Por petición de Kutxa, los cuatro fotógrafos mencionados han montado una exposición sobre la costa vasca y su particular manera de mirarla detrás de la cámara.

El acto de inauguración tendrá lugar mañana, 3 de julio, en la Sala Boulevard 1 en San Sebastián a las 19.30h y la exposición podrá visitarse hasta el próximo viernes 3 de agosto, así que si os pasáis por allí ya sabéis.

Más información | IkusiBilbao | Mapa
Foto | Asier Castro

Este problema, conocido como el ‘Dead Battery Syndrome’ (síndrome de la batería muerta) también se corrige con el nuevo firmware, versión 1.03, para la D300.

El nuevo firmware la D3 ha buscado añadir a ésta algunas de las nuevas funcionalidades que trae de serie la nueva D700, como el el horizonte virtual en modo Live View. Si bien es cierto que la configuración personalizada de botones en la D3 es más limitada que la de la D700.

La versión 2.00 del firmware para la D3 se puede descargar para PC y para Mac. Igual que la versión 1.03 del firmware de la D300, para
Mac y para PC.

Vía | Dpreview

Características principales de ambos objetivos son las siguientes:

• Recubrimiento Nano Crystal que reduce al mínimo los brillos y las imágenes fantasma dando lugar a una reproducción precisa de la imagen.
• Diafragma electromagnético que permite el control automático del diafragma (para cuerpos de cámara compatibles).
• Posibilidad de preajuste del diafragma con anillo de diafragma y botón de cierre del diafragma.
• Posibilidad de tomar fotografías macro hasta 0,25 m y 0,39 m para el 45mm y el 85mm respectivamente (en 1/2x).
• Diafragma circular de nueve láminas.
• Protección superior contra el polvo y la humedad.

¿Va Nikon a por Canon? Pues supongo que no ha dejado de hacerlo nunca. Pero desde luego, últimamente, parece que está esforzándose en serio y, a juzgar por las D3 que veo entre profesionales que antes tenían Mark II, puede que esté comiendo algo de terreno. El tiempo lo dirá.

Más información | ¿Qué son los objetivos con control de perspectiva? | Nikon en Xataka Foto

Sus características más notables son las siguientes:

• Incorpora un difusor móvil.
• Alcance desde los 17 mm hasta los 200 mm en tan solo 1,2 segundos, proporcionando al mismo tiempo una distribución de luz uniforme.
• Permite elegir entre tres patrones de iluminación: ponderada central, estándar y uniforme.
• Se adapta a los formatos DX y FX en función del sensor de la cámara a la que esté acoplado.
• Detecta automáticamente el ajuste de los filtros de color fluorescente o incandescente, e indica a la cámara el cambio de ajuste de balance de blancos adecuado.
• Su cabezal puede inclinarse hasta 90º hacia arriba, 11º hacia abajo y girarse horizontalmente 180º.

Parece que los usuarios del sistema de iluminación inalámbrico CLS de Nikon están de enhorabuena.

En la blogsfera fotográfica americana hablan de que se pondrá a la venta el 25 de julio con un precio aproximado de $500. Si bien es cierto que Finicon no ha confirmado estos datos por no ser oficiales para España, han afirmado que probablemente aquí sea similar al resto del mundo.

Si te mueves en el lado ‘alternativo’ de la informática y tus dominios pertenecen al mundo Mac o Linux, es probable que te interese conocer Rawstudio.

Rawstudio funciona como cualquier procesador de RAW al uso: revelas los archivos, los exportas y los editas con tu software habitual.

En la actualidad se está distribuyendo su versión 1.0, que ha sido probada satisfactoriamente con archivos RAW procedentes de la mayoría de las cámaras del mercado.

Es gratuíto y está traducido al castellano.

Más información | Rawstudio

Pedro Almodóvar, Lou Reed, Jeff Bridges, Leonard Nimoy, Richard Gere, Patti Smith, Bryan Adams, Picasso, Stanley Kubrick o Victor Hugo son algunos de los ‘fotógrafos insospechados’ que aportan su obra fotográfica a la exposición que ahora se presenta en Santiago de Compostela.

Cada una de las instantáneas ofrece un fragmento del mundo de estas celebridades que tan acostumbrados estamos a ver delante de las cámaras. Quizás por ello es curioso ver cómo actúan y qué miran desde detrás del objetivo.

La exposición se inaugura el próximo 1 de julio a las 20h y podrá ser visitada en la sala Isaac Díaz Pardo del Auditorio de Galicia de 10.00 a 14.00 y de 16.00 a 19.00 hasta el próximo 14 de septiembre. Así que si váis a pasar por la ciudad gallega, no os la perdáis.

Más información | Auditorio de Galicia | Mapa para llegar

¿Te has parado a pensar alguna vez cómo se calcula el número f de los objetivos? ¿De dónde sale? ¿Cuál es su relación con el diámetro del propio objetivo? La mayoría de nosotros nos quedamos en qué significan y con ello vivimos tranquilos.

Sí, sí, lo sé, muchos hasta lo usamos sabiendo lo que hacemos con él. Vayamos más allá y veamos qué cosas podemos deducir de este número y cómo podemos sacarle partido a esto para mejorar nuestras fotos.
Muy fácilmente podemos calcular el diámetro del agujero por el que entra la luz. Imaginemos que tenemos un objetivo de 50mm que abre a f2. Si dividimos 50 entre 2 nos da 25, que representan los 25 milímetros de diámetro del agujero por el que entraría la luz hacia el captador.

Si hacemos el mismo cálculo con un objetivo de 600 mm que abre hasta f4, resulta que el diámetro se va a 150 mm, 15 centímetros. Si en lugar de ser f4, ese mismo 600mm fuese f2.8 el diámetro se iría a más de 21 centrímetos.

Por tanto, como habréis deducido, dividiendo la distancia focal entre el diafragma hallamos el diámetro del agujero (estenopo, que le llamaban nuestros visabuelos) por el que entra la luz a nuestra cámara.

Lógicamente, el diámetro del objetivo habrá de ser, cómo mínimo, un poco más grande que el del agujero por el que entra la luz con el diafragma más grande.

