Los Encuentros Fotográficos de Gijón se han convertido en uno de los grandes clásicos españoles. Año tras año, y van 16, presentan exposiciones, mesas redondas, talleres, conferencias, presentaciones de libros de autor, visionado de porfolios y hasta un programa de becas, lo que convierte a Gijón en una de las capitales de la fotografía.

Este año, del 28 de noviembre al 1 de diciembre, vuelven con la misma filosofía, acercar a los más prestigiosos fotógrafos españoles al gran público. Es una oportunidad perfecta para conocer a Cristina García Rodero, Juan Manuel Castro Prieto, Eugenio Recuenco, Sandra Balsells, Paco Junquera, Pablo Juliá, Manu Bravo, Miguel Bergasa, Rafael Trapiello...

A lo largo de cuatro intensos días explorarán el mundo del fotoperiodismo, Instagram, el fotolibro y la moda de la mano de los mejores fotógrafos para deleite de profesionales y aficionados a la fotografía. Y esto es lo bueno de este festival. Está abierto a todo el mundo y encima en una ciudad como Gijón, donde la vida social es un arte alrededor de la mesa.

En Xataka Foto

¿De verdad necesitamos un ordenador tan potente para revelar nuestras fotografías?

Los cuatro días de la fotografía en los Encuentros Fotográficos de Gijón

El jueves 28 de noviembre se abre con la exposición Beerlowsky, un proyecto de Fotolateras y Juan Pedro Font de Mora de la Foto Librería y galería Railowsky realmente curioso y sumamente realista. Es más fácil vender una buena cerveza que una fotografía, así que decidieron crear Beerlowsky, un proyecto en el que las fotografías tienen relación con el mundo de la gastronomía y la cerveza:

Nuestro objetivo es recomendar el consumo moderado de arte fotográfico, que cada imagen entre por la vista y el gusto en el corazón de quien consume esa cerveza y se familiarice con las imágenes.

El viernes 29 se inaugura 'Creadores de Conciencia', comisariada por Chema Conesa, una exposición que cuenta la historia del fotoperiodismo español a lo largo de 120 fotografías y 40 autores. También darán a conocer a los ganadores de la Beca Nuevos talentos 2019.

Creadores de conciencia

Y a raíz de la exposición se ha organizado una mesa redonda, de acceso libre, con algunos de los fotógrafos más experimentados de nuestro panorama: Sandra Balsells, Paco Junquera, Manu Bravo y Pablo Juliá. Hablaran sobre el apasionante mundo de la fotografía y el periodismo.

El sábado 30, entre otras muchas cosas, se homenajeará a una de las mejores fotógrafas de nuestro tiempo: Cristina García Rodero. Será el momento de la presentación de un documental sobre su obra.

JAVIER BAULUZ. Hombre y mujer celebran emocionados el exito de su travesía como refugiados. Lesbos, Grecia 2015

Y para terminar el domingo 1 los asistentes, que son más de 3.500 cada año, podrán disfrutar de más conferencias y de un taller (50€) orientado al mundo de Instagram de la mano de Pollobarba, fotógrafo, asesor, gestor y profesor de redes sociales. Un taller que nos ayudará a conseguir nuestras metas como fotógrafos.

Como veis, es una ocasión inmejorable para acercarse una vez más a Asturias, a Gijón. Allí van a estar Eugenio Recuenco con su exposición '365', Castro Prieto y Rafael Trapiello con su nuevo libro 'Solovki'...

Castro Prieto 'Solovki'

Y sobre todo gente que ama la fotografía, aficionados que van a enseñar sus fotos, que quieren dar a conocer sus libros. Y la cercanía que hay es lo que marca este festival.

La fotografía no solo va acompañada de teoría y técnica. También está llena de vivencias, de amistades y de conversaciones. Y si es en torno a una buena fabada regada con sidra todo saldrá mejor. Os lo aseguro.

Los Encuentros de Gijón siempre serán una buena excusa para subir al norte con la cámara. Allí podrás vivir la curiosa y siempre gratificante unión de la fotografía y la gastronomía, dos de las experiencias que más unen a las personas.

Si, hoy 19 de agosto celebramos el Día Mundial de la Fotografía, una efeméride que nos dejará múltiples fotos de autobombo, citas manidas y recuerdos por toda la red. Pero, además, aprovechamos este domingo para recopilar otros artículos que nos han resultado interesantes para completar nuestra Galaxia Xataka Foto de hoy.

