Llevo varios días viajando de un lado para otro. Con sol y calor, con frío y con lluvia. Principalmente en carretera y siempre con la familia. Eso quiere decir una cosa, que he dejado mil fotos por hacer. Y aunque me duele, la mayor parte de las veces no me arrepiento. No pasa nada por dejar de hacer fotos.

Seguro que a todos nos ha pasado. Vemos la foto de nuestras vidas y no llevamos la cámara. O vamos conduciendo. O de copilotos y no podemos parar en ningún sitio al lado de la carretera para sacar ese sol que asoma entre las nubes e ilumina como nunca hemos visto el valle que se extiende ante nuestros ojos.

Hotel de carretera de @ferfotopuntoes

Son las fotos perdidas, las que nunca se hacen por diversas circunstancias ajenas a nuestros quehaceres fotográficos. Que sí, que siempre llevamos la cámara encima, con batería cargada (alguna vez hemos fallado)… pero hay momentos que se perderán para siempre en nuestras retinas.

El misterio de las fotos perdidas

Nunca, jamás, hay que arruinar nuestras vidas por una fotografía. De verdad que no merece la pena. Así que nunca recomendaré parar en medio de la carretera para hacer una fotografía. Solo en el remoto caso de que veas semejante escena cerca de un mirador o puedas dejar el coche en la cuneta en una carretera terciaria sin incumplir ninguna norma de tráfico. De hecho, estoy casi seguro que está prohibido hacerlo por motivos de seguridad.

Pero esos momentos perdidos, esas fotografías que nunca haremos, formarán parte de nuestra biblioteca visual para siempre. Y para eso sirven, para que aprendamos a mirar en cualquier momento y situación. Son nuestras imágenes privadas. Esas que vemos nosotros solos cuando vamos en el coche como conductores y parece que nunca hemos visto nada igual.

En la carretera de @ferfotopuntoes

Jamás olvidaré una de mis rutas por los valles de Áliva. Iba con mi hija mayor en la mochila, dormida. De repente, en medio de la niebla, salieron varios caballos blancos. Empecé a hacer fotos, pero solo me quedaba espacio para dos en la tarjeta. Cuando fui a cambiar me di cuenta de que mi mochila fotográfica la llevaba mi mujer. Y ella estaba haciendo sus fotos más lejos.

No podía gritar porque despertaría a mi hija, y asustaría a los caballos. Así que solo podía mirar cómo se me iba cada momento con la niebla retirándose por el sol que empezaba a inundar todo. Un momento único que recordaré toda mi vida aunque no lo fotografié. Lo único que lamento es que mi hija no lo viera.

Áliva de @ferfotopuntoes

En el momento fue doloroso, pero con el tiempo aprendes que no tienes que estar siempre disparando. De hecho, lo que tienes que hacer con el paso del tiempo es hacer menos fotografías, seleccionar más cada instante.

Saber elegir

Y es que esto es en lo que consiste la fotografía. No hay que disparar en cada momento. No tenemos que recordar todo. Ni mucho menos compartirlo a todas horas. Solo lo bueno (si consideras que todo lo que haces en fotografía es bueno tienes un problema, pero esto es otra historia).

Hay una tendencia, más visible desde que el mundo es digital, que hay que enseñar todo lo que vemos y publicarlo. Ya no queda ninguna vivencia personal, única e intransferible.

Respecto a esta forma de pensar siempre nos viene a la mente el fotógrafo interpretado por Sean Penn en La vida secreta de Walter Mitty:

Si me gusta un momento, a mi no me gusta distraerme con la cámara. Me gusta solo estar en él. Quiero estar ahí, estar aquí.

Así que la próxima vez que te de rabia no hacer la foto, por la circunstancia que sea, date cuenta de que estas en primera fila y de que es el momento de disfrutar. La fotografía ya vendrá después. ¿Qué pensáis?

