siglo XX.

Este libro, repleto de fotografías antológicas y otras que seguro harán descubrir y recordar, por igual, a genios de la fotografía, se antoja como uno de esos libros indispensables para cualquier aficionado. Recordemos que desde 2007 la publicación solo se puede encontrar online, como hemos mencionado, y este libro supone un regreso a su antológico pasado.

Casi 700 fotografías de un centenar de fotógrafos

Se trata de un compendio de algunas de las más emblemáticas fotografías (casi 700 en total) que LIFE recogió durante décadas en sus páginas y que ahora encontramos juntas a lo largo de las páginas de este libro. Podemos reconocer imágenes icónicas, ampliamente reproducidas, pero también otras joyas que han permanecido casi desconocidas en los archivos de LIFE.

El libro se deja saborear en cada página, en cada imagen, disfrutando de su abundante información visual y algo que valoro especialmente, no necesariamente debemos hacerlo en orden. Se puede abrir por cualquier parte, retroceder, continuar, detenerse… está concebido para disfrutar (sobre todo los amantes del fotoperiodismo clásico). Y es que se trata de una obra de consulta, recogiendo obras de casi un centenar de fotógrafos indispensables. Una referencia fotográfica que siempre apetece tener a mano en la estantería. Especialmente en esos momentos de falta de inspiración o saturado por la sobreinformación gráfica que nos ofrece internet, en la que una mirada relajada (y en papel) bien sirve como bálsamo reparador.

‘LIFE. Los Grandes Fotógrafos’: obra de consulta

Además, su amplia visión a lo largo de ocho décadas del pasado siglo nos permite sumergirnos en un repaso histórico. Momentos retratados que son cruciales y verdaderos hitos como el desembarco del día D en Omaha Beach de Robert Capa, el famoso beso del marinero a la enfermera en Times Square el día d ela victoria sobre Japón, de Alfred Eisenstaedt. Pero también encontramos retratados a personajes icónicos de todos los ámbitos: la política, el arte, la música, el cine,… como Malcolm X, Jackson Pollock, Rita Hayworth, Ernesto Che Guevara entre otros.

Como vemos se trata de una recopilación en la que resulta complicado que no consigamos encontrar fotografías que nos llamen la atención. Algunas muy duras, otras impactantes, de conflictos bélicos, de vida cotidiana, de celebridades. Tanto en blanco y negro como en color.

Y otro de los aciertos, por parte de la editorial Lunwerg que es quien lo ha sacado recientemente a luz en España, es que a pesar de tratarse de un volumen considerable, tiene un tamaño manejable y un precio muy asequible: 25,50 euros.

Título: ‘LIFE. Los Grandes Fotógrafos’
Autor: varios
Editorial: Lunwerg
ISBN: 978-84-9785-804-5
Formato: 18 × 22 cm
Precio: 24,50 euros

Sitio oficial | Lunwerg