• Desde La Vanguardia nos recuerda la exposición del gran fotógrafo Shomei Tomatsu que se está llevando a cabo en la Fundación MAPFRE. Estará disponible hasta el 16 se septiembre para descubrir al fotógrafo que revolucionó la fotografía en el país nipón.

• Sorprendidos (o no) encontramos al gran fotógrafo Eugenio Recuenco plegado a los encantos (publicitarios) de la fotografía con móvil y leemos con estupor la entrevista que ha concedido en el diario Expansión.

• Por cierto, para los fotógrafos amantes del jazz descubrimos un curioso concurso que organizan la Asociación de Amigos del Jazz de Albacete, una buena excusa para escaparse a la ciudad manchega y disfrutar de su festival mientras hacemos alguna foto para el concurso.

• Además del caso conocido de la Torre Eiffel (de noche) hay algunos otros monumentos más alrededor del mundo que no se pueden fotografiar con total libertad, por aquello del copyright restringido a ciertos usos. En El Diario nos los recuerdan, así que no está mal repasarlos.

• Las influencers que habitualmente encontramos en Instagram con sus miles de seguidores y su creciente fama esconden a buenos fotógrafos detrás que son los que las hacen destacar en sus postureos y estilismos influenciadores. Los comentan en El Español.

• El auge de los autorretratos con móvil o selfies ya hace tiempo que se nos fue de las manos. Acabamos de encontrar un nuevo suceso que lo confirma: en la Fontana de Trevi dos turistas se enzarzaron en una pelea por la mejor ubicación para realizarse el selfie. El asunto quedó grabado, como vemos en la Cadena SER, para que confirmar lo absurdo del asunto (y esbozar alguna sonrisa).

• Finalizamos con una selección de grandes fotógrafos, en esta ocasión con motivo de su maestría en el uso del blanco y negro, que han realizado en la web Mott.

Esto ha sido todo, os invitamos a disfrutar de este fantástico domingo y el Día Mundial de la Fotografía.

Foto | Shomei Tomatsu: Eiko Oshima, actriz en la película Shiiku (La presa), 1961.

Como ya os avanzamos, un nueva cita relacionada con la fotografía se ha incorporado al calendario de eventos de la ciudad de Madrid. Se trata de Madrid Photo Fest, “otro” festival de fotografía pero con un carácter diferente a lo habitual, mucho más práctico que PhotoEspaña. Por este motivo, Xataka Foto no podía faltar a la cita y, por supuesto, os lo vamos a contar.

Claro que, tal y como apuntamos en este otro artículo, el programa de Madrid Photo Fest estaba lleno de interesantes propuestas, muchas de las cuales se solapaban unas con otras motivo por el cual era imposible asistir a todo. Por eso, nuestra crónica se va a centrar en lo que nos pareció más interesante o bien tuvimos que priorizar por cuestiones de agenda. Para comenzar, os contaremos qué tal fue el workshop de Eugenio Recuenco y la charla del fotoperiodista Manu Brabo.

Pero antes hay que hablar un poco del lugar “físico” en el que se celebró el evento. Se trata de un local denominado “Espacio Harley” que se va a convertir en la nueva sede de la escuela de fotografía Workshop Experience, organizador del festival. Este lugar está enclavado muy cerca de la Plaza de Toros de Las Ventas, y es un local de dos plantas, con 2.000 metros cuadrados “dedicados en exclusiva a la fotografía” y con un estilo industrial muy actual, que además nos pareció perfecto para un evento como éste.

En la planta baja del local se desarrollaron las talks de fotógrafos y también las sesiones de post-producción, y además también había un espacio para expositores (no muy amplio, bien es cierto), que contó con firmas del sector como Canon, Fotocasión, Sigma, Sony y Profoto. Por su parte, en la planta superior se enclavaba el plató que sirvió de espacio para los diferentes Workshops, así como la exposición colectiva 'Mare Nostrum. Guerra y éxodo en el Mediterráneo', de MeMo Reporters (formada por Fabio Bucciarelli, José Colón, Guillem Valle, Diego Ibarra y el propio Manu Brabo).

La fotografía pictórica de Eugenio Recuenco

Eugenio Recuenco al comienzo de su taller

La primera jornada completa del Madrid Photo Fest 18 comenzó con el taller de Eugenio Recuenco, reputado fotógrafo de moda al que tuvimos ocasión de entrevistar hace sólo unos meses. Tras una breve introducción, destinada a presentarse, hablar de su forma de trabajar y de ‘365’ (su último proyecto de carácter personal), el fotógrafo comenzó una sesión de trabajo en vivo que tenía por objeto lograr dos fotografías con su estilo particular.

