Sin duda la fotografía minimalista es una disciplina muy especial. En ella se apuesta por la simplicidad hasta límites insospechados para lograr unas imágenes que pueden ser fascinantes; así lo demuestran las fotografías ganadoras del certamen Minimalist Photography Awards 2021.

Se trata de un concurso organizado por una asociación sin ánimo de lucro que cuenta con el respaldo de la revista Minimalism (especializada en fotografía minimalista en blanco y negro), cuyo objetivo es "reconocer, recompensar y exponer a fotógrafos talentosos de todo el mundo y ayudarles a introducirse en la industria de la fotografía profesional".

'On Route' de Allen Koppe. Ganador absoluto de los Minimalist Photography Awards 2021

En esta tercera edición concurrieron más de 3700 fotografías de 39 países diferentes participando en alguna de las 12 categorías a concurso. Pues bien en dos de ellas ('Conceptual' y 'Fine-art') destacó el australiano Allen Koppe con su trabajo 'On Route', lo que a la postre la ha llevado ser el ganador absoluto del concurso y lograr el título de 'Minimalist Photographer of the Year 2021', además de un premio en metálico de dos mil dólares.

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Sobre el trabajo, Allen cuenta que quería "probar algo nuevo, algo diferente. Quería desafiarme a mí mismo y descubrir una técnica que había estado en el fondo de mi mente durante varios años. Quería avanzar y tomar lo que había sido simplemente un concepto, una idea, un proceso de pensamiento y convertirlo en una realidad visual."

'Pools from above' de Brad Walls. Ganador en categoría 'Aerial' de los Minimalist Photography Award 2021.

Y para los miembros del jurado, "la calidad del concurso radica en la diversa gama de imágenes presentadas. Dentro de los Minimalist Photography Awards se encuentra un conjunto de artistas que se niegan a dejarse abrumar por el 'ruido visual' que les rodea y en cambio encuentran esos momentos de poesía, orden y lo sublime que dan fuerza a este concurso".

Nosotros felicitamos a todos los ganadores (entre los que está un trabajo de Brad Walls que ya os mostramos) y os dejamos con los premiados en todas las categorías; aunque como siempre recomendamos una visita a su web para ver más interesantes fotos en la que se hace patente eso de que "menos es más".

‘Perspe’ de Gustav Willeit. Tercer puesto en categoría 'Photmanipulation' de los Minimalist Photography Awards 2021.

Ganadores Minimalist Photography Awards 2021

Minimalist Photographer of the year: Allen Koppe por ‘On Route’:

Categoría Abstract

Ganador: Daniel Dencescu por ‘Murmurations’:

Segundo puesto: Guido Klumpe por ‘Hidden Connections’:

Tercer lugar: Svetlana Smirnova por ‘Primitives’:

Categoría Aerial

Ganador: Brad Walls por ‘Pools from above’:

Segundo puesto: Gysel Fernandini por ‘Swimming Pool, Barcelona 2019’

Tercer lugar: Paul Turang por ‘Saddleback Sports Complex’:

Categoría Architecture

Ganador: Sandra Herber por ‘North Dakota Winter’:

Segundo puesto: Alessandro Gallo por ‘The Cube and the silence’:

Tercer lugar: Max Morawski por ‘Regional Command Centre, Ziy’:

Categoría Conceptual

Ganador: Allen Koppe por ‘On Route’:

Segundo puesto: Anna Belozerova por ‘It is not what it seems’:

Tercer lugar: Timo Lemmetti por ‘Repel’:

Categoría Fine Art

Ganador: Allen Koppe por ‘On Route’:

Segundo puesto: George McLeod por ‘Ignition’:

Tercer lugar: Anna Lazareva por ‘Metaphysical Body Landscapes’:

Categoría Landscape

Ganador: Rosario Civello por ‘Tree in a Square’:

Segundo puesto: Ricardo Cuartero por ‘Camino’:

Tercer lugar: Pierre Pellegrini por ‘Imperceptible tensions’:

