Para los que pensamos en fotografía cualquier motivo nos resulta apasionante si está una cámara, una imagen o un fotógrafo por medio. En esta ocasión vamos a escuchar. Sí, vamos a descubrir canciones en las que la fotografía es protagonista por algún que otro motivo. Seguro que muchos os vais a sorprender. Pero la mayoría nos haremos una cinta (qué viejuno) con estos temas.

Todo este artículo ha surgido gracias a un buen amigo, gran experto en música, que me avisó del último disco de los Manic Street Peachers. Resulta que uno de los temas está dedicado a Vivian Maier, la genial fotógrafa de la que todos estamos hablando tanto desde que descubrieron sus negativos olvidados. Así que me he puesto manos a la obra para recordar y buscar temas en los que la fotografía tiene algo que ver. Es el comienzo de una lista. Seguro que entre todos encontramos muchas más.

'Vivian' de Manic Street Preachers

Este tema está dentro del último disco del grupo 'Resistance is futile'. Está dedicado a Vivian Maier, como he señalado más arriba. Todavía no se puede escuchar en las redes, pero aquí tenéis un pequeño adelanto del nuevo tema del grupo galés. Empezó con el punk-rock pero ha terminado en el rock alternativo que se escucha detrás del a figura de la fotógrafa.

You work these streets with a camera round your neck It's your weapon of choice, it's your ultimate defence I've seen your face but I've really seen your smile Did you leave the ruins or did you build a life Vivian did you ever realise All that mystery that you left behind (Trabajas en estas calles con una cámara alrededor de tu cuello Es tu arma preferida, es tu mejor defensa. He visto tu cara, pero realmente he visto tu sonrisa. ¿Dejaste las ruinas o construiste una vida Vivian, ¿alguna vez te diste cuenta Todo ese misterio que dejaste atrás)

'Kevin Carter' de Manic Street Preachers

Y sin olvidarnos de Manics aquí traemos otro tema dedicado a un fotógrafo de guerra: Kevin Carter. Miembro del Bang bang Club y autor de la dura fotografía del niño hambriento observado por el buitre que terminó suicidándose, también tiene una canción dedicada por este grupo.

Fue para el disco 'Everything Must Go' y fue uno de los singles. Este disco es el primero que hicieron sin la figura de Richey James Edwards, el letrista que desapareció sin dejar rastro en 1995 y del que nunca se ha sabido nada. No dejéis de ver el vídeo...

The elephant is so ugly he sleeps his head Machetes his bed Kevin Carter kaffir lover forever Click click click click click Click himself under (El elefante es tan feo que duerme la cabeza. Kevin Carter duerme con machetes para proteger a su amante kaffir para siempre (gracias viajera africana) Clic, clic, clic, clic, clic, clic Haga clic en sí mismo)

'People Take Pictures of Each Other' de The Kinks

Es una de las bandas míticas de los 60 y los 70. Formada por los hermanos Davies, es uno de los grupos británicos más influyentes de aquella época dorada. 'People Take Pictures of Each Other' es una canción sarcástica sobre la costumbre de sacarse fotografías familiares en los momentos felices, aunque estos no existan y sea pura hipocresía.

Una aproximación muy actual si introducimos el tema de los malditos selfies, en los que mucha gente se autoengaña haciendo pensar que tiene una vida que realmente es mentira, pero que queda muy bien en la sociedad de consumo.

You can't picture love that you took from me When we were young and the world was free Pictures of things as they used to be Don't show me no more, please (No puedes imaginarte el amor que me quitaste Cuando éramos jóvenes y el mundo era libre Fotos de las cosas como solían ser No me muestres más, por favor)

'Kodachrome' de Paul Simon

Una de las películas más míticas de la historia tiene su propia canción. Creo recordar que tiene hasta su propio mirador. Paul Simon, miembro del mítico grupo Simon&Garfunkel escribió 'Kodachrome'. Desde luego no es un canto comercial al carrete, pero eligió su sonoro nombre para hacer una metáfora sobre los buenos recuerdos de los viejos tiempos que los vemos en color frente a la tristeza que siempre es gris.

Well I've got a, a Nikon camera I love to take photographs So Mama don't take my Kodachrome away Mama don't take my Kodachrome away Don't take my Kodachrome away (Bueno, tengo una, una cámara Nikon Me encanta tomar fotografías Para que mamá no se lleve mi Kodachrome. Mamá, no te lleves mi Kodachrome. No te lleves mi Kodachrome)

'Picture of Lily' de The Who

Parece que los grupos de las islas se servían de la fotografía para encontrar inspiración. Y The Who no podían ser menos. Una de las grandes bandas del rock de la historia, con temas inmortales, actuaciones inolvidables y hasta películas únicas e inclasificables.

Esta canción habla de lo que le relaja a un adolescente contemplar las fotografías de Lily. Y quien quiera que interprete lo que quiera. Un tema único de un grupo que desde el principio está en el Salón de la Fama del Rock.

