La presente edición de Photokina está siendo bastante interesante en cuanto a producto y una de las marcas que más fuerte ha apostado por la feria alemana es Fujifilm. Así, tal y como hizo hace dos años, la firma ha elegido este marco para presentar sus novedades en su sistema GFX de cámaras sin espejo de formato medio. Entre ellas destaca sobremanera la nueva Fujifilm GFX 50R que hemos tenido la oportunidad de conocer en un breve encuentro.

Por cierto que la nueva cámara se ha desarrollado en respuesta a una idea que Fujifilm lanzó en la presentación de Colonia: “El mundo no cabe en el formato de 35 mm”. Por eso, en una feria en la que las palabras ‘full frame’ han estado omnipresentes, la firma se permitió la osadía de renombrar al formato medio como ‘super full frame’ e, incluso, de burlarse del resto de empresas que han decidido lanzarse el mercado de las sin espejo de formato completo.

Por contra, Fujifilm refuerza su apuesta por los dos formatos que ya viene desarrollando desde 2016 y con los que dicen haber obtenido muy buenos resultados (un crecimiento del 60% en sus líneas de cámaras y ópticas): el APS-C con las Serie X, y el formato medio con las GFX. Este último es el que menos se había desarrollado y el que recibe un importante empujón gracias a lo ahora presentado en Photokina.

En las manos

Pero vamos ya con las impresiones que nos ha producido la Fujifilm GFX 50R. Por cierto que es interesante saber que, a pesar de que acababa de desvelarse y no estará disponible hasta noviembre, en el stand de la marca había varias unidades disponibles para que todos los asistentes a la feria pudieran probarla. Nosotros lo hicimos en una charla exclusiva para prensa donde tuvimos también la oportunidad de compararla con su hermana para comprobar las diferencias de tamaño y peso.

Aunque lo cierto es que no son grandes (sobre todo en el peso) y que lo más destacable del diseño de una y otra es que la GFX 50S tiene un cuerpo mucho más irregular, sobre todo por las formas del visor y la empuñadura, mientras que la nueva es mucho más compacta. Su diseño está claramente inspirado (“copiado” podríamos decir) en la Fujifilm X-E3, con ese estilo de tipo telemétrico (que también lucen las X-Pro aunque éstas tienen visor híbrido) muy atractivo para la fotografía callejera.

El caso es que la cámara parece una X-E3 en grande (diríamos que el doble de grande), aunque el diseño nos resultó un pelín tosco. No por nada sino porque, al tener prácticamente los mismos controles que su hermana de sensor recortado, el aumento de tamaño hace que parezca sufrir de “gigantismo”. De todos modos, lo que realmente llama la atención es lo poco que pesa para el tamaño que tiene (estamos hablando de unos 775 gramos).

Éste era uno de los puntos clave del desarrollo de un modelo que han presentado como de reportaje y documental. Porque la idea es esa, ofrecer una cámara con unas dimensiones muy contenidas para sacar el formato medio del estudio fotográfico. Más o menos la misma idea que lanzó Hasselblad con la X1D pero a un precio bastante más asequible. Y es que hablamos de 4.500 euros, una cifra en principio alta pero muy ajustada para lo que se estila en este ámbito (la sueca cuesta casi el doble, y no es de los modelos más caros).

Y desde luego que la GFX 50R puede responder muy bien a esa intención de sacar un modelo de este tipo a la calle porque, ya decimos, pesa muy poco para lo grande que es. Eso sí, la casi total ausencia de empuñadura deja claro que no está pensada para utilizarse con ópticas de gran tamaño (para eso queda la GFX 50S o la futura GFX 100 Megapíxeles). Así, el Fujinon GF 50 mm ƒ3.5 LM WR que podéis ver en la foto de portada (aunque sólo era una maqueta no operativa) parece posicionarse como su compañero ideal haciendo un equilibrado conjunto de cuerpo más objetivo.

Asomados al visor, que es algo más modesto que el de la GFX 50S (entendemos que por aquello de ahorrar costes), no podemos ponerle pegas, aunque tuvimos muy poco tiempo como para sacar ningún tipo de conclusiones ni sobre esto ni sobre un AF que parecía responder correctamente aunque sin grandes alardes (lo que sería raro en una cámara de este tipo).

Tampoco podemos enseñaros fotos hechas con la cámara (era un modelo de preproducción), pero sí que hicimos una toma rápida para ver el resultado ampliado al 100% (ver foto arriba) y comprobar lo que ya nos imaginábamos: Que el detalle de la imagen alcanza un nivel muy muy alto, como no podía ser de otro modo hablando de un sensor de formato medio (recordemos que el captor es el mismo que su hermana mayor).

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Fujifilm GFX 50R: llega la nueva integrante de la Serie X de formato medio y anuncian el desarrollo de la GFX 100 Megapíxeles

Más información | Fujifilm

De Annie Leibovitz hemos hablado en varias ocasiones en Xataka Foto ya que es una de las retratistas contemporáneas más importantes. Sin embargo, antes de sus retratos de políticos, artistas, deportistas y personalidades de todo tipo, hubo una época en la que se dedicó al reportaje trabajando para la revista Rolling Stone. Una época que retrata el volumen ‘Annie Leibovitz: The Early Years, 1970–1983’ editado por Taschen.

El libro recoge su época como fotógrafa de esta publicación (primero como colaboradora y luego como jefa de fotografía) en la década de 1970, un tiempo frenético y convulso en Norteamérica en el que, según el editor, “las líneas divisorias entre periodistas y famosos aún no estaban fijadas, y ella disfrutó de un acceso privilegiado a ellos. Esta sobresaliente colección de imágenes documenta el desarrollo de Leibovitz como artista y el devenir de una época cultural crucial.”

Sus reportajes fotográficos cubrieron acontecimientos políticos, culturales y contraculturales como las protestas contra la guerra de Vietnam, el lanzamiento del Apolo 17, la dimisión de Richard Nixon o la gira de los Rolling Stones en 1975. Por eso las páginas del libro rebosan de caras familiares, como Muhammad Ali, Mick Jagger, Keith Richards, Patti Smith, Bruce Springsteen o John Lennon y Yoko Ono (retratados sólo unas horas antes de que Lennon fuera asesinado).

El volumen, publicado en colaboración con la Fundación Luma Arles, pretende ser una colección de imágenes para reinterpretar el trabajo de la fotógrafa en profundidad gracias a la perspectiva del tiempo. Sus páginas incluyen hojas de contacto y Polaroids, y combinan los retratos y reportajes con fