ACDSee Gemstone 12 es el último programa de revelado que ha llegado al mercado. De momento es una versión beta, que podemos probar gratuitamente, y algunas funciones no serán las finales. A partir del editor de RAW ACDSee han desarrollado un programa que quiere rivalizar con Adobe Photoshop. En Xataka Foto vamos a revelar una fotografía con el editor de RAW para ver hasta dónde llega su calidad.

Para ver cómo trabaja este editor voy a seguir mi flujo de trabajo de diez pasos para intentar conseguir resultados equiparables y ver la calidad que es capaz de alcanzar el archivo que llegará a Gemstone 12. Desde luego no podemos decir que el aspecto final sea el definitivo, porque recordamos que todavía es una versión beta, pero estaremos muy cerca de la realidad porque la base del programa ya existe.

Así que vamos a ponernos manos a la obra con una fotografía de mi archivo personal, bien expuesta pero con un contraste muy alto. Luego compararemos resultados con los programas de Adobe.

El decálogo del revelado con Gemstone 12

Estos diez pasos permiten revelar cualquier fotografía en cualquier programa y dejarla terminada, si no queremos pasar más tiempo delante del ordenador y la luz era perfecta, o lista, con toda la información en su sitio, para terminar de revelarla por zonas.

Es importante seguir todos los pasos en el orden establecido ¿Por qué? Para avanzar siempre y no retroceder jamás. Esta es su ventaja principal, entre otras muchas. Vamos a ver cómo los diez pasos funcionan también con este programa.

En Xataka Foto

Qué tener en cuenta antes de comprar una cámara que (quizá) no necesites

Ver la fotografía

Estamos ante la fotografía de una cascada con un cielo muy claro que no la deja destacar. Así que quiero oscurecer el cielo para que la caída de agua gane protagonismo.

Fotografía original

Además quiero que la vegetación tenga una mejor representación del color. No quiero tonos más saturados sino más luminosos. Por último, el agua debería tener más textura.

Entender el histograma

El histograma tiene forma de valle entre dos montañas muy altas. Es la perfecta representación de un contraste máximo respetando el rango dinámico del sensor, porque no tenemos ni blancos quemados ni negros sobreexpuestos.

En este programa no tengo acceso directo a la información de exposición. No puedo ver ni el tiempo de obturación ni el diafragma. De hecho, con el editor abierto no tengo forma de saber algo tan fundamental.

Corregir los problemas ópticos del objetivo

Esta fotografía está hecha con el FE 24-70 ZA OSS f4. Es un dato que, de nuevo, no tengo disponible y que solo he descubierto al mirar los datos en Lightroom. Para evitar que se bloquee he tenido que abrir la fotografía, guardar el Proyecto y abrir la pestaña Geometry para poder activar la búsqueda automática de la corrección.

Corrección de objetivo

En esta pestaña también podemos enderezar la imagen si fuera necesario, recortar y viñetear la imagen.

Ahora necesito limpiar la imagen, quitar el polvo del sensor en la pestaña Repair. El funcionamiento sorprende... Hay que pinchar con el botón derecho en la zona que queremos clonar y con el izquierdo encima de la mancha. Nos deja hacer bastantes configuraciones, pero es una herramienta eficaz con los ajustes por defecto.

Reencuadrar la fotografía

Como hemos comentado al principio no es necesario recortar esta imagen. Si lo quisiéramos hacer tan solo tenemos que ir a la pestaña Geometry, de nuevo.

Ajustar las dominantes de color

La dominante de color que elijamos marcará el revelado de nuestra fotografía. Le dará un sentido, un significado. No es lo mismo una imagen cálida que otra fría...

Ajuste de dominante

En White balance podemos elegir un ajuste preestablecido o llevar el ratón sobre la imagen para pinchar en una zona blanca o gris de la fotografía. También podríamos hacer el ajuste manual, por supuesto.

Ajustar la luminosidad de la fotografía

Es un paso que daremos si hemos trabajado con la Compensación de exposición. El dato queda guardado dentro de los metadatos siempre y cuando no hayamos disparado en modo Manual. Como no se puede ver en la versión beta de Gemstone 12, la información la buscaré en otro programa.

Después de ajustar la luminosidad

Esta fotografía tiene 2,3 pasos de compensación. Para conseguir la luminosidad del momento del disparo hay que cambiar el valor Exposición de la pestaña General a -2,3. Si no conocemos el dato porque hemos disparado en Manual o no lo encontramos personalmente no recomiendo cambiar este parámetro salvo que la exposición sea muy mala.

Contraste

El contraste cambia el aspecto de una fotografía. Muchos huyen de él, pero a mí me encanta. Siempre encontramos el parámetro de Contraste, pero siempre es más sutil hacerlo con una Curva.

El contraste ajustado por una curva

En Tone curves basta con poner como ajuste preestablecido Camera y parece ajustar el contraste sin demasiado esfuerzo.

Ajustar el lado derecho del histograma

La ventaja de los nuevos motores de revelado es que podemos trabajar ambos extremos del rango dinámico por separado. A la derecha están las luces. Y en Gemstone 12 podemos controlarlas en la pestaña General>Fill Lights y en Lights EQ>highlights (una herramienta muy práctica) para lograr que el histograma toque el extremo derecho y que las luces más altas bajen hacia la zona de los grises para sacar más texturas a las nubes.

Las luces controladas

También es verdad que podríamos hacer lo mismo solo con las curvas, pero creo que es interesante jugar con todos los parámetros.

Ajustar el lado izquierdo

Es el momento de las sombras... El histograma indica ahora la subexposición. Curiosamente no he visto ninguna herramienta que nos permita ajustar por separado los negros más profundos. Podría hacerlo con curvas y olvidarme.

Voy a apostar por Light EQ>Shadows para levantar las sombras. No consigo evitar una leve subexposición, pero logró aclarar los tonos más oscuros.

Aumento de la acutancia

La acutancia es aumentar el contraste de los tonos medios para conseguir una mayor sensación de nitidez. En muchos casos es lo único que utilizo para mejorar la nitidez de mis fotografías.

Acutancia

En Gemstone 12 encontramos esta herramienta en General>Clarity. Tengo la sensación de que funciona como el mismo parámetro de Adobe Photoshop, así que subo el valor a 50 y consigo una excelente imagen final.

Opinión final

Es un programa bastante fácil de controlar si estás familiarizado con los principales editores del mercado. En este sentido no vamos a tener problemas para profundizar y mejorar el revelado. Estos diez pasos se podrán depurar para aprovechar más las herramientas. Pero esta primera aproximación es válida.

La calidad de imagen del motor de revelado de Gemstone 12 es muy alta pues aprovecha las conocidas virtudes de ACDSee. No hemos hecho una prueba de laboratorio, pero la primera impresión es muy buena.

Adobe versus Gemstone 12

Tiene algunos aspectos de funcionamiento muy útiles como aprovechar el botón derecho del ratón para más cosas que abrir menús contextuales o elegir una herramienta y poder trabajar tanto con los parámetros como directamente en la fotografía sin necesidad de pinchar en otro sitio.

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La hora dorada y azul: qué son y cómo aprovechar las horas mágicas para hacer buenas fotografías

Es verdad que al ser una versión beta (ganas de probarlo más a fondo cuando lancen actualizaciones) tiene muchos flecos sueltos que irán puliendo hasta llegar a la presentación definitiva en otoño, si todo sale bien. No podemos decir que es el programa definitivo porque cada uno tiene su favorito, desde luego, pero es un serio candidato al trono que hasta hace relativamente poco, solo ocupaba Adobe.

Desarrollar un flujo de trabajo es muy importante en el desarrollo de nuestros proyectos fotográficos. Gracias a ellos podemos sacar el máximo provecho a una imagen desde su preproducción hasta su postproducción. ¿Cómo podemos trasladar esto al mundo de la fotografía móvil?

Procesos computacionales

La fotografía en móviles depende en gran parte de los procesos computacionales. Mediante promediar múltiples capturas en milésimas de segundo y aplicando algoritmos que analizan y optimizan los componentes de la imagen en distintos niveles, estos procesos son capaces de producir una imagen más nítida, limpia y con información de sombras a brillos; claro, dentro de lo que es posible para la tecnología actual.

Si bien el futuro cercano se centra en el desarrollo óptico para mejorar la calidad de imagen de entrada, los procesos computacionales llevan la batuta del resultado. A través de ello conseguimos optimizar el rango dinámico de la imagen o realizar una imagen RAW de alto rango dinámico como lo hace Google con su modo HDR +.

Ya que la captura va a estar mediada por procesos computacionales, es importante que nuestro flujo de trabajo se adapte a ello para poder sacar el máximo provecho de las escenas. En este sentido nuestra preproducción fotográfica se centra en las siguientes preguntas:

• ¿Cuáles son los límites de mi móvil?
• ¿Cómo puedo potenciar los resultados del móvil?
• ¿Qué elementos tendré que mejorar?

Los límites usualmente estarán definidos por niveles de ruido, el rango base, qué tan limpia puedo conseguir la imagen o si tengo que hacer recortes en la toma para evitar distorsión por perspectiva. Hay que disminuir todo lo que pueda destruir la calidad base de la toma.

Computo + Computo

Como en cualquier otro espacio de fotografía, la perfección en la toma es vital. Acá manejaremos nuestros contrastes de luz, nuestra textura y nuestra base de color. Capturar una toma lo más cercano a nuestro resultado final es importante para no pasar a la siguiente fase a arreglar errores.

Sin embargo, con la tecnología actual hay varios elementos que pueden complementar y mejorar la calidad de nuestras imágenes. El RAW o el JPG que resulta de estas tomas pueden ser mejorados gracias a otros procesos computacionales con inteligencia artificial.

Podemos transformar un recorte de 13MP a una imagen de 54 MP.

Con herramientas como  Denoise AI, Sharpen AI y JPEG to RAW de Topaz Lab podríamos conseguir limpiar nuestras imágenes aún más y mejorar la percepción de nitidez. Con Super Resolución de Camera RAW podemos ampliar nuestras imágenes manteniendo gran calidad de detalle. Y cuando herramientas como DxO PureRAW integren la mejora de RAW de móvil, podremos ahorrar en software.

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¿Cómo funciona el rango dinámico en nuestros móviles?

Actualmente la calidad de los móviles no se acerca a una cámara de alto nivel. Sin embargo, al complementar la captura con flujos de postproducción basados en inteligencia artificial, la calidad base de esas imágenes puede mejorar para obtener resultados que pueden suplir muchas necesidades comerciales.

La evolución de la tecnología es algo inevitable. A medida que vamos desarrollando los sistemas de captura, encontramos que el poder de captura se está centrando más en los procesos computacionales. Esto enoja a muchos amantes de la fotografía que tienen los procesos más puros del arte en sus corazones, lo que los lleva a demeritar esta evolución.