En Xataka Foto| De la captura a la edición: consejos para capturar fotografías de paisaje utilizando tu móvil

La fotografía de moda es una de las puntas de lanza de nuestra actividad desarrollándose e innovando en nuevos lenguajes a través de los que captar la retina del espectador. Esto implica que, en general, cualquier tipo de fotografía que implique un movimiento de capital para su producción irá encontrando nuevas formas de llegar al consumidor aunque hablemos de reportaje, fotografía de producto o como es mi caso, la moda.

Base y vanguardia, causa y efecto

En primer lugar, me gustaría apuntar que la vanguardia es ni más ni menos que el efecto de la base porque todo debe responder a una evolución. Con esto me refiero a que muchos fotógrafos apelan al "es un poco loco pero es que a mí me gusta así" para evitar pensar en sus experimentos y que ni siquiera saben resolver una luz básica de base y contraste con la que la modelo salga guapa. Esto quiere decir que no deberíamos encontrar elementos disyuntivos en una misma fotografía y que si queremos hacer una clave baja luego queda muy mal que lavemos los negros porque es el procesado trendy de turno.

Para saber innovar y aplicar un estilo, debemos no sólo aprender, sino dominar lo básico. En lo personal, algo básico podrían ser un ojo domado a base de latigazos revisando el trabajo de grandes fotógrafos de la historia o saber realizar esquemas con dos o tres puntos de luz dándole la mayor versatilidad al equipo y sabiendo perfectamente el resultado que ofrecen según cómo los pongamos. Los grandes fotógrafos no lo han sido de forma espontánea, son producto de una semilla que germinó en autores anteriores en los que se enraizó el ojo para trasgredirlo después con una base fundada.

El claro ejemplo lo encontramos en Picasso, que aprendió a dibujar y pintar siguiendo la tradición antes de romperla en un movimiento arriesgado con el que la perspectiva se deformaba. No sucedió de forma espontánea, sino que la causa generó un efecto en el artista que lo empujó a investigar los horizontes de la pintura. Lo que muchos no saben es que para llegar a empujar los horizontes, antes hay que andar muchos años.

Fotografía de moda, la punta de lanza

Por ser el campo que más cercano y más profundamente conozco, creo que la fotografía de moda es uno de los campos más fértiles para que grandes y pequeños fotógrafos encuentren un estilo propio y empujen esta maravillosa disciplina hasta nuevos horizontes, trasgrediendo forma y contenido. Hace unos años, era imposible emplear angulares, mostrar modelos con una enfermedad como el vitíligo o colorear las fotografías con la agresividad que ha caracterizado el trabajo de Mert and Marcus durante los últimos años.

La editorial de moda diría que es el formato más interesante ya que en estos formatos se han comprimido como pequeñas páginas de historia fotográfica los trabajos de genios como Irving Penn, Guy Bourdin o Richard Avedon — fotógrafos que sentaron las bases para prácticamente todos los profesionales actuales y que hoy son considerados auténticas leyendas. La gran contra de las editoriales es que el resultado dependen de los directores de arte de las publicaciones, y hoy por hoy suelen tomar muy pocos riesgos en relación a las imágenes que incluyen en sus revistas.

Grandes fotógrafos de los que podemos aprender

Con todo lo mencionado, no dejan de haber grandes fotógrafos que no venden su estilo a la revista que les pague, sino que defienden su concepto de la belleza y su proceder fotográfico dejando su imprenta en todos los trabajos que realizan. Es de estos profesionales de los que podemos aprender enormemente: fotógrafos como Anne Leibovitz, Peter Lindbergh, Steven Klein o Mario Sorrenti son algunos de los grandes nombres del panorama de los que podemos aprender encuadre, color e incluso subtexto si somos lo suficientemente afilados con nuestro ojo.

Sin embargo, no todo basta con observar, también debemos saber analizar lo que vemos y saber por qué el autor ha decidido realizar esa imagen con todas sus implicaciones: el tipo de belleza que representa, el estilo en la iluminación y la gestión de color, así como el riesgo en la óptica y el encuadre.