Pictures of Lily made my life so wonderful Pictures of Lily helped me sleep at night Pictures of Lily solved my childhood problems Pictures of Lily helped me feel alright (Las Fotos de Lily han hecho mi vida tan maravillosa Las Fotos de Lily me han ayudado a dormir por la noche Las Fotos de Lily han resuelto mis problemas de la infancia Las Fotos de Lily me han ayudado a sentirme bien)

'Teach your children' de Crosby, Stills, Nash & Young

Esta es una de las canciones más populares de Crosby, Stills, Nash & Young, un grupo de los 70 que juntaba a miembros de bandas míticas como The Byrds, Buffalo Springfield o The Band. Esta canción, según podemos descubrir en este enlace, que me ha pasado un hijo del viento, descubrimos que la canción está inspirada por dos fotografías. Una de Arnold Newman y otra de Diane Arbus. 'El retrato de Alfred Krupp', el famoso empresario, y 'El niño de la granada'.

La canción habla de la importancia del aprendizaje de nuestros hijos. Y Graham Nash encontró la inspiración al ver ambas obras expuestas, una al lado de la otra.

Teach your parents well, Their children's hell will slowly go by, And feed them on your dreams The one they picks, the one you'll know by. (Enseña bien a tus padres, El infierno de sus hijos pasará lentamente, Y alimentarlos con tus sueños El que ellos escojan, el que tú conocerás)

Hay muchas más canciones en las que la fotografía es protagonista o inspira las letras. Seguro que más adelante podemos escribir más artículos con más referencias. Entre todos podemos hacer el disco de la fotografía. Esperamos vuestras recomendaciones, fotógrafos oyentes.

En Xataka Foto| ‘NYC Layer-Lapse’, una nueva vuelta de tuerca al concepto timelapse en un vídeo que muestra una Nueva York “con mucho ritmo”

Si eres amante de la música y de la fotografía seguro que alguna vez has intentado hacer fotos en un evento musical. Pero si tus conocimientos no son muchos ni tu equipo muy bueno es posible que te hayas encontrado con unas imágenes muy por debajo de lo esperado. Por eso nos proponemos enseñarte a conseguir mejorar tus fotografías de conciertos.

Tomar imágenes en estas ocasiones es una de las situaciones más difíciles para cualquier fotógrafo. Suelen ser escenas con muy poca luz y, sobre todo, con unas condiciones que cambian constantemente. Para colmo, lo normal es que los sujetos se muevan rápidamente por el escenario lo que complica aún más lograr buenas fotos. Por eso, nos proponemos enumerar cuáles son los ajustes necesarios para este tipo de fotografía además de comentar cuál es el equipo más adecuado para lograr buenos resultados.

Como decimos, los siguientes párrafos están dedicados a todo aquel que se inicie en esta materia; sin embargo, es posible que también aquellos que ya tienen un cierto nivel de conocimientos puedan aprender alguna cosa útil (nunca se sabe). Así que, cómo no, te invitamos también a que sigas leyendo esperando que te sea útil o, al menos, entretenido.

Equipo y consejos iniciales

Foto de Samuel Zeller

Cada vez es más habitual ver una multitud de móviles tomando fotos o haciendo vídeos en los conciertos, ya que los terminales más modernos son bastante capaces de hacer fotos en condiciones de baja luminosidad (un ejemplo es la foto de portada hecha con este smartphone que probamos hace unos meses). Sin embargo, no cabe duda de que contar con un buen equipo es importante para lograr mejores resultados.

Así, nuestro consejo sería utilizar una cámara réflex o sin espejo dotada con un sensor de formato completo, que son las que mejor relación señal-ruido ofrecen, además de un sistema AF lo más rápido y preciso que sea posible. El ideal por tanto, es una cámara de tipo profesional como las que suelen utilizar los fotógrafos de acción y deportes.

Además, es muy importante complementarla con un objetivo lo más luminoso posible. En principio puede parecer que nos hará falta un teleobjetivo pero lo cierto es que todo dependerá del lugar desde el que podamos hacer las fotos, ya que si estamos situados muy cerca del escenario quizá nos sea más útil un gran angular con el que captar una escena más abierta.

Foto de Christian Córdova

En cuanto a los ajustes, antes de nada hay que indicar que no hay unos ajustes perfectos para este género. Y es que, como ya hemos indicado, una de las características principales es que la luminosidad en este tipo de eventos suele ser muy variable. Por supuesto no es lo mismo un concierto de rock o música electrónica que uno de clásica, pero lo normal es que la configuración cambie constantemente, dependiendo de la situación, de lo variada y cambiante que sea la iluminación del evento y de lo dinámicos que sean sus protagonistas.

En cualquier caso conviene conocer unos ajustes básicos de los que partir para empezar y tener una comprensión básica de cómo funciona cada configuración, y a qué límites la podemos llevar en cada uno de los disparos. Gracias a ello estaremos en disposición de empezar a mejorar nuestros resultados.