Sin embargo, como hemos mencionado antes, aceptar la evolución tecnológica como los procesos de IA o el desarrollo de sistemas fotográficos compactos es algo que debemos afrontar si no nos queremos quedar atrás en la historia. La fotografía móvil es parte de ese proceso y si queremos aceptarla y comenzar a explorar, debemos eliminar las siguientes tres frases de nuestra vida.

“Los móviles no son cámaras de verdad”

Acá es donde se centra la principal controversia con los móviles: ¿son o no una cámara?

No es su función inicial, sin embargo los smartphones cuentan con un objetivo de focal y apertura fija, un sistema interno de composición óptica, un plano focal en forma de sensor. El procesador computa la información capturada y esa luz que estimuló los fotodiodos se transforman en una imagen. Ese es el principio de la fotografía y, si bien hay procesos computacionales que no son propios de la tradición, el resultado es una imagen construida a partir de la luz.

El arte fotográfico se realiza a partir de lo que logramos hacer con nuestros sistemas. No importa si la imagen se hizo con un sensor de formato medio o con uno de fragmento de pulgada. Si la composición, el contraste y los elementos son trabajados de manera correcta, el resultado va a ser una pieza única. Esto se demuestra año tras año con los ganadores de concursos como los Mobile Photo Awards y los iPhone Photography Awards.

Todo se reduce en cómo utilizo a mi favor lo poco que puedo ajustar en mi móvil.

“No se compara la calidad”

La calidad o incluso la idea de disparar en RAW es un cuento viejo que se pone más viejo con la rápida evolución tecnológica. Los sistemas de IA son cada vez más complejos y completos, la capacidad de hacer capturas por arriba de los 50MP permite hacer reducciones para obtener nitidez y hacer recortes sustanciales. La mayoría de móviles de gama media para arriba ya tienen integrado una captura RAW DNG (y hace poco os contamos por qué deberíamos hacer fotos con esa opción activada).

A eso le debemos sumar que los software de edición son cada vez más potentes para eliminar algunos defectos como aberraciones y ruido. Así mismo hay software para ampliar las imágenes y mejorar la información a partir de análisis por IA como las soluciones de Topaz. Incluso los software de los móviles ya tienen herramientas de optimización, que permiten imágenes que cumplen con estándares de muy buena calidad.

La calidad de un smartphone se limita a impresiones de gran formato. Aunque, probablemente, eso cambiará con el avance tan acelerado que hay actualmente.

“Uno no debería hacer fotos con smartphones”

¿Por qué no? Esta noción de que el móvil no está hecho para capturar fotos y que debemos dejar de experimentar con una herramienta por no costar miles de euros o tener objetivos intercambiables es nuestro principal límite. Si no podemos liberarnos de los diales, los objetivos grandes y la marca de cámara que nos atrapó cuando arrancamos en este mundo; nuestra visión se va a ver sesgada.

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Por qué es aún más importante disparar en RAW con nuestros móviles

Es importante experimentar con la imagen. Entender procesos. Al usar móviles nos enfrentamos a retos de color, rango dinámico y limitación de funciones que nos hacen aprender más. Si, se pueden aprender cosas de Tik Tok y se pueden hacer excelentes imágenes con un móvil.

Aceptemos la tecnología y el progreso y dominemos sus herramientas para encontrar nuevas miradas en nuestro arte.

Durante nuestro desarrollo como fotógrafos, es importante aprender a optimizar nuestro trabajo y tiempo con un flujo de trabajo definido. Si bien cada persona debe encontrar sus puntos fuertes y débiles para encontrar un proceso cómodo y efectivo, hay elementos que son necesarios en todo tipo de imágenes. Aquí os mostramos cuáles son.

Desarrollando nuestro flujo

A la hora de abordar nuestras imágenes se nos enseña que éstas pasan por tres pasos principales: revelado, edición y retoque. Esta división usualmente se enseña así por el acercamiento tradicional de la fotografía donde primero se procesa la foto de manera natural durante el revelado, luego se hacen modificaciones leves en la edición y se finalizan los cambios grandes en el retoque.

Sin embargo, una forma más intuitiva de acercarse a todos estos procesos es pensar el flujo desde los distintos propósitos de los ajustes:

• Balancear
• Hacer ajustes locales
• Eliminar distracciones
• Definir el estilo de color

Al pensar la imagen en este sentido entendemos que trabajar la imagen no es una cuestión de ir del paso más purista al menos purista, sino que toda imagen necesita unos pasos de trabajo que nos permitan obtener el resultado que queremos. Este acercamiento, al estar pensando en preguntarnos constantemente “qué le hace falta a nuestra imagen”, nos permite entender por qué pasamos de un proceso a otro.

Ahora veamos cada uno de esos propósitos en detalle.

El balance

Para mostrar el pensamiento de trabajo, vamos a utilizar la imagen de abajo como ejemplo.

Cuando estamos seleccionando nuestras imágenes la primera pregunta que usualmente nos hacemos es ¿cuál es mejor? ¿cuál se acerca a lo que buscamos publicar? Sin embargo, la imagen que estamos utilizando es una imagen que no estaría cerca de esa selección. Así que por qué no mejor preguntarnos ¿cuál imagen tiene mayor potencial? ¿cuál se acerca a lo que buscaba al capturar la escena?

Ese acercamiento es lo más importante. En su mayoría de veces, las imágenes que capturamos afuera o en el estudio deben estar bien expuestas, con el balance de color y expuestas de manera correcta para lo que buscamos hacia el final. Algunas veces, puede que tengamos una que otra captura como la de arriba, que parecen una mala captura, pero que tienen potencial tras trabajar en ellas un poco.