Trabajemos la disciplina que trabajemos, la fotografía de moda es uno de los campos en el que los fotógrafos descubren nuevas formas de representar ideas y conceptos a través de los productos y las modelos que las llevan, y esta labor de constante investigación queda patente en los enormes presupuestos de las grandes marcas de moda.

Educación Visual digna ... un calificativo donde no todo vale. O Artística si lo queréis ampliar al resto de disciplinas artísticas. Pero vayamos a lo que nos toca más de cerca, la educación visual y su importancia así como su valor dentro del mundo de la Fotografía.

Como todo lenguaje, el aspecto visual tiene sus códigos. Como todo lenguaje, éste se ve influenciado por la cultura, la gente; en definitiva, la sociedad que le rodea. Es una influencia mutua. De sobra es conocido, que determinados símbolos o conceptos son considerados de manera diferente en diferentes culturas y lenguajes. La fotografía debe utilizar un discurso visual y éste puede ser bueno o malo - y sobre gustos no hay nada escrito ¿verdad? -.

¿Es el lenguaje visual, un lenguaje universal?

Esa es la gran pregunta. Todos podemos recordar aquel caso, no sé si real o ficticio, de bolsas de basura o excrementos en una sala de exposiciones. Leyenda urbana o no, seguramente, creo, que al 99,9% de los consumidores de arte - en cuanto a pensar solo en gente con inquietudes artísticas - les desagradaría esa expresión artística. Yo he hecho fotos que podrían considerarse así, con ese calificativo.

Pero tú, también, reconócelo. Sí, venga, levanta la mano. Vale ya somos unos cuantos en la sala. Sin embargo, después de unos cuantos años de formación, de práctica, nos vemos capacitados para poder valorar y expresar nuestra opinión y si queremos decir que algo es una ... perdón, quería decir que merece poco la pena, no expresa nada, no transmite, no impacta, no emociona ... vamos y lo decimos. Sin más. Y más cuando se trata de algún trabajo de cierto interés público. Siempre desde el respeto, la educación y la libertad de opinión (algo que todavía parecen proteger nuestras leyes, por el momento).

"The Factory" [...] un libro que destaca por el gran número de imágenes pero que, también, resulta ser un libro que destaca por el gran análisis artístico y fotográfico que realiza, lo cual, además, invita a la reflexión del lector (fotógrafo) sobre su propio trabajo creativo. Es un libro que invita también a pensar sobre nuestro propio discurso visual como fotógrafos[...] - The Factory, un libro imprescincible sobre la fotografía como arte. (Xataka Foto) -

Tal vez mi duda es si lo que es carente de alma o es vacío tiene ese significado en todas partes. No lo aseguro al cien por cien. Tampoco aquello que considero brillante. Hay trabajos que tienen mucho éxito en un sitio y fracasan en otro. Pero no indignan. Una fotografía digna, gustará a la mayor parte de aquellos que la ven. Una fotografía indigna, será rechazada por una gran mayoría de aquellos que la ven. Aunque siempre para entender aquello que estamos viendo necesitamos algo muy importante: formación.

Os invito a que compartáis vuestras opiniones y/o experiencias al respecto.

En Xataka Foto | El discurso visual en la fotografía

Fotografía de Portada | Don McCullin

El otro día mi compañero Alfonso reflexionaba sobre si estamos demasiado obsesionados por la alta definición fotográfica y nos olvidamos, a menudo, de buscar fotos con alma. Esas fotos que transmiten, que emocionan y que llenan, por encima de su calidad técnica, nitidez, composición y otras cualidades.

No solo estoy de acuerdo, si no que además me ha llevado a recordar tres buenos consejos para, precisamente, potenciar la emoción en nuestras fotos.

