La composición en la fotografía es uno de los grandes quebraderos de cabeza para muchos alumnos. Solo hay que buscar en las redes y en los libros para encontrar mil reglas, mil propuestas para conseguir el mejor resultado posible. Una de ellas es acudir a la psicología de la Gestalt y trabajar con los 8 principios que significan una de las mayores aportaciones dentro del terreno de la composición fotográfica.

El principal problema de la composición fotográfica es que se pretende, muchas veces, caer en una serie de normas que solo estandarizan la imagen. ¿No os habéis fijado que últimamente todas las fotografías de paisaje son iguales? El famoso triángulo para equilibrar, el primer plano potente, el juego de colores... Las fotografías, es mi opinión, han perdido naturalidad en aras de un neopictorialismo seguido por muchos.

Cada uno es libre de hacer lo que le apetezca. Pero al ver estas fotografías no distinguimos al autor, solo vemos la técnica empleada. Todo es igual. Muy pronto se caerá en la monotonía hasta la siguiente moda que terminará muriendo de la misma forma. Al fin y al cabo la fotografía sigue el mismo curso que las demás manifestaciones artísticas. Y en la época que nos ha tocado vivir tenemos la libertad de seguir el camino que queramos.

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Pero como ya hemos comentado en otras ocasiones, las reglas que tanto proliferan en multitud de artículos y demás vienen de un pequeño libro del siglo XX escrito por Jay Hambidge en 1920. Ahí encontramos la regla de los tercios, la proporción áurea y todo intento de simplificar y facilitar el acceso de las Bellas Artes a toda persona que quisiera ser tenida en cuenta en el mundo del arte. No era más que un manual de recetas para que las cosas salieran bien.

Las reglas de composición

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Las reglas de composición son buenas para empezar. A mucha gente les ha servido en sus comienzos. Es útil saber que si colocamos un objeto en el cruce de cuatro líneas imaginarias el resultado será aceptado socialmente. O que si ponemos tres cosas en la fotografía el resultado llamará la atención en numerosos concursos.

Pero esto es el comienzo, una mera guía de iniciación que debemos olvidar cuando tenemos más seguridad a la hora de mirar a través del visor. La composición se aprende de los maestros, nos tenemos que inspirar en los grandes pintores, en los buenos directores de cine y sobre todo en los fotógrafos que nos gustan.

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Así veremos que las reglas no son más que líneas inventadas para justificar una forma de mirar con un fuerte componente social. Unos serán más clásicos, otros más rompedores. Pero ninguno de los grandes copia a otro. Esas líneas es para intentar hacer lo que hace otro sin aportar nada nuevo. Si es lo que queremos, es perfecto. Pero muchos fotógrafos les gustaría llegar más allá.

Por este motivo lo importante es conocer otra forma de enfrentarse a la composición. Lejos de las reglas impuestas por alguien del siglo XIX que nadie recuerda. Y aquí es donde entra la psicología de la Gestalt y sus principios que podemos imbuir en la fotografía.

Los principios de la Gestalt

Solo sé que no sé nada de la psicología. En sentido literal. Por este motivo siempre viene bien acudir a diversas fuentes. El problema es que muchas veces la ignorancia nos hace buscar en cualquier sitio. Afortunadamente muchas veces podemos acertar. Hay que leer mucho y hablar mucho para saber algo sobre un tema.

Por lo que he leído (y agradeceríamos cualquier aportación) la psicología de la Gestalt surgió como una respuesta contra la tendencia a creer que todo lo que nos sucede puede ser medido y cuantificado. Por este motivo busca la respuesta en las vivencias subjetivas de las personas. Observa su entorno social y su contexto familiar y considera al ser humano como un agente capaz de desarrollarse de forma libre y autónoma.

En este punto, en el que muchos tenemos ya el peligro de perdernos, podemos unir a la Gestalt con las manifestaciones artísticas, con la fotografía. Sobre todo por su relación con la Bauhaus y por extensión con la Nueva objetividad, una de las corrientes fotográficas más importantes del siglo XX. Como dijo Walter Gropius:

Nuestra idea directriz consistía en que el instinto configurador no es algo intelectual ni material, sino parte integrante de la substancia vital de una sociedad civilizada. Nuestra ambición se proponía sacudir al artista creador en su estado de persona ajena al mundo y restablecer su relación con el mundo real del trabajo y al propio tiempo, relajar y humanizar la rígida actitud, casi exclusivamente material, del hombre de negocios. Nuestra concepción de la fundamental unidad de toda configuración, con proyección a la vida misma, estaba en diametral oposición a la idea de “l’ art pour l’art” y la mucho más peligrosa filosofía de donde esa idea surgió, o sea la del negocio en sí.