Si la imagen está bien, balancear la imagen va a ser un proceso sencillo, pues solo será terminar de ajustar levemente los ajustes de revelado para conseguir una base de trabajo ideal. En este caso, hay que ajustar mucho la exposición, hay que corregir el balance de blanco y hay que ajustar los tonos para que se acerquen a una base neutra sobre la que vamos a trabajar. Al arreglar estos problemas y buscar neutralidad llegamos a algo como esto:

Esto resuelve el primer paso del acercamiento a nuestras imágenes: conseguir una base sólida sobre la que podemos trabajar.

Ajustes secundarios

Una vez tenemos ajustada nuestra base, en el revelado o directamente en el paso de edición podemos comenzar a trabajar en la siguiente pregunta: ahora que tengo una base, ¿qué puedo hacer para completar esa base?

Esto usualmente es nuestro paso de crear ajustes de contrastes locales o los primeros arreglos de la escena. Podemos utilizar algunos ajustes como máscaras, degradados o brochas de ajuste para buscar corregir zonas específicas tanto en iluminación o en color.

En el caso de nuestra imagen, podemos ayudar a ajustar la luminancia de la escena para rescatar más del celular. Así mismo podemos usar una técnica similar a la que os mostramos de filtros radiales para ayudar a generar parches de luz y darle más volumen a ciertas áreas.

En general, lo que estamos buscando con ello es terminar de acentuar esa base para seguir con limpiar y terminar nuestra pieza.

Quitar lo que distrae

El siguiente paso de toda imagen es enfocar la retención de nuestro espectador en los sujetos más importantes de la imagen. La pregunta que nos haremos en este paso es: ¿a dónde miran mis ojos cuando veo mi imagen?

Acá nos encargamos de esos puntos más brillantes, esos puntos de contraste que llaman la atención y aquellos elementos que se pueden limpiar para una lectura simple de la imagen. En un proceso de revelado podemos realizar esto con ajustes locales o usando la herramienta de clonado de nuestros reveladores. Sin embargo, en algunas especialidades esto es un proceso más delicado. Lo importante es que nuestras imágenes deben centrarse en nuestro sujeto y todo lo que le quite atención debe ser eliminado u opacado.

En fotografía de moda, retrato o comercial podemos pasar muchas horas en el ordenador ajustando cada poro, cada brillo y cada punto incómodo que ensucie la piel o el producto. Algunas especialidades necesitarán menos trabajo, como eliminar algunas personas, darle menos protagonismo al fondo o limpiar alguna textura. Entre más sencillo sea la necesidad más sencilla será la herramienta. No siempre necesitamos llevar todo a retoque en un editor como Photoshop, si los procesos son sencillos podemos hacer todo sin salir del revelador.

Nuestra fotografía de ejemplo es un ejemplo de elementos sencillos, donde solo hay que limpiar áreas para que se vean menos ocupadas y de esa manera tener una lectura más limpia alrededor de la imagen.

Definir el estilo

Una vez tenemos nuestra base y sabemos que la atención se enfoca en nuestros elementos principales, lo único que queda es darle ese cierre de estilo que marca nuestras imágenes.

En el pasado hemos hablado sobre cómo podemos hacer ejercicios para pulir nuestro estilo, la importancia de tener referentes y contar con una buena cultura fotográfica. También tenemos muchos tutoriales que nos ayudan a conseguir looks visuales llamativos de los cuales podemos aprender a extraer elementos para nuestro trabajo.

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La importancia de contar una buena cultura fotográfica para mejorar como fotógrafos

Esta última fase debe responder solo una pregunta: ¿cómo hago esta foto mia?

La única respuesta y el único camino es experimentar, aprender a usar las herramientas y, en especial, aprender cómo aprovechar su poder para reforzar nuestras fotografías.

Así que, salgamos de procesos y comencemos a pensar en propósitos.

En el proceso de retoque y edición, cada segundo que ahorremos nos ayuda a optimizar nuestro flujo de trabajo. Por eso, personalizar nuestra interfaz es un elemento que debe ajustarse a nuestro trabajo. Desde el canal de Piximperfect llega un nuevo vídeo que nos muestra cómo arrancar el proceso desde la barra de herramientas.

Como podemos ver en el vídeo, la barra de herramientas puede ser personalizada para mostrar aquellas herramientas que usamos y esconder lo que sobra para hacer más rápido nuestro trabajo. Cada click y cada segundo que ahorremos es una ganancia para nosotros.

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Siete nuevos atajos de Adobe Lightroom que nos permiten ir más rápido a la hora de revelar

El principio es sencillo, si es una herramienta que usamos mucho, la dejamos en la barra principal. Si es una herramienta secundaria, puede ir en una subcategoría de una principal o más abajo en el listado.Aquellos que no utilicemos los mandamos a la dimensión de herramientas extra.

Hagamos el ejercicio de personalización. Para comenzar iremos a la barra de herramientas y haremos click en Edición > Barra de Herramientas. Esto abrirá el panel de abajo.

En la columna izquierda podemos ver las herramientas que se encuentran en nuestra barra de herramientas. Notamos que están enmarcadas sobre un recuadro de color gris claro, esto significa que están ubicadas dentro del mismo grupo. En la barra de herramientas se traduce a que la herramienta principal se verá en la barra y las otras se pueden acceder al hacer click en el ícono desplegable de la herramienta, como al hacer click sobre selección de marco, que nos permite ver marco tipo círculo, marco tabla y marco columna.

Antes/Después de una barra personalizada.

