Ser capaz de realizar una correcta composición es sin duda algo fundamental para conseguir buenas fotografías y uno de los desafíos más importantes a los que se enfrentan los novatos que se aprestan a formarse en este arte. Y aunque existen una serie de reglas y conceptos a seguir, lo más importante es la práctica, equivocarse y volverse a equivocar para acabar aprendiendo. Por eso, no está de más revisar esos pequeños errores típicos de novato pero que ninguno estamos exentos de cometer de vez en cuando.

Está claro que la fotografía no es una ciencia exacta (ni mucho menos) y que las reglas y los principios de composición sólo deben entenderse como puntos de partida y nunca como principios absolutos. De hecho, incluso aunque las conozcamos al dedillo seguirlas nunca nos va a garantizar crear una gran fotografía. Pero además hay algunas pautas que normalmente no tienen nada que ver con las reglas establecidas académicamente y que generalmente no se mencionan.

Foto de Nestor Ferraro

Se trata de unas “reglas” que normalmente evitan que se cometan ciertos errores más o menos simples de composición. Unos errores de los que todos hemos pecado en algún momento, ya fuera por inexperiencia, desconocimiento, prisa o dejadez. Aunque son más típicos de los novatos cualquiera puede cometerlos, aunque si atiendes a lo que te vamos a explicar a continuación es posible que puedas evitarlos.

Sujeto demasiado centrado

Es un error muy típico del novato y que se produce especialmente en fotografía de retrato. Se trata de situar el elemento principal de la imagen exactamente en el centro, con el fin de otorgarle el máximo protagonismo. Lo malo es que esto muchas veces no funciona y lo que realmente se consigue es quitar interés del sujeto o componer una imagen aburrida.

Foto de Danny Chapman

En esos casos es mejor situar al sujeto a un lado de la imagen, por ejemplo en uno de los ejes verticales que se formarían según la regla de los tercios. Por supuesto esto no quiere decir que nunca puedas colocar al protagonista en el centro, más bien que debes pensar antes si esto va a ser lo más conveniente y probar distintas opciones.

Doble tema

Como norma general, una foto tiene que tener un único elemento principal, un protagonista que debe tener mayor peso visual en la fotografía. Pero puede ocurrir que efectivamente lo haya y que, sin embargo, resulte eclipsado por otro elemento que se sitúa en un plano cercano y reste protagonismo haciendo que la mirada del espectador se confunda. Un ejemplo muy típico es la foto que muchas veces hacemos de alguien con algún elemento “interesante” de fondo, como puede ser una bonita cascada.

Foto de Kārlis Dambrāns

Depende como compongamos la imagen no quedará muy claro cuál es el sujeto principal de la foto, ambos competirán por ello y harán que el ojo del espectador no sepa bien a qué atenerse. Para evitarlo hay varias posibilidades, la mejor es hacer que ambos temas no compitan situando claramente al principal por delante, tapando en parte al otro y, idealmente, desenfocándolo.

Sin un tema principal

Del mismo modo que no es bueno que haya más de un sujeto principal en una foto tampoco lo es que no exista ningún centro de interés. Se trata de que haya un elemento que capte la atención del espectador y evite que la mirada vague por la imagen sin encontrar ningún atractivo, haciendo que resulte insulsa y aburrida.

Foto de Jussie D.Brito

Esto es muy típico de los paisajes de lugares idílicos pero en los que no hay un elemento destacado como podría ser un animal, una cabaña o un árbol algo diferente. Evitar caer en este error suele ser sencillo, aunque a veces sea inevitable, porque no es difícil que se nos olvide si lo que estamos contemplando es muy bello.

Horizonte mal nivelado

Una línea del horizonte torcida es otro de los errores típicos de los novatos pero que nos puede pasar a cualquiera por una simple distracción. Salvo que lo hagamos a propósito y con alguna intención específica, es algo que suele quedar fatal y que debe cuidarse para evitar dar la impresión de una foto descuidada.

Foto de jojo nicdao

Normalmente es algo que se puede arreglar en postproducción, pero sin duda es mejor que nuestras fotos estén bien niveladas de partida. Por cierto, recuerda también que el centro de la imagen no es el mejor sitio para situar la línea del horizonte salvo que (una vez más) lo hagas intencionadamente por algún motivo.

Tangentes que “cortan”

Las líneas en fotografía son uno de esos elementos básicos clave para las fotos, sobre todo para dirigir la mirada del espectador y dar profundidad a la imagen, pero a veces resultan contraproducentes. Es el caso de una imagen en la que el sujeto principal resulta “cercenado” por líneas que pasan por detrás de él y confunden la mirada del espectador.

Foto de David Lee

Podrían ser las líneas verticales de árboles o edificios situados en el fondo (como en la foto de arriba), o líneas horizontales que se suceden por efecto de una pared u otro elemento. Incluso una línea del horizonte mal situada puede hacer que el sujeto parezca cortado, haciendo que la composición general sea confusa.