Por ello, si retomamos los 21 centímetros de diámetro, en el caso del 600mm f4 nos damos cuenta de que esto, que parece una tontería, es una de las grandes limitaciones que los fabricantes se encuentran a la hora de diseñar nuevos objetivos con distancias focales largas y, a la vez, muy luminosos.

Sus enormes diámetros no los hacen prácticos por el peso que ello implica, lo delicado de su construcción y lo caros que son los materiales que se necesitan. Lógicamente todo esto repercute de manera directa en el precio.

Pero volvamos a las matemáticas. Seguro que muchos sabéis que cuando subimos un diafragma la cantidad de luz que llega al captador se divide por la mitad. Por el contrario, cuando lo bajamos, la cantidad de luz que llega es el doble. ¿Por qué?

Porque como acabamos de ver distancia focal, número f y diámetro de apertura están íntimamente relacionados. De hecho, el número f no es más que la forma de expresar para humanos la relación que existe entre la distancia focal y el diámetro de la apertura.

Retomemos el 600mm f4 con 150 milímetros de diámetro (Ø) y refresquemos que el radio es el diámetro entre dos y que el área del círculo se halla con la fórmula Πxr². Sí, el mítico pi por erre al cuadrado que recordarás haber repetido mecánicamente tantas veces en Básica.

Calculemos ahora el área del agujero por el que entra la luz para el 600mm a f4. Ya hemos calculado el diámetro, que era de 150mm. Hallemos el radio dividiendo el diámetro entre dos (r=Ø/2), lo que nos da que r=75. Ya tenemos los datos que necesitamos para hallar el área. Área=Πxr², Πx75²= 17.671,5 mm².

Ahora repetimos el cálculo para el mismo objetivo de 600mm a f2.8. El diámetro de la apertura, que resulta de dividir la distancia focal entre el diafragma, sería 215mm. Por tanto, el radio sería de unos 108 mm y el área de 36.643 mm².

Lo mismo para el 600mm a f5,6. El diámetro de la apertura es 107mm. El radio unos 53mm. El área sería 8.824 mm².

Recopilemos datos de las áreas y comparémoslos:
El área del 600mm a f2’8 es de 36.643 mm².
El área del 600mm a f4 es de 17.671,5 mm².
El área del 600mm a f5.6 es de 8.824 mm².

¿Observáis algo? Acabamos de demostrar la regla del doble y la mitad. Si subimos un diafragma el área del agujero por el que entra la luz se reduce a la mitad, por lo tanto entra la mitad de luz. Por el contrario, si lo bajamos, la luz se dobla.

Es por esto, y no por azar, que los números f, en cierto modo, son “caprichosos”. Veamos la escala de números f ‘clásica’:
1 2 2.8 4 5.6 8 11 22

Estos son los valores de diafragma en los que se aplica la regla del doble y la mitad, porque son los que están relacionados matemáticamente con el área que se dobla o se reduce a la mitad.

Hoy en día las cámaras suben y bajan pasos de f en 1/2 y en 1/3 de diafragma. Esto permite ajustar mejor la exposición, pero puede despistarnos a la hora de usar la regla del doble y la mitad.

Espero que conocer mejor el funcionamiento de vuestros objetivos y del diafragma os ayude a sacar más rendimiento a vuestro equipo y con ello a que consigáis mejores fotos. La próxima vez que tengáis vuestra cámara entre las manos comprobad esta regla. ¡Veréis que no falla!

Para terminar y entre nosotros, ahora que no nos oye nadie, os diré de manera anecdótica que un servidor cuando ve cámaras de fotos por la calle se fija en el diámetro del objetivo con una premisa: cuanto más ancho, más luminoso y, por tanto, normalmente, mejor.

Más información: Curso de fotografía de Xataka Foto: La Apertura

Sin duda Flickr ha sido para mi desarrollo como aficionado a la fotografía un punto de inflexión. Le debo muchas horas de placer viendo el trabajo de otros, mucho del aprendizaje adquirido por el camino, varios buenos amigos y otras tantas alegrías.

Pero desde que en el taller de Ricky Dávila pude ver maneras tan diferentes de afrontar la fotografía, me pregunto si Flickr es lo único. ¿Es el camino bueno para seguir desarrollándose?

Sé que hoy en día hay mil lugares en los que mostrar trabajo, pero pocos tan concurridos como Flickr. Pero, ¿es ese el tipo de lugar en el que quiero estar? ¿Es ése en el que debo estar?

Disfruto mucho haciendo fotos y compartiéndolas con esa comunidad. Siempre ha sido así. Pero ¿hago lo que sé que va a gustar a los usuarios de Flickr? ¿Estoy desarrollando un estilo propio o uno resultón para cosechar ‘cibergloria’?

Las formas de aproximarse a la fotografía son tan múltiples como personas la practican. ¿Es probable que en Flickr se aglutinen gran parte de usuarios que ven la materia de una manera similar? Si la respuesta fuera sí, ¿es esto bueno para uno? ¿Me empobrece?

Albert Einstein, de largo más sabio que el que escribe, solía decir que “si quieres resultados distintos no hagas siempre lo mismo”. Extrapolado a Flickr podríamos entenderlo como que no hagas lo mismo que el resto.

Pero ¿es Flickr una máquina de difusión de modelos de éxito a imitar? ¿De fulanitizados?

Siempre he disfrutado mucho haciendo fotografías, sin más. Pero hace cerca de un mes que me planteo estas cosas. Tiempo en el que mi cuenta de Flickr está sin actualizar. Y ahora, ¿qué va a pasar?

Imágenes de cabecera | Danorbit | Netream | Caro Wallis

En respuesta al último duelo planteado por el Sr Belchi, retomamos los duelos de críticas. Esta vez “contra” Daniel Encinas, un valiente gerundense que insiste en ser despellejado en la arena de XatakaFoto.