Modo de disparo

Foto de Gildas Maquaire

No debería hacer falta indicar que la mejor configuración posible en este tipo de fotografía es el modo manual, que es el que permite mayor control sobre la exposición. Desde luego lo que no debemos es dejar que la cámara trabaje por su cuenta en modo automático porque, como venimos diciendo, la foto de conciertos suele ser complicada, y ya sabemos que las cámaras suelen trabajar bien “solas” en situaciones fáciles pero mo tanto cuando las cosas se complican.

El modo manual permite que tomemos el control de la luz que recoge la cámara de manera más precisa ante las cambiantes situaciones de este tipo de fotos. Así, empleándolo podemos variar rápidamente el triángulo de exposición para ajustarnos a las condiciones cambiantes.

Sin embargo también podemos recurrir a los modos semiautomáticos AV y TV (prioridad a la apertura y a la velocidad, respectivamente) para hacer la tarea un poco más fácil. No es lo mejor porque no conviene concentrarse sólo en uno de los tres elementos fundamentales en la exposición, pero en determinadas situaciones puede ser útil siempre y cuando no olvidemos de controlar el otro valor, ya sea apertura o velocidad, ni tampoco la siempre importante sensibilidad.

Velocidad de obturación

Foto de karin werts

Cuando las condiciones de luz son pobres, suele ser habitual utilizar velocidades de obturación bajas para las fotos pero en este caso se trata de algo poco recomendable (como podéis ver aquí arriba). Lo mejor en estos casos es disparar a velocidades de 1/250 segundos o superior para asegurarnos de que los sujetos no aparezcan trepidados. Por supuesto esto no es algo estricto porque depende de cada situación.

De hecho en un concierto en el que los músicos estén sentados o en un plano muy general quizá podemos “permitirnos el lujo” de hacer las fotos a 1/60 sin que la imagen se resienta demasiado, pero lo recomendable desde luego es disparar a valores que nos aseguren congelar el movimiento. Es decir siempre por encima de 1/125 y sin olvidar esa regla que dice que al menos hay que igualar la cifra de la distancia focal que estemos utilizando (es decir, 1/50 si disparamos a 50 mm, 1/300 si lo hacemos con un 300 mm. etc).

Apertura de diafragma

Foto de Amaya & Laurent

Para obtener los mejores resultados, sin duda un elemento fundamental es contar con un objetivo “rápido" que te permita trabajar en aperturas entre ƒ2.8 y ƒ1.4 para compensar la baja iluminación. Como sabrás, se trata de dispositivos que suelen ser caros, pero siempre hay opciones para casi todos los públicos.

Claro que si utilizas uno de estos objetivos para tomar fotos en los conciertos es posible que al final acabes haciéndolas en el número ƒ más bajo que tu lente permita y esto también tiene su contrapartida. Por un lado, ten en cuenta que la máxima calidad de los objetivos se consigue a partir de dos diafragmas por encima de la abertura máxima, algo importante aunque no vital en estos casos. Por otro lado piensa que trabajar con estos valores implica hacerlo con la menor profundidad de campo posible.

Esto puede ser muy útil para lograr bonitos efectos, como que aparezca un personaje nítido y el fondo desenfocado, si es que logramos acercarnos lo suficiente. Pero también puede hacer que algunas fotos aparezcan fuera de foco al trabajar en un margen muy estrecho de profundidad de campo.

Sensibilidad ISO

Foto de Marco Evangelisti Crespo

El siempre importante aspecto de la sensibilidad ISO que permita tu cámara se hace crucial en este tipo de tomas. Y es que, en condiciones de baja iluminación, con la necesidad de disparar a velocidades de obturación relativamente altas y objetivos que, aunque luminosos, no siempre son suficientes, forzar la sensibilidad de la cámara puede ser el último recurso del que echar mano. Así, como norma general, podemos decir que para este tipo de fotos deberíamos utilizar la cámara entre 400 y 3200 ISO pero siempre dependerá de la escena en concreto y de la capacidad de nuestra cámara.

De hecho, aquí es importante saber cómo se comporta nuestro equipo en concreto y qué niveles de ruido ofrece el sensor. De esta manera, si sabemos que nuestra cámara rinde bien hasta determinada sensibilidad (por ejemplo 1200 ISO), podemos ajustarla por defecto y jugar con los otros dos valores de exposición en las tomas. Y, si no nos queda otro remedio y tenemos que subir el ISO a 6400, siempre será mejor una foto con grano que ninguna.

Balance de blancos

Foto de Joe Watts

Lo cambiante de la luz de la escena en este tipo de situaciones y el hecho de que habitualmente se utilicen luces de muchos y diferentes colores hace que el balance de blancos de las fotos sea algo tremendamente variable. Una toma correctamente balanceada puede cambiar en apenas un segundo, por lo que se hace inviable estar cambiando constantemente el ajuste o elegir uno que sirva para todas las tomas.

Así, en este caso lo mejor es dejarlo en automático para que la cámara elija por su cuenta y capturar las fotos en formato RAW (como os contamos más adelante). De esta manera podremos corregir posteriormente el color, si es que resulta necesario, en el revelado para lograr ajustar la imagen convenientemente.

Modo de AF y velocidad de disparo

Foto de lifesimply.rocks

La velocidad de los hechos que suelen producirse en un concierto aconsejan claramente utilizar el enfoque continuo de la cámara y el disparo en ráfaga para asegurarnos de clavar el enfoque y obtener buenas instantáneas entre las que podamos elegir la mejor para reflejar la emoción del momento. Esto nos obligará a realizar un trabajo posterior de visionado y descarte de las tomas realizadas, pero desde luego nos ayudará a asegurarnos de conseguir “la foto”.

Aquí desde luego entra en juego la calidad del equipo que tengamos, y es uno de los apartados en donde más se notará si nuestro equipo es profesional (o casi), pero la práctica y la experiencia también nos puede ayudar a conseguir buenos resultados con cámaras y objetivos no tan buenos.

Modo de medición

Foto de Heather Katsoulis

Ajustar el modo en que la cámara mide la luz de la escena es también un punto importante en este tipo de fotografía. El modo matricial que las cámaras suelen llevar activado por defecto no es el más recomendable para este tipo de escenas. Y es que este modo evalúa todo el encuadre para realizar una exposición global, lo que no suele funcionar en los conciertos al existir muchas y muy distintas fuentes de iluminación.

Aquí lo mejor es utilizar el modo de medición puntual, que mide la iluminación en un punto determinado, normalmente el central o el mismo que el sistema AF utiliza para determinar el punto de enfoque. De esta manera nos aseguraremos de que captamos la luz del punto principal de la fotografía. La tercera opción, el modo de medición ponderada al centro, puede ser una elección de compromiso que funcione en algunas circunstancias, pero funciona peor porque el sujeto principal de la imagen no siempre va a estar situado en el centro del encuadre.

Formato de imagen

Foto de Marco Evangelisti Crespo

Disparar en formato RAW es algo que normalmente recomendamos para todo tipo de situaciones, pero es evidente que hay algunas en las que es más crucial, como en este caso. El formato en crudo ofrece evidentes beneficios que aquí pueden ser muy aprovechables, especialmente por lo que toca al balance de blancos y a la exposición.

Las variables condiciones que suele existir en la fotografía de conciertos lo hacen especialmente útil, ya que en una fracción de segundo la luz puede cambiar haciendo que el resultado sea totalmente diferente. Así, con la imagen en RAW se puede corregir la fotografía, tanto por lo que toca al balance de color como a la exposición global, con una flexibilidad que desde luego el JPEG no permite. Por eso, en este caso no deberías dudar y elegir este formato.

Resumiendo

Foto de Natan Peres

Y con esto hemos acabado con los ajustes básicos para este tipo de fotos en el que nos hemos propuesto ayudarte a conocer las distintas posibilidades de configuración de la cámara y como combinarlas para lograr una imagen correctamente expuesta y suficientemente nítida. Como decíamos, serían sólo un punto de partida sobre el que trabajar y ajustar dependiendo de cada situación en concreto, pero esperamos que os sean útiles y para ello las recopilamos a continuación:

• Modo de cámara en manual
• Velocidad de obturación a partir de 1/250
• Apertura de diafragma entre ƒ2.8 y ƒ1.4
• Sensibilidad ISO entre 400 y 3200 ISO
• Balance de blancos automático
• Modo de AF continuo y disparo en ráfaga
• Modo de medición puntual
• Formato de imagen RAW

Por cierto que para empezar con la fotografía de conciertos es buena idea hacerlo en locales pequeños de tu barrio o pueblo. En este tipo de sitios suele ser más sencillo que el fotógrafo pueda acercarse a los músicos y es probable que te pongan menos pegas para moverte y hacer fotos libremente. A cambio es posible que las condiciones de iluminación sean peores, pero esto te servirá para practicar y aprender más rápido.

En cualquier caso, ahora que ha comenzado el buen tiempo y se van a multiplicar los conciertos por todas partes no te olvides de la cámara y practica.

Foto de Anthony DELANOIX

Foto inicio | Wonderland, por Tuncay

En Xataka Foto | “La fotografía de conciertos no es algo que se haga por dinero, sino por pasión”, Carmina Rodríguez, fotógrafa de conciertos

Hace algo más de tres semanas en nuestro dominical Galaxia Xataka Foto os presentábamos a Carmina Rodríguez, una fotógrafa malagueña que en su blog contaba porqué iba a dejar la fotografía de conciertos, hasta hace poco su actividad principal. Su historia, desgraciadamente, es una más de las que demuestran lo difícil que es ganarse la vida como profesional en nuestro país, pero sin duda nos pareció interesante hablar con ella para conocer de primera mano lo que le llevó a tomar dicha decisión.

Hola Carmina, muchas gracias por atendernos. Te conocimos a raíz del post en tu blog donde hablabas de lo que te ha pasado. ¿Nos puedes contar resumidamente por qué tomaste esa decisión? ¿Fue más por un hartazgo de ver que la gente no respeta tu trabajo como fotógrafa o porque lo que te ha ocurrido te ha llevado a pensar que este sector en concreto no es rentable y mejor dedicarte a otra cosa?