Fondo incorrecto

Parece mentira lo que puede cambiar una foto dependiendo del fondo que aparezca en ella. Especialmente en el caso de un retrato, en el que no hay nada peor que un fondo que distraiga del sujeto; por eso, como norma general nunca se debe fotografiar a alguien delante de elementos que distraigan la atención del espectador.

Foto de Anina Rüegsgger

En este artículo ya te contamos cómo mejorar el fondo de tus retratos pero te recordamos los principios básicos: Elegir un fondo exento de objetos que distraigan, con un color adecuado al sujeto principal y, si es posible, desenfocado.

Punto de vista erróneo

Éste es otro de esos errores de los que no está libre ningún fotógrafo, incluso aunque tenga experiencia, dado que es más una cuestión de actitud. Como sabréis, elegir un punto de vista adecuado para una toma concreta es una de las primeras labores a realizar a la hora de componer, pero a veces nos da pereza movernos y nos limitamos a hacer zoom con el objetivo para encuadrar.

Foto de Susanne Nilsson

En el caso de un novato puede ocurrir por inexperiencia pero en el de un fotógrafo avanzado también ocurre por simple pereza. Un ejemplo muy típico de esto se da en la fotografía de mascotas, donde a menudo se realizan tomas de pie sin darnos cuenta de que la mejor perspectiva para fotografiar a un perro o gato es agachándose para estar a su altura.

Ceñirse demasiado a las reglas

Por último, como decíamos, las reglas de composición son útiles e importantes pero no son inamovibles. De hecho, lo ideal es conocerlas y practicarlas para ser capaces de evaluar cuando ceñirse a ellas y cuando es mejor romperlas.

Foto de LaVladina

Por ejemplo la siempre recurrente regla de los tercios que puede ayudarnos a equilibrar una imagen o también puede hacer que ésta sea monótona. O la repetición de patrones, que puede hacer que nuestra imagen tenga armonía pero también que resulte aburrida si no hay nada que rompa el ritmo de la foto, como un sujeto principal, y le aporte interés.

En definitiva, existen muchos errores que suelen ser típicos de los aprendices de fotografía pero que también puede cometer cualquiera, incluso un fotógrafo con mucha experiencia. Por eso hemos querido apuntar algunos de ellos para intentar que todos estemos más atentos la próxima vez que vayamos a componer una imagen.

Foto de Natalie Alvarado

¿Y tú qué opinas? ¿Qué errores te parece que se comenten más a menudo? ¿Hay alguno que te moleste especialmente? ¿Se te ocurre alguno que no hayamos mencionado? Como siempre agradecemos tu participación a través de los comentarios.

En Xataka Foto | 31 errores habituales en fotografía de viajes y cómo evitarlos

Foto de portada | Jim Makos

¿Qué fue antes el huevo o la gallina? Esta es una expresión muy acertada al hablar del lenguaje audiovisual que coexiste con el fotográfico y con el que comparte mucha terminología.

Aunque la fotografía fue anterior al cine y al vídeo, el desarrollo de estas dos disciplinas trajo consigo técnicas que necesitaban un nombre. Para alguno de ellos se reutilizaron los conceptos que ya se manejaban en pintura, pero otros se renombraron. Repasamos los conceptos básicos.

Encuadre

Tanto en el lenguaje audiovisual utilizamos este nombre para el acto que pretende que las imágenes transmitan de forma clara el significado que se pretende y con la energía e intensidad que necesitemos.

Pero para que el encuadre no sea un batiburrillo tanto en imagen fija como en vídeo y cine tenemos que tener en cuenta una serie de normas estéticas. En ambas disciplinas para las normas que rigen dentro del encuadre hablaremos de: composición, regla de los tercios, psicología de color, el campo de visión, el aire, el fondo y la profundidad de campo. En vídeo y cine habría una norma más que corresponde a todo aquello que estando fuera del campo de visión son imaginariamente perceptibles por el espectador.

Plano

En el lenguaje cinematográfico y de vídeo, el plano es la perspectiva de personajes y objetos tal y como los capta la cámara desde un punto determinado, mientras este lugar desde el que se hace la toma no se modifique se habla de un mismo tamaño de plano.

Compartido bajo licencia Creative Commons por Zigmej en Wikimedia Commons

En fotografía este concepto se ha ido extendiendo con el paso del tiempo, tanto por la influencia del cine y el vídeo como por las nuevas tecnologías. En ambas disciplinas hablaremos de tamaño de planos para referirnos al Gran plano general, que usaremos cuando el sujeto no es visible y el entorno es el que da información.

Plano general, muestra el entorno y aquí ya se puede adivinar o ver al protagonista de la historia o de la imagen.

Plano entero que muestra la figura entera del modelo, protagonista o personaje que queremos mostrar.

Plano americano, también llamado plano medio largo. Aquí ya el entorno empieza a no tener tanta importancia. En fotografía es un plano poco agradecido, a menudo puede dar la sensación de "mutilación".

Plano medio, para ir acercándonos al protagonista cerraremos un poco el cuadro y describiremos desde la cabeza hasta la cintura.