Categoría Long Exposure

Ganador: Vera Conley por ‘Signal’:

Segundo puesto: Sebastian Raabe por ‘Stranded’:

Tercer lugar: Michael Richard por ‘Niemeyer Centro Avilés’:

Categoría Night

Ganador: Mihail Minkov por ‘Reflection’:

Segundo puesto: Thom Middlebrook por ‘Night Tree’:

Tercer lugar: Grace Ho por ‘Starry Starry Night’:

Categoría Open

Ganador: Liz Barker por ‘Hidden in Plain Sight’:

Segundo puesto: Jan Prengel por ‘Past Times’:

Tercer lugar: G.B. Smith por ‘Rounded’:

Categoría Photomanipulation

Ganador: Francisco Riquelme-Montecinos por ‘Toronto 100Variety’:

Segundo puesto: Ilya Trofimenko por ‘Reconstruction of Augustus Bridge in Dresden’:

Tercer lugar: Gustav Willeit por ‘Perspe’:

Categoría Portrait

Ganador: George Mayer por ‘Anima’:

Segundo puesto: Pauline Petit por ‘The Woman Who Collects Men’:

Tercer lugar: Piotr Marciński por ‘Human body’:

Categoría Street

Ganador: Jonas Dahlström por ‘07:27:47’:

Segundo puesto: Pedro Londoño por ‘The other side’:

Tercer lugar: Fred Mortagne por ‘Street Treats’:

Más información y fotos | Minimalist Photography Awards 2021

Foto de portada | De la serie 'On Route' de Allen Koppe, ganador absoluto del concurso Minimalist Photographer of the Year 2021

Un simple espejo, unos pocos objetos (como plantas y frutas) y su propio cuerpo son los elementos que Ziqian Liu necesita para crear las fotos de ‘Reflections 2’, una serie de llamativos autorretratos que demuestran que los selfies pueden ser también arte si se tiene talento, se cuida la composición y (en este caso) se apuesta por el minimalismo.

Ziquian Liu es una fotógrafa independiente china afincada en Shanghai y graduada por la Universidad de Tecnología de Sydney; curiosamente, sólo lleva dedicándose a la fotografía desde 2018, aunque ya ha expuesto su obra en galerías de París, Hong Kong, Londres, Roma y Los Ángeles, y prácticamente toda su producción gira alrededor del autorretrato.

Sin embargo, como se puede apreciar, la autora no muestra su cara y lo hace porque "una vez que un rostro aparece en la imagen, no importa si los rasgos faciales son hermosos o no la atención del espectador se dirige primero hacia él, y resulta fácil ignorar los otros elementos de la obra".

Convencida de que "las partes del cuerpo y las plantas no están tan «etiquetadas» como las caras", ocultando su rostro consigue que "el personaje principal de la foto puede ser cualquiera, y cada espectador tendrá una visión diferente de la obra debido a sus diferentes experiencias, lo que le permite participar en la obra".

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Además, es interesante saber que realiza las fotos en soledad, y lo hace con el propósito de "ralentizar el tiempo, dejarme mimetizar con las cosas que me rodean, buscar y observar sus cambios". Y es que la idea de sus fotos es servir para que los espectadores "puedan adentrarse en el pequeño mundo que he creado, sumergirse en la obra y encontrar un momento de paz. En segundo lugar, a través de las obras, espero mostrar la suavidad y delicadeza externas de las mujeres y su fuerza interior".

Si os estáis preguntando cómo realiza las fotografías, por supuesto hay que decir que las composiciones se realizan en la propia cámara: "No edito demasiado las fotos [...] solo ajusto el color y reparo pequeños defectos, como marcas en la pared o pliegues en la tela. Además, procuro que mis trabajos sean lo más auténticos y naturales, por lo que solo utilizo luz natural".

