Hay mil formas de hacer un buen blanco y negro, como ya hemos visto anteriormente en Xataka Foto. Hoy vamos a concer el método que propone Michael Freeman basado en la luminosidad cromática de la fotografía. El objetivo es conseguir una fotografía en blanco y negro respetando la luminosidad del color original.

Michael Freeman es autor de numerosos libros de fotografía. Algunos clásicos como 'El ojo del fotógrafo', 'El registro de la luz' o 'La exposición perfecta'...que ya hemos comentado y otros menos conocidos como el que da lugar a este artículo 'Fotografía digital. Blanco y negro' (libro que ya no se encuentra en tiendas pero que se ha reeditó bajo el título Escuela fotografía. Blanco y negro de la editorial Blume). Este verano ha presentado la última edición de este libro.

En este libro descubrimos una propuesta para saber los valores RGB de cada zona importante de la fotografía. Así luego podemos ajustar las proporciones adecuadas en el Mezclador de canales. La idea es aprovechar estos datos para conseguir que nuestras fotografías en blanco y negro respeten la luminosidad de los colores de la imagen original. Pero hoy vamos a ver cómo podemos aprovechar todo el potencial de esta técnica.

Cómo conocer los valores RGB de nuestras fotografías

Tenemos dos formas de conocer dichos valores de una forma fidedigna: filtro Media y con la ayuda de la herramienta Muestra de color. Ambos métodos para conocer los valores RGB ofrecen referencias muy parecidas siempre y cuando los utilicemos como aconsejamos aquí.

Filtro Media

Media, una de las opciones del grupo de filtros Desenfocar, permite hallar la media de los valores RGB de la zona elegida. De hecho es la propuesta de Michael Freeman, por lo que la explico en primer lugar. No funciona con objetos inteligentes, así que si trabajamos con ellos, podemos duplicar el objeto inteligente y rasterizarlo para que se comporte como una capa normal.

1. En Adobe Photoshop, con la fotografía ya revelada, marcamos la herramienta Marco rectangular (M) y trazamos una pequeña selección sobre la zona que queremos medir. En el caso de la fotografía trazo un pequeño rectángulo sobre la mancha roja de la mesa.
2. Ahora vamos a Filtro>Desenfocar>Media. Este filtro se llamaba antes Promediar. Lo que hacemos es conseguir ver el color exacto de esa selección.
3. Si situamos el puntero en dicho lugar, leeremos en el panel Información los valores RGB que utilizaremos como referencia. En la fotografía de ejemplo, el vestido verde tiene los valores R=26, G=43 y B=31. Tengo que memorizarlos o registrarlos con la ayuda de la herramienta Muestra de color (I).

Herramienta Muestra de color

En las versiones antiguas de Adobe Photoshop la herramienta** Muestra de color** solo permitía tomar referencias muy precisas, como máximo un promedio de 5x5 px. Pero ahora tenemos más margen.

1. Abrimos la fotografía en Adobe Photoshop ya revelada en Adobe Camera RAW o similar.
2. Activamos la herramienta Muestra de color (I). En su barra de configuración, en Tamaño de muestra elegimos como máximo Promedio de 51x51 para que los resultados sean iguales a la otra forma de encontrar estos valores.
3. Marcamos la zona de la imagen y se quedará una marca en la fotografía con un número y la referencia en la ventana Información.

Fotografía original

Esos tres valores son los que necesitamos para poder trabajar con el método de Michael Freeman que vamos a ver a continuación. Es fundamental saber de antemano cuál es la luminosidad que queremos conservar en el paso a blanco y negro. En la fotografía de ejemplo tengo claro que quiero mantener la relación de luminosidad de los colores de los vestidos. Así que he grabado las cuatro referencias.

Pasar a blanco y negro con el Mezclador de canales

El método consiste en aprovechar los valores RGB, convertirlos en porcentajes y volcarlos en una capa de ajuste de Mezclador de canales. Como pasa muchas veces, parece más complicado de lo que realmente es.

Trabajaremos con capas de ajuste de Mezclador de canales, con un objeto inteligente que nos servirá de comodín por si tenemos que corregir algo durante el proceso y con los datos que hemos conseguido con la herramienta Muestra de color.

En blanco y negro poco a poco

Lo más complicado es convertir los datos RGB en valores porcentuales, sobre todo para los que nos perdemos con las matemáticas si no tenemos un papel delante. La fórmula es bien sencilla:

X*100/Y, donde Y es la suma de los tres valores RGB y X el valor de cada Canal.