Primer plano muestra el rostro, llega hasta los hombros y nos ayuda a conocer más al protagonista.

Primerísimo primer plano nos acercamos más todavía. En cine se usa como un plano muy descriptivo que quiere hacer hincapié en algo concreto dentro de una escena. En fotografía tiene una intencionalidad más estética.

Plano detalle se usa más en cine y vídeo, se trata de un plano que llama la atención del espectador, generalmente se trata de un objeto.

Otra forma de clasificar los planos es según la angulación de la cámara: Hablamos de ángulo normal cuando la cámara está situada a la misma altura que los ojos del personaje. Ángulo picado, también llamado en cine y vídeo "vista de pájaro" es la que sitúa la cámara por encima de la mirada; desde arriba hacia abajo. Contrapicado es un plano contrapuesto al anterior y es el que situando la cámara por debajo de la mirada nos hace mirar de abajo hacia arriba. El plano cenital es el que se consigue situando la cámara completamente encima del objeto fotografiado, en su vertical. Un plano poco conocido es el Nadir, para conseguirlo hay que situar la cámara debajo del sujeto u objeto a fotografiar.

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La siguiente angulación de la cámara suele entenderse más en cinematografía o vídeo, también se usa en fotografía pero corremos el riesgo de que parezca que no se ha hecho a propósito, se trata de la inclinación lateral, también llamada aberrante, que tal y como indica su nombre hará que las imágenes aparezcan inclinadas, a menudo esto se usa para imprimir valor expresivo a la toma, por ejemplo de inestabilidad.

Los planos según el movimiento de cámara se entienden de manera más natural en el vídeo y el cine, pero algunos nombres son comunes en ambos casos y se consiguen los mismos resultados: Panorámica horizontal o vertical, otros tipos de panorámicas como la de balanceo, la descriptiva o la dramática son recursos más propios del cine y el vídeo. Dentro de los planos que podemos hacer gracias al movimiento de la cámara se encuentran los populares tráveling, que en fotografía no se utilizan como tal.

Los movimientos ópticos son recursos que empleamos en ambas disciplinas, sobretodo dos: el zoom y el desenfoque y que nos sirven para conseguir encuadrar o componer el plano utilizando el objetivo como herramienta principal.

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Concepto de continuidad

Aunque suene muy pedante no se me ocurre una manera más simple de explicar que la continuidad, en cine y vídeo, consiste en asegurar la coherencia espacio temporal de un plano con el siguiente y en fotografía esto solo tiene sentido en series fotográficas muy concretas de moda, publicidad o para conseguir generar ciertas ilusiones visuales.

Para generar la sensación de continuidad entre varias fotografías hay que cuidar el contenido de la imagen, por ejemplo que no cambie el peinado, los objetos que decoran la escena. Es muy importante la continuidad en la iluminación, no hacerlo puede dar la sensación de que hemos cambiado de serie aunque esa no sea la intención.

Imagen de portada | Cristiano Sabbatini

En Xataka Foto | Principios básicos sobre el encuadre y la composición fotográfica

Fotos | Chema Sanmoran

Conseguir una buena composición en nuestras fotografía no es sencillo. Para muchos ese es el don del fotógrafo, ver de forma diferente al resto y ser capaz de captarlo para compartir con el resto. Punto más importante que la propia técnica pues hay quienes efectivamente conocen al dedillo cómo conseguir el mejor enfoque, la mejor luz, la apertura perfecta,… pero carecen de la maestría para hacer una imagen perfecta, independientemente de la cámara usada.

Obtener una buena composición requiere tiempo y experiencia. Aún así siempre hay algunas reglas o consejos que suelen ayudar a ir adquiriendo esa maestría. La primera de todas es la sencillez. No necesitamos elementos superfluos que nos devie la atención, que no aporte nada a lo que queremos contar. Por ello, elimina del plano todo lo que no sea necesario.

Cuida el fondo. Creo que no hace falta decir mucho más. Ya se ha hablado y expuesto por qué un fondo equivocado puede arruinar una gran foto. Para ello, para solucionar problemas con el fondo, como habrá ocasiones en los que no podremos girar o buscar el podremos jugar con la profundidad de campo y conseguir así un desenfoque que evite distracciones.

Fotografía de Moyan Brennn

Utiliza las guías o patrones que te ofrece el escenario. El ejemplo más clásico de ésto es la típica fotografía donde una carretera nos marca el sentido de la mirada, el punto de interés hacia el que irá nuestra mirada. Si queremos que el punto de interés sea uno en concreto tendremos que cuidar este detalle.

Encuadra, enmarca con los propios elementos del entorno. Una ventana abierta, una reja, etc hay miles de elementos que pueden servir para encuadrar, para usar como marco dentro de nuestra fotografía. Esto nos ayuda a dirigir al espectador y dar mayor fuerza.

Son aspectos sencillos, que todos deberíamos tener en cuenta y sobre todo los más novatos. Ya habrá ocasiones en las que la mala fortuna hará que por mucha planificación se te cruce en el camino algún imprevisto. Esperemos eso sí que no sea como nuestro desafortunado compañero quien se ganó una popularidad inesperada al fastidiar un momento irrepetible.