En cuanto al proceso creativo, Ziqian nos cuenta que "a veces, tengo las imágenes en mi cabeza previamente y en otras improviso". En el primer caso "llevar lo que he imaginado al mundo real es un proceso muy exigente físicamente para mí. Primero coloco los accesorios y luego ajusto mi propia posición y postura, para asegurarme de que el espejo pueda reflejar con precisión lo que esperaba; aunque a veces hay una gran diferencia entre la imaginación y la realidad, y tengo que cambiar la idea original. Todo el proceso es realmente difícil, pero es muy satisfactorio ver el resultado final".

El resultado son unas fotografías que muestran un "estado equilibrado de coexistencia pacífica entre los humanos y la naturaleza" y que resultan bellas al tiempo que inspiradoras. Sin duda un gran trabajo por el que le felicitamos y le agradecemos que nos haya permitido compartir.

Ziqian Liu | Página web | Instagram | Flickr

Fotografías de Ziqian Liu reproducidas con permiso de la autora para este artículo

“Invitar al público a experimentar desde otra perspectiva, fresca e íntima, la cautivadora belleza del ballet”; así define Brad Walls su proyecto ‘Ballerine de l'air’, una serie de fotografías realizadas desde el aire gracias a un dron que nos muestra esta manifestación artística de una manera poco convencional (pero muy estética).

A Brad ya os lo presentamos el verano pasado a propósito de un trabajo sobre piscinas, que también hizo con drones y con un evidente sentido minimalista. En esta ocasión, la idea surgió a partir de una foto clásica de 1935, 'Teacup ballet' de Olive Cotton, una imagen en donde el juego de la luz y la sombra consigue convertir unas tazas de té en casi en bailarinas.

'Teacup Ballet' de Olive Cotton. Foto compartida en Wikimedia Commons con licencia de dominio público.

Partiendo de esa imagen el autor empezó a explorar y a "fijar ideas en un tablero de inspiración virtual que consistía en sombras, formas y tutús". Y es que, tal y como nos cuenta, "la mayoría de la gente había visto escenas de ballet fotografiadas de forma tradicional, y aunque esas fotos son innegablemente hermosas, quería reescribir la composición, centrándome exclusivamente en las formas de este arte, potenciadas por la luz y las sombras."

Es decir, pretendía ofrecer una visión alternativa del ballet, algo que se ha convertido en la base de su trabajo; "sin embargo —continúa— había fotografiado a personas desde arriba, incluidos atletas olímpicos y modelos, y aunque esas tomas eran muy convincentes, sabía que combinar una forma de arte tan prestigiosa con una vista alternativa sería realmente una forma de mostrar lo mejor de mi arte”.

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Así que se puso en contacto con Montana Rubin, miembro del cuerpo de ballet del prestigioso Australian Ballet quien, por culpa de la pandemia, en ese momento no tenía ningún tipo de actuación. Por ello, la idea de Brad le pareció genial, convencida por la "estética limpia y la atención al detalle" de sus trabajos anteriores. Por este motivo, se mostró encantada de "ver cómo nuestros dos mundos podrían encajar [...] El punto de vista único de Brad también me dio la oportunidad de ver mi forma de arte literalmente desde una perspectiva diferente”.

Para llevar a cabo las fotos, que por cierto salieron a la luz el pasado 29 de octubre, Día Mundial del Ballet se usaron dos localizaciones. La primera fue un almacén con suelos de hormigón, "que contrastaban con los suaves movimientos de las bailarinas", y la segunda un espacio para eventos privados con pintorescos mosaicos en el suelo, "que complementaban la estética visual del tutú de la bailarina".

En estos espacios Brad capturó a Rubin en una serie de posiciones de ballet tradicionales, y también experimentó con algunas no tradicionales, especialmente ideadas para las tomas aéreas. “Era imperativo rendir homenaje al arte del ballet y, al mismo tiempo, añadir un giro nuevo y moderno que incorporaba posiciones y formas que fueran más allá de la forma de arte tradicional”, concluye Walls. El resultado, como estáis viendo, es de lo más estético y original ¿no os parece?