Ha sido algo acumulativo que al final me ha hecho quemarme un poco. No es tanto por el tema económico, sino por la falta de respeto que en ocasiones se recibe de gente del propio mundo de la música. Siempre me gusta aclarar que la mayoría de la gente no se comporta de esta manera, pero son situaciones que se dan con bastante más frecuencia de lo que deberían.

Quien se haya acercado un poco al mundo de la foto de conciertos se habrá dado cuenta rápido de que no es un sector rentable en absoluto. No es un tipo de fotografía que se haga por dinero, sino por pasión. No creo que en España sea posible ganarse la vida haciendo sólo foto de conciertos, sino que hay que compatibilizarlo con otras cosas.

En mi caso ha llegado un punto en que he sentido que no me merece la pena, más que nada porque en estos momentos he dejado de disfrutarlo. Y mi motivación principal para hacer foto de conciertos era ésa, era el tipo de fotografía que más he disfrutado haciendo. Así que he preferido parar y tomar un poco de aire, para que esta pasión no termine de irse al garete. Quizá pueda volver a recuperarla dentro una temporada. Ahora mismo no lo sé.

El detonante final ha sido, como explicaba en el post, una serie de casos muy seguidos en pocos meses que han acabado por afectarme. Desde el tan común robo de fotografías hasta las interminables peticiones de fotos gratis, pasando por recibir llamadas con insultos y amenazas de parte de gente que ha usado mi trabajo con fines comerciales sin mi consentimiento y se niega a pagar por él. Y al final, como decía, ha sido algo acumulativo que en estos momentos me ha hecho perder la ilusión y la adrenalina que sentía antes cuando hacía fotos en un concierto.

Dices que no merece la pena hacer fotos de conciertos hoy día… Luego la pregunta es obligada ¿crees que se puede vivir de la fotografía hoy día en España?

Es extremadamente difícil. No es imposible pero sí extremadamente difícil. Aunque la situación de la fotografía es bastante complicada (al igual que la de cualquier otra actividad creativa y de la cultura en general en España) también vivimos un momento en el que tenemos a nuestro alcance los medios necesarios para poder desarrollar nuestra creatividad.

A la vez eso puede ser contraproducente puesto que el mercado está sobresaturado. Y ya no basta con hacer buenas fotos, hay que saber de redes sociales, marketing, posicionamiento, etc. Es una profesión tremendamente exigente. Pero realmente creo que con trabajo de calidad y grandes dosis de dedicación y perseverancia es posible encontrar un camino en la fotografía.

¿De quién crees que es la culpa de esta infravaloración del trabajo del fotógrafo? ¿De los propios profesionales? ¿De la masificación de la foto que vivimos en los últimos años?

Creo que es una mezcla de todo. En primer lugar, es imprescindible entonar el mea culpa. En concreto en el sector de la música hay una grandísima parte de responsabilidad que recae en nosotros mismos. Hay muchos fotógrafos de conciertos que hacen esto por puro hobby. Y me parece totalmente legítimo. Yo misma empecé así. Creo que todos hemos empezado en la fotografía por afición y luego hay quien ha decidido mantenerla ahí y quien ha decidido convertirla en profesión. Hasta aquí creo que es totalmente normal.

El problema llega cuando algunos de esos fotógrafos acceden a regalar las fotos, puesto que su sustento no depende de esta actividad. Y hay quien se ha malacostumbrado a esto. Es decir, si ayer había diez fotógrafos en el foso y siete están dispuestos a cederme las fotos gratis ¿para qué voy a pagar? Y obviamente no creo que sea un problema exclusivo del sector de la música, sino que se dará en todos los ámbitos.

Por otra parte, en España hay una grandísima falta de cultura visual. La fotografía no se respeta, y esto creo que se debe decir de una manera tajante. No creo que sea tanto un problema de saturación, sino de falta de cultura visual. Muchas veces parece que no se sabe valorar un buen trabajo, y eso acaba por restarle valor a lo que hacemos. Es bastante complejo y la verdad creo que es un problema de difícil solución.

¿Crees necesario especializarte en un tipo de fotografía muy concreto, como podía ser la foto de conciertos, para lograr vivir de la fotografía?

Para ser sincera, éste es un tema que ahora mismo vivo con bastante contradicción. Por un lado, creo que está claro que no se puede tocar todo y hacerlo todo bien. Así que sí creo que es positivo centrarte en un tipo de fotografía. Aunque no siempre es posible dedicarte solamente a lo que más te gusta o te apasiona, como ocurre con los conciertos, y es necesario hacer otras cosas para salir adelante. También es una manera de ir tocando otros palos e ir viendo qué es lo que más te gusta y encontrar tu camino.

Al mismo tiempo, pienso que al final lo realmente importante es encontrar un estilo. No sólo en lo estético, sino en la manera de trabajar. Una manera de hacer las cosas, una manera de vivir y estar en la fotografía. Y creo que eso es más importante que especializarte en un solo tipo de fotografía.

Hemos visto que has tenido muchos comentarios al respecto en tu web ¿Te has sentido apoyada por el mundo de la fotografía? ¿Has tenido alguna reacción por parte del mundo de la música?