Fotografía de portada | Keith Smiley En Xataka Foto | El plano holandés, apuntando en diagonal

Hace unos días os mostré un pequeño esquema visual sobre algunas reglas básicas a la hora de componer retratos. En él os comentaba que, para aquellos que estuvierais comenzando era un buen punto de partida para conocer las reglas básicas, para posteriormente poder romperlas a nuestro favor.

En este caso os dejo un vídeo más genérico, en el que se habla de la composición y el encuadre fotográfico; como afecta a la visualización e interpretación de la imagen, al igual que lo que puede llegar a transmitir los elementos de la escena según en que zona los coloquemos de la imagen.

Aspectos como, el color, tipología de masas, formas, etc... son importantes también en todo esto. Todo ello bajo la premisa de la regla de los tercios (regla establecida a través de la Sección áurea o la divina proporción)

Sitio Web | YouTube

Nos preguntaba un lector en el último timelapse de la semana sobre las diferencias entre esta técnica y un vídeo con el tiempo acelerado. No es una pregunta trivial en absoluto, y son las capturas nocturnas donde más claramente podemos ver una de las muchas posibles respuestas: mientras que en un vídeo cada imagen tendrá un tiempo de exposición corto, las fotografías individuales de un timelapse pueden tener exposiciones mucho más largas, permitiendo efectos de estelas de movimiento.

Para esta semana hemos seleccionado un trabajo hecho en Budapest por Peter Dancsó, un realizador húngaro, que nos da bastantes pistas sobre cómo hacer más interesante este tipo de trabajo, además del uso de las ya mencionadas largas exposiciones.

Por ejemplo, es interesante el uso del enfoque selectivo, haciéndolo siempre que sea posible en la propia captura. En este caso me temo que no siempre ha sido así, ya que algunos que no aparecen son demasiado naturales, incluso haciendo uso de la enorme apertura del Sigma 30mm f/1.4 utilizado.

Tampoco hay que olvidar las técnicas propias del vídeo, que al fin y al cabo es el lenguaje en el que nos movemos. Dancsó, por ejemplo, utiliza composiciones de dos, tres y hasta dieciséis tomas simultáneas para ofrecer más información sin hacernos perder el interés.

Por último, no olvidemos que la resolución de la cámara es mucho mayor de la necesaria para el vídeo, así que siempre se pueden hacer reencuadres o travellings ficticios dentro de la imagen en el postproceso, sin demasiada pérdida de calidad.

Con esta filosofía, y eligiendo con mimo el encuadre (usando elementos estáticos y en movimiento para componer), podemos lograr resultados muy espectaculares con un equipo relativamente económico: una Canon 550D, con un telezoom 18-135mm y el mencionado Sigma 30mm f1.4 fueron suficientes.

En Youtube | Budapest Timelapse 2011 | Budapest Timelapse 2010
Fotógrafo | Peter Dancsó

Hace ya un par de añitos, que Mario Ximenez, uno de nuestros antiguos compañeros, nos dió algunos consejos para hcaer fotografía macro en el campo. En este caso, vamos a ir un poco más allá y nos centraremos única y exclusivamente en las flores.

Para ello vamos a ver nueve consejos para hacer buenas fotografías a las flores. Estos consejos se basan en el uso de las técnicas básicas que la mayoría de nosotros conocemos, pero que a la hora de ponernos a hacer las fotos, es muy posible que obviemos o olvidemos.

<h2>¿Qué objetivo uso?</h2>

Lo ideal para hacer fotografías a las flores es disponer de un objetivo macro, que nos permita enfocar a una distancia muy corta de las flores, de esta manera, llenarán todo el encuadre y serán unas fotos muy interesantes. Con estos objetivos, se consiguen fotografías que solo ellos pueden realizar, de ahí la importancia que tienen.

También tenemos que decir, que los objetivos macro, tienen una profundidad de campo bastante pequeña, de modo que un pétalo en primer plano de la misma flor puede estar enfocado, mientras que un pétalo en segundo plano estará totalmente fuera de foco. Además, ya que los objetivos macro acostumbran a tener una distancia focal bastante elevada, es indispensable usar trípode y disparador remoto para no mover la cámara ningún mísero micrómetro.

<h2>No solo se puede usar un objetivo macro.</h2>

Aunque no todo es un objetivo macro, ya que también se pueden hacer fotografías a las flores con un objetivo zoom. Simple y llanamente por dos razones: gracias al zoom en muchas ocasiones podemos llenar el cuadro con la flor y también es fácil tener el fondo desenfocado.

Sin embargo, existe un artilugio llamado Canon Close-Up Lens 500 D, que tiene toda la pinta de un filtro típico y de lo más normal (aunque lo sea), que se añade igual que un filtro y que además, Canon tiene disponible una versión también para Nikon. Este “cristalito” o filtro permitirá disminuir la distancia mínima a la que un teleobjetivo acostumbra a enfocar. El punto en contra, es que algunos generan alteraciones en las imágenes capturadas, como por ejemplo aberraciones y es solo en los más caros, que gracias a estar formados por dos cristales reducen de manera drástica las aberraciones.