Brad Walls | Página web | Instagram

Fotografías de Brad Walls reproducidas con permiso del autor para este artículo

Aunque tengo poco que ver con los apabullantes parques temáticos de hoy día, el conocido Coney Island Luna Park de Nueva York no deja de ser un famoso theme park mil veces fotografiado. Claro que, seguro que si pensáis en fotos hechas en un lugar como este no se os viene a la mente precisamente la idea de unas fotos de tipo minimalista como las que nos enseña Daehyuk Im en su serie ‘Up&Up’.

Porque, qué duda cabe, lo que nos imaginamos de un parque de atracciones son imágenes abarrotadas de gente, formas, luces y colores. Y color no le falta a sus fotos, pero desde luego lo que ha recreado este fotógrafo, videógrafo y diseñador gráfico coreano (natural de Seúl) dista mucho de esa idea inicial.

Por el contrario, sus imágenes minimalistas nos muestran un mundo con apenas elementos pero en unas composiciones muy equilibradas, y con unos colores llamativos y muy bien contrastados con los que pretende capturar todo el color de este lugar.

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‘Plumas, sangre y dinero’, de Bayoan Freites, documentando la lidia de gallos en la República Dominicana

Tal y como nos cuenta Daehyuk, su experiencia como diseñador le ayudó a desarrollar ciertas habilidades y técnicas que aplica en sus fotos. Unas en las que vuelca su pasión por “la fotografía que se enfoca en la vida diaria con aspecto minimalista […] Utilizo elementos para maximizar el color de las estructuras o la naturaleza, lo que me ayuda a transmitir emociones a los espectadores”. Desde nuestro punto de vista lo consigue ¿no os parece?

Daehyuk Im | Instagram | Behance

Fotografías de Daehyuk Im reproducidas con permiso del autor para este artículo

Hace algún tiempo que contábamos cómo la fotografía puede ser antidepresiva y precisamente hoy os queremos enseñar las imágenes de un fotógrafo que sufrió este problema y ahora lo ha convertido en inspiración para sus extrañas pero sugerentes instantáneas.

Se llama Gabriel Isak y empezó a hacer fotos en 2006, casi al mismo tiempo que la depresión llegó a su vida. Y aunque en principio la enfermedad ganó la partida (haciendo que dejara abandonada la fotografía), posteriormente recuperó la afición (que se convirtió en profesión) y la depresión se convirtió en inspiración.

Así, sus fotos más intimistas son un reflejo de los años que sufrió la depresión y están inspiradas en la psicología, el surrealismo y los paisajes escandinavos en los que creció este fotógrafo sueco (que estudió Bellas Artes en California).

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Desde luego son interesantes, casi tanto como enigmáticas, y como veis son simples en su forma, pero buscan ser ricas en ideas y emociones. De hecho, las fotos que veis (que pertenecen a distintas series) buscan reflejar el mundo interior de los sueños y la psicología. Todo ello deriva en un estilo que navega entre el minimalismo y el y surrealismo, que utiliza la fotografía como una metáfora de las experiencias del alma interior de los sujetos. ¿Qué os parecen?

Gabriel Isak | Página web | Instagram | Facebook

Fotografías de Gabriel Isak reproducidas con permiso del autor para este artículo

Un elemento (dos como mucho), que puede ser una puerta, una ventana o una escalera, enmarcado en una pared de color. Ésa sería literalmente la descripción de la mayoría de las fotografías de minimalismo arquitectónico de Stéfano Cirillo, un apasionado de la fotografía y el minimalismo urbano. Sin embargo, sus imágenes sin duda tienen una estética muy interesante lograda a base de llevar al extremo la que podemos considerar regla fundamental del minimalismo: “Less is more”.

Stefano Cirillo es un artista italiano que trabaja como acuarelista para diversas editoriales y publicaciones escolares con ilustraciones dibujadas a mano. Esto muy probablemente ha influenciado su estilo fotográfico que se basa en la búsqueda de “lo bonito en lo me rodea, tambien donde aparentemente no hay nada, e intento hacer de lo ordinario algo extrardinario.”