Ha habido muchísimas reacciones, la inmensa mayoría positivas, especialmente de fotógrafos, pero también de músicos. Músicos que entienden que estamos en el mismo carro y que nos enfrentamos a problemas comunes, como pueden ser el tema de los derechos de autor e Internet o el dichoso IVA cultural. Para mí es muy evidente que si trabajamos juntos y nos apoyamos unos a otros nos podemos beneficiar todos.

La mayoría de reacciones han sido de parte de fotógrafos, tanto de España como de América Latina. Me he sentido muy arropada por los compañeros de profesión y he recibido mucho apoyo, la verdad. Ha sido una pasada. Pero lo que más me ha llamado la atención es que todo el mundo dice: “a mí también me pasa”. Es decir, que estamos todos igual.

De quien no he recibido apoyo es de alguna gente del mundo de la música de Málaga. Gente que conoce a ambas partes del último conflicto que he tenido (el que comentaba antes que han llegado a llamarme por teléfono amenazándome) y que de repente ha desaparecido. Y que, casualmente, son la misma gente que no quiere pagarle nunca al fotógrafo y pide una y otra vez que les cedas fotos gratis.

¿Crees que la situación que viviste es algo extensible a los profesionales de la foto de conciertos o a los fotógrafos profesionales en general?

En la fotografía de conciertos es una situación absolutamente cotidiana. Creo que todos los fotógrafos de conciertos hemos pasado por situaciones así. Supongo que precisamente por eso el post se hizo viral. Mucha gente ha podido verse identificada en lo que contaba en el artículo y seguramente por eso ha habido tantas reacciones.

También creo que hay cierto miedo a hablar públicamente de estas cosas. Es decir, entre nosotros sabemos que esto pasa día sí y día también, pero no se habla mucho en voz alta. Supongo que por miedo a que no te vuelvan a llamar o no te vayan a acreditar. Y de hecho así es. Después de publicar el artículo ya sé que hay gente en Málaga que no volvería a acreditarme. Esto ya lo suponía antes de publicar el artículo (y la verdad es que me lo pensé dos veces), pero al final decidí que era más importante contar lo que pasaba que seguir tragando. Lo que no se habla no existe. Y para que las cosas empiecen a cambiar hay que empezar a hablar de ellas y ponerlas sobre la mesa.

Estoy convencida de que este tipo de situaciones les ocurren a todos los fotógrafos. Todos los que publicamos algo en algún medio online o redes sociales habremos sufrido este tipo de situaciones. Es el “todo gratis”. Como está en Internet, pues lo cojo. Tiene mucho que ver con lo que decía antes sobre la falta de cultura visual. Internet es un arma de doble filo. Es una herramienta básica hoy en día para dar a conocer nuestro trabajo, pero a la vez, el hecho de tenerlo todo a nuestro alcance y, potencialmente gratis, ha hecho que se deje de valorar todo lo que hay detrás de ese trabajo, todo su valor, también el económico.

Y eso mismo ocurre a la hora de pedir fotos gratis. Esa falta de cultura visual lleva a no valorar el trabajo del fotógrafo y, por lo tanto, a no querer pagarlo. Estoy segura de que es algo que nos pasa a todos los fotógrafos pero, teniendo en cuenta que compartimos muchos de estos problemas con los músicos (por ejemplo, las descargas ilegales o los problemas para cobrar decentemente por un bolo), me cabrean especialmente casos como los que me han ocurrido últimamente.

Cuentas que la fotografía te ayudó a salir de una depresión y a afrontar unos episodios de agorafobia ¿Cómo se te ocurrió comprarte una cámara? ¿Lo recomendarías a la gente que sufra algo similar?

En aquel momento buscaba cualquier excusa para que salir a la calle se me hiciera más soportable. Así que se me ocurrió que salir a hacer fotos podría ser una motivación. El planteamiento era así de básico. Y empecé a hacer foto de calle. Al principio la cámara era como una especie de bastón que me ayudaba a salir, y poco a poco se convirtió en una razón para salir. Me ayudó muchísimo a volver a normalizar mi vida.

Recomendaría, más que la fotografía en concreto, cualquier actividad creativa. En mi caso fue la fotografía, que se dio de una forma muy natural, pero creo que cualquier actividad creativa puede ser muy terapéutica. En muchos casos creo que puede ser una manera de soltar, de desahogarse y de expresar cosas que a veces no somos capaces de expresar de otra forma. Y lo recomendaría no sólo en este tipo de situaciones, sino en general. Creo que hacer algo creativo, aunque sea como hobby, es muy sano, nos ayuda a mantenernos equilibrados.

También cuentas que tu renuncia a la foto de conciertos no implica que dejes la profesión, sólo que te dediques a otro tipo de fotos. Cuéntanos cuál es tu idea y tus próximos proyectos.