Vamos a ver cómo he revelado esta fotografía con todos los pasos detallados. En caso de querer mantener la relación entre varios colores en la fotografía es importante tenerlo todo muy claro. Quiero decir que es importante apuntar en un papel, una libreta o una aplicación cualquiera qué color ajusta cada capa de ajuste:

• He abierto la fotografía en Adobe Photoshop después de revelarla a fondo en Adobe Camera RAW para sacar el máximo rango dinámico.
• Después de visualizar la imagen, he decidido que quiero mantener la misma relación entre los vestidos, así que con la ayuda de la herramienta Muestra de color (y con un Tamaño de muestra Promedio de 101x101) he marcado tres puntos, uno en cada reflejo.
• No voy a detallar todos los cálculos pero como referencia voy a poner los datos porcentuales del vestido verde (siempre sin decimales):

1. R=100*100/100+159+119= 26
2. G=159*100/383= 43
3. B=119*100/383=31

Fotografía con todas sus capas de ajuste

• Creo una capa de ajuste de Mezclador de canales por cada color. En este caso cuatro, más una extra para pasar a blanco y negro todo lo demás.
• Dentro de la ventana Propiedades de Mezclador de canales marco la casilla Monocromo y pongo los valores porcentuales que hemos calculado (de ahí la necesidad de hacerlo) en su canal correspondiente.
• Tengo cinco capas de ajuste de Mezclador de canales, pero en este momento solo vemos el efecto de la capa superior, así que no nos queda más remedio que invertir las máscaras de capas de cada una de ellas para dejarlas en negro.
• Con la ayuda de la herramienta Pincel (B) en blanco vamos descubriendo, en cada máscara de capa, su zona correspondiente.
• La capa de ajuste extra quedará arriba del todo, para asegurarnos de que todas las zonas de la fotografía están en blanco y negro.

Quizás es una técnica demasiado complicada para alguien que empieza, pero es una buena forma de conseguir mantener la relación de luminosidad entre los colores que forman una imagen. Es importante elegir bien la fotografía para aplicar esta técnica.

En Xataka Foto| ¿Por qué convertir una fotografía a blanco y negro?

El prolífico Michael Freeman vuelve a la carga con un nuevo libro: 'El registro de la luz'. En su afán por recopilar y ofrecer lecciones de fotografía en todos sus aspectos posibles, ahora se centra en la luz. Una obra detallada y profusa para aprender a leer la luz.

Freeman, tras sus últimas obras como 'La narración fotográfica', 'La mente del fotógrafo' o 'La visión del fotógrafo', que ya revisamos en Xataka Foto, ahora plantea algo que parece esencial, como él mismo subtitula, el alma de la fotografía.

La luz natural y cómo aprovecharla al máximo

En esta obra se plantea una mirada detallada en todos los aspectos que rodean a la luz, aunque siempre enfocado en fuentes naturales, esto es, la luz que nos encontramos. Deja de lado cualquier explicación sobre la creación y manejo de flashes o luces de estudio, quizás para un próximo libro.

Pero en cualquier caso, no me parece mal que se haya centrado exclusivamente en la luz natural, a fin de cuentas es la más habitual y con la que se puede aprender todo lo necesario. Freeman es un fotógrafo de naturaleza, de viajes y de paisajes y sobre los tipos de luz que podemos aprovechar en cada caso se centra esta obra.

Freeman plantea numerosos ejemplos prácticos, con profusión de imágenes, tanto fotografías como gráficos que sirven de ejemplos didácticos acompañando a cada lección.

'El registro de la luz': Esperar, Perseguir y Ayudar

'El registro de la luz' en un primer vistazo para una recopilación exhaustiva de los distintos tipos de luces naturales que podemos encontrar, en cualquier situación y momento: con niebla, con lluvia, luz dura, luz de tormenta, la hora dorada...

Prácticamente una doble página con cada tipo de luz en la que incluye una fotografía a gran tamaño como base. Luego acompaña un texto explicativo y algunas imágenes complementarias e incluso gráficos para entender bien cómo se comporta, qué hay que tener en cuenta, cómo aprovecharla e incluso, en algún caso, cómo trabajarla en post-producción.

Pero, si nos detenemos en la estructura de la obra, encontramos que Freeman la estructura en tres bloques diferenciados que ha denominado Esperar, Perseguir y Aprender. Plantea así, un proceso que comienza por aprender el arte de la paciencia para encontrar la luz apropiada, por saber anticiparse y planificar cada escena y su luz para aprovecharla bien.