Añade emoción a tus fotos

Por Ali Brohi

No es algo fácil, a menudo nos dejamos llevar por encontrar la luminosidad adecuada, encuadre, composición y demás. Y olvidamos buscar esa emoción que podemos capturar en las fotos. No es igual en todos los géneros, más complicado en macrofotografía, paisajes o bodegones, por sus características. Pero cuando se trata de retratos, de fotografía social, documental podemos poner de nuestra parte ese elemento intangible que haga que el espectador sea capaz de sentir emoción al ver una foto. Seguro que la recordará mejor que si solo es una fotografía "bonita".

No es algo que se aprenda con solo tres consejos, es algo que requiere mucho esfuerzo, trabajo, búsqueda, experimentación... pero, sobre todo, mucho más de sentimiento y mirada que de técnica y equipo fotográfico. Aún así, veamos algunas ideas que nos pueden ser útiles en ese camino.

Saber esperar, saber mirar: la paciencia como virtud

Por Sukanto Debnath

La fotografía requiere paciencia. ¡Qué obvio! Si, pero encontrar situaciones, escenas y sujetos que transmitan emoción aún más. Cuando nos encontremos en una escena "perfecta" para capturar, no disparemos tan rápido. Dediquemos un tiempo a observar, a comprobar la luz, el tipo de composición para hacer la mejor la captura, pero con calma. Que nada nos distraiga de esa escena, que sepamos observar con calma, vivir ese momento y, si es posible, incluso anticiparnos para estar preparados y disparar en el momento justo.

Se que esto parece un poco abstracto, pero se resume en saber esperar, saber mirar. Algunas veces se nos escapará, algunas no alcanzaremos lo que buscamos. Pero con paciencia lograremos "sumergirnos" en cada escena y captar justo el momento más emotivo. Al fotografiar a personas, su mirada, su expresión es la clave. Ahí nos debemos concentrar.

Olvídate de la técnica y las reglas: captura emociones

Mr_Zephyr

Como comentaba antes, a veces por estar más preocupados de la luz, del fondo, de la composición, de que velocidad de obturación será la idónea... nos perdemos el momento más adecuado o simplemente no conseguimos captar esa emoción. Es normal, sobre todo, si somos perfeccionistas y queremos que esas fotos nos salgan lo mejor posible. Pero lo ideal es abstraerse de todo, olvidarse de la cámara, de las reglas, del ISO y nos centramos de lleno en nuestro motivo, en esa escena.

Elimina las distracciones: enfoca solo que buscas

Por Aslan Kilinger

Dependiendo de la situación, conseguir unas buenas condiciones para hacer esas fotos que transmitan emoción no es tarea fácil. Por la luz, por el ambiente que nos rodea, por el momento... si no lo tenemos a favor, lo mejor es eliminar todo lo accesorio, todo lo que pueda distraer y enfocar solo a nuestro objetivo. Puede ser acercándonos más, con teleobjetivo, buscando una perspectiva diferente... todo lo que nos ayude a centrar la mirada en esa expresión, esa mirada o esa sonrisa que queremos realzar.

Espero que os sea útil, a pesar de que sean consejos muy generales. Si tenéis alguna experiencia u otro consejos, no dudéis en compartirlo en los comentarios. Esas fotos con alma, son las que más y mejor se recuerdan.

Foto | Dairy Queen, por Nicki Varkevisser

Vaya por delante, que el presente artículo pretende ser, con toda humildad, un alegato hacia los orígenes y la esencia de la fotografía misma desde el punto de vista artístico. Vaya por delante que, en determinados trabajos fotográficos mantener unos estándares exigentes de calidad de imagen y equipo técnico es imprescindible. Vaya por delante que una técnica impecable y un equipo de alta gama permiten obtener resultados magníficos pero no aseguran fotografías con alma. Pero, me pregunto: ¿Estamos obsesionados por la Alta Definición (fotográfica)?

Compartir experiencias

Procedente de de algunas conversaciones que mantenía en Facebook con mi amigo Javier Prieto (no desesperes escaneando negativos,¿vale?), al hilo de su desesperación por conseguir mayor calidad con sus siempre loables esfuerzos en el terreno de la lomografía y lo fotoquímico.