Si queremos que una herramienta esté sola, tan solo debemos arrastrarla y separarla en su propio grupo. Si la herramienta no tiene otras acompañándola dentro del grupo tendrá la propiedad de selección directa. Todas las herramientas mantienen su atajo de teclado, y se mantiene que navegar entre herramientas de un mismo tipo base es mediante Shift + tecla de atajo. Por ejemplo, podemos separar la herramienta de parche del grupo de pinceles de corrección. Pero, si presionamos , primero seleccionará la corrección de punto y luego navegaremos entre los otros modos de corrección mediante el comando <Shift+J>.

Aquellas herramientas que sobren las arrastraremos a la columna de herramientas extra, que es la de la derecha. Lo que pongamos en esta columna desaparecerá de los grupos y de la vista principal de la barra. Estas herramientas quedarán escondidas al final de la barra de herramientas.

Para poder acceder o migrar esta barra de herramientas personalizada podemos grabar el preset en un archivo .tbr. Esto es ideal en caso de trabajar en un ordenador que sea utilizado por varias personas. Pero, de todas maneras es ideal conservar el archivo respaldando por si un día reseteamos interfaz de trabajo o nos olvidamos de migrar las preferencias en una actualización.

Eso es todo por el momento. ¿Os gustaría ver cómo personalizar al máximo nuestra interfaz?

En el mundo profesional nos encontraremos muchas veces con clientes que piden nuestra cotización de servicios y al cabo de un tiempo nos escriben diciendo : Oye, nos gusta tu trabajo, queremos trabajar contigo… pero hay alguien que está cobrandonos menos. ¿Qué hacer en estas situaciones?

Gracias, pero…

En un reciente vídeo y artículo para FStoppers, Scott Choucino habló sobre su ética de precios, sus tarifas y un ejemplo de un caso de su trabajo. Arranca contando que durante esa semana recibió 25 propuestas de trabajo, de esas, 17 fueron de su interés, por lo que envió 17 correos con su tarifario. De los 17, 16 lo rechazaron y una oferta le dijo que si. Con este inicio, Choucino nos habla de una realidad: no siempre vamos a obtener todos los trabajos.

Luego, el fotógrafo de alimentos continúa con su explicación, habla de uno de los correos en particular. El cliente pedía alrededor de 100 tomas, fotografía editorial, super alta resolución, con licencia libre para distribución e impresión a nivel mundial en impresos y redes. Choucino le da un precio general de alrededor de 24,200 libras que se dividen en 6,000 libras de los días de trabajo del fotógrafo, 2,500 del estilista de alimentos, 1,200 de los asistentes, 1,000 del retoque, 13,500 de las licencias.

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¿Cómo consigo vender mis fotografías y rentabilizar mi trabajo? Ocho formas de lograrlo

Ante el precio, el cliente responde que otra agencia les cobra solo 5,000 libras. Choucino responde al cliente que no es un precio que pueden igualar y que espera puedan trabajar con ellos en una siguiente oportunidad.

El motivo detrás de esto es la imagen que uno le da a las empresas. Él cuenta cómo el bajarse de precio va generando en las empresas una idea de: cuando no tenemos plata, pues este fotógrafo siempre nos va a acomodar el precio. Es el barato.

Y esa es una imagen que no debemos generar sobre nosotros. En especial, porque el día que una compañía tenga plata para hacer una campaña más grande, no van a buscar al barato, buscarán a uno de los fotógrafos que están arriba en el escalafón.

Está claro que no podemos lanzarnos al mercado exigiendo grandes sumas de dinero, y que la reputación de un presupuesto más grande la debemos ganar poco a poco.

Generando valor en nuestro trabajo

En el pasado os hemos hablado sobre formas de vender nuestro trabajo. También hemos mencionado cómo trabajar gratis o a un bajo precio por el solo hecho de conseguir piezas para portfolio daña nuestra industria. Le quita valor a nuestro trabajo y fomenta que cada vez nos exploten más.

Sin embargo, no todos podemos salir a cobrar miles de euros por nuestro trabajo. Es un escalafón de trabajo que vamos ganando con la experiencia.

Lo primero que debemos hacer es crear una tabla de precios y paquetes fotográficos. Esto nos permite tener una propuesta económica, una de rango medio y una de alto presupuesto. Esto nos permite tener base de negociación y darle al cliente opciones para que sean ellos quienes se adapten a nuestro valor, más que nosotros al de ellos.

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Crear paquetes fotográficos como método de atraer a tus clientes

Al principio, trabajar en proyectos de presupuestos más limitados nos permite adquirir experiencia y desarrollar nuestra creatividad. Nos permite enfocarnos, buscar nuestro nicho y encontrar un estilo. También nos muestra los límites de producción y cómo ordenar nuestros presupuestos para mejores resultados. Trabajar como asistentes y como respaldo es una buena forma de aprender sobre el mercado.

Sin embargo, a medida que aprendamos a controlar, optimizar y mostrar que sacamos el provecho a un presupuesto para obtener el mejor resultado, podremos ir subiendo nuestra tarifa con garantía de ofrecer una buena calidad.

Tenemos una ventana de negociación y esta depende principalmente en bajar la tarifa a cambio de que el cliente se haga responsable de más elementos de la producción general. Sin embargo esto tiene contras, si el cliente no consigue lo necesario, puede dañar la producción del trabajo. Por lo que se debe dejar muy claro todo lo que puede ocurrir y sobre quien cae la responsabilidad en el contrato de trabajo.

¿Vosotros qué opináis sobre ajustar las tarifas para igualar a un fotógrafo más económico?