La foto elegida se llama Carrefoc La Jonquera y es un buen ejemplo de que no sólo de los errores se debe tomar nota, sino también de los aciertos. La fotografía es la siguiente:

Crítica de David Cabezón
Esta vez la introducción ha sido blanda, y es que he de reconocer que la foto me parece muy interesante, con una atmósfera lograda. Describe bien la esencia de lo que se estaba viviendo allí y Daniel Encinas la ha sabido llevar a buen término. Comentaré ahora los aspectos que me llaman la atención y los que cambiaría para tratar de mejorar un poco la foto:

• Me parece muy interesante que, lejos de darle protagonismo a las personas, Daniel se lo dé a la situación que todas en conjunto están viviendo. ¿Cómo lo consigue? Con el uso de siluetas. Éstas representan a muchas personas sin identidad, lo que allí había era un grupo, que con vengalas en sus manos celebran algo parecido a una lluvia de fuego. Fin. Ningún elemento más distrae de este mensaje. Menos es más.
• Reincidiendo en el menos es más, fijaos en que usando simplemente las siluetas y la ‘lluvia de fuego’, la cantidad de cosas que Daniel Encinas logra sugerir con esta foto: verano, calor, quizás una playa, diversión, celebración, unidad…
• De poder estar en esa situación uno y poder hacer esa foto, quizás habría tratado de tirar más de angular y apuntar un poco más hacia el cielo, de forma que, sugiriendo lo mismo, el fuego tomase mayor protagonismo. Y quizás ver el fuego que emitiá esa mano del primer término.
• En caso de haber vuelto a casa con esta misma foto, haría un pequeño reencuadre aprovechando la dirección de los brazos, las llamas y los palos, de forma que pareciese que, en cierto modo, abarco toda la acción y en el momento de tomar la foto estaba en el centro de la misma. Algo así:

En cualquier caso es una foto estupenda e interesante de comentar en un duelo. Veamos ahora qué nos cuenta el Sr Belchi…

Crítica de Israel Belchi

El bueno de David ha elgido una fotografía que a mi me chifla (¿todavía se utiliza esta palabra?) y que después de pensar y pensar, poca cosa negativa puedo señalar. De hecho, simplemente voy a hacer dos apuntes o sugerencias que son muy personales y no tienen porqué ser del gusto del autor o de todos nuestros fieles lectores. Veamos…

• Esa chispa del medio de la toma… yo… la quitaría. Ahora ya me podéis saltar al cuello por alterar la realidad. Me distrae y no me parece relevante. Estos son mis argumentos.
• El reencuadre que propondría yo estaría más cerrado de manera que no se viera ninguna porción de cielo sin estar bañada de la lluvia de fuego, ¡más cerca, más cerca!. Y procuraria dejar el brazo del primer plano justo en la línea que marcaría el tercio izquierdo de la foto. Y sé que esta corrección no serádel gusto de todo el mundo.

Por lo demás me parece una fotografía correctísima. Plasma un momento muy interesante de una fiesta, es original, técnicamente está muy bien resuelta y consigue evocar muchas emociones. Bravo Daniel.

Importante: Una vez más aprovechamos para recordaros que si queréis proponer fotos para futuros duelos lo debéis hacer a través del formulario de contacto, desde donde nos podréis enlazar las fotos que hayáis elegido.

Ya no es necesario que tu trabajo encaje en los cánones establecidos por los medios de masas ni que sigas los dictados de editores gráficos. En tu propia publicación puedes ser tú mismo. El que mandas eres tú.

Issuu es un servicio online que se dedica a hospedar revistas digitales de manera gratuíta. Si tienes una idea, ganas y tiempo para llevar a cabo tu propio magazine fotográfico puede que Issuu sea el lugar para alojarlo y mostrarlo al mundo.
Si no tienes muchas ganas de crear tu proyecto, podrás encontrar también un buen número de publicaciones de las temáticas más variadas a las que suscribirte o que puedes simplemente consultar.

Categorías
Bajo categorías como fotografía, ilustración, arquitectura o moda se concentran gran cantidad de ediciones en PDF de revistas. Cabe casi cualquier cosa y, todo hay que decirlo, cualquier calidad.

Quizás, como lector, no vendría mal un sistema de puntuación para, de algún modo, ayudar a separar polvo de paja.

Visualización
Es lo que más me ha llamado la atención del servicio. La revista se despliega literalmente en tu pantalla y haces con ella lo que quieras: haces zoom para ver detalles, la mueves a placer, pasas las páginas…

La interfaz de Issuu para visualizar las publicaciones hace de la experiencia algo muy similar a hojear cualquier revista física. Salvar este obstáculo les ayudará a ganar a la gente que no esté demasiado acostumbrada a leer en pantalla.

Fotografía
La sección de fotografía aloja ya algunos títulos conocidos, como el JPG Mag y otros proyectos, más personales, muy interesantes.

¿Te animas a montar una? Sólo tienes que enviarla en PDF a Issuu y, sin más, te la publican para que la pueda consultar cualquiera.

Vía | Photografía
Más información | Issuu

Oleiros es un pequeño ayuntamiento gallego cercano a la ciudad de A Coruña que desde 2005 viene celebrando su propio certámen fotográfico: ‘Revela’. Se trata de un foro internacional de fotorreportaje y sociedad en el que se exponen imágenes de los más destacados fotógrafos de todo el mundo.

La edición de este año girará en torno a “La tierra: economía, conflicto y naturaleza” y se celebrará entre los días 4 y 23 de julio. Durante el certamen se podrá asistir a talleres y a proyecciones comentandas de Paco Elvira, Xurxo Lobato, Alfons Rodríguez, Ángel López Soto o Yann Mingard, entre otros.

Si estás trabajando en algún proyecto fotográfico de gran envergadura, quizás te interese la beca que ofertan para llevarlo a cabo, 12.000 euros. Aceptan proyectos hasta el 11 de julio.

Vía | Caborian
Más información | Revela Oleiros 08

Una nueva semana termina, y qué semana. No sé si es por el calor, pero desde luego el Xataka Foto está echando humo con buenos artículos. Repasemos los contenidos más interesantes por si a alguien se le ha escapado algo:

• Tuvimos la oportunidad de compartir una agradable charla con el fotógrafo Ricky Dávila y de descubrir a un fotógrafo de orígen exótico, el chino Quentin Shih.

• Ahora que llega el verano, quizás a alguno os pille a mano la exposición de Man Ray en Berlín o la retrospectiva de Paul Strand. ¡Valen la pena!

• Hablamos de cámaras, cómo no. De su interior, preguntándonos si es mejor el estabilizador en el cuerpo o en el objetivo y de nuevos modelos: ¿Está al caer la Nikon D90?