<h2>Usa los ángulos creativamente</h2>

Es interesante no hacer fotografías a las flores en picado, ya que así es como normalmente las vemos los seres humanos. Esto hará las fotos muy poco interesantes. Para remediarlo, es perfecto agacharse, tirarse al suelo o colocar la cámara sobre un trípode pequeño, de manera que tendremos unos encuadres totalmente distintos, que darán importancia y vistosidad a nuestras imágenes.

<h2>Captura toda la escena</h2>

¿Una flor o muchas flores? En ocasiones, tendremos delante un campo de ellas y también puede ser interesante fotografiarlas a todas. Capturaremos un mar de flores que con un ángulo correcto, parecerá infinito. Un campo de girasoles sería un ejemplo perfecto.

Sin embargo, también es perfecto añadir algún otro elemento a la fotografía, haciendo que éste esté en segundo plano y desenfocado. Obviamente, el protagonismo sería para nuestra flor, que tendríamos totalmente enfocada.

<h2>Flores con fondos blancos y negros</h2>

En los apartados anteriores, ha quedado claro que es muy importante el fondo que tenga nuestra foto y es por ello que con fotos en interior siempre es interesante colocar un fondo blanco o negro. Los fondos blancos, darán la sensación de que nuestra fotografía es un poster y los fondos negros aportarán un dramatismo extra sobre las fotos.

<h2>La luz perfecta en interiores</h2>

Las flores son muy generosas a las luces ténues y suaves, de modo que en interior, es perfecto usar la luz natural proporcionada por una ventana a la que no le de el sol de manera directa. También, podemos usar un reflector a la hora de rellenar las sombras creadas por la luz procedente de la ventana.

<h2>Parar el viento</h2>

Si estás en el exterior, tendrás un enemigo natural al que enfrentarte, el viento. Puede llegar a ser muy frustrante tener el foco hecho, la cámara colocada con el encuadre que buscamos, etc y que a la hora de disparar la cámara para tomar una foto, el viento haga acto de presencia destrozando la toma.

Es algo que especialmente tendremos si tenemos montado en la cámara un objetivo macro. Las soluciones pueden ser varias, una sería probar el viejo truco de bloquear el viento con nuestro cuerpo o mano, pero lo que realmente acaba siendo más aconsejable, es poner la cámara en el modo de prioridad a la velocidad y ajustar la velocidad a al menos 1/250 de segundo (o más rápido, si es necesario) y esto ayudará a congelar el movimiento.

<h2>Cuando hacer fotos a flores</h2>

Podríamos decir que tenemos tres épocas buenas para hacer fotos a las flores:

• Un día nublado, con el cielo totalmente encapotado, ya que las sombras serán más suaves como consecuencia de que el sol estará tapado por las nubes.

• Justo después de que haya llovido, sobretodo porque el cielo seguirá nublado y las flores tendrán sobre sus pétalos las gotas. Hay que tener cuidado con nuestro equipo, por si vuelve a llover, pero en este momento, las flores tendrán los colores más vivos que nunca y si lo hacemos con un objetivo macro, aún será mejor.

• Si sales en un día soleado, intenta que estas fotos sean disparadas por la mañana bien temprano, o por la tarde, cuando el sol empiece a ocultarse. Colocados a contraluz, con la flor tapando el sol, los rayos de sol iluminarán los pétalos .

<h2>Si no llueve, créala tú</h2>

Hace tiempo, en un artículo que publiqué, en referencia a accesorios fotográficos muy baratos, comenté el uso de un disparador en spray lleno de agua que podríamos llevar con nuestro equipo fotográfico, precisamente para aquellos días en los que no llueva y queramos añadir unas gotas de agua a los pétalos de la flor que pensamos capturar.

Simple y sencillo, pero conseguiremos algunas fotografías impresionantes con este truquito.

Fotos | trebol-a, ! T.a.b.ú], mhaller1979 y @Michael.
En Xataka Foto | Macro

Foto: Sergio Marcos, de nuestro grupo de Flickr

Si habéis llegado a la fotografía en los últimos veinte años, es posible que nunca hayáis tenido un objetivo fijo. De hecho, muchos pueden verlos como algo del pasado, que sólo tiene sentido por algún cierto encanto “vintage“ para los nostálgicos. Si esa es vuestra opinión, no podéis estar más equivocados.

Un objetivo fijo es una excelente alternativa para cualquier fotógrafo, permitiendo explorar nuevas posibilidades a los novatos, y mejorar sus resultados a los más expertos, amén de una serie de ventajas adicionales muy interesantes.

Menos tamaño y peso

Aunque ahora estamos acostumbrados a ellos, los zoom nos parecen los objetivos normales, pero en su día supusieron un esfuerzo de diseño y construcción debido a su complejidad. Un fijo siempre tendrá un diseño más simple, con un menor número de elementos, lo cual permite reducir bastante su tamaño.