Un estilo que él mismo definió como “pictórico”, utilizando como inspiración el trabajo de Vermeer y los pintores flamencos, a los que por supuesto no trata de copiar. De hecho, Recuenco comentó cómo a él no le interesa que toda la fotografía esté perfectamente nítida y que muestre todo con detalle, “lo más importante es que lo que haya funcione”.

En el centro de la imagen, la modelo protagonista y el fotógrafo en plena sesión.

Para la ocasión se había montado un sobrio decorado ex profeso que reproducía una suerte de habitación de hospital, con una ventana que dejaba pasar la luz del sol (reproducido artificialmente) y una especie de alacena y poco más. El otro elemento fundamental era una modelo con un estilismo muy barroco que se preparó en una sala contigua de la mano de profesionales de la misma escuela (que además de fotografía también ofrece cursos de maquillaje). Con estos elementos, Recuenco y todo su equipo (dejó muy clara la importancia del equipo que trabaja con él) se volcaron en lograr unas tomas que el fotógrafo había imaginado para la ocasión, y que los espectadores pudieron ver cómo se iban construyendo paso a paso.

Y lo hicieron gracias a un monitor aledaño que estaba conectado al portátil de Recuenco, que a su vez lo estaba a la Hasselblad H3D de 39 megapíxeles, la cámara que habitualmente utiliza para su trabajo. Ésta, por cierto, estaba configurada con una ISO 800 (cuando su valor “normal” es de 80) porque, según comentó el fotógrafo, “para ser pictóricos hay que ir contracorriente”, y con una velocidad de obturación baja, porque así “pasan cosas”.

Recuenco observando los resultados de la toma en el portátil.

En este sentido, Recuenco comentó que una clave de su trabajo está en permanecer “muy atento a lo que va pasando, cuando se mueven elementos, luces…” Justo lo que fue ocurriendo durante unas cuatro horas, que resultaron muy interesantes, aunque (todo hay que decirlo) también se hicieron algo pesadas. Y no porque lo que contara el fotógrafo no fuera interesante, sino por la propia incomodidad de estar sentados tanto tiempo (por supuesto con descansos) en unas sillas que tampoco ayudaban mucho.

Manu Brabo, sin pelos en la lengua

Así podemos calificar la intervención del fotógrafo Manu Brabo, una charla que llevó a cabo con un estilo muy directo y sin rodeos, donde fue contando la historia de un chaval que quería ser fotógrafo de guerra. La charla de quien fue Premio Pullitzer 2013 por su cobertura de la Guerra de Siria también resultó un poco larga (alrededor de dos horas), pero estuvo llena de titulares sin desperdicio: “Ninguna foto merece perder la vida, pero perderla por una foto subexpuesta es de gilipollas.”

De esta manera habló de cómo muy pronto tuvo claro que antes de nada tenía que aprender a hacer fotos y de unos comienzos difíciles, con muchos años trabajando como fotógrafo en carreras de motos. Todo eso cambió en 2011, cuando logró ir a su primera guerra, la de Libia.

En aquella contienda el fotógrafo confiesa que estaba más obesionado por lograr buenas fotos que por captar lo que es una guerra, algo que fue cambiando con el tiempo. También confesó que, no siendo el mejor fotógrafo, ni pudiendo competir con los grandes de la profesión, en sus primeros años como rookie en la profesión, la clave de su éxito estuvo en “echarle huevos”.

Brabo explicando una foto en la que muestra a niños en las zonas de conflicto que tienen el horror de la guerra como algo cotidiano.

Mientras hablaba, Brabo nos iba mostrando una selección cronológica de sus fotografías, comentando algunas de ellas y mostrando sin cortapisas su malestar con ciertos temas. Como el poco apoyo que tienen los fotógrafos de guerra por parte de los medios de comunicación, “pagan lo mismo a uno que está en el frente de Libia que a otro por hacer fotos en el Bernabéu”, o nuestra pésima actuación (de todos, pero con especial acento en cierto sector político) en la actual crisis de Siria, “se nos tenía que caer la cara de vergüenza por lo de Siria. Hemos dejado morir a medio millón de personas”.