• Si estás comenzando en esto de las fotos quizás te vengan bien unos consejos para hacer fotos a recién nacidos. Y puede que también te ayude la entrada sobre cuatro buenos libros para iniciarse en fotografía y, sobre todo, los comentarios, en los que se complementa la información del post con más títulos que los xatakafoteros proponéis.

• Por cierto, ¿sois fotógrafos perezosos u os animáis a hacer un duelo de críticas?

La semana que entra, sin duda, más y mejor.

Se disponían a convertir un cohete alemán V2 en el elemento lanzado a mayor altura hasta el momento. Tuvieron suerte y lograron que alcanzase los 104 km de altura sobre la superficie terrestre, batiendo el récord de altura establecido en 1935 por el globo Explorer II, que llegó a 22 km.

Con el fin de inmortalizar semejante hazaña, inimaginable para la época, el cohete iba equipado con una cámara fotográfica de 35 milímetros que disparaba una foto en blanco y negro cada segundo y medio. Para la alegría del grupo de científicos y militares, la cámara sobrevivió milagrosamente al impacto cuando al cohete volvió a caer en medio del desierto a una velocidad de 150 metros por segundo (unos 550 km/h)

Tras su logro, tuvieron el privilegio de ser los primeros en ver lo que no había visto nadie hasta entonces: la Tierra vista desde el espacio. Si desde el Explore II en 1935, a 22 kilómetros de altura, se había podido tomar la primera instantánea de la curvatura de la tierra, en 1946 consiguieron ver de un solo golpe un millón de millas cuadradas.

Aquel día dieron el primer paso de la fotografía espacial. Un pequeño paso para la fotografía, pero uno enorme para la inteligencia militar, la geografía, la meteorología...

Vía | Yonderboy | AirSpaceMag

Por todos es sabido que los libros son uno de los vehículos de conocimiento más antiguos. Con la fotografía esto no es diferente y en sus páginas podemos encontrar respuesta a muchas de nuestras dudas o un poco de luz sobre cuestiones que desconocíamos totalmente.

Es cierto que desde el nacimiento de lo digital se ha multiplicado el número de títulos de libros técnicos que giran en torno a la fotografía. Paralelamente, por muchos rincones de internet se acumula información de todas las calidades imaginables en blogs, foros, portales…

El problema es que cantidad casi nunca es sinónimo de calidad, por lo que en medio de la avalancha de información que recibimos cuesta seleccionar cuál es de calidad. Es por ello que quizás, para iniciarse en fotografía, lo más adecuado sea optar por libros de “eficacia probada”. La siguiente selección es mi recomendación:

‘LA FOTOGRAFÍA PASO A PASO’ de Michael Langford
Un gran clásico de los manuales de fotografía. Seguramente es perfecto como primer libro para iniciarse en este mundillo, además está escrito por uno de los autores más reputados en esta materia, el británico Michael Langford. Actúa como un curso estructurado, que parte de un nivel básico y llega a un nivel técnico elevado siguiendo pasos lógicos en esta evolución.

‘LOS SECRETOS DE LA EXPOSICIÓN FOTOGRÁFICA’ de Bryan Peterson
Sus páginas desvelan todos los misterios de las buenas exposiciones. Cuándo subexponer, cuándo sobreexponer, cómo medir, etc. Sobre todo me parece muy interesante que enseña a razonarlo todo por ti mismo, de forma que una vez lo has entendido difícilmente lo vas a volver a olvidar. Con ejemplos prácticos. Interesante no sólo para principiantes, sino también para usuarios medios. Escrito también por uno de los autores más reputados en la materia, Bryan Peterson.

‘FOTOGRAFÍA DIGITAL DE ALTA CALIDAD’ de José María Mellado
Tiene sus seguidores y sus detractores e indudablemente se ha convertido en un clásico en España desde el día de su lanzamiento. Me parece un manual muy válido para aprender cómo funciona lo digital. Además de las explicaciones generales, el autor hace propuestas de retoque fotográfico, para mi gusto un poco barrocas. Pero sobre gustos… De todas formas se aprovecha cada uno de los conceptos que toca. Por cierto, pronto podréis ver una revisión a fondo de este libro aquí, en XatakaFoto.

‘LEARNING TO SEE CREATIVELY’ de Bryan Peterson
Otro de Bryan Peterson. Éste es un gran libro que explica fundamentos de composición: cómo crear ritmo, tensión, ayuda a que aprendamos a resaltar lo que queremos mostrar, fotografiar paisajes con tele y retratos con angular, etc. De forma que queda bastante claro que es algo que se puede aprender practicando y modelando la forma de mirar, más que algo inaccesible que sólo algunos ‘tocados por la mano de Dios’ poseen. No lo he podido encontrar en castellano.

Hay muchos manuales clásicos que pueden servir de ayuda. De algunos de estos clásicos, normalmente de aquellos escritos por autores que siguen en activo, se pueden encontrar reediciones con referencias más directas al mundo digital o al menos con un apéndice referido a ello.

No obstante, no conviene despreciar aquéllos que hayan sido escritos antes de la era digital. La fotografía se basa en los mismos principios desde su nacimiento, lo ‘único’ que han cambiando han sido los captadores. Los fundamentos de las cámaras, las reglas de composición, etc. siguen siendo los mismos.

Generalmente, este tipo de libros no suelen ser demasiado baratos. En los más antiguos podrás encontrar versiones ‘analógicas’. Ediciones que, por no ser la última y no incluir un enfoque a lo digital, han quedado apartadas y se venden a mejor precio. Por tanto, a no ser que quieras aprender algo muy concreto sobre digital, cualquier manual de fotografía de este tipo te servirá para aprender los fundamentos de la materia sin desembolsar demasiado.

Una vez se tiene cierta visión de conjunto de la materia, uno ya ‘vuela solo’ y es capaz de discernir cuál es la documentación más conveniente para su nivel y para sus necesidades. En este punto, casi siempre suele ayudar más internet, los talleres especializados o compartir experiencias con otros que los libros.

La propuesta de títulos de este post es una selección personal en la que he tratado de tocar diferentes aspectos de lo fotográfico y creo que a cualquiera que empieza en fotografía puede servirle de ayuda. Pero estoy seguro de que podéis aportar muchos títulos interesantes a esta pequeña lista. ¿Es así?
Imagen de cabecera | Texasgurl

Hace unos días tuvimos la oportunidad de asistir a un taller con Ricky Dávila en Coruña. Después de escucharle atentamente durante un fin de semana, no caben dudas de que Dávila es, además de un profesional curtido en mil batallas, una persona inteligente.