También esta reflexión nace de otra conversación que mantenía con otro amigo, David González Forjas, sobre este asunto mientras tomábamos un café y mirar, atontados los dos, el libro de Steve McCurry: The Iconic Photographs (del cual ya os hablaré en unos días) y en la que pensábamos que dichas fotografías realizadas por el maestro McCurry adolecían en muchos casos de falta de nitidez o de ciertos problemas técnicos (en ocasiones ruido o negros empastados) pero que dichos "supuestos defectos" no eral tales sino que se veían claramente superados por el mensaje de la fotografía, por su lenguaje visual, su discurso visual.

Fotografías imperfectas: Sí, gracias

La reflexión nacía de una fotografía realizada el sábado pasado que pude realizar a uno de nuestros grandes actores, Pepe Sacristán, el cual representaba la obra: Yo soy Don Quijote de la Mancha. Repasando algunas de las fotografías que pude hacerle me di cuenta (de nuevo) de mis limitaciones técnicas, de la falta de conocimiento que tendré siempre y de las ganas que tendré siempre de mejorar.

Alfonso Domínguez

Obsesión tecnológica que no técnica

Quizás ese cierto grado de obsesión por el perfeccionamiento técnológico (perfeccionamiento ligado a lo bueno que pueda ser el equipo utilizado) nos lleva en ocasiones a desechar fotografías propias algo desenfocadas o trepidadas (que pueden estar muy bien). No hablemos ya cuando el trabajo es de otros o está realizado con un 'maldito iPhone'.

David González Forjas

Vuelta a la esencia de la fotografía

Llegados a ese punto no queda otra que parar. Realmente estamos equivocados. Perdemos la esencia de la fotografía en favor de la tecnología además de confundirlo con la técnica. Tal vez, si nos olvidamos de esa obsesión podemos descubrir el verdadero mensaje, en mi opinión, el lenguaje visual por encima de un mundo tecnológico que nos vende la alta definición como una verdadera necesidad, totalmente imprescindible para nuestras vidas. Está ahí fuera, solamente hemos de concentrarnos un poco para verlo y disfrutarlo. Supongo que es un viaje por el que pasamos muchos o que tal vez pase solamente a unos pocos.

Lo único de lo que estoy seguro es que esa "alta definición" fotográfica buscada por muchos como santo grial que cambian sus equipo cada vez que sale el último modelo, no tiene que ver, para nada, con lograr fotografías con alma.

Fotografía de portada | Javier Prieto

Mirando libros de fotografía que puedan caer para estas navidades, me topé en Amazon con 'The Editor’s Eye' que trata sobre el papel, en este caso de la revista Vogue, de las editoras en la elección de las fotografías que se publicarán. Quiénes son, cómo y porqué hacen dichas elecciones. Es lo que muestra este libro. Un punto de vista muy interesante. Cómo elegir. Un libro que me gustaría cayese en mis manos, por si Papá Noel está escuchando.

Casualmente, además del libro, en Estados Unidos, al menos, la cadena HBO tiene previsto estrenar un documental del cual os traigo un trailer que os puede además dar algunas claves también de lo que representa un editor de una revista de moda y su papel, totalmente clave, en el aspecto fotográfico.

Así cuando se publican esos virales desastres de Photoshop que habitualmente vemos por ahí, el editor también su parte de cual además del fotógrafo y el retocador. Como igualmente su parte de éxito en caso contrario. ¿Cómo elegir la fotografía adecuada? ¿Cómo trasmitir el concepto, el mensaje? ¿Cuál es el discurso visual a emplear? El editor: una figura de la que no habíamos hablado hasta ahora y que, sin embargo merece la pena considerar.

Más información | HBO

Si te gusta el arte y te gusta la fotografía, tenlo claro: Te gustará 'The Factory'. Por si no lo recuerdas ya the hablamos de esta factoría creatiava durante el PhotoEspaña 2012. 'The Factory' editado por la editorial La Fábrica, es uno de esos libros imprescindibles para reflexionar sobre la fotografía como disciplina artística. Con fotografías de Richard Avedon, Cecil Beaton, Brigid Berlin, Nat Finkelstein, Christopher Makos, Billy Name, Stephen Shore o el gran icono del arte pop, Andy Warhol.