El flujo de trabajo al capturar una imagen requiere que nuestra mente esté variando entre procesos mientras trata de estar focalizada en la captura que realizamos. El cerebro puede hacernos jugadas durante el proceso de captura y edición y algunas veces se nos pueden pasar errores que se pueden conseguir facilmente con un respiro. Cuando sentimos que el cerebro no está al 100%, es tiempo de parar y recuperar fuerzas antes de seguir trabajando.

Estos consejos llegan por Alex Cooke a través de FStoppers. En su artículo, el fotógrafo nos muestra los efectos que puede tener la mente a la hora de trabajar. Al concentramos en los elementos de las tomas (como puede ser la luz, un elemento, una perspectiva), el cerebro se enfoca en lo que más nos preocupa. Esto genera un efecto de ceguera perceptiva, el cual nos hace omitir otros elementos dentro de la composición que están fuera del foco de atención.

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Cómo leer las críticas de nuestro trabajo para un mejor desarrollo del estilo fotográfico

Cuando esto ocurre, a veces llegamos a la sala de edición y notamos que en el material hay personas o elementos que juramos no estaban ahí cuando hicimos las tomas. En ocasiones lo que se cola es tan pequeño o insignificante que incluso las omitimos en post. Por este motivo es importante acercarse al revelado y la edición fotográfica con la mente y la vista de la forma más descansada posible. Esto nos ayudará a evitar la fatiga mental y esta ceguera perceptiva.

El problema principal al llegar a la edición con cansancio es que la fatiga mental nos puede hacer perder objetividad en la forma en que nos acercamos a corregir nuestras imágenes, lo que resulta en parches de revelado o edición que se ven mal. Nuestro gusto visual se apaga y terminamos con imágenes que saltan respecto a nuestro estilo fotográfico. No percibimos cambios sutiles y terminamos sobre utilizando herramientas como saturación, textura y haciendo cambios drásticos sin propósito alguno.

Para evitar esto, además de iniciar la edición después de haber descansado y relajado la vista, el fotógrafo propone tener un acercamiento a la postproducción que tenga en cuenta estos tres elementos:

• Alejarse: Es importante parar de vez en cuando, alejarse del ordenador, descansar la vista de las pantallas. Tratar de tomar algo de aire fresco y estirar. No solo es bueno para nuestra salud en general, muchas veces el estar mucho tiempo al frente de la pantalla nos agota la vista, lo que hace que no veamos los colores de la forma que son, omitimos elementos porque ya todo nos parece igual y eso hace que se creen errores. Así que una pausa cada par de horas es necesaria.

• Ver el panorama: Muchas veces nos dedicamos a editar minuciosamente las imágenes, pero se nos olvida el panorama general. Estamos tan metidos en corregir cada poro de la piel al 200% de acercamiento, que luego que nos alejamos nos damos cuenta que nuestro retoque ha deformado las facciones de la persona. Por eso, es importante editar en detalle, pero estar constantemente revisando el panorama general. Una forma muy útil de hacer esto es utilizando un método de pantalla duplicada. Tan solo hay que ir en la barra de herramientas a Ventana > Organizar > Crear ventana duplicada del archivo abierto. Y luego, siguiendo el mismo menú, organizar la visualización en dos columnas.

• Preguntarle a un amigo: No está mal pedir consejos, de hecho, alguien externo suele ser muy útil para conseguir un trabajo mejor. Lo importante es que preguntemos a quienes sepan cómo aportar una visión crítica de lo que estamos realizando. Alguien que no conoce el trabajo y no sabe qué debe ver puede encontrar elementos distractores de manera más fácil. Alguien que conoce nuestro trabajo nos puede indicar si nota que estamos saliendonos de nuestro estilo. Pero, en general, otra persona siempre será capaz de decirnos si se ve bien o no la imagen, si le agrada o no y los por qué de esta sensación.

Con estos tres elementos podemos quitarle carga a nuestra mente y descansar la vista. Incluir estos elementos a nuestra vida nos ayudará a mejorar nuestro flujo de edición.

Con el revelado digital dimos inicio a nuestra guía de introducción a Affinity Photo, la mejor alternativa a Photoshop que se encuentra actualmente en el mercado. La primera parte se enfocó en el proceso de revelado. En esta ocasión, nos enfocaremos en la edición básica.

Un sistema familiar e innovador

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Primeros pasos en Affinity Photo, una de las alternativas a Photoshop: el revelado digital

Tras revelar nuestras fotografías iremos a la ‘persona’ de Photo. Esta es la interfaz de edición principal del software de Affinity. A primera vista podemos notar una interfaz muy similar a la de Adobe Photoshop. Una ventaja es que las herramientas cuentan con los mismos comandos de atajo, por lo que migrar de Adobe a Affinity se hace muy fácil.

Sin embargo, Affinity innova sobre herramientas para darle un valor agregado. Varias de las herramientas de ajuste tienen un diseño más moderno e intuitivo, que se asemeja más a las necesidades de los creadores de imágenes de esta generación.

Dentro de estas herramientas, reiteramos que lo que más se agradece es el agregar los scopes de vídeo para la fase de colorimetría. Pero herramientas como el ‘Mapa de degradado’ y el ajuste de ‘Tono/Saturación’ han sido modificados para asemejarse más a los controles del mundo de vídeo.

Por demás, otras herramientas que han cambiado y le dan un valor único son los filtros de ajuste. Affinity cuenta con ‘Filtros en vivo’ que permiten que uno aplique capas de filtro (como desenfoques, distorsión, cambios de iluminación y demás) como si fueran un ajuste que podemos modificar, permitiendo crear filtros no destructivos.

Estos filtros se pueden aplicar a la capa, asemejándose a filtrar una capa de ‘contenido inteligente’ en Photoshop. También podemos utilizar esta capa como una capa de ajuste global, lo que nos permite crear efectos generales y crear máscaras para controlar zonas de aplique.