En una segunda parte, encontramos las explicaciones más técnicas y al final se centra en las herramientas para mejorar y manipular la luz, tanto en el momento de la captura como en el momento de la edición y post-producción.

Muy enfocado en fotografía de viajes y naturaleza

Como especialista en la materia, el libro aborda el registro de la luz y su aprendizaje a través de sus propios ejemplos como fotógrafo de naturaleza y viajes. Y esto condiciona, como es lógico, la comprensión de los tipos de luz, ya que siempre se plantea para este tipo de fotografía.

Por tanto, los fotógrafos viajeros encontrarán buenos ejemplos y explicaciones para aprovechar la mejor luz posible en cada escenario y rincón del mundo (Freeman se afana por plantear situaciones en escenarios exóticos), especialmente en lugares tropicales, bosques y paisajes asiáticos. No se obvian otras opciones extremas como lugares gélidos o abrasadores desiertos, pero no son el centro de su planteamiento.

Quizás en este sentido es donde le puede faltar visión a Freeman. No encontramos ayuda o soluciones a luces habituales que nos podemos encontrar a nuestro alrededor, en cualquier ciudad. Y si lo hace, es de forma muy genérica. Como digo, se centra mucho en sacarle el partido a la luz en viajes o bien para el fotógrafo de naturaleza y paisajes (aunque en éstos tampoco con profusión).

Por último, y aunque siempre se agradece la inclusión de numerosas imágenes (de hecho el formato de este libro es algo mayor que los anteriores de Freeman que hemos analizado), sí tenemos que poner un punto negativo en cuanto al diseño, en lo referente al tamaño de letra. Se ha querido dar tanta relevancia a los ejemplos gráficos que el texto ha quedado tan minimizado que resulta difícil de leer. Aprovechando que el libro tiene un formato algo mayor, se podría haber aprovechado para que la lectura fuera más cómoda.

En cualquier caso es sólo un detalle menor que en nada se puede achacar al autor. Que de nuevo se ha esforzado por ofrecer su amplia experiencia, con nociones siempre explicadas con sencillez y muy fácil de entender para cualquier nivel de fotógrafo. Es un acierto centrar una obra exclusivamente en aprender el registro de la luz, así que lo recomendamos especialmente para fotógrafos viajeros que quieran aprovechar las mejores condiciones lumínicas de cada lugar y situación.

'El registro de la luz' de Michael Freeman

• Editorial: Editorial Blume
• Precio: 29,90 euros
• Encuadernación: Rústica con solapas
• Páginas: 256
• Tamaño: 25,5 × 26 cm
• ISBN: 978-84-15317-92-0

'El registro de la luz' de Michael Freeman es una obra didáctica enfocada en aprender a leer la luz natural en cada situación y escenario que nos encontremos.

En Xataka Foto:

• La narración fotográfica' de Michael Freeman, para iniciarse en la creación de una historia visual
• 'La mente del fotógrafo' de Michael Freeman, para aprender a evitar los clichés
• 'La visión del fotógrafo' de Michael Freeman, para entender las buenas fotografías

El experimentado Michael Freeman firma un nuevo libro para seguir ampliando en el conocimiento fotográfico: 'La narración fotográfica'. Un manual en su habitual línea didáctica, con explicaciones sencillas y directas, ilustrado y acompañado de numerosos ejemplos para los que quieran iniciarse en la creación de una historia visual.

Freeman mantiene su exitoso tono educativo de obras anteriores como 'El ojo del fotógrafo', 'La visión del fotógrafo' o 'La mente del fotógrafo'.

'La narración fotográfica': didáctico, sencillo y con numerosos ejemplos prácticos

Ahora, siguiendo una línea evolutiva en sus obras, se centra en el storytelling, cómo narrar una historia y cómo aplicar el sentido narrativo a nuestros reportajes, trabajos para plasmarlos ya sea en una revista (actualmente con menos sentido), a través de un vídeo o una presentación online o incluso en libro electrónico.

Freeman aplica su amplia y dilatada experiencia en ensayos y reportajes visuales para transmitir al lector las líneas esenciales a tener en cuanta a la hora de plasmar las imágenes con una línea narrativa con sentido. Todo ello aplicado, principalmente, a su representación de manera gráfica en revistas o libros.

La parte más positiva es que el conjunto de la obra siempre resulta amena, de fácil comprensión y seguimiento. Quizás, en este sentido Freeman haya pecado algo de caer en conceptos demasiado básicos. Sin duda útiles para los que apenas conozcan premisas esenciales en la narración con imágenes. Pero si seguimos sus obras anteriores, el potencial lector de 'La narración fotográfica' es ya un fotógrafo con conceptos básicos más que asimilados y con inquietudes más amplias.

Fiel a su estilo, Freeman acompaña sus explicaciones con numerosos ejemplos. Cabe señalar el acierto al "diseccionar" una de las obras cumbres y de referencia en este sentido: 'Country Doctor', uno de los más populares "ensayos fotográficos" publicado por la revista Life con obras de W. Eugene Smith en 1948. Así, Freeman se afana por entrar en todos los detalles de este reportaje casi considerado como "fundacional" a la hora de contar una historia con fotografías (aunque ya en obras anteriores lo había utilizado como ejemplo).

Más allá de conocer detalles de su planificación y captura, Freeman se centra en analizar narrativamente cómo se construyó. La elección de la imagen de apertura, la selección de secuencias, las dobles páginas, la pauta y ritmo... sin duda un buen ejemplo para conocer cómo aplicar el relato con imágenes en un soporte como una revista. Aunque quizás hoy en día tenga menos sentido, por los profundos y abundantes cambios que se han producido a la hora de afrontar ensayos fotográficos y plasmarlos para su narración. No olvidemos que se trata de un ensayo publicado en 1948. Ya ha llovido, y mucho, en el mundo editorial y fotográfico.

Abuso de ejemplos propios

Al margen del ejemplo citado, con fotos de W. Eugene Smith, el autor completa la obra con ejemplos propios. La justificación es obvia: cuenta su propia experiencia con diferentes trabajos y encargos. Así puede entrar en muchos detalles, aunque cae en la reiteración, más allá de cambiar el tema y el tipo de encargo. Aquí Freeman acentúa su "egocentrismo", aprovechando para mostrarse más que con ninguna de sus obras. Nada que ver con algunas de sus obras anteriores, donde a pesar de incluir su propia obra, sabía dosificarlas añadiendo (y no olvidando) referencias ajenas y "capitales" para acompañar sus didácticas explicaciones.

Con todo hay que indicar que Freeman aporta su experiencia entrando muy a fondo en numerosos detalles para ofrecer una completa visión de cómo afrontar la narración por encargo. Y esto resulta valioso, aunque encontramos que los ejemplos quedan un poco alejados de la realidad actual (encargos de algunas pocas revistas que se hacen a contados fotógrafos profesionales). Donde la exposición online, los fotolibros o los libros electrónicos son mucho más protagonistas de la realidad actual y más cercanos a fotógrafos que quieren explorar el "storytelling" con nuevas herramientas.

Aunque Freeman no se olvida de ellos, los ejemplos son escasos (un único capítulo centrado en cómo adaptar un reportaje para la web). En cambio, sí aporta en los conceptos generales y esenciales de cómo editar un reportaje, el necesario papel del diseñador gráfico y la maquetación en el espacio y tiempo. Herramientas necesarias para saber "armar" nuestro propio relato fotográfico.

En conclusión, esta obra de Freeman continua con su labor didáctica, es de fácil comprensión, aporta numerosos ejemplos y resulta de gran utilidad para los fotógrafos que quieran aprender a mostrar su trabajo, los que quieren conocer aspectos básicos del fotorreportaje y asimilar los pilares de la narración fotográfica más clásica. Una obra básica en su concepto, un primer paso para seguir ampliando conocimientos de storytelling, aunque le falten buenos ejemplos actuales.

'La narración fotográfica' de Michael Freeman

• Editorial: Editorial Blume
• Precio: 24,90 euros
• Encuadernación: Rústica con solapas
• Páginas: 192
• Tamaño: 23,5 × 25,5 cm
• ISBN: 978-84-15317-22-7

'La narración fotográfica' de Michael Freeman es una obra básica para conocer los conceptos esenciales de la creación de historias visuales, sobre el ensayo fotográfico, cómo planificar y disparar, además de cómo editar y publicar.

'La mente del fotógafo' es otro libro dedicado al análisis fotográfico firmado por Michael Freeman, que junto con 'El ojo del fotógrafo' y 'La visión del fotógrafo' ahonda un poco más en la necesidad de reflexionar y analizar a fondo las grandes fotografías para asimilar conceptos y entrenar, en este caso, nuestra mente.

Siguiendo su habitual estilo ameno y repleto de referencias, Michael Freeman, se detiene con esta obra en cómo evitar los clichés visuales y manejar lo inesperado. Como reza el subtítulo, una forma de potenciar el pensamiento creativo para tomar mejores fotos.

De hecho, en esta obra, Freeman se afana por inculcar como el proceso creativo empieza en la mente, donde ahí con los conceptos asimilados de composición, de luz, de perspectiva concurren para la posterior ejecución de la toma.

El propósito, el estilo y el proceso fotográfico

El libro está dividido en tres grandes partes diferenciadas: el propósito, el estilo y el proceso. En cada uno de ellos Freeman analiza, como es costumbre acompañado de muchas imágenes y sus respectivas explicaciones, en este proceso y los recursos que utilizan los grandes fotógrafos.

La lectura se realiza de forma amena (aunque si bien es cierto que en algunos epígrafes resulta denso), con numerosos epígrafes donde ir detallando cada aspecto, como digo, muy bien ilustrado con muchas fotografías (en esta ocasión muchas son suyas, donde detalla el proceso de la toma, la elección del encuadre y otros aspectos relativos a la hora de su captura y posterior procesado).

Freeman insiste en la necesidad de disponer de claridad a la hora de las tomas, de cómo es necesario saber extraer los detalles más relevantes y decidir correctamente. Una forma de seguir entrenando la mirada y la contemplación, como ya insistía en las obras anteriores que antes citaba.

'La mente del fotógrafo': cómo evitar los estereotipos

Un punto interesante en esta obra es que, además de las explicaciones que acompañan a las imágenes, recalca algunos aspectos esenciales tratados en cada epígrafe a través de un pequeño cuadro resumen. Incluso se permite añadir unas sugerencias para ampliar los conceptos y nombres de autores que va citando (y denomina "búsqueda en la web").

La segunda parte del libro y la más fundamental y valiosa, a mi entender, es la centrada en el "estilo". Dando consejos y reflexionando sobre cómo pensar, mirar y decidir los objetos y elementos de nuestras fotografías para combinarlos y otorgarles un efecto que marque nuestra personalidad, nuestro estilo fotográfico.

Por último, se centra en el proceso creativo, insistiendo en la necesidad de aprender a leer una fotografía, lo cual nos puede llevar a tomar mejores decisiones y mejores fotos.

Concluyo destacando algo realmente interesante y práctico sobre el que se detiene en algunas páginas que es sobre cómo huir de los clichés fotográficos (un buen ejemplo práctico es la explicación de su experiencia fotografiando en Machu Pichu). Cómo afrontar la captura de algunos motivos, elementos que ya están fotografiados de mil formas y que debemos pensar antes de tomar una nueva captura que no aporte nada. Una buena ayuda para aprende a evitar los estereotipos y manejar lo inesperado.

'La mente del fotógrafo' de Michael Freeman

• Editorial: Editorial Blume
• Precio: 24,90 euros
• Encuadernación: Rústica con solapas
• Páginas: 192
• Tamaño: 23,5 × 25,5 cm
• ISBN: 978-84-9801-941-9

'La mente del fotógrafo' de Michael Freeman es una reflexión de cómo se desarrolla el proceso creativo del fotógrafo con especial énfasis en cómo pensar, qué recursos utilizan grandes fotógrafos y cómo evitar caer en los estereotipos.

Libros didácticos de técnica fotográfica hay por doquier. Menos abundan los libros dedicados a analizar pausadamente la fotografía en cualquier género y que ayuden a aumentar el conocimiento cultural y artístico que todo fotógrafo debería disponer para enriquecer su mirada.

En ‘La visión del fotógrafo’, un libro del conocido Michael Freeman, podemos encontrar precisamente esto mismo. Una ayuda valiosa para aprender a distinguir buenas fotografías, para ser más analítico, para descubrir el verdadero valor de una fotografía que funciona.

La aproximación a este libro me llevó el interés por encontrar algo diferente a lo que habitualmente nos topamos con obras que ahondan en aspectos muy generales o que se detienen en exceso en la técnica.

Tampoco es que este título de Freeman sea una de esas obras esenciales que marcan por su aportación, pero sí resulta tremendamente útil en los tiempos que corren, donde el aprendizaje fotográfico suele ser muy veloz, autodidacta y se descuida, a menudo, la formación artística y visual, ese conocimiento que las grandes fotografías pueden aportarnos y de las que podemos extraer muchas lecturas y aprendizajes para asimilar a nuestra cultura fotográfica. Y por consecuencia a nuestra mirada.

Reflexión sobre un arte pasajero, comprender el propósito y las habilidades de un buen fotógrafo

‘La visión del fotógrafo’ es un buen complemento a obras anteriores del mismo autor y que gozan de gran popularidad: ‘El ojo del fotógrafo’ y ‘La mente de fotógrafo’. Aunque en esta ocasión con un contenido más detenido, profundo y reflexivo sobre la fotografía y que muestra, hábilmente, los conceptos esenciales para distinguir las buenas y grandes fotografías del resto. Resulta un buen complemento a los anteriores y en conjunto forma una excelente “trilogía” literaria sobre la fotografía.

En ‘El ojo del fotógrafo’ se hacía más hincapié en aprender a mirar en cuanto a composición, aprender conceptos básicos para mejorar. Pero en ‘La visión del fotógrafo’, Freeman reflexiona más sobre todo lo que rodea a una fotografía, desde el estudio previo, a la realización y valorar su resultado teniendo en cuenta el contexto y el sentido que el autor ha intentado transmitir con su captura.

De hecho, esta obra dividida en tres grandes bloques, parte de una introducción extensa en la que busca una definición de qué es y qué no es una fotografía. Sobre sus cualidades, el proceso… para luego entrar en un análisis completo para comprender un aspecto importantísimo: el propósito de la fotografía. Me parece la parte más acertada de este libro y donde Freeman se apoya en ejemplos de grandes fotografías esenciales que sirven de buen ejemplo para detenerse en cada género fotográfico, en el destino de la obra fotográfica (exposiciones, libros, ensayos, webs o e-books…).

En el tercer y último bloque de la obra detalla las habilidades del fotógrafo. Ese conocimiento que se aprende haciendo fotografías, pero también mirando fotos y que necesita, como complemento, un buen conocimiento artístico para enriquecerse como fotógrafo.

‘La visión del fotógrafo’: centrado en teoría fotográfica

Como ya advierto, esta obra de Freeman escapa un poco de su línea habitual. No trata tanto cómo realizar buenas fotos, no tiene ese sentido práctico donde intenta que asimilemos conceptos básicos como la composición. Se trata de una reflexión sobre la teoría fotográfica. Pero no se asusten, no resulta en absoluto profundo, filosófico y aburrido. Freeman es hábil para esto y sabe escribir de forma muy amena y sabe contar con un estilo didáctico cada aspecto que trata.

Además, y otro de los grandes aciertos, es la buena elección del material fotográfico que acompaña e ilustra la obra. Fotografías magistrales que ilustran a la perfección sus tesis. Estas imágenes contienen en su pie correspondiente una buena explicación que ayuda a contextualizar y resultan un perfecto complemento al contenido. De hecho, uno se puede hacer una muy buena idea general del libro solo deteniéndose en estos pies de foto (y es lo primero que hice y me despertó el interés para leer con calma toda la obra).

Este vez Freeman ha dejado de lado sus fotografías para dejar paso, con acierto, a grandes obras de grandes genios como Lee Friedlander, Eliot Erwitt, Romano Cagnoni, Andreas Gursky, W. Eugene Smith, David Allan Harvey, Jeff Wall, Thomas Hoepker, Alex Webb, Trent Parke, Seamus Murphy, William Klein, Cindy Sherman, Susan Meiselas, Liu Yiwei o Martin Munkácsi entre muchos otros. Una buena combinación de obras históricas de fotógrafos clásicos y otras contemporáneas.

Lo mejor de ‘La visión del fotógrafo’ es que no es necesaria la lectura de sus obras anteriores, y que no va dirigido específicamente a un fotógrafo avanzado o que ya disponga de conocimiento. Tanto el recién llegado como el experimentado pueden sacar muy buen partido de esta obra. Ideal para una lectura de verano pausada y relajada y, a buen seguro, pronto convertida en una obra de consulta habitual.

‘La visión del fotógrafo’ de Michael Freeman

• Editorial: Editorial Blume
• Precio: 24,90 euros
• Encuadernación: Rústica con solapas
• Páginas: 192
• Tamaño: 23,5 × 25,5 cm
• ISBN: 978-84-8076-985-3

‘La visión del fotógrafo de Michael Freeman es un análisis del trabajo de algunos de los mejores fotógrafos del mundo: cómo mirar las fotografías y cómo aprender a través de su observación, ya se trate de bodegones, imágenes de moda, publicidad o fotoperiodismo.