La historia que cuenta el libro

The Factory recorre durante unos veinte años las décadas prodigiosas de los años 60 hasta los 80. Una factoría creativa de ideas que tuvo su reflejo a través de la fotografía.

Este año, PHotoEspaña presentó la exposición 'De la Factory al mundo'. Fotografía y la comunidad de Warhol, en el Teatro Fernán Gómez / Centro de Arte (Pz. de Colón, 4), donde se muestró el trabajo de The Factory, ese espacio de interacción social y cultural creado por Andy Warhol.

El libro

Escrito en inglés y castellano, a dos columnas, estamos ante un libro que destaca por el gran número de imágenes, pero que, también, resulta ser un libro que destaca por el gran análisis artístico y fotográfico que realiza, lo cual, además, invita a la reflexión del lector (fotógrafo) sobre su propio trabajo creativo. Es un libro que invita también a pensar sobre nuestro propio discurso visual como fotógrafos. Es un libro para fotógrafos en definitiva.

The Factory, el movimiento, el grupo de artistas liderado por Warhol, no solamente generó pinturas, generó cine, escultura, multimedia, material escrito y mucha, mucha fotografía. Así el libro nos presenta un ideario, una corriente de pensamiento revolucionaria en su momento pero muy vigente en la actualidad de nuestro mundo.

Las cámaras nos eran tan naturales como los espejos

Con estas palabras Billy Name, expresa el concepto de una generación hija de la tecnología, algo muy parecido a lo que vivimos en el momento actual. Sin embargo, a diferencia, de lo que ocurre en gran parte hoy en el mundo fotográfico y artístico, esta generación estaba convencida de poner la tecnología al servicio del arte.

Sufro de enfermedad social. Tengo que salir todas las noches

Estas otras palabras, bien conocidas, de Andy Warhol, expresadas durante una carta, reflejan parte de la filosofía que trata de contar el libro. Una filosofía basada en el contacto social. Era la época del fotógrafo como antropólogo de la sociedad, añade Nat Finkelstein, en el momento que llegó a la factoría de la calle 47, en Manhattan, donde, sigue diciendo, se encontró a algunas de las personas más raras del planeta. Finkelstein desde 1964 hasta 1967, Finkelstein se dedicó a documentar fotográficamente en 'The Factory'. De Bob Dylan a Salvador Dalí, Marcel Duchamp o Edie Sedgwik.

Las relaciones fotográficas

Pero es que todos esos documentos estaban basadas en lo que se comenta al principio del libro: La relaciones fotográficas basadas en un cuidado exquisito de la cultura de la publicidad y de los medios de comunicación. Así Warhol, con su cultura pop underground, lograba el objetivo de dar a conocer el discurso visual de él y los suyos.

Este modo de producción visual, iniciado hace tantos años, comienza a ver sus frutos en los estudios fotográficos profesionales de más alto nivel en la actualidad donde cada miembro del equipo tiene una función claramente definida y todos son conscientes de la imagen de marca, algo en lo que Warhol fue pionero, da sus frutos hoy en día. El fotógrafo en solitario tiende a desaparecer, al menos, en los niveles más altos.

En conclusión

Estamos ante un libro para abrir la mente y disfrutar visualmente de las fotografías de Richard Avedon, Cecil Beaton, Brigid Berlin, Nat Finkelstein, Christopher Makos, Billy Name, Stephen Shore o el gran icono del arte pop, Andy Warhol en donde vemos reflejo la naturalidad del estilo fotográfico documental, callejero o periodístico sin ningún complejo, resultando un compendio de provocación y reflexión al mismo tiempo.