Foto: André Delhaye, de nuestro grupo de Flickr

Así, un 24mm y un 70mm juntos, por ejemplo, ocuparán menos espacio en la mochila que un 24-70mm equivalente (comparando a igualdad de luminosidad y prestaciones), aligerando peso en el cuello y la espalda, y permitiéndonos llevar el equipo en lugares y ocasiones en las que antes prescindiríamos de él.

Menos precio, y a veces mucho menos

Foto: Sara Cuadrado, de nuestro grupo de Flickr

Un diseño más simple también permite ahorrar en costes de fabricación, y eso se traduce en unos precios más asequibles. Un 50mm autofocus con una apertura del orden de f/1.8 se puede encontrar nuevo en la mayoría de las monturas por poco más de cien euros, mientras que un zoom luminoso básico se dispara fácilmente a los 400 euros o más, salvo alguna excepción puntual.

Si ya hablamos de objetivos antiguos manuales, podemos encontrar auténticas joyas por precios de risa. Comprando por pocos euros un adaptador de rosca M42, por ejemplo, tenemos al alcance objetivos luminosos y de bastante calidad para cualquier focal, por muy poco precio.

Menos profundidad de campo

Foto: Javier Yanes, de nuestro grupo de Flickr

Ya sabemos que a medida que abrimos la lente vamos disminuyendo la profundidad de campo. Un zoom de kit rara vez tiene una apertura mayor a f/3.5 en la parte angular y f/5.6 en el extremo opuesto, mientras que la mayoría de las lentes fijas abren al menos a f/2.8.

Tener estas aperturas, en una cámara con un sensor relativamente grande (como el que tiene cualquier reflex o EVIL actual, en mayor o menor medida) permite trabajar con enfoque selectivo con unos resultados imposibles de conseguir con un objetivo más lento (léase “con una apertura máxima menor”).

Si combinamos esta característica con otras que faciliten una profunidad de campo pequeña (sujetos cercanos, distancias focales grandes, sensores de gran tamaño, etc.), las posibilidades creativas serán mucho más gandes.

Menos problemas con poca luz

Foto: David Campillo, de nuestro grupo de Flickr

Cada paso de exposición completo en la apertura compensa un paso de exposición en velocidad o en ISO. Así, cuando la luz flaquee nos evitaremos subir estos dos parámetros si podemos compensarlos con un objetivo luminoso.

También, si tenemos en cuenta que un objetivo rinde mejor (en cuanto a calidad de imagen y falta de aberraciones), como norma general, a uno o dos pasos de exposición de distancia de sus aperturas máximas y mínima, veremos que un objetivo que abra hasta f/1.4 hará mucho mejores fotos a f/4 que uno que tenga esta última como apertura máxima.

Hay que tener en cuenta, en cualquier caso, que el punto anterior (menor profundidad de campo) sigue siendo cierto, así que si abrimos mucho la lente para poder hacer fotos de noche, limitaremos también el tamaño del área enfocada. Como siempre, tendremos que encontrar un equilibrio está todos los parámetros dentro de las posibilidades que nos de la escena.

Menos limitaciones de las que piensas

Foto: David Campillo, de nuestro grupo de Flickr

No podemos negar que un zoom todoterreno nos permite cambiar por completo, con un giro de muñeca, el tipo de fotografía que realizamos. Con una focal fija, en cambio, tendremos que andar adelante y atrás para lograr el encuadre buscado, lo cual no siempre es cómodo ni posible.

Esto, en cualquier caso, puede tener efectos positivos para nuestra formación como fotógrafos, ya que a veces tendremos que buscar la fotografía en condiciones distintas a las ideales, forzando nuestra creatividad y analizando nuevas maneras de capturar la imagen.

También, y en el caso de los objetivos manuales antiguos, la rueda de aperturas puede ser una máquina de tortura para los más nuevos, pero una bendición para los que sepan apreciarla. Si trabajamos en modo de prioridad a la apertura, una rueda dedicada puede ser la mejor manera de controlar este parámetro.

Por último, no hay que perder de vista que un diseño con menos elementos minimiza las posibilidades de tener problemas o fallos en un futuro.

Sumándolo todo, yo no lo dudaría: si no tienes ninguna focal fija, y puedes permitirte esa mínima inversión, hazla. Tienes mucho que ganar, y arriesgarás menos dinero que comprando un zoom equivalente.

Foto de eljuampa

En alguna ocasión anterior, hemos podido disfrutar de algunos consejos sobre fotografiar en esta estación del año tan colorida y bonita para la fotografía. Pero en este caso, vamos a daros unos consejos para hacer fotos a las hojas de los árboles.

Esta claro que no es la primavera, donde las flores y los árboles están en su mejor momento, pero los tonos anaranjados y rojizos predominantes en los paisajes otoñales pueden dar mucho juego.

Aunque no se trata de una tarea excesivamente complicada, unos consejos o ideas a la hora de ponernos con la práctica nunca vienen mal:

• Una de las mejores horas para hacer fotos a las hojas es por la mañana temprano. La luz cálida del amanecer nos proporcionará unos colores muy intensos en las hojas. Si además tenemos la suerte de que caigan algunas gotas de lluvia, podemos mejorar mucho las capturas con un toque muy fuerte de realismo. También podemos valernos para humedecer las hojas, de una botellita con un disparador en spray que tal como ya comentamos, son muy económicas.

Foto de bea&txm

• En los bosques, los rayos del sol incidirán entre los árboles con un cierto ángulo que nos darán una luz muy interesante. Podemos usarlos para hacer contraluces a través de las hojas, o directamente, un contraluz en el que tengamos como escena el bosque. La luz del sol también la podemos usar como fuente de iluminación para una hoja, que colocaremos justo en el lugar que tengamos iluminado.

• Usa distintas perspectivas para conseguir encuadres diferentes y más sugerentes. El ojo fotográfico es primordial a la hora de encuadrar. Un contrapicado o tirarse al suelo pueden ser buenas ideas para buscar esos encuadres.

• Usa un flash para rellenar las sombras. La compensación de exposición del flash te permitirá ajustar la cantidad de sombra generada por las hojas. En este caso, el prueba/error es muy efectivo, lo mejor es probar distintas compensaciones hasta que estés contento con los resultados obtenidos.

• Enfoca a la hoja, y desenfoca el fondo. Los bokeh es una estupenda técnica fotográfica que en este caso, además quedará estupendo dando el protagonismo a una hoja. También podemos probar a enfocar un árbol y desenfocar el resto del bosque.

Consejos servidos, ahora es momento de coger vuestra cámara y salir a sacar fotos. La creatividad será tu aliada en todo momento.

En la galería de fotos, tenéis la posibilidad de ver algunas fotografías estupendas en las que están presentes los consejos que hemos comentado en el artículo. Incluso la mezcla de alguno de ellos

Vía | Beyond Megapixels
Fotos | Eduardo Mueses, fainmen, Adri porteña.
En Xataka Foto | Otoño

Siempre se habla de que debemos esforzarnos al máximo para hacer las fotos en el momento del disparo y dejar el mínimo trabajo posible para el postporcesado.

Muchas veces ponemos el mayor empeño en medir bien la luz, realizar un enfoque correcto y utilizar unos parámetros adecuados y dejamos para luego el tema de la composición, total, un ligero recorte o reencuadre en el postproceso no es pecado y se hace muy fácilmente.

Pues sí, es cierto, pero también es cierto que si hacemos un reencuadre en el que necesitemos girar nuestra imagen, ésta perderá algo de detalle por el camino. Vamos a verlo con unos sencillos ejemplos.

¿Qué me estás contando?

Eso decía yo hasta que me decidí a hacer las pruebas y verlo con mis propios ojos. Es tan fácil como abrir cualquier fotografía en nuestro programa de edición habitual y hacer un zoom lo suficientemente potente como para que nos permita ver la imagen pixelada.

Ahora nos vamos a una zona de la imagen que tenga un contraste fuerte de líneas o colores, donde se vean bien diferenciados los píxeles de uno u otro color:

A continuación duplicamos la imagen, para poder compararla, que si no no tiene gracia, y vamos a la herramienta rotar y le damos un valor de 45 grados. Ampliamos la imagen a la misma escala que la original y las comparamos:

Podemos observar claramente que en la segunda imagen los bordes están mucho menos definidos por lo que estamos perdiendo nitidez en la imagen.

No siempre pasa

Pero esto no ocurre siempre, cuando hacemos un giro de 90, 180 ó 270 grados de una sola vez, la imagen se ve sin ningún tipo de alteración en su nitidez sobre el original:

en esta imagen se han hecho cuatro rotaciones de 90 grados y la calidad sigue siendo exactamente la misma que en el original

Y alguien puede decir: vale, entonces vuelvo a girar la imagen los mismos grados en sentido contrario y la dejo como estaba… o: vale, entonces completo el giro de la imagen hasta llegar a los 90 ó 180 grados y asunto arreglado…

Pues no es así, ya que la imagen cuando se rota en un ángulo que no sea múltiplo de 90 grados, se degrada irremediablemente y aunque luego la reposicionemos al origen o le sumemos otra para conseguir los 90º, no volverá a tener la misma calidad que al principio:

la imagen de la izquierda se ha obtenido haciendo dos giros consecutivos de 45º, mientras que la de la derecha se ha hecho con una sola rotación de 90º

El ejemplo lo deja bien claro, ¿no?

¿Cuál es la causa?

Pues la causa de este efecto no es otra que la interpolación. Interpolar es, según el DRAE: Calcular el valor aproximado de una magnitud en un intervalo cuando se conocen algunos de los valores que toma a uno y otro lado de dicho intervalo. Y esto es lo que ocurre cuando se gira una imagen, que el programa debe “inventarse” píxeles nuevos que no estaban en la imagen original y en consecuencia se pierde calidad de imagen.

Espera un momento, pero si yo sólo he girado la imagen sin tocar el tamaño, se supone que una imagen se interpola cuando se cambia el tamaño y hay que rellenar los píxeles que faltan…

Pues es cierto a medias, la imagen no ha cambiado de tamaño, pero ¿qué ha ocurrido con los píxeles?

Los píxeles son cuadrados que están perfectamente alineados con los bordes en la imagen original, ancho y alto. Al ser cuadrados si los giramos 90 ó 180 grados siguen teniendo los lados alineados con los bordes de la imagen. Pero si el ángulo de giro es distinto de un múltiplo de 90 grados, los píxeles cuadrados originales adquirirían un ángulo imposible ya que sus lados tienen que seguir siendo obligatoriamente paralelos a los bordes de la imagen.

Entonces loS píxeles originales son obligados a reposicionarse y para completar la imagen el programa interpola y genera nuevos píxeles similares a los que tiene más cerca. El resultado es bastante parecido al original, pero si lo observamos ampliado vemos claramente que los bordes han perdido la nitidez inicial y se ven más difuminados.

Tampoco hace falta que juremos no volver a girar una imagen en nuestra vida fotográfica, pero esta puede ser una excusa más para esforzarnos a la hora de tomar la fotografía e intentar dejarla lo más perfecta posible antes de meternos con el procesado.

Es probable que me repita mucho y resulte un poco pesado a veces, pero creo que una de las partes más importantes y más difíciles de la fotografía es la composición. Conozco algunos fotógrafos que tienen una facilidad pasmosa para acertar con la composición adecuada para cada fotografía y no me avergüenza nada confesar que siento algo de envidia sana, ya que a mí me cuesta bastante trabajo y tengo que hacer un esfuerzo en cada foto.

La parte buena es que, los que no tenemos ese don, podemos aprender a componer mejor siguiendo una serie de sencillas pautas , por lo menos a mí me ha servido para ir aprendiendo algo que luego intento poner en práctica:

Teoría, aprender las reglas básicas de composición

Estamos de suerte ya que es un tema del que se habla mucho. Si somos lectores asiduos de alguna revista especializada en fotografía, nos habremos dado cuenta que de vez en cuando viene algún artículo referido a la composición. Del mismo modo, en cualquier libro de fotografía general que se precie deberíamos encontrar algún capítulo dedicado a este tema tan importante y si queremos profundizar un poco más podemos buscar alguno de los títulos específicos sobre encuadre y composición fotográfica que hay en el mercado editorial.

Si cae en nuestras manos algún libro de arte, también podemos buscar si trata el tema de la composición y veremos que las reglas que se usan en la composición artística de un cuadro son igualmente válidas para componer una fotografía.

Análisis, ver fotos y analizarlas con detenimiento

Es hora de empezar a ver si hemos asimilado algo de lo que hemos leído. Miremos fotos con detenimiento y veamos si esas fotos cumplen alguna de las reglas básicas que hemos aprendido. Este ejercicio se puede hacer en común con otros compañeros de afición, así podremos compartir distintos puntos de vista, en definitiva ver por otros ojos. Los foros de crítica fotográfica pueden ser buenos aliados, pero tendremos que tener mucho cuidado con las opiniones a las que hacemos caso, no todo el mundo sabe todo lo que dice ni dice todo lo que sabe.

Práctica, hacer fotos sin usar el zoom

Por descontado, una de las mejores formas de aprender es haciendo fotos y a la hora de componer deberemos intentar que la foto quede lo más terminada posible en el momento de hacer la toma, sobre todo en el aspecto de la composición y el encuadre.

Para esta práctica una ayuda muy útil puede ser salir a hacer fotos con una sola focal y si es fija mucho mejor, así nos obligaremos a esforzarnos en buscar encuadres y composiciones moviéndonos por la escena, sin la complicidad y comodidad del zoom. Si no tenemos ópticas fijas, o usamos una compacta, nos obligaremos a buscar la foto con una focal determinada y sin tocar el anillo o el botón del zoom.

Esta práctica surte mejor efecto si se hace en una sesión larga y siempre con la misma focal, salir a pasear por la ciudad toda una tarde con un 100mm montado puede parecer una locura, pero en un rato seguro que empezamos a encontrar multitud de encuadres atractivos para esa focal.

En la variedad está el gusto, así que probaremos con otras focales, pero siempre en sesiones distintas. Así también aprenderemos a valorar los aspectos técnicos que nos ofrece cada objetivo como la luminosidad o la profundidad de campo.

Revisar con espíritu crítico las fotos que hecho

Después del paseo es hora de ver las fotos y ser autocrítico. Analizarlas bien y apuntar los aspectos en los que hemos cometido errores y ver como los solucionaríamos para ponerlo en práctica en la siguiente oportunidad. Esta actividad también puede hacerse en grupo, seguro que se le saca más partido que haciéndolo uno sólo.

Salir a pasear y utilizar una focal determinada puede ser muy divertido, además de un buen ejercicio de composición con el que se puede aprender bastante de fotografía, os lo recomiendo.