El fotógrafo bilbaíno tiene una visión muy clara del sector fotográfico, lo que le hace acreedor de una importante habilidad para moverse por los vericuetos del negocio.

Su capacidad para expresar sus ideas con gran precisión dejan al descubierto la vasta cultura de un tipo que ha explorado todas las posibilidades del ‘oficio fotográfico’ llegando a lo más alto: Fotogranprix 93, II Premio Reportaje World Press Photo por “Herederos de Chernobil” y receptor del Ortega y Gasset en el 94 por el mismo trabajo.

En un paseo en coche por la ciudad gallega, tuvimos la oportunidad de charlar un rato con él. Os traemos esa conversación en forma de una nueva entrega de Fotógrafos Como Tú.

¿Cómo llegaste a la fotografía?
En realidad yo estudié Biología en la Universidad del País Vasco. Durante la carrera compaginé mis estudios con un taller local de fotografía que me dio muchas alegrías. Fueron cinco años seguidos, una experiencia muy bonita. Y la verdad es que tenía una conciencia muy clara de que no tenía ninguna afición por lo científico. Así que decidí formarme más en lo fotográfico.

En ese momento Nueva York era el centro de muchísima fotografía que yo admiraba. Tengo la doble nacionalidad, pues mi madre es de NY, con lo cual existe también en mí cierto ascendente cultural, así que irme a estudiar fotografía a los Estados Unidos fue muy natural.

En esa época había una escuela muy reputada en Estados Unidos, el ICP. Para mí era una ilusión enorme ir y tuve la suerte de poder acceder a ella y para allá que me fui.

Supongo que es en este punto cuando haces de tu pasión un modo de vida
Efectivamente, el oficio nace de la necesidad de hacer de un entretenimiento como la fotografía también una forma de solucionar el llegar a fin de mes. Una vez lo consigues es una enorme suerte que la vocación coincida con el oficio.

Aunque mi ocupación cada vez gravita más sobre mi trabajo personal, todavía le debo mucho al ‘oficio’, pues buena parte de mis ingresos viene de la fotografía que hago por encargo. Soy un fotógrafo que viene del oficio fotográfico, y eso nunca lo olvidaré.

¿Cómo fueron tus comienzos?
Cuando llegué a Madrid trabajé primero en el diario El Sol, luego en la agencia Cover. Fotoperiodismo puro y duro que para mí supuso una escuela que no cambiaría por nada. Aunque tenía un techo muy claro dentro del cual ya no podía evolucionar más. Así que, de un modo inconsciente, me fui distanciando de todo eso.

¿Cuál fue el siguiente paso?
Dentro del propio ejercicio del oficio te vas dando cuenta de que trabajos en los que has empleado un mes, para sacar un reportaje, tienen la misma retribución que una sesión con celebrities una tarde. Entonces, cuando tienes que solucionar todo esto como un modus vivendi, inevitablemente, acabas haciendo ese tipo de fotografía.

Esto ya se alejaba del periodismo, son en cierto modo pequeños ejercicios promocionales y de publicidad. Da igual que sean sesiones de moda o retrato editorial, siempre tienes que acreditar al fotografiado. Y eso es divertido como juego, pero no deja mucho margen para lo poético.

A mí me gustaba todo, nunca he tenido mucho problema con la fotografía de encargo, siempre que se entienda lo que es. Pero sí es cierto que en esas ocasiones al poeta hay que dejarlo en la puerta. Y eso se puede hacer muy bien.

Como juego es divertidísimo, llevar los acabados al máximo nivel y vivir la competencia. Toda esa época me ha dado muchas experiencias y encuentros muy bonitos. Muchos rodajes, muchas personas…

La pena es que es verdad que lo que hoy llaman cultura es puro entretinimiento. Y, al final, la suma de encuentros que uno tiene en este mundo no acaban de darle un bagaje personal muy grande. Porque no es que uno esté haciendo a Scorsese, es que estás haciendo a Santiago Segura.

¿Usabas la libertad económica que te daban estos trabajos para llevar a cabo, en paralelo, proyectos más personales?
Sí, claro. Y la gente en eso se llamaba a engaño, pues miraban curiosos cómo alguien con trabajos muy personales y de ensayo gráfico, como los que hice en Chernobil o Woodstoock, podía vivir de eso. Pero lo cierto es que me permitía esa libertad con el dinero que obtenía con mis otros trabajos.

Fotos de los 90

(Haz click en una imagen para ampliarla)

¿Crees que estos ensayos gráficos de mediados de los 90 tendrían cabida hoy en los mass media?
En los últimos 15 años ha habido una pandemia de celebridades que lo ocupan todo. Los medios ya no son de los periodistas. No hay periodismo en puridad, sobre todo en dominicales.

Puede ser que en algún caso encuentres en ellos un destino ocasional de este tipo de trabajos. Pero en ningún caso son cómplices de su factura ni facilitan ese tipo de ensayos.

¿Resulta posible compaginar trabajos de autor y comerciales?
Para mí llevar a cabo ambos tipos de trabajo a la vez era muy satisfactorio. Por un lado tenía el estimulo del dinero y de la publicación inmediata. Era un momento en el que yo tenía tanta o más admiración por Bruce Weber haciendo el Interview americano como por la agencia MAGNUM. Todo formaba parte de mi pequeño bagaje personal.

Sí es cierto que, ahora, con el paso del tiempo, toda esa cuestión de oficio sí creo que va en perjuicio de la pulsión poética. Creo que sí me ha llegado un momento en el que no es tan fácil de conciliar. Pero en ese momento, donde yo todavía modelaba la mirada, casi envidio y añoro esa cintura que yo tenía en lo fotográfico, aquella ilusión que tenía por hacer un rodaje o un actor de teleserie. Antes sí tenía mucha y lo echo en falta. Pero la realidad es otra. Supongo que vas quemando naves, cumpliendo etapas y ahora me encuentro en otra fase mental.

¿Esta pérdida de ilusión desgasta?
Supongo que sí. El desgaste lo detecto mucho también en la gente que hace fotoperiodismo, porque es que al final te ponen unas orejeras de burro y acabas creyendo que lo único que es interesante es lo que los medios deciden que es interesante. Y éste, es un momento en el que lo que proponen los medios es un registro muy, muy, muy pequeño de lo que el ámbito de la fotografía puede ofrecer, cuando en realidad la fotografía está viviendo un momento explosivo, con cantidad de propuestas interesantísimas y diversas.

¿Inviertes tiempo en la obra de otros?
Sí, creo que es fundamental, ya no como medio para obtener tu propio trabajo, sino como fin en sí mismo. Es uno de los grandes premios.

Durante una etapa perdí esto, no me gustó. Ahora, al haber recuperado la afición por lo fotográfico, una de las grandes suertes en las que me veo inmerso es en que soy muy receptivo al trabajo de los demás, que me hace disfrutar mucho. Creo que es muy importante ser espectador de la fotografía de otros.

‘Manila’

(Haz click en una imagen para ampliarla)

¿Cómo valoras los proyectos de tu carrera como autor? ¿Encuentras diferencias entre ‘Manila’ e ‘Ibérica’?
Son dos proyectos que veo como muy juntos. Acabo de terminar ‘Ibérica’. Tanto ‘Ibérica’ como ‘Manila’ son dos libros a los que les tengo mucho cariño, porque están recién paridos, pero también les veo una impronta en su dimensión y en su tratamiento que se aleja de lo que quiero hacer ahora, algo más introspectivo y menos institucionalizado.

Ahora lo que quiero es ir sumando situaciones, jugar, sobre todo jugar, y no obligarme a la gramática concreta de un proyecto concreto. Quisiera que esto viniera un poco solo.

Los otros dos proyectos, sobre todo al dividirlos, me sirvieron para darme cuenta de que yo podía llevar a cabo proyectos sobre todo sin depender de los medios de comunicación. Para mí fue muy liberador.

¿Qué vendrá ahora?
A partir de ahora me quiero demostrar sobre todo, hay una sensación de una cierta independencia que es muy gratificante. Porque en este mundo de tiburones, el ejercicio fotográfico como tal, cuando uno le da cumplimiento, como cuando se escribe un poema o una canción, sí que es un pequeño ejercicio de libertad personal que muchas veces no sabemos administrar. A mí eso me parece demostrarse a uno mismo que “Ey! Estoy aquí, puedo hacer esto y lo hago”

Como autor, ¿albergas algún miedo?
Es una buena pregunta. Mi amigo Alberto García-Alix me dice siempre una frase que hay escrita en un muro en el Malecón de La Habana: “Cuando tenemos las respuestas, nos han cambiado las preguntas”. Con los miedos pasa lo mismo, van cambiando. Son de otro orden y son mayores.

Tengo una admiración creciente por trabajos que yo veo de una enorme integridad personal. En lo formal, en lo estético, pero también en lo ético. No sé si es un miedo, pero sí un deseo para el que temo no estar a la altura: tener integridad personal en el trabajo. Al final la fotografía es sólo un medio para explicaciones de otro orden como la amistad, la muerte…

La afición a la fotografía, a lo visual, creo que en mi caso es muy frágil. Junto al amor de mi pareja es lo único que tengo y temo que eso me falle. Tendría un enorme miedo a perderme la fotografía en este momento, tanto en mi faceta de realizador como en la de espectador. Y eso puede ocurrir. Porque eso es “el resabio”, no “la sabiduría”. Eso lo tenemos todos ahí.

¿Temes convertirte en un ‘resabio’?
En la época que va de 1996 a 2000 viví una época en que creía saberlo todo, vivía como una pérdida de afición creciente, tanto desde mi posición de autor como de espectador del trabajo de otros. Eso te lleva a un empobrecimiento cada vez más acusado. Era un ‘resabio’.

Sé que tuve una etapa de ‘resabio’, de narcisismo y de egotismo a la que estoy seguro de no querer volver.

‘Ibérica’

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¿Cuál es tu flujo de trabajo?
Siempre hago tomas RAW, las trabajo en postpo y saco una copia física. He recuperado matéricamente el copiado como destino final de la foto. Esto me ayuda mucho, creo que la foto no existe sin su soporte y el hecho de que las fotos se pierdan en el limbo del ordenador es un poco atacante. En cambio, poder manejarme en copias, en opacos, con luz reflejada, que es como yo entiendo la fotografía y que es lo que a mí me gusta, me ha vuelto a proporcionar un flujo de trabajo muy cómodo.

¿Ha sido duro para ti el paso a digital?
Disfruto enormemente con lo digital, porque he recuperado la alquimia doméstica. Lo que antes tenía formulado con un laboratorio analógico lo tengo ahora con las impresiones de chorro de tinta, e incluso multiplicado. Entonces, en este momento, tras unos años de mucha diletancia e inseguridad, empiezo a volver a tener un guión de trabajo reformulado desde los hábitos digitales pero con la misma premisa de naturalidad en la que había venido desenvolviéndome.

Esto me tiene encantado, estoy en una fase de mucho disfrute. En internet encuentras mucha información y recursos para estas cosas. El único peligro es la sobreinformación y caer en el engolosinamiento técnico. Los que venimos del analógico tenemos una relación de la fotografía más contemplativa y, por lo tanto, más serena. Creo que estamos menos expuestos a la incontinencia visual que ha venido con el digital. Juntar las dos cosas creo que es muy bonito.

Cambiamos radicalmente de tema. ¿Tienes referentes?
Por supuesto, a mis fotógrafos de referencia les llamo ‘héroes’. Es importantísimo tener autores que admiras, para aprender de ellos y evolucionar. Aunque tiene su punto de peligro, porque llega un momento en el que los tienes que ‘matar’ o te matan ellos a ti. Así que van cambiando con el tiempo.

¿Podrías decirnos el nombre de cinco de tus héroes?
Aunque pienso y pienso no encuentro más que cuatro que lleguen al nivel de ‘héroes’ en este momento. Son mis cuatro mosqueteros:

• Anders Petersen
• Antoine D’Agata
• Daido Moriyama
• Alberto García-Alix.

¿Cinco libros de fotografía?
‘Raised by Wolves’ de Jim Goldberg.
‘Remix’ de Daido Moriyama.
‘French Kisses’ de Anders Petersen, que salió a la luz hace sólo unos días.
‘Revelations’ de Diane Arbus, que aunque no es suyo es un libro retrospectivo muy bonito que han hecho con su obra.
‘Evidence’ de Richard Avedon

¿Qué te parecen las nuevas formas de mostrar el trabajo que están surgiendo en la red?
Me parece muy afortunado que todo esto se haya federalizado. Sobre todo me parece bueno que en la gente y en los creadores, sobre todo los documentalistas, se despierte la conciencia de que no todo tiene que pasar por el aro mediático.

Hay muchos lugares ahora donde mostrar el trabajo y cada vez veo más que lo mejor está orillado por el mainstream cultural, así que no hay que tener ningún reparo de valerse, utilizar y aprovechar todo eso.

Tu montaje de ‘Manila’, ‘Magnum in Motion’, ‘Tres Vídeos Tristes’ de García-Alix… Últimamente vemos cada vez con más frecuencia que fotografía y vídeo van unidos ¿Qué te parece el vídeo como vehículo para mostrar fotografías?
Me parece muy positivo. Al final siempre es una cuestión de la mirada. Y mirada sólo hay una, mientras que estrategias de mostrar las cosas hay muchas muy distintas. Lo importante es hacerlo con sensibilidad e integridad personal.

Además, aconsejo ser elástico con uno mismo en esto, porque si no uno se pasa toda la vida encorsetado. Me parecen vías ricas y estimulantes.

Hemos terminado. Muchas gracias, Ricky, por tu tiempo y por compartir tu visión con nosotros. ¿Te apetece decir algo?
Sí. ¡Que viva el pixel!

Más información | Ricky Dávila

¿Quién diría que se podía crear una serie cómica protagonizada por un pato y su cámara de fotos? Por surrealista que suene este es el fundamento de la tira cómica norteamericana ‘What the Duck’.

WTD fue creada por el fotógrafo Aaron Johnson, quien desde 2006 acude puntualmente a su cita diaria. Desde entonces se cuentan por miles los se preocupan por ver quién pasará ante el pico del sarcástico pato.

Con la entrega de hoy serán 500 WTD. Ahí es nada. 500 entregas llenas de humor, ironía y una visión cómica, aunque con un regusto de realidad, del mundo de la fotografía profesional.

Desde XatakaFoto le deseamos felicidades, que siga gozando de buena salud y que continúe riéndose y haciéndonos reir sanamente de este mundillo.

Más información | What the Duck

Para mí, esta cualidad, es en gran parte lo que marca la diferencia entre unos fotógrafos y otros. Atención a las siguientes fotos tomadas por distintos fotógrafos en un partido de baloncesto entre los Lakers y los Celtics. Bryant entra a canasta y Garnett intenta interceptar el balón.

¿Alguien podría decir la diferencia entre el instinto ‘inigualable’ de los fotógrafos de Reuters Mike Segar, Adam Hunger y Brian Snyder? Las tres fotos fueron tomadas exactamente en el mismo instante desde diferentes lugares de la cancha sin usar disparadores inalámbricos ni nada parecido. Increíble pero cierto.

Vía | Blog de los fotógrafos de Reuters

En 2003, con la llegada al mercado de la Nikon D2H y de las unidades de flash SB800 y, posteriormente, la SB600, arrancó un nuevo y sofisticado sistema de iluminación conocido como CLS. Éste se basa en la capacidad que un flash maestro (SB800) y algunos de los cuerpos CLS tienen para controlar sin cables un número ilimitado de flashes esclavos.

En el seminario, Carlos Ormazabal, cabeza visible de Finicon, y Javier León, fotógrafo profesional, mostraron la sencillez de uso del sistema CLS que ofrecen los nipones con un objetivo claro: crear un set improvisado para una sesión fotográfica en cualquier lugar con un equipo facilísimamente transportable que minimiza las limitaciones. Para su demostración, en este caso, León usó tres flashes, dos de ellos esclavos, un par de paraguas, una D300 y una D3.

Lo más interesante de esta propuesta es lo poco aparatoso que resulta y la independencia que da para trabajar, pues todo el equipo necesario cabía en un par de bolsas tipo Domke con las que es muy cómodo moverse. Esto es muy importante para facilitar algunos trabajos en los que no puedes usar equipos grandes y pesados, ya sea por la dificultad del peso o por el volumen que ocupan.

Otra de las cosas que me pareció interesante fue la autonomía de este sistema que, además de ser fácilmente transportable, es muy sencillo de alimentar, pues usa pilas de 1’5V de toda la vida en lugar de pesadas baterías, generadores, etc.

CONTROL DEL SISTEMA
Para usar el sistema de iluminación CLS de Nikon se puede emplear cualquier cámara Nikon con un dispositivo que actúe como maestro. En aquellas cámaras cuyo cuerpo está preparado para CLS y traen flash integrado, ése propio flash actúa como maestro para disparar los flashes esclavos (ya sea el SB800 actuando como esclavo o el únicamente esclavo SB600). Este es el caso de cámaras como la D70, D70s, D80, D200 o la D300.

En los modelos de cámaras profesionales, sin flash integrado, como la D3, para disparar los flashes esclavos se debe utilizar un flash maestro (SB800) o una unidad de control de flashes i-TTL (SU-800).

La unidad de control de flashes i-TTL físicamente es parecida a un flash, pero sin lámpara. Se monta sobre la cámara y sirve para configurar todo el sistema y disparar los flashes esclavos.

CONTROL DE VARIOS GRUPOS DE FLASHES
Otra de las características interesantes del sistema es la capacidad para controlar diferentes grupos de flashes. Imaginemos una sesión de fotos en una habitación grande con una personalidad, típico reportaje de ‘Presidente del Gobierno en su despacho’. Partamos de la base de que las condiciones de luz natural que entra por las ventanas son constantes.

Si queremos hacer fotos en diferentes lugares del despacho, podemos tener todo el sistema de flashes configurado en cada uno de los emplazamientos antes de que llegue el personaje a la sesión.

A la hora de disparar, se coloca al sujeto y, desde la cámara se elige qué grupo de flashes se ha de disparar. En este caso dispararemos el que convenga para cada ubicación sin problemas, pues ya hemos configurado todo previamente.