‘The Factory’ (varios autores)

• Editorial: La Fábrica, EDITORIAL
• Precio: 30 euros
• Encuadernación: Rústica (reforzada) con solapas
• Páginas: 160
• Tamaño: 20,0 × 24,0 cm
• ISBN: 978-84-92543-35-9

‘Un libro con fotografías de Richard Avedon, Cecil Beaton, Brigid Berlin, Nat Finkelstein, Christopher Makos, Billy Name, Stephen Shore, Andy Warhol.

Lo primero que debemos entender es que el discurso visual y el lenguaje visual de una fotografía o de un autor no podrá ser el mismo nunca dependiendo de cual sea la disciplina a la que se dedique el autor o del contexto (refiriéndose a situación social, tiempo y lugar) en que se toma la fotografía. Pero vayamos a aclarar los conceptos en esta guía para entender el discurso visual.

Discurso visual, definición

Si tomamos en cuenta la fotografía y por extensión la imagen como uno de los medios de referencia de la comunicación actual podríamos definir el discurso visual en fotografía como aquello que nos quiere transmitir con su estilo fotográfico un determinado fotógrafo. Así este discurso será documental, histórico, creativo, fantástico, de denuncia o incluso de poder.

Henry Cartier-Bresson

Discurso visual: el autor, el espectador, comunicación y mensaje

Lo más paradigmático, por así decirlo, del discurso visual en fotografía (y en el arte en general) es que no tiene un carácter absoluto. Es un flujo continuo entre la obra del autos y el espectador.

Aquello que comentamos siempre sobre que lo que importa es la mirada del fotógrafo tiene su sentido, en tanto en cuanto, nosotros como fotógrafos sepamos transmitir una idea a quien ve nuestras fotografías.

Baste citar un ejemplo, Robert Capa. Capa ha sido uno de los grandes comunicadores visuales de la fotografía contemporánea además de ser un maestro en esta disciplina. Gran parte de su éxito reside en comunicar una idea con sus imágenes.

Robert Capa

La línea documental fue decisiva para que la versión oficial del International Center of Photography confirmara que la foto del miliciano fue realizada el 5 de septiembre de 1936 en el frente cordobés de Cerro Muriano. En 1995 Mario Brotóns, quien participó en esa batalla, escribió el libro Retazos de una época de inquietudes, donde por primera vez se identifica al miliciano como Federico Borrell, porque le comentan que en un archivo militar hay un documento que testimonia la muerte de sólo un miembro de la Confederación Nacional del Trabajo en esa ocasión. (Revista Discurso Visual)

Por tanto, la fotografía resulta ser un soporte para el discurso visual del autor que hasta la actualidad resulta ser un medio adecuado (cada vez con mayores matices en donde entra la ética fotográfica) para contar no solo lo que pretende el autor sino también la historia de un colectivo o nación o su situación económica o cultural, por ejemplo. La velocidad a la que viaja actualmente la información gracias a internet y las redes sociales, evidentemente, no es la misma que la de de hace 50 años.

Otros factores: Tiempo y lugar

El tiempo y el lugar de la toma de la fotografía inciden especialmente en el discurso visual que pretende exponer el autor. Hay discursos que perduran con el tiempo y otros que se deterioran pasados unos años y pierden su sentido. En otras ocasiones, el otro factor del contexto como el lugar pueden resultar oportunista en ocasiones y adecuado en otras, casi siempre que estemos hablando de fotografía documental.

Cristina García Rodero

Igualmente, al modo de lo que nos comentaba Alfons Rodríguez el otro día en su guía ética, el fotoperiodismo debe mantener una vinculación y compromiso directo con la realidad. Una realidad que debe ser siempre de interés colectivo, por lo que su uso no debe ser un mero elemento auxiliar con respecto al discurso textual de la noticia. Es decir, la fotografía, en ese ejemplo, no debe contar algo distinto del texto.

En resumen

Como hemos visto no solamente depende del lado del autor el que su discurso visual sea escuchado sino del espectador así como de otros factores como el tiempo, el lugar o la situación sociocultural, histórica o económica. El próximo día veremos grandes ejemplos de discursos visuales de todo tipo en la fotografía.