En proceso

Vamos a usar la imagen de abajo como ejemplo de un retoque básico. La idea será ajustar la imagen para que tenga tonos neutros y, a partir de ahí, darle un estilo de color a la imagen.

Utilizando el scope de mostrador RGB, podemos buscar ajustar el balance de blanco. Una forma práctica de hacerlo es buscar un área blanca que podamos recortar en la imagen y ampliar. Para ello seleccionaremos con un marco de selección, duplicaremos la selección y la ampliaremos.

Con una capa de ajuste de balance de blanco ajustamos la temperatura hasta que los canales estén parejos.

Para ajustar la piel, podemos agarrar un recorte de un área de la piel y ampliarlo. En el Vectorscopio veremos ese punto dentro del mapa.

Con una capa de ajuste de curvas podemos llevar ese tono hasta quedar sobre la línea de referencia de piel. Con ello, ya tendremos balanceado la piel y el tono de la escena.

Ahora si, es hora de darle un estilo de color.

Lo primero que realizamos es un ajuste de contraste con la herramienta de ‘Brillos/sombras’.

Seguimos con un nuevo ajuste de ‘Temperatura de color’ para darle algo más de calidez a la toma.

Con una capa de ajuste de ‘Corrección selectiva’ podemos agregar tintes sobre los brillos y las sombras para ajustar el tono a un look vintage.

Hacemos un ajuste fino del contraste final con la herramienta de ajuste de ‘Curvas’.

Para enfocarnos más sobre el sujeto, podemos hacer una máscara de ‘Filtro en vivo’ para crear un desenfoque Gaussiano. Con una máscara, seleccionamos dónde queremos aplicar el desenfoque. Y con la barra de control ajustamos qué tanto queremos desenfocar.

Finalmente podemos crear una capa con relleno en negro y, con una máscara de capa, borrar desde el sujeto para crear una viñeta.

Abajo podemos ver el resultado final.

El poder de Affinity nos permite seguir un flujo de trabajo tradicional. Para quienes vienen del mundo de Photoshop, no habrán cámbios significantes al estilo de trabajo. Los cambios sobre ciertas herramientas son más intuitivos, lo que permite ver de manera más sencilla cómo usarlas efectivamente.

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Affinity Photo logró poner scopes de vídeo en su software, ¿por que los principales editores y reveladores del mercado aún no?

En la siguiente edición veremos cómo usar Affinity en el proceso de retoque y la interfaz de ‘Persona’ de Licuar. ¡Hasta la próxima!

En el mundo de la fotografía y la imagen, el manejo de color es uno de los elementos de mayor importancia. Por eso, las herramientas de colorimetría son tan necesarias en nuestros sistemas y flujos de trabajo. Sin embargo, en la fotografía, parece que la única herramienta que nos dan las compañías sigue siendo el histograma.

En el pasado, hemos hablado sobre por qué creemos necesario que los scopes de vídeo lleguen al mundo de la fotografía. Dos años después, todo sigue igual, salvo por la fabulosa adición de estos elementos a Affinity Photo.

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La gestión del color desde el punto de vista fotográfico (I)

Tiempos reducidos y mayor calidad

Lo que hace a los scopes de vídeo tan útiles en el flujo de trabajo es que son guías más completas de cómo está distribuida la información alrededor de nuestra imagen. El histograma es útil y el histograma de canales es un complemento más completo. Sin embargo, el histograma en su versión actual es una herramienta que solo nos muestra el estado general de la exposición en nuestra imagen.

Por eso, en el mundo vídeo esta información es complementada con otras herramientas: El vectorscopio, la forma de onda y el mostrador RGB.

Un cambio leve en el histograma se identifica más fácil en un vectorscopio.

Con una forma de onda es más sencillo definir puntos de blanco, negro y ajustar el contraste general de la imagen; además de identificar puntos alrededor de la imagen que estén generando problemas. Con el mostrador RGB logramos identificar y ajustar de manera más fácil dominantes de color. Y el vectorscopio es una herramienta que nos puede ayudar a encontrar pieles naturales de manera fácil y rápida.

En nuestra entrada anterior entramos más en detalle sobre cada una de esas herramientas.

Sin embargo, lo más importante de estas es que, al ser más específicas para identificar propiedades de la información de la imagen, nos permite potenciar la intención de nuestras imágenes, aprovechar su información al máximo y corregir problemas de manera rápida; disminuyendo los tiempos de edición de una imagen y dando mayor seguridad sobre los ajustes realizados.

Son tan útiles que algunos fotógrafos pasan por procesos complicados para agregar estas funciones en su flujo de trabajo, como es el caso de Sean Gallaher.

Aunque la información es similar, el forma de onda nos deja ver más claro la distribución de información y el contraste.

Que Affinity los incluya en su programa de edición es un gran alivio. Siendo la principal competencia de Photoshop, además de no tener que entrar en el sistema de suscripción, estos monitores de información lo hacen aún más llamativo para quienes buscan salir de Adobe e ingresar a alternativas de herramientas de edición.

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¿Es el momento de ahorrar 50 euros al año y salir del sistema de suscripción de Adobe?

Si son tan útiles, ¿por qué no lo agregan los software de fotografía?

En foros podemos encontrar que, quienes hemos trabajado con herramientas de vídeo, tenemos estas dudas desde hace mucho tiempo. Y, sin saber la respuesta oficial de ninguna de estas compañías, lo que se intuye es que quienes controlan el diseño de los software no salen de la tradición.