¿HASTA QUÉ PUNTO ES ADECUADO EL SISTEMA CLS?
Bajo mi punto de vista es un sistema muy interesante para iluminar fuera de un estudio sin grandes problemas logísticos. En ciertos lugares nunca obtendrías permiso para hacer una sesión fotográfica o ni siquiera hay posibilidad de usar equipos grandes de iluminación porque simplemente no caben o se verían en la foto. Con una solución como la aportada por Nikon las cosas cambian y algunos de los límites que existían hasta ahora se esfuman.

En interiores el sistema funciona muy bien, pues la señal IR rebota en las paredes de un espacio pequeño y fácilmente alcanza a todos los flashes hasta unos diez metros de distancia. Parece que la cosa se complica un poco cuando las fotos se llevan a cabo en exteriores, pues si hay cualquier obstáculo entre flashes la señal se pierde y no se disparan, por lo que todos los dispositivos deben ‘verse’ sin problemas.

Para sacar todo el partido al CLS tienes que tener unos cuantos flashes. Estando a 400 euros largos el flash SB-800 y a 300 los SB-600, con lo que costaría comprar varios (para el seminario traían cinco) se ponen a tiro muchos sistemas de iluminación muy interesantes también, si bien es cierto que quizás no tan transportables ni autónomos.

CLS EN ACCIÓN
Navegando por el blog de Joe McNally, fotógrafo de National Geographic, veo los resultados de una sesión de fotos usando el sistema CLS. La sesión tuvo lugar en medio de un desierto saudí y fue asistida por, nada más y nada menos, David Hobby, creador de la mundialmente aclamada Strobist, experto en iluminación con flashes separados de la cámara.

Esto es lo que pasó cuando ambos se juntaron en el desierto de Arabia Saudí:

CONCLUSIÓN
El seminario me ha servido para volver a ‘jugar’ con mi SB800, así que estoy disfrutando mucho con el CLS. Pero lo cierto es que aunque la propuesta de Nikon es muy válida, cómoda y quizás la más sofisticada, no es la única. Canon tiene sistemas inalámbricos también y, fuera de Nikon y Canon (sí, hay más mundo), se pueden conseguir configuraciones similares con flashes y dispositivos disparadores fabricados por terceros. Asomaos al universo Strobist, que no es para nada exclusivo del nikonismo, y lo veréis.

Foto de cabecera | Joe McNally

¿Quién no se lo ha planteado? En algún momento todos lo hemos hecho. Es dulce pensar que podrías llegar a hacer de una de las cosas que más te gusta (la fotografía) tu medio de vida. Junto a este pensamiento surgen otros paralelos: ‘¿Daría la talla?’, ‘¿Perdería la pasión que hoy me mueve a hacer fotos?’ y, sobre todo, ‘¿Sería capaz de sobrevivir con ello?’

Por otra parte, alcanzado un determinado nivel fotográfico, a la gente le suelen molestar etiquetas como ‘amateur’, ‘aficionadillo’ o similares, cuando lo cierto es que es capaz de resolver mejor que profesionales. Porque, aunque para todos tiene connotaciones de calidad y nivel, ‘profesional’ es todo aquel que se gana el pan con las fotos. Y, como en todo, hay buenos profesionales, profesionales mediocres y los que son lamentables.

Con este post no pretendo encontrar respuestas, ni hacer una lista de cosas que nadie deba preguntarse para nada, sino compartir con vosotros reflexiones que por haberlas leído, por pensarlas por mí mismo o por ver a personas cercanas valorándolas, son recurrentes. Asuntos que van más de lo tópico lo menos tópico e, incluso, razones por las que ser amateur no es del todo malo, todo lo contrario y viceversa:

• El dinero que ahorro con mi trabajo diario me lo gasto en los objetivos y aparatitos que quiero, ya sean o no necesarios. // Si me dedicase a la fotografía habría prioridades que se llevarían el dinero extra: impuestos, gastos generales, papelería, publicidad, marketing…

• Como amateur puedo disparar absolutamente todo lo que quiera a mi gusto. // Si fuera profesional, quizás dictarían las pautas clientes ‘artistillas’ con los que me vería forzado a llevar a cabo trabajos frustrantes.

• Siendo aficionado disparo sin presión de ningún tipo y puedo emplear todo el tiempo del mundo en crear lo que quiera. // Si fuese profesional tendría plazos, trabajos desagradables y aburridos…

• Hoy no tengo distracciones fuera de lo fotográfico. No disparo más rápido porque necesito más dinero. // Si fuera fotógrafo profesional quizás no me podría centrar en disparar lo que me gusta, sino lo que me da dinero. Lamentablemente ambas cosas no siempre coinciden.

• Disfruto de mis fotos porque me gustan y me traen recuerdos de momentos divertidos. // Si fuera un pro quizás sólo me gustarían las fotos que he llegado a vender o no haría más que las que me van a comprar. Peligroso…

Por otro lado, partiendo del dicho popular ‘a la fuerza ahorcan’, puedo suponer que entrar en el mundo de la fotografía profesional significa meterte de lleno en un estado mental diferente, en el que estás alerta de las oportunidades de negocio y observas el trabajo de otros para mejorar el propio.

Una forma de vida en la que por pura necesidad mejoras, mejoras y mejoras. Suena bien, muy bien, pero volvemos al inicio. ¿Será esto también un tópico?

Foto de la cabecera | Mikebaird

Quizás muchos de vosotros estéis buscando una buena oportunidad para cambiar un objetivo, comprar una compacta o una réflex. Si tienes un presupuesto ajustado o no eres tan exigente como para desear hasta perder el sueño el último modelo de tu marca de referencia, puede que la respuesta esté en un outlet fotográfico.

Sí, sí, como lo oís. En los últimos tiempos Canon y Nikon usan internet para deshacerse de equipos de “disparo cero”. Vienen de exposiciones, de restos de serie, de pruebas… Modelos que ya han dejado de estar en boca de todos pero que todavía pueden dar guerra y están ahí, un pelín más baratos, para quien los quiera coger.

En algunos casos el precio es un poco abusivo pero por el medio se pueden encontrar cosas interesantes. Así que si queréis evitarles un triste final, quizás podáis aprovechar la tesitura para renovar algo de equipo.

¿Conocéis los de otras marcas?

Más información | Nikon | Canon