En Xataka Foto | Guía práctica sobre la ética fotográfica, con Alfons Rodríguez | El Discurso Visual en Fotografía

En esta serie de capítulos sobre el lenguaje y/o discurso visual en la fotografía he querido comenzar con un aspecto que se suele asociar pero quiero desmitificar: la calidad de imagen. Cierto es que tiene su impacto y su relación pero sabed que el lenguaje visual es el lenguaje que desarrollamos en nuestro cerebro relacionado con la manera de interpretar lo que percibimos a través de los ojos. Tiene que ver con la fotografía ¿verdad?

Dicha interpretación pasa por encima de los idiomas y suele ser universal aunque presenta sus diferencias achacables al entorno socio-cultural y la experiencia vital de cada persona. Por tanto aunque podríamos decir que existe cierta universalidad no es del todo exacto pues lo que interpreta una persona al ver una imagen puede ser muy distinto de lo que interpreta otra.

La calidad de imagen tiene su importancia, aunque no en el sentido que la mayoría piensa. O al menos en el sentido de lo que se transmite en los foros de fotografía. La calidad de imagen es un factor que no es estrictamente necesario para un buen discurso visual pero que por su asociación tanto de profesionales como de aficionados a dicho concepto, pretendo desmontar hoy. Espero que me ayudéis y comprendáis el argumento.

Fotografía de Alfred Eisenstaedt, conocida como The Kiss

La calidad de imagen importa sí, pero no tanto para transmitir

Cuántas veces repetimos y lo hacemos hasta la saciedad lo de: "La cámara no hace al fotógrafo", miles de veces lo hacemos. Pero en cuanto vemos algún tipo de fotografía y alguien nos susurra cual 'hombre que susurraba a los caballos' que esa fotografía fue tomada con un smartphone nos rasgamos las vestiduras. Obviamos el lenguaje visual y nos quedamos con lo técnico. Hablamos de fotografía o de la banalidad de los datos tecnológicos en estos casos, me pregunto sinceramente.

¿La calidad de imagen hasta qué punto importa? Pensemos solo un segundo. Cuando repasamos imágenes de alguno de los grandes maestros de la Historia de la Fotografía, no nos fijamos en si lo hizo con el último modelo o con una caja de cartón. Nos fijamos en si la imagen verdaderamente nos emociona, es decir, si provoca algún tipo de reacción en nuestro interior.

Claro que puede ser un elemento positivo. Un ejemplo muy claro lo tenéis con las fotografías de Clyde Butcher que os mostraba el otro día donde tras un laborioso trabajo de revelado la calidad de imagen lograba era un elemento potenciador de sus fotografías.

¿Calidad de imagen? La suficiente ni más ni menos

La suficiente, por favor. El sábado pasado saliendo a hacer fotos nocturnas con mi amigo Juan Carlos, se metía como siempre con mi Nikon D7000 ya que él tiene una pequeña Olympus que ya tiene unos cuantos años. Ambos podemos hacer fotografía nocturna, está claro. Pero las suyas quedan mejor casi siempre porque él tiene mucho mejor manejo en esta disciplina aunque por prestaciones mi cámara sea mejor. Pero casi todas las cámaras actuales dan buena calidad si comparamos con lo que teníamos hace 10 años.

© Rodrigo Rivas - The iPhonewyorkgrapher

Conclusiones

Espero que hayáis llegado a la misma conclusión. Calidad de imagen, sí, mínima y suficiente pero lo que verdaderamente importa es el lenguaje visual. ¿De qué sirve conocer todas las prestaciones técnicas de una cámara si nuestras fotos no dicen nada? ¿de qué sirve conocer mil datos técnicos sobre fotografía si no sabemos aplicar bien esa técnica para que nuestras fotografías posean un lenguaje visual que emocione en algún sentido?

En Xataka Foto | La fotografía con móvil y los prejuicios | El discurso visual en la fotografía