Podríamos seguir hablando largo y tendido de dicho movimiento. Y más todavía si vemos que tenía relación con la escuela de la Bauhaus. Pero vamos a descubrir los principios que rigen las imágenes y que podemos utilizar para entender cómo funciona la composición. Y todos tienden a la simplificación. y que el todo es mayor que la suma de todas sus partes:

Figura-fondo

La imagen se percibe siempre como un objeto rodeado de un fondo. Por lo tanto la figura principal debe guardar relación con lo que le rodea para que el espectador lo destaque. Es la conocida ilustración del jarrón de Rubin.

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Proximidad

Los objetos de una fotografía tienden a percibirse como parte de un grupo si están cerca uno del otro.

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Principio del destino común

Los objetos se conciben como un grupo si se mueven juntos o siguen una misma línea.

Principio de similitud

Los elementos tienden a integrarse en grupos si son similares entre sí.

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Principio de continuidad

Los grupos tienden a integrarse en conjuntos perceptivos si están alineados entre sí.

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Principio de cierre

Los elementos tienden a agruparse si pueden dar lugar a una figura cerrada.

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Principio de la buena forma

Los elementos tienden a agruparse si son partes de un patrón.

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Principio de experiencia pasada

Los elementos tienden a agruparse si estaban juntos en la experiencia pasada del observador.

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Son 8 principios que pueden parecer obvios a la mayoría de los fotógrafos. Pero si observamos con detenimiento el encuadre podemos tratar de encontrar estos principios para facilitar la percepción y la lectura de la imagen a todos los espectadores que tengan la suerte de verla.

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Todos estos principios no son tan sencillos como las recetas que se dan para componer una imagen. Obligan a pensar, a observar. Y sobre todo a trabajar. Como siempre, tenemos que olvidar algo que siempre nos han hecho creer. La fotografía no consiste solo en dar un botón.

Como es usual en la imagen, las tendencias van y vienen. Durante los últimos años, la fotografía ha estado influenciada de la década de los ochenta y principios de los noventa. Sin embargo, no ha traido consigo el estilo fotográfico de la época, sino que ha tomado elementos de su arte hermana, el cine.

Como muchos otros fotógrafos, he seguido esta tendencia dentro de la exploración de referentes para mi trabajo. Así que en esta ocasión os hablo de los elementos del estilo de los 80’s en la fotografía actual y mi experiencia siguiendo aquel camino.

Los cómo lograr…

Sin lugar a dudas, la mayor influencia del estilo de los 80’s viene del cine de ciencia ficción y el uso de fuentes continuas visto hasta principios de los noventa. Con el nacimiento de una era influenciada por la creciente cultura digital, el mercadeo y las ciudades que comenzaban a llenarse de letreros neones y otras fuentes luminosas, el cine de los ochenta creó una imagen saturada, con exceso de información y colores.

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Esto se ve reflejado en la actualidad en fotógrafos que buscan obtener estas atmósferas. Ya sea dentro del tratamiento de color, para obtener fotografías más misteriosas y con un ambiente retrofuturista. Y otros que han aprovechado el concepto de exponer con luces continuas aprovechando la noche y la carga visual de estos espacios. Esto se ve reflejado en el crecimiento de los fotógrafos urbanos que migran a la noche, tanto para retrato como para capturar las ciudades y los momentos curiosos dentro de ella.

Arrancando con la edición, es donde más se puede ver aprovechado este tipo de influencias. Ya habrán visto tutoriales como el de arriba, donde explican cómo conseguir esta modificación de colores para obtener imágenes estilo ‘cinematográfico’ u ‘ochentero’. Básicamente consiste en seguir un paso similar a nuestro tutorial para conseguir un look teal and orange, pero buscando un duo de colores magenta y cyanes. O también buscando crear colores más ácidos dentro de la imagen.

Estos métodos varían según cómo os guste editar más. Sin embargo es una tendencia que hemos visto en fotógrafos como Liam Wong, de quien hablamos hace un tiempo, y otros como Xavier Portela. Enfocados en la fotografía urbana, los escenarios tienen un estilo similar al de trabajos cinematográficos como el de Christopher Doyle en películas como ‘Fallen Angels’ y 'Chunking Express'.

Por el lado de la toma, las luces LED nos han dado una nueva posibilidad de jugar con luz contínua. Al estilo de la carga retrofuturista, los carteles publicitarios se están utilizando como puntos visuales para crear contraste y acompañar al sujeto. Los haces de luz con la neblina y el humo crean ambientes misteriosos. Con tiras de LED se crean letreros personalizados. Y fuentes inusuales como pantallas de ordenador o televisión se pueden aprovechar para crear retratos llamativos.

Por este camino vemos tutorial tras tutorial de cómo conseguir retratos de onda neón y vemos fotógrafos que aprovechan la neblina y los haces de luz para crear ambientes retrofuturistas, como Andreas Levers, de quien hablamos hace un par de meses. No es de extrañarse que una de nuestras herramientas principales tenga de portada este estilo ochentero.

La vida ochentera

Como algunos fotógrafos, el meterme a esta tendencia hace parte de un paso por la nostalgia de la época. El retrofuturismo es un estilo que me gusta mucho por mi fanatismo a mucho del cine de la ciencia ficción. Desde que estoy metido en el mundo de la imagen, me ha gustado la filosofía detrás del uso de ciertas fuentes, como la de Christopher Doyle y los neones.

Al entrar a explorar la tendencia ochentera, encontré que tiene elementos muy interesantes para experimentar. Por un lado, el trabajar más oscuro obliga a aprovechar y observar mejor el espacio y la luz disponible. Es un buen ejercicio para entrenar el ojo y experimentar el ver el espacio detenidamente, ver cómo distintos tipos de fuentes producen dominantes distintas, jugar con ello y sobretodo salir a recorrer el mundo en horas inusuales. Ahora, quienes tienen cámaras más actuales tienen el beneficio de poder ir a sensibilidades más altas sin ruido, lo que les permite tomar más instantáneas, así que ahora hay menos excusa de explorar la noche.

Pero encontré que mi acercamiento a esta tendencia pasó rápidamente porque no había nada que pudiera narrar verdaderamente con este estilo. El tratamiento de color y las escenas que buscaba eran enfocadas en el efecto de que creía que las fotos molaban, pero poco a poco me fui desencantando y, viendo en retrospectiva, no había un verdadero gusto de mi parte por alterar el estilo para volverlo más personal.

Siento que explorar tendencias puede ser interesante, pues enseña técnicas y procesos que quizás no conocemos. También dan un espacio a reflexionar la estética personal contra los demás seguidores del estilo. Sin embargo, es importante avanzar, así que si exploráis una tendencia tratad de ver si de verdad lográis encontrar algo propio. Si sentís que no lo lograsteis, tal vez lo mejor sea llevarse el aprendizaje y explorar nuevos estilos.

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Imágenes: Sergio Fabara, Captura de pantalla Lightroom CC Classic, Andreas Levers, Liam Wong, Xavier Portela

Canon utiliza elementos DO en algunos de sus objetivos desde finales de los años 90. Ahí es nada. La finalidad de estas lentes es corregir la aberración cromática en los objetivos que las incorporan, y para conseguirlo se apoyan en la difracción, que, como sabéis, es un fenómeno óptico que provoca la curvatura de las ondas de la luz al pasar cerca de los bordes de un objeto.

Todo esto viene a cuento de una nueva patente registrada por Canon que parece describir la arquitectura óptica de un objetivo que incorpora elementos DO, y que, previsiblemente, será un EF 100-400 mm f/4.5-5.6. Desde luego, el esquema de la patente (podéis verlo debajo de este párrafo), tiene muy buena pinta.

Que esta patente describa la óptica EF 100-400 mm que he mencionado no garantiza que este objetivo vaya a llegar finalmente al mercado, pero sí que Canon sigue trabajando para mejorar la corrección de las aberraciones cromáticas de sus objetivos, lo que, sin duda, es una buena noticia. Veremos qué nos deparan en el futuro.

Imagen | Canon
Vía | Egami
En Xataka Foto | Canon ha presentado dos nuevos objetivos zoom ultra angulares: 16-35 mm f/4 y 10-18 mm f/4.5-5.6

En la ciudad de Barcelona tenemos a un grupo de fotógrafos bastante activos y apasionados por la fotografía y cualquier "sarao" que se precie. Se trata de la comunidad Barcelona Photobloggers, donde se juntan usuarios de photoblogs de esta ciudad y que forma parte de la red photobloggers.org, que a su vez incluye otras ciudades como Nueva York, Londres, Los Ángeles o Paris.

El hecho de que los nombremos aquí es porqué están organizando una exposición bastante grande en la que todavía puedes participar. Se trata de Elements y se podrá contemplar online y, atención, presencialmente en el Maremagnum a partir del mes de septiembre de este año.

Agua, madera, fuego, tierra y metal son los cinco elementos con los que la antigua China intentaba dar explicación al universo. En esta exposición se intentará mostrar la lectura que hacen centenares de fotógrafos y fotógrafas del mundo que les rodea bajo el prisma de dichos elementos.

Si lo que te apetece es participar, tan solo debes añadir una fotografía en el grupo de flickr 5 elements y ponerle como tag uno de los elementos nombrados en inglés (water, wood, fire, earth y metal respectivamente).

Recuerda que deben ser fotografías horizontales y a mayor resolución, mayor tamaño de la impresión que colgará de las paredes del Maremagnum.

Tienes tiempo hasta el 15 de agosto, de modo que no te duermas. Y no olvides tampoco leer bien las bases para poder participar y como siempre deberías hacer, los términos y condiciones de uso.

Más información | Barcelona Photobloggers | Términos y condiciones