Brabo también comentó como “para ser fotoperiodista hay que dejar de lado ideologías, religiones y demás”, y por supuesto también habló de la evolución de su forma de ver la fotografía a lo largo del tiempo, con la inestimable experiencia adquirida en tantos conflictos (Libia, Siria, Egipto, Irak, Ucrania…) que le han hecho cambiar, entender que aquello que decía Robert Capa (“Si la foto no es buena es porque no estás lo suficientemente cerca”) tenía más que ver con una distancia emocional respecto a la gente con la que convives en los conflictos y que protagonizan las fotos.

Brabo contestando a las preguntas del público asistente.

Igualmente, contó cómo le resultan especialmente interesantes temas como la psicología de los soldados (“son personas como todos”), y por supuesto los prisioneros, después de que él mismo lo fuera en Libia, al comienzo de su carrera como fotoperiodista, y coincidiendo con el gran James Foley. A éste, y a todos los compañeros de profesión con los que ha trabajado, atribuyó el fotógrafo su mejor fuente de aprendizaje. “Son los mejores profesores que he tenido; y yo soy un gran copión”, dijo Brabo.

Pero si el fotógrafo se ha ganado su prestigio en las zonas de guerra, las últimas imágenes de su charla fueron para hablar de otro tipo de conflicto. El que muestra ‘Corresponsales de Guerra en el Cáncer de Mama’, su último proyecto que recibió por encargo de un fabricante de electrónica. Un proyecto que afrontó como un reto por lo difícil que resulta “entrar en la vida de personas que están pasando un momento muy complicado, también las de alrededor”.

Además de mostrarse encantado de poder hacer una historia muy íntima con más medios y tiempo que en su trabajo habitual, Brabo confesó que no cree en la objetividad (“es una de las grandes mentiras del periodismo, no digamos de la fotografía”), y que está muy contento con el resultado porque “a pesar de que se podía caer en el drama tiene un espíritu muy positivo”.

Página web | Madrid Photo Fest 2018

En Xataka Foto | Madrid Photo Fest 2018: Asistimos a la primera edición del nuevo evento fotográfico de la capital (y II)

Uno de los fotógrafos de moda más importantes de los últimos tiempos, ha creado la última campaña de Barceló Hotels & Resorts bajo el lema Bartceló, el arte de innovar. Por este motivo hemos tenido la oportunidad de entrevistar a su autor, Eugenio Recuenco.

La campaña publicitaria de Barceló Hotels & Resorts consiste en destacar tres de los conceptos más novedosos de la nueva temporada, desde ofrecer la mayor calidad en los desayunos de los clientes, pasando por una nueva forma de entretener a los niños que se hospedan en sus hoteles, hasta la presentación de las nuevas habitaciones de la más alta calidad.

Este era el reto al que se enfrentaba Eugenio Recuenco con su equipo. Dar forma, con total libertad, a estas ideas a través de la fotografía. Así que nos fuimos al hotel Barceló Torre de Madrid para preguntarle cómo resolvió el encargo y muchas más cosas sobre el rico mundo de la imagen. También nos acompañaron Eric Dover, director de arte de la campaña y Sara Ramis, directora de marketing de Barceló Hotel Group.

Ahora mismo te reconocen como uno de los fotógrafos de moda más importantes del mundo, con multitud de clientes y proyectos. ¿Qué te atrajo de la propuesta de Barceló?

Por primera vez en la vida me ofrecían la posibilidad de hacer la fotografía como yo quisiera teniendo en cuenta el concepto y acepté sin pestañear.

¿Cómo se desarrollaron las ideas para crear la campaña?

Hubo una serie de conceptos que se dieron al equipo por parte de Barceló Hotels&Resort, y cuál era la línea que querían representar y publicitar. A partir de ahí empezamos un recorrido con diferentes caminos.

Por un lado es muy enriquecedor y bonito trabajar así; pero por otro lado es muy incómodo, por todas las dificultades que se presentan. Es la foto con la que te has comprometido con Barceló Hotels&Resort. Es el trabajo de todo el equipo. Tuvimos tiempo para poder plantear lo que funcionaba, lo que no... hasta que se llegó a la esencia del proyecto de la forma más personal con ningún tipo de coacción.

Se construyeron los universos donde se desarrollan las historias. Tanta libertad es un abanico de posibilidades que se te abren a ti mismo. Luego tuvimos que luchar contra muchos conceptos diferentes e ir viendo que era lo que más nos gustaba de cada una y conseguir que todo fuera un conjunto. Esto no consiste en hacer seis disparos muy buenos y que no tengan nada que ver entre ellos.