El fotógrafo siempre se ha valido del histograma, es la única herramienta que lo acompaña en la era digital. En vídeo, el mantener ciertos parámetros para poder transmitir en televisión y cumplir con estándares generó en nosotros una necesidad de herramientas más específicas.

Con el mostrador RGB podemos ver las dominantes de manera rápida y sencilla.

La complejidad técnica de agregar estas herramientas son mínimas. Affinity, con menos años de experiencia en el mercado, cuenta con estas herramientas. Adobe tiene estas herramientas en su software de vídeo y existía antes cuando tenían una aplicación de colorización específica. Capture One y On1 cuentan con algunas herramientas similares a las de vídeo (como las ruedas de color). Entonces, si pueden llevar algunas de sus herramientas al mundo foto, ¿por qué no las de colorimetría?

Tal vez con el crecimiento de la tendencia de que los fotógrafos no solo pertenecemos a este mundo, sino también al de la imagen en movimiento, cada vez haya una demanda más grande por incluir estas herramientas en software de fotografía. La respuesta de que el histograma es más que suficiente es un bloqueo de los fotógrafos a entender que la industria y las necesidades evolucionan. Que es hora de complementar nuestras herramientas para ofrecer un trabajo de mayor calidad y para facilitarnos la vida en la postproducción.

Lo pedimos en 2018 y lo volvemos a pedir en 2020. Ojalá para 2022 ya no haya que pedirlo más.

En el pasado os hemos hablado sobre cómo utilizar los indicadores de información clave para poder mejorar nuestra presencia en línea. Sin embargo, esto es solo una de las ventajas que podemos encontrar en los indicadores. En esta ocasión, os contamos cómo podemos aprovechar esta información para optimizar y crear contenido enfocado a nuestro estilo.

Sin tendencia

A través de las redes sociales podemos crear mapas que nos ayudan a encontrar los puntos fuertes de nuestro estilo. En ellas, es posible encontrar cómo reacciona nuestro público y determinar los elementos que genera nuestra comunidad de seguidores. Sin embargo, el análisis de la audiencia debe tomarse con precaución; para evitar alejarnos de lo que somos y transformarnos en navegadores de tendencias.

Como mencionamos anteriormente, dos tipos de indicadores muy valiosos para nosotros son el sentimiento y la discusión. A través de estas dos métricas nos será más fácil encontrar el valor de nuestras fotografías y en dónde podemos mejorar para cautivar más audiencia.

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Cómo usar los indicadores de información clave para optimizar nuestra presencia fotográfica en la red

A través de la discusión podemos aprender elementos dentro de nuestra imagen como nivel de producción, composición tratamiento de color, etc… todos los elementos técnicos siempre y cuando nuestra audiencia sea conocedora. En este apartado, un buen índice de que algo estamos haciendo bien es cuando la comunidad nos pregunta sobre procesos: ¿Qué?¿Cómo?¿Dónde?¿A qué horas?¿Quién?

De la respuesta a una de esas cinco preguntas puede ser la ventana para analizar lo que mejor nos funciona. Si nos preguntan quién, puede ser que estamos eligiendo buen casting; si nos preguntan un dónde, es que estamos eligiendo localizaciones llamativas; un cómo habla bien de algún paso de nuestro flujo de trabajo.

Por descarte, el ver nuestros puntos fuertes nos ayuda a saber dónde podemos enfocarnos más. Si al hacer imágenes de moda solo nos preguntan con quién trabajamos y no mucho cómo hicimos el estilismo, puede ser un indicio para trabajar más en ese punto. La idea es que el consenso general de toda nuestra producción se note, ya que hemos trabajado una fotografía.

A través del análisis del sentimiento podemos ver la percepción general de nuestras imágenes. En este apartado podemos ver si las fotografías agradan, incluso podremos ver algunos elementos más específicos. Si el consenso es, me gusta la escena pero el color me parece extraño, tal vez podamos considerar trabajar nuestro tratamiento de color para que funcione mejor con esas imágenes. Ojo, que nuestra audiencia no sepa de técnica fotográfica no les quita mérito en su opinión; todos son posibles clientes y es importante escucharlos.

Si queremos experimentar con procesos o queremos buscar temáticas que puedan ser de mayor interés para nuestra audiencia, podemos preguntarles. Publicar una imagen con dos tratamientos distintos y preguntar si A o B es una forma de ver qué funciona mejor para una escena. Preguntar a la audiencia qué les gustaría ver puede ser una forma interesante de retarse a crear series de imágenes, experimentar nuevos estilos o simplemente desarrollar técnica mediante la práctica.

Todas ellas formas de interactuar con la comunidad, mejorar la participación y posiblemente aumentar el alcance de nuestro trabajo.

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Esta cuenta de Instagram demuestra la poca originalidad de muchas de las fotos de la popular red social

Pero, una vez más, seguir estos indicadores ciegamente y en búsqueda de palabras bonitas no es lo correcto. El hacer el trabajo de esa forma puede resultar en que entremos al juego de satisfacer a la audiencia por likes y terminemos en una cuenta de imágenes de tendencias. Es importante que la audiencia nos ayude a guiar nuestro estilo dentro de lo que queremos hacer con él. Si nos gustan las imágenes desaturadas y a la audiencia saturadas, no debemos hacer imágenes saturadas. Solo debemos encontrar una forma de desaturar las imágenes de una manera que le agrade más que las saturadas a la audiencia.

Con paciencia y estrategia, nuestro estilo puede estar evolucionando de manera acelerada, mientras la popularidad y la comunidad de nuestro trabajo crece de manera rápida.