La verdad es que estoy en un momento en que me siento muy creativa. Acabo de montar mi propio estudio y esto abre la puerta a muchos proyectos. Hace año y medio empecé a hacer fotografía de mascotas. Me gustan muchísimo los animales y últimamente he estado centrada en esto también, y poco a poco va saliendo adelante. Y guardando relación con la música, hay algunos proyectos de foto promocional de bandas para estos próximos meses.

A nivel de proyectos personales, tengo muchas ganas de retomar con más intensidad la foto de calle, y poder volver a disfrutar de este tipo de fotografía. Y también en los últimos tiempos he empezado a acercarme al vídeo y poco a poco ambos mundos se van fusionando. Al final para mí la fotografía es una manera de contar historias y el vídeo es otra manera de narrar con la que se puede complementar. Y en este sentido estoy trabajando en un par de proyectos personales que combinan foto y vídeo.

¿Fuiste en búsqueda de los conciertos o fueron ellos los que te encontraron? En otras palabras ¿por qué te especializaste en principio en fotografía de conciertos?

Fue un proceso bastante natural. Cuando era adolescente toqué la batería en varios grupos aquí en Málaga. Fue todo a nivel amateur. Nos juntábamos a ensayar los fines de semana y de vez en cuando tocábamos en algún bar. La música siempre ha formado parte de mi vida de una manera muy intensa, así que para mí fue muy natural hacer fotos de música en directo. Cuando la fotografía empezó a ser algo más serio en mi vida, me acerqué a fotografiar música en directo. Fue algo que se dio casi por sí solo.

¿Qué equipo sueles utilizar? ¿Qué es lo que llevas en tu mochila?

Pues depende de lo que vaya a hacer. Para conciertos, en los últimos tiempos he estado utilizando dos cuerpos, una Nikon D750 y una D800, con un 24-70 y un 70-200 mm. Dependiendo del tamaño de la sala usaba uno o los dos cuerpos, pero el combo D750 con el 24-70 mm ha sido mi herramienta de trabajo principal. También desde el verano pasado he estado llevando un ojo de pez, un Sigma súper antiguo que conseguí de segunda mano, que ni siquiera se comunica con la cámara pero que es muy divertido de usar y que me ha dado mucho juego.

Para trabajar en estudio, principalmente lo hago también con la D750 y el 24-70 mm, es mi combinación favorita. Y para la fotografía de calle he estado usando la Fujifilm X-Pro1, bien con el 35 o el 27 mm de Fuji. Pero últimamente he probado algunas cosas de Sony y es bastante probable que vaya a dar el salto. Y bueno, también está el móvil, ahora mismo un Samsung Galaxy S6. Se trata de llevar siempre alguna cámara encima :)

Cambiando de tercio completamente ¿Qué opinas sobre la creación de un Festival, el Baffest, exclusivamente para mujeres? ¿Ves necesaria esta discriminación positiva para las fotógrafas?

Todo este tipo de iniciativas me parecen no sólo positivas, sino necesarias. Es evidente que no hay una presencia igualitaria de la mujer en la fotografía, así como en otros ámbitos de la cultura. Últimamente se está empezando a hablar de esto en el mundo del cine. Y la poca presencia femenina en el mundo de la música es incluso más brutal si cabe.

La igualdad no se va a conseguir por sí sola, por inercia. Así que todos estos espacios que den cabida a la mujer y a una óptica femenina en mundos que tradicionalmente se han visto desde los ojos del hombre, me parecen extraordinariamente necesarios.

Y con esto nos despedimos de Carmina, por supuesto no sin agradecerle la atención, solidarizarnos con ella y, cómo no, desearle mucha suerte en su andadura profesional.

Carmina Rodríguez | Página web | Instagram

En Xataka Foto | “Frente a lo que se pueda pensar de este género, con las bodas pude desarrollarme y vivir la fotografía en su estado puro”, Víctor Lax, fotógrafo de bodas

Fotografías de Carmina Rodríguez reproducidas con permiso de la autora para este artículo.

Carlos Reverte Gómez es un fotógrafo que nació en Jerez, estudió en Málaga y acabó en Madrid, tres ciudades que tienen algo en común: el flamenco. Rufo, apodo con el que se autodenomina este fotógrafo que se oculta en la sombras de los principales tablaos flamencos de nuestro país, lleva varios años documentando la escena flamenca nacional. Te invitamos a conocerlo

Realizar fotografías alrededor del flamenco no es una empresa excesivamente difícil. Todos en algún momento, hemos visitado algún bar, tabanco, escenario o fiesta espontánea que sin duda, se presta para realizar fotografías. El cante flamenco, el baile e incluso el toque, son profundamente expresivos y plásticos, por lo que siempre hay algún fotógrafo dando cierta brasa con su cámara.

Otro cantar es desarrollar un trabajo de fondo, conocer a los gerentes de tabernas y tablaos, intimar con los cantaores, las familias, y en definitiva, dejar un poco de ser fotógrafo para ser compañero de una familia, la flamenca, que actualmente vive en España una crisis que no es otra cosa que una transición, y es que cierto tipo de forma de entender el flamenco se está acabando y comienza a nacer una nueva. Menos jonda, menos expresiva, pero hija de su tiempo.