Había que hacer que se sintieran como una campaña única. Llevó mucho tiempo la verdad. Y sobre todo hay que agradecérselo a Eric Dover, director de arte de la campaña, que montó todos los decorados. Todo lo que veis estaba ahí realmente.

Eric: Cuando te dan la libertad hay muchos tipos de fotografías que puedes hacer. Se preparó una especie de puzzle con muchísimas imágenes que tenían que ver con el concepto. Fue un trabajo en equipo con la gente de Barceló Hotel Group donde todo se iba asentando y madurando para llegar finalmente a la campaña que podemos ver.

Sara Ramis: Ha sido un trabajo en equipo tan bien llevado al concepto que queríamos gracias a su creatividad. Hemos aportado lo mejor de cada lado.

Sostengo la teoría de que la mayoría de los mejores fotógrafos (Cartier Bresson, García Rodero, William Klein, Moholy Nagy...) son aquellos que tienen formación de pintor. Tú vienes de la facultad de Bellas Artes, tu inspiración es claramente pictórica… ¿Estás de acuerdo?

La verdad es que no te lo puedo confirmar. Yo solo he estudiado Bellas Artes. Puedes llegar a ser fotógrafo desde muchísimos sitios. En Bellas Artes nunca estudié fotografía. Realmente no ilumino, coloco la luz donde la necesito y la quito donde sobra. No hay que hacer nada más para hacer una fotografía.

Venir de Bellas Artes yo creo que puede educar la mirada pero algunas veces ni siquiera eso. Posiblemente te ayuda a intentar que haya una relación armoniosa en la composición que lleve al espectador a percibir lo que tienes delante como más estético. Desde mi experiencia, es para lo que me ha servido.

Lo que hace que te guste más es que sea más imperfecto. Al final una fotografía es un resumen de todo lo que llevas dentro. En mi caso ese poso está ahí y se refleja en mis imágenes. A otro que no le guste la pintura puede hacerte una fotografía igualmente interesante porque su mundo es totalmente distinto a lo que vemos. Para mi no es imprescindible.

Tus fotografías son tu pasado y si vienes de la pintura saldrá reflejada. También depende del gusto del espectador. Un espectador a lo mejor tiene la misma afinidad que el fotógrafo y le interesan los mismos mundos y te olvidas de los que no entran en tu mismo espectro.

En tus fotografías hay siempre una idea que se materializa con la ayuda de la escenografía e iluminación, como ocurre con Mario Testino o Annie Leibovitz. Luego todo culmina en el laboratorio digital. ¿Qué importancia tiene para ti el papel de los programas de edición? ¿Cómo ha cambiado la fotografía por el mundo digital? ¿Qué importancia tiene el equipo humano para un fotógrafo de moda?

Intentamos que esté todo lo posible en el momento del disparo, porque tengo que entender la relación que hay entre las cosas. Seguramente ahora se podría hacer todo con Photoshop. Yo preparo junto con mi equipo el momento del clic, no quiero hacer un clic para luego hacer una fotografía. Es algo muy diferente.

Photoshop es solo una herramienta más. Te ayuda como fotógrafo. No es el fin. No tiene sentido disparar pensando que luego todo lo hará el programa. Si eres retocador será tu fin pero como fotógrafo la foto la tienes que tener en el momento del disparo. Por este motivo no me ha cambiado mucho el universo digital.

Estos programas sirven para quitar pequeñas cosas que te den la libertad de no tener que crear toda la imagen en su más mínimo detalle. Antiguamente todo estaba orientado al no retocar nada, porque prácticamente no existía.

Eric: En este proceso de la creación de una imagen Eugenio no te va a decir que tiene la foto si no la ve. Esto imposibilita que luego podamos poner un engranaje en postproducción porque ver directamente la incidencia de la luz, las sombras y demás, es su forma de trabajar. No podemos olvidar que venimos de la época del carrete.

Tengo la sensación de que el mundo del cine cada vez está atrapándote más. Y después de ver tus fotografías parece el camino natural.¿Es el cine el nuevo camino para los fotógrafos? ¿Las nuevas cámaras lo facilitan?

Permiten que gente con talento haga cine y pueda llegar a ser visible. Permiten que muchos que no tienen ni idea hagan sus proyectos. No porque sea más fácil rodar te van a permitir mostrar lo que haces.

Es importante tener que contar algo para que pueda existir una película. Puedes comprarte la cámara perfecta, pero si no eres capaz de poner delante de ella nada interesante, no podrá hacer una buena foto, por mucha capacidad técnica que tenga.

El camino que me apetece seguir ahora es ir explorando la parte audiovisual y hacer una película, que es diferente a hacerte director de cine. Me apetece contar historias, pero no convertirme en director de cine. Porque una vez cuente esas historias veré si merece la pena seguir o no seguir haciéndolas. De momento es una ilusión porque es un complemento más.

Es dar movimiento a una fotografía con tiempo y música y conseguir muchas más sensaciones. No es un camino para todos los fotógrafos, desde luego. Esto surge de una idea que tenía desde hace mucho tiempo. Hay que tener en cuenta que yo tampoco me considero fotógrafo. Hago escenografías para óperas. Lo que realmente me apetece hacer con mi equipo es trabajar con la imagen.

Soy más un creador de imágenes que un fotógrafo. Realmente admiro a los que se dedican al reportaje porque tienen un ojo entrenado para mirar la realidad, pues yo casi me limito a crear mi propio universo, una realidad paralela. Por tanto no me considero fotógrafo, hacemos lo que nos pidan con la imagen. Y si nos gusta nos ponemos manos a la obra.

El cortometraje 'Manuscrit Trouvé Dans L'oubli' (manuscrito encontrado en el olvido) fue un éxito reciente en el festival de Piélagos. Me imagino que quieres experimentar un nuevo lenguaje y por eso no has hecho tú la fotografía. ¿Cuál es la importancia de la fotografía en el cine para ti?

Es muy importante. Tan importante que si quiero dirigir y contar bien una historia como yo quiero, necesito un profesional que sepa más que yo. Una cosa es que haya comunicación con el director de fotografía y vas a trabajar con él cómo quieres la imagen, pero no puedo estar inmerso en la fotografía si lo que quiero es estar atento a todo lo que rodea la creación de una película.

Si tú llegas al entendimiento con un director de fotografía con un universo más amplio que el tuyo, todo irá más fluido. Yo sé iluminar una imagen fija pero hacerlo con el movimiento es otra historia. Aprenderlo supondría un esfuerzo que quiero dedicar a plasmar bien la historia.

Consejos para jóvenes fotógrafos de moda

Una de las cosas que siempre agradeceré son los consejos que dan los fotógrafos a sus alumnos. ¿Qué dirías hoy en día a alguien que quiere ser fotógrafo? ¿Quién te puede abrir la mente como fotógrafo?

Al final todo consiste en hacer fotos, fotos y más fotos. Pero hacer fotos no para alguien en concreto. No tiene que haber ningún fin cuando empiezas.

La mayor equivocación de los principiantes es hacer fotografías pensando en alguien en concreto que las va a ver. No están pensando en ellos mismos disparando esa imagen. No tienes que hacer una serie porque ahora se lleva esto, o porque es la moda. Justamente es todo lo contrario.

Para llegar a la moda, que es algo que cambia cada seis meses, y que es la novedad lo que destaca siempre, si quieres estar a gusto contigo mismo, tienes que parar un momento y darte cuenta de que no puedes ir detrás de la moda. Tienes que servirte de ella y ser tú el que hagas las fotografías que a ti te convenzan como espectador. Preguntarte qué es lo que te gustaría a ti ver como espectador cuando abres una revista o vas por la calle. Ese es el camino.

Y no ver que algo tiene éxito y copiarlo. Así es la mejor manera de ir por detrás y estar disgustado contigo mismo porque el éxito depende de los que te ven, no de lo convencido que estés tú de tu propio trabajo. Para llegar a este nivel solo tienes que hacer muchas fotos y no buscar un estilo. Tienes que inventar y al final conseguirás lo que más te gusta hacer.

Es muy duro si dedicas toda tu vida a crear algo que no te gusta para dar placer a los demás. No es una buena forma de terminar todos los días de tu vida.

Eugenio Recuenco podría ser uno de esos fotógrafos de película que miran por encima del hombro a los modelos que fotografía y trata con desprecio a sus semejantes. Pero afortunadamente no cumple ni uno solo de los tópicos de los fotógrafos de moda. Es una persona cercana de la que todos los que amamos la fotografía podemos aprender.

Más info | Eugenio Recuenco