“Hay algo en cada cosa ―continúa el fotógrafo― tambien en un tubo de gas o una rejilla de ventilación, en una ventana, una puerta, una pared con colores o en la proyección de una sombra. La selección y composición equilibrada de estos elementos, las geometrías y los cromatismos son los aspectos que en mayor parte caracterizan mis trabajos.”

Sea como fuere, no podemos negar que su producción fotográfica está llena de sugerentes imágenes, a pesar de la escasez de elementos, logradas gracias a “observar de manera profunda nuestro alrededor para selecionar elementos, representando lo que nos interesa, eliminando todo lo que nos resulta inutil para que la imagen sea eficaz”.

Stefano Cirillo | Instagram | Facebook

En Xataka Foto | ‘Coincidences’, de Jonathan Higbee, buscando el “instante decisivo” por las agitadas calles de Nueva York

Fotografías de Stefano Cirillo reproducidas con permiso del autor para este artículo

El minimalismo fotográfico es una corriente artística que se caracteriza por la extrema simplicidad. Todo un reto para los fotógrafos que deben esforzarse por buscar la sencillez en cualquier tipo de escena pero tratando de contar algo con elementos mínimos. Porque esto, que haya una historia o un tema subyacente, es lo que hará que la fotografía en cuestión dé el paso desde ser una “foto bonita” a ser una buena foto.

Por eso, hacer fotografía minimalista no es nada sencillo. Primero porque puede ser complicado acostumbrarse a lograr la necesaria simplicidad; segundo porque contar una historia a partir de una imagen con elementos muy básicos no es una tarea fácil.

Foto de Rod Long

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Pero ¿qué es el minimalismo? Pues si recurrimos a lo que la RAE dice al respecto nos encontramos con dos acepciones: “Corriente artística contemporánea que juega con elementos limitados” y “Tendencia estética e intelectual que busca la expresión de lo esencial eliminando lo superfluo”.

Todo apunta hacia la sencillez, el “menos es más” y la utilización de elementos limitados en los que tenemos que ser capaces de extraer toda su expresividad. Como todo arte visual, sus fundamentos se encuentran en los elementos básicos del diseño (la línea, la forma, el color, la textura, la forma, la composición…), pero en este caso utilizándolos en su forma más pura y simple.

Por ello, estos elementos normalmente cobran un peso que no encontramos en otro tipo de fotografía, convirtiéndose muchas veces en únicos protagonistas. Todo ello lo vamos a ver a continuación donde os mostramos algunas de las claves para ser capaces de adentraros en el apasionante ámbito de la fotografía minimalista.

Composición

Foto de Mikito Tateisi

Seguramente lo más determinante para que una fotografía sea minimalista es su composición, ya que a través de ésta nos encargaremos de hacer que lo que aparece en la imagen cumpla la regla de la sencillez. Como es lógico, la idea es incluir lo imprescindible, eliminar cosas innecesarias y ayudarse de elementos básicos que vamos a ver más adelante (líneas, color, texturas…) para componer una imagen significativa.

Por ello se suele tender a aislar objetos (tal vez usando un teleobjetivo), ya que es una posibilidad de lograr fotos minimalistas (incluso llegando a veces a la fotografía macro), aunque desde luego también se puede hacer minimalismo utilizando planos abiertos (y grandes angulares), porque la sencillez puede encontrarse en cualquier ambiente, ya sea natural o urbano.

Por otro lado, y debido precisamente a la simplicidad, en fotografía minimalista es bastante recomendable echar mano de las reglas de composición como la conocidísima regla de los tercios, que en este tipo de imágenes suele ser muy útil para dirigir la atención del espectador hacia el tema principal.

Foto de Marc Brüneke

Por último, ten en cuenta también la importancia del espacio negativo, es decir el espacio que en teoría está vacío y que en fotografía minimalista suele cobrar un especial significado. Además de servir para que la imagen “respire”, este espacio interactúa directamente con el resto de elementos incluidos en la foto y, por tanto (y siempre teniendo en cuenta la prioridad de simplificar) debe estar en armonía para que la composición funcione.

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El color

El color es una cualidad que puede convertirse en el mejor aliado del fotógrafo minimalista. Y es que jugar con el lenguaje y las amplias posibilidades que ofrecen las diferentes longitudes de onda del espectro electromagnético es uno de los recursos más poderosos para conseguir que una imagen “hable” aunque cuente con muy pocos elementos.

Foto de Chetiya Sahabandu

Este en concreto aporta expresión, emotividad, sensación, carácter y hasta simbolismo. Por eso simplemente a través del color se puede lograr expresar mucho, por ejemplo una cualidad concreta por el uso de una determinada tonalidad que se traslada a nuestra imagen. Como sabéis, los colores cálidos se identifican (entre otras) con cualidades como el calor, la alegría y el movimiento, mientras que los fríos suelen asociarse al frío, la serenidad y la fuerza.

Claro que también se puede optar por la ausencia de color, y elegir el blanco y negro, o una mezcla de ambos. De hecho, el contraste es otro elemento fundamental cuando hablamos de color, ya que la contraposición de tonalidades muy diferentes establece un diálogo que puede aportar mucha información a la imagen. Así que aprovéchate de sus posibilidades, no tengas miedo de usar el color y sácale partido jugando con las diferentes tonalidades, contrastando colores complementarios o utilizando tonos similares; hay mil y una posibilidades distintas.

Líneas

Foto de Luca Bravo

Se trata de otro elemento valiosísimo en un tipo de fotografía que busca la expresividad a través del uso los elementos mínimos. Aportan sensación de dirección y energía y, dependiendo de si son rectas o curvas, también transmiten consistencia o dinamismo. Pueden aparecen de forma natural dentro de un espacio, delimitando diferentes cuerpos o tonos, o de una manera más artificial, como elementos con entidad propia.

Su utilidad es muy variada, desde cerrar espacios hasta aportar profundidad a la fotografía, pasando por el siempre importante papel que juegan a la hora de dirigir la mirada del espectador. Por eso, dado que en fotografía minimalista buscamos la máxima simplicidad, al componer la imagen hay que procurar fijarse bien en las líneas que aparecen para asegurarse de que conducen al lugar adecuado.

Formas

La “configuración externa de algo”, según la RAE, es otro elemento básico en el minimalismo fotográfico. Y es que sin duda pocas disciplinas ponen tanto en valor la forma de las cosas como ésta, en la que muchas veces un único objeto se convierte en protagonista absoluto de la imagen.

Foto de Ferdinand Stöhr

Las formas elementales son el cuadrado, el círculo y el triángulo, cada uno con sus propias cualidades, pero es evidente que se trata de elementos básicos que se yuxtaponen en infinitas combinaciones, tanto en el entorno natural como el urbano, dando lugar a formas compuestas mucho más complejas y con sus propias cualidades.

Así, las formas orgánicas normalmente son suaves y se asocian a una sensación de paz, naturalidad y uniformidad, mientras que las inorgánicas suelen ser agudas y tienden a aportar actividad y agitación en las fotografías. Todo ello debe ser tenido en cuenta a la hora de crear la imagen, decantándose por unas u otras o siendo capaz de combinar ambos aspectos en una composición dinámica.

Patrones y textura

Otro recurso muy apreciado en fotografía minimalista es la repetición de elementos, lo que se denomina patrones, que muchas veces vienen asociados con la textura. La inclusión de estos elementos en las imágenes es sin duda un buen recurso útil para cualquier tipo de composición, pero en este ámbito puede cobrar aún más valor.