Es por ello que el trabajo de Rufo se está convirtiendo poco a poco en un documento que va ganando valor y calibre a medida que pasan los años y muchas leyendas van desapareciendo. Lo que no desmerece su mirada como fotógrafo. Paciencia, tesón, un gran ojo para seleccionar las mejores instantáneas y saber vestir sus imágenes con un baño de luces y sombras que recuerdan a las clásicas imágenes de la mítica "Colita".

Todavía queda tiempo, pero probablemente estemos ante una de las figuras que dentro de algún tiempo serán un referente a la hora de recordar la imagen de aquel flamenco que se fue.

Página web | Rufo Photography

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Con 20 años de festivales de música a sus espaldas, Javier Rosa se ha convertido en uno de los principales nombres de nuestro país en lo que se refiere a fotografía de conciertos. Portishead, Enrique Morente, Yann Tiersen o Radiohead son algunos ejemplos musicales que han pasado delante de su objetivo. Fotografías con carácter y personalidad, no sabemos si debido también a su daltonismo.

Rosa lo tiene muy claro a la hora de trabajar, y es que para él lo fundamental es la composición y la expresividad de la fotografía:

Lo verdaderamente esencial para mí no es tener una composición de color clara y precisa. Más bien hacer que lo que fotografío tenga carácter y personalidad propia. ¿A quién le interesa Iggy bañado en luces rojas o amarillas? Iggy tiene carácter, los colores son sólo eso... colores.

Y seguramente razón no le falte ya que se ha convertido en el fotógrafo permanente de festivales como Low Festival (Benidorm), Monkey Week (Cádiz), V de Valarés (Coruña), Ojeando (Málaga) o FIV (Lugo), algo que no se esperaba hace 20 años cuando comenzó a realizar fotografía analógica de conciertos de Jazz en Madrid.

Rapidez y solvencia

Con Internet, los smartphones y la capacidad del público de tomar fotografías en los conciertos, muchos fotógrafos de actuaciones se han encontrado con la problemática de que a la hora de hacer públicas sus fotografías, se les han adelantado quienes disfrutaban de la música en primera fila. Rosa tiene la particularidad de que sube a Internet prácticamente en tiempo real las fotografías que toma de los conciertos. Un ejemplo de como los fotógrafos tenemos que adaptarnos a las novedades que van apareciendo.

Si os interesa la fotografía de conciertos, a finales de enero estará impartiendo un taller en Madrid para quienes estén interesados.

Página web| Javier Rosa

500 px | Javier Rosa

La historia puede ser contada de muchas maneras, y dos de esas formas son la música y la fotografía. Cuando metemos en un mismo recipiente ambas visiones conseguimos aunar una mezcla perfecta. Más aún si ese recipiente está compuesto de personajes famosos.

En esta colección de fotografías históricas de grupos y músicos míticos podemos ver grandes momentos de la historia musical, al igual que situaciones anecdóticas que seguro que serán la delicia de muchos. Espero que disfrutéis de esta pequeña selección con grupos como Queen, The Beatles, Iggy Pop, The Doors y muchos más. Y si es así, podéis aderezar esa visualización con algo de música.

Angus Young

B B King

The Doors Live At Fillmore East 1968

The Byrds In New York City

Queen

The Beatles Performing Their Last Live Public Concert On The Rooftop Of The Apple Organization

Pink Floyd Circa 1970

No Doubt At Fender’s Long Beach, Ca 1987

Neil Young

Nat King Cole

Louis Armstrong Plays For His Wife In Giza, 1961

Joy Division

Johnny Cash At San Quentin

Joey Ramone And Gaye Advert

Jimmy Page And Robert Plant Madison Square Garden, New York, 1973

Jimi Hendrix And Mick Jagger, New York, 1969

Iggy Pop

Jim Morrison 1968

Hans Zimmer And A Moog Synthesizer, 1970

George Harrison And Bob Marley

Elvis And Ann Margret, 1964

Daft Punk Before The Robotic Transformation

Debbie Harry

Black Sabbath

Beastie Boys – Early 80’s

Fotografía de portada | Elton John

Concurso con temática musical el que nos llega de la mano de Yes.fm en colaboración con Fotolog.

Tenemos dos categorías para participar: la primera, que premiará las mejores fotografías que tengan que ver con el mundo de la música aunque no aparezca ningún instrumento: los secretos del backstage, el descanso en medio de una intensa gira, retratos artísticos, el público, el ambiente, etc… La segunda categoría tratará de la música en vivo, donde se incluyen desde los macroconciertos hasta las actuaciones en pequeñas salas o incluso artistas improvisados en la calle.

Los premios: Un iPod Touch de 8GB y una cuenta Premium a Yes.Fm de 12 año meses de duración para el primer clasificado y una cuenta Premium de Yes.Fm de 6 meses de duración para los 5 finalistas.

Si os animáis a participar, tenéis de plazo hasta el 30 de Junio y podréis subir un máximo de 3 fotos diarias. ¡Suerte!

Más Información | Concurso yes.fm-fotolog