Imogen Cunningham es historia de la Historia de la Fotografía. Su peso en la fotografía del siglo XX junto a su grandísima energía para fotografiar hace de ella un personaje fundamental para comprender la evolución de la Fotografía. Nacida 12 abril de 1883 en Portland, Oregón (Estados Unidos), es una fotografía de Gertrude Käsebier, en 1901, la que la hizo interesarse por la fotografía mientras era una joven y prometedora estudiante universitaria de Químicas.

Es precisamente, su gran talento y creatividad lo que hicieron que inventase un sello de origen chino para firmar sus fotografías con tres sílabas I-MO-GEN lo cual si lo tradujéramos desde ese idioma significaría, IDEAS-SIN-FIN. Su trayectoria vital y artística recoge más de 70 años de duro y genial trabajo que intentaremos resumir en este artículo.

La historia de una mente joven hasta los 93 años

Hemos contado que una fotografía de Gertrude Käsebier cambió la vida de Imogen Cunningham. Pero ¿quién era Gertrude Käsebier? Esta fotógrada norteamericana, de ascendencia alemana, estudió en el Prat Institute de Brooklyn así como en Francia y Alemania, en la última década del siglo XIX.

Tras verse en el espejo de los trabajos de Gertrude Käsebier, la joven estudiante ahorró rápidamente para comprar una cámara que, acompañada de un curso por correspondencia, le facultó para obtener los primeros conocimientos sobre la técnica fotográfica. Empezó a practicar por el campus de la Universidad, donde se retrató a sí misma desnuda sobre la hierba. Aunque, en un principio, se sintió atraída por el estilo de Käsebier, pasó después a otros estilos, dominando todos aquellos en los que entró.

Ansel Adams, en Yosemite Valley

Comenzó, sin embargo, su carrera fotográfica como ilustradora para una revista pero no tardó en abrir su propio estudio de retratos en 1898 en la conocida Quinta Avenida de Nueva York. Con un estilo sencillo de fondos escénicos y divertidos muebles la joven Imogen Cunningham consiguió abrirse paso.

Three Dancers, Mills College

Es ya en la década de los años 20' y 30' cuando centra su en la fotografía de composciones naturales abstractas, algo no demasiado comprendido en su época, pero que vemos utilizado en nuestra época actual en muchos fotógrafos de Naturaleza, Flora y Fauna. Sin embargo, su gran momento de fama, llega entre 1932-1934 gracias a un encargo para Vanity Fair, sobre retratos a distintos personajes de la sociedad estadounidense, principalmente del cine.

Es junto con Ansel Adams y Weston, el máximo exponente del famoso grupo fotográfico f/64 que defendía con este nombre la nitidez y el detalle en los trabajos. Imogen Cunningham falleció, a los 93 años, el 24 de junio de 1976 en San Francisco.

Macrofotografía, Naturaleza Abstracta y Desnudos masculinos

Sus composiciones, marcadas por su tiempo, evolucionaron al mismo tiempo que sus inquietudes. Tras pasar por un embarazo y volver a su actividad, centró su creación en un entorno natural en el que las plantas se erigían como protagonistas principales. 'Magnolia' (1925) y 'Dos calas' (1925) son algunas de sus obras más conocidas.

Magnolia. Lopez Island, Washington (1925)

Sin embargo, es por esa época, aunque no se sabe con exactitud, que realizó los primeros desnudos masculinos que se conocen en la fotografía. La historia cuenta que siendo ya mayor de 80 años, Imogen Cunningham empezó a organizar el ingente archvo de negativos y otra documentación fotográfica que había coleccionado hasta entonces y es en ese momento cuando aparecieron entonces los negativos de las fotografías de desnudo que había realizado a su marido, cincuenta años antes, siendo una adelantada a su tiempo.

Retratista en Vanity Fair

Es precisamente esta una de su épocas doradas ya que tras retratar a Martha Graham y José Limón, entre otros, los editores de Vanity Fair se fijaron en ella y la contrataron como colaboradora. Cary Grant, Joel Blondel o Spencer Tracy antes de desembocar en lo que ella misma denominó "fotografías robadas".

Cary Grant

Es, por tanto, la inventora, si así podemos llamarlo, de los "robados". Fotografías espontáneas en las que el sujeto de la foto no se da cuenta de que es fotografiado. Un estilo que todos conocemos y que es, ampliamente usado, en la fotografía documental, de eventos, la fotografía callejera o el fotoperiodismo, desde hace muchísimos años.

El Pictorialismo frente al Grupo f/64

La evolución de esta grandísima fotógrafa, no paró nunca. De sus primeras imágenes, estudios alegóricos realizados a artistas amigos, en los que las fotografías presentaban un enfoque blando o incluso desenfocado pasó a fundar con Ansel Adams y Edward Weston el grupo f/64 que defendía la excelencia en la nitidez.

Ben Butler, 1910

Sin embargo, esas primeras imágenes ofrecen un retrato oscuro de la propia Imogen, que transmite con ellas una gran sensación de misterio. Algo en lo que se volvió una auténtica maestra aplicándolo siempre en sus retratos. Ese desenfoque extremo provee sus imágenes de gran atemporalidad.

Alfred Stieglitz,1934

Sin embargo a pesar del Pictorialismo de su época, surgió un movimiento diferente que coincidía con su propia evolución en los retratos. Ese movimiento, nuevo, como respuesta al Pictorialismo y el Modernismo se denominaría Grupo f/64. Un grupo, que como ya hemos comentado sobradamente defendía el detalle y la nitidez.

Una foto, una vida, creación sin límites

Nos dejó los robados, retratos atemporales, los primeros desnudos masculinos en la fotografía y grandes escenas del entorno urbano así como magníficos retratos, por no hablar de la abstracción de muchas de sus fotografías de flora.

Posiblemente, sin saberlo, estás muy influido por Imogen Cunningham.

Sitio Oficial | Imogen Cunningham

Hace pocas semanas tuve la oportunidad de comentar brevemente el trabajo de Henry Peach Robinson para dar unas pinceladas (nunca mejor dicho) sobre la fotografía pictorialista. Una manera de conocer mejor de qué trataba esta corriente, así como a los academicistas, es comparando su trabajo con el grupo diametralmente opuesto f/64.

Ambas corrientes, pictorialista y academicista, han sobrevivido a nuestros días gracias al retoque digital. Podemos pensar que el modo de trabajo era distinto, pero finalmente lo que importa es el fin. En ambos casos se está recurriendo a unas técnicas como complemento a la fotografía para conseguir imágenes alejadas de la realidad.

Fotografía academicista

Solemos confundir a los pictorialistas con la fotografía academicista. No en vano, muchos de sus integrantes trabajaron en ambas corrientes y es común hablar de autores como Julia Margaret Cameron que estuvo implicada en los dos bandos.

Para situarnos en antecedentes hay que mirar hacia la fotografía “Las dos sendas de la vida” de Oscar Gustav Rejlander. Está compuesta por 30 negativos y la participación de 24 figurantes que forman una alegoría dividida en dos partes. El vicio y la virtud para dar una imágen simbólica que haría entender la fotografía como un medio artístico, por mucho que él pensase en ella como boceto preparatorio de la pintura.

“Las dos sendas de la vida”, por Oscar Gustav Rejlander, obra clave del academicismo fotográfico

Sin embargo, la fotografía academicista nació con la idea de acallar a quienes la tachaban de un medio mecánico y sin capacidad de transmitir como podía hacerlo la pintura. El cuadro de Rejlander entró a formar parte de la colección de la reina Victoria por lo que esta corriente se puso de moda y empezó a ser habitual objeto de compra en el ámbito privado y a tener su espacio en salones de Bellas Artes. La fotografía había entrado con ello en el ámbito artístico.

Fotografía pictorialista

Se considera la gran corriente fotográfica desde finales del siglo XIX hasta el termino de la primera guerra mundial. Vino a desprenderse de la fotografía academicista en cuanto que no se inspiraba imitando a la pintura (neoclásica, alegórica, histórica) para crear si no que quería ser considerada como un ente único independiente.

Se inspiró, sin embargo, en Julia Margaret Cameron, sobre todo en la idea de no dar importancia a los aspectos técnicos, sino en el fuerte deseo por transmitir, emocionar e impresionar al espectador. Curioso porque en este caso sí estaban inspirados por la pintura, la del Impresionismo.

Paisaje pictorialista por Edward Steichen, la ensoñación irreal es obvia

Para conseguirlo, utilizaron (en exceso en la mayoría de las veces) el uso de filtros, lentes de cámaras antiguas y desenfoques entre otros muchos recursos, también después en la parte de positivado, para conseguir imágenes que poco tuviesen que ver con la realidad palpable. Era su manera de darle artisticidad a la fotografía para que de ese modo se equiparase a las otras bellas artes.

Grupo f/64

Vino a ser la cara opuesta a la fotografía pictorialista, a la invención de mundos irreales e imágenes cargadas de retoque en exceso. Es la fotografía pura con todas sus consecuencias. Es la búsqueda del enfoque, la profundidad de campo, la composición cuidada y el control de zonas. Es la búsqueda de perfección en la técnica fotográfica. Es un afán por transmitir la verdad, la realidad.

El grupo se formó bajo el nombre de f/64 precisamente porque era el diafragma más cerrado que utilizaban los objetivos en cámaras de gran formato por todos aquellos que trabajaron en esa corriente. A su vez también innovaron en cuanto medios técnicos, por ejemplo Ansel Adams (uno de los principales motores del movimiento) inventó el llamado “sistema por zonas”, que no tuvo todo el calado necesario en aquel momento por ser una técnica difícil de poner en práctica.

Paisaje de Ansel Adams, en contraposición al de Steichen, es una fotografía que busca la perfección técnica

El debate

Al plantearnos estas dos corrientes como únicas vertientes posibles, el debate sobre qué es realmente fotografía nos viene a la mente. Desde los comienzos siempre ha existido esa rivalidad, la hubo cuando los academicistas se opusieron a la fotografía tradicional, después cuando los puristas contradijeron a los pictorialistas y lo sigue habiendo ahora cuando vemos trabajos como los del joven Phillip Schumacher donde la manipulación para conseguir imágenes irreales nos viene a producir de nuevo ciertas discrepancias sobre el modo de hacer, ver y sentir este arte.

Bajo mi punto de vista, no hay debate posible, son dos formas de crear que se basan en la fotografía. Y aunque utilicen medios distintos para llevar a cabo esa creación, al final en ambos bandos la pasión por la fotografía es lo que les une.

En Xataka Foto | Ansel Adams: el paisaje y En los límites de la realidad

EASTON ADAMS, Ansel (1902-1984) Nació en San Francisco, California. Creador del sistema de zonas y conocido mundialmente por sus fotografías de paisajes en blanco y negro del parque nacional Yosemite en Estados Unidos. Escribió varios libros de fotografía entre los que merece la pena destacar sus manuales de instrucción técnica: La Cámara, El Negativo y La Copia.

Adams fue un experto en el control de la exposición fotográfica. Su conocimiento fue tan profundo que le llevo a desarrollar su teoría sobre el sistema de zonas, método de exposición que permite de conseguir la exposición deseada de forma precisa.

Una clara característica de la fotografía de Adams es la gran profundidad de campo. Los diafragmas cerrados le permiten captar con detalle todos los elementos en sus fotografías.

El sistema en cuestión se basa en el hecho de que el fotómetro de la cámara siempre evalúa la zona medida como un gris medio. El fotógrafo debe aumentar o disminuir la exposición para compensar el exceso, o defecto de luz y conseguir así el resultado deseado.

En 1932 Adams, junto con otros fotógrafos, formó un grupo llamado f/64. Este grupo le hizo alejarse de un estilo pictoralista para pasar a lo llamado “Straight photography”.

El exhaustivo dominio de la exposición, permite conseguir imágenes de alto contraste sin quemar luces ni empastar sombras

En 1953 por cuestiones económicas comenzó a hacer fotografía comercial y trabajó para marcas como Kodak, IBM o AT&T.

Adams fue un ecologista convencido, su amor por la naturaleza y especialmente por el parque Yosemite hizo que su obra girase en torno a esta temática. Sus imágenes son hoy en día autenticos símbolos de América.

Fue criticado abiertamente por fotógrafos como Cartier-Bresson por no poner humanos en sus fotografías. Sin embargo fue todo un visionario y a pesar de vivir en la época “analógica” de la fotografía supo ver la revolución que supondría en la fotografía la era digital que apenas comenzaba cuando el abandonaba este mundo.

Murió en 1984 víctima de un cáncer.

Personalmente, admiro su dominio de la técnica fotográfica y el marcado estilo de su obra. Sin embargo creo que su técnica es “demasiado perfecta” y le resta creatividad y posibilidades a sus fotografías. Por otro lado, echo en falta el componente humano que le hubiera aportado un mayor interes a su obra.

Más Información | The Ansel Adams Gallery