Y es que minimalismo, patrones y texturas combinan de forma perfecta, y utilizarlos en conjunto tiene muchas posibilidades. Por lo que toca a los patrones, su uso puede servir tanto para enfatizar el tamaño como el número de los elementos y es muy útil para acentuar la sensación de espacio.

Foto de Maarten Deckers

Por su parte, la textura apela directamente al sentido del tacto y, por tanto, agrega relieve de algún modo a la imagen. Incluirla permite resaltar al objeto y ayuda a lograr una sensación de realismo y tridimensionalidad. Además, según su forma la textura puede aportar valores extra a la imagen como suavidad, aspereza, pureza, tosquedad, violencia…

Para ello, por cierto, hay que tener en cuenta otra variable, la iluminación. Sin duda algo muy importante para cualquier imagen pero que en el caso de las texturas se convierte en fundamental para potenciar su efecto.

Fondos

Foto de Rodion Kutsaev

Otro elemento fundamental que debe cuidarse en fotografía minimalista, aunque en este caso difícilmente sea el protagonista. De hecho, como en los retratos aquí lo más importante es que el fondo no desvíe la atención de lo más importante, por lo que es recomendable que sean totalmente lisos.

Claro que tratándose de imágenes basadas en el “menos es más” también es muy importante que lo que se ve en el fondo de la imagen esté en perfecta armonía con el resto y sirva bien para destacar o bien para complementar al sujeto o elemento principal de la foto.

Tema y mensaje

Foto de m o n c h o o h c n o m

Como comentábamos al principio, la base de la fotografía minimalista está en agregar elementos simples, motivo por el cual también debemos limitar el tema que aparece en la imagen y buscar un mensaje sencillo y fácil de entender. Cualquier cosa es susceptible de convertirse en la protagonista de la foto, así que es recomendable comenzar con cosas simples, quizá algún objeto común que tengas en tu propia casa.

Algo en teoría aburrido puede convertirse en llamativo si eres capaz de potenciar el mensaje que transmite, aunque desde luego siempre se puede dejar a la imaginación del propio espectador. No olvidemos que la fotografía minimalista puede perfectamente encuadrarse como arte abstracto y por tanto con un significado totalmente abierto.

Foto de Averie Woodard

En definitiva, todo aquel que pretenda adentrarse en el minimalismo fotográfico se encontrará en un ámbito apasionante, con unas características propias y muy particulares, con un protagonismo especial de algunos de los elementos y fundamentos más básicos de la fotografía que hemos repasado. Todo ello constituye un reto sin duda estimulante para cualquiera que esté dispuesto a tratar de lograr fotos impactantes con lo mínimo posible.

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Foto de portada | Matthew Henry

Oystein Aspelund es un fotógrafo noruego que no se acercó una cámara hasta tiempo después de finalizar sus estudios en arquitectura, lo que le ha llevado a desarrollar un poliédrico trabajo alrededor del espacio y la forma que ha ido evolucionado hacia un cada vez más marcado minimalismo. Os presentamos su último proyecto.

Cyan II es el genérico y claro nombre con el que Aspelund ha nombrado a su nueva serie de 16 fotografías y que supone un claro tributo a las tonalidades clan que podemos percibir en el cielo, elemento base de todas sus fotografias que estudian desde el punto de vista que nos ofrecen nuestros pies en el suelo, nuevas formas arquitectónicas y su relación con la luz y el espacio.

Este trabajo supone una evolución de una serie anterior en la que las coordenadas de trabajo son las mismas aunque si bien, la complejidad de los encuadres y matices de colores que podemos observar en esta nueva serie son sin duda mucho mayores.

Evolución estética

Sin duda, uno de los aspectos más apasionantes de la obra de Aspelund es la evolución de esta y los diferentes caminos que ha ido tomando, siendo algunos callejones estéticos sin salida que abandona (con mejor o peor resultado, todo hay que decirlo) para seguir desarrollando fotografía basada en el retrato del espacio y la forma. Así, de un comienzo desarrollando las ahora comunes fotografías de espacios abandonados pasa por etapas en blanco y negro de paisajes retratados a base de larga exposición o por un minimalismo al extremo, hasta llegar a la estética que vemos en su última obra.

En definitiva, una evolución en la que la forma se hace cada vez menos reconocible a la vez que crece en protagonismo los elementos que la componen: líneas, luz y color. Su trabajo actualmente está siendo especialmente reconocido en los IPA Awards.

Web oficial |Oystein Aspelund

Si pensamos en la California y concretamente en Los Ángeles, conciertos de rock, estrellas de cine y fiesta, mucha fiesta, nos viene a la cabeza. No es que no sea cierto, pero está claro que Los Ángeles no es solo lo que vemos en las películas y que, como todo, depende desde donde se mire. La fotógrafa Sinziana Velicescu comparte con nosotros su trabajo para mostrarnos otra cara de esta ciudad.

Calles semi vacías, por no decir inhabitadas, equilibrio de formales que inspiran paz y ausencia de la noche. Con esta descripción parece difícil que podamos reconocer la ciudad de Los Ángeles, algo que finalmente no ocurre ya que es imposible ocultar los códigos estéticos que la definen como los coches aparcados en cada esquina o la omnipresencia de colores pasteles en la práctica totalidad de inmuebles de la ciudad.

Sin duda Velicescu ha querido desarrollar alrededor de su ciudad un ejercicio fotográfico de gran carga formal, que se aleje de los clichés y estereotipos asociados a Los Ángeles para buscar qué elementos arquitectónicos más comunes definen realmente la ciudad. Y lo ha conseguido a base de sucesivas series fotográficas despojadas de todo lo innecesario y dejándolas en lo más básico.

Sinziana Velicescu aunque nació en Los Ángeles tiene sangre rumana corriendo por sus venas, lo que probablemente haya influido en el personal carácter de su trabajo. Una de sus series fotográficas, En la periferia, ha conseguido gran repercusión internacional, siendo expuesta en ciudades como Chicago, Nueva York, Hamburog, Melbourne, Tokio, o Roma. Os recomendamos seguirla de cerca ya que la revista Lens Culture la ha incluido entre una de las 30 mujeres fotógrafas a tener en cuenta este 2016.

Web oficial | Sinziana Velicescu

Cuando el fotógrafo Matthias Heiderich tiene el día libre, coge su bicicleta, agarra unos cuantos carretes de negativo y se pierde por las afueras de Berlín fotografiando lo que más le gusta: arquitectura y espacios semi abandonados. Lleva desde 2007 pedaleándose todo Berlín, lo que le ha permitido sacar un libro y ser uno de los nuevos talentos europeos en lo que fotografía de arquitectura se refiere. Te invitamos a conocerle.

Que Alemania es un referente histórico en lo que a fotografía de arquitectura se refiere, nadie lo pone en duda, con figuras como Albert Renger-Patzsch, Karl-Hugo Schmölz y los famosísimos Hilla y Bernd Becher. Y de aquellas semillas esta nueva cosecha. Heiderich, nacido en Bad Hersfeld, se muda en 2007 a Berlín tras finalizar sus estudios de lingüística. Sin embargo, la dificultad para encontrar un trabajo en su ámbito le dio mucho tiempo para pedalear Berlín y comenzar a interesante por la fotografía.

Siete años después publica su primer libro de fotografía de arquitectura y se ha especializado en el diseño, la música y como no, la fotografía. Imágenes minimalistas, con un cuidado retoque de color que buscan tonos pasteles y planos que unifiquen las tomas. Para su trabajo suele hacer uso de cámaras analógicas como la Weltaflex Twinlens o la Pentax Asahi, aunque también sale a veces a fotografíar con una Canon Eos 5D Mark II.

El volumen de series que ha creado en estos casi 10 años es impresionante, por lo que te recomendamos que te des un paseo por su página web ya que hay mucho material por descubrir.

Página web | Matthias Heiderich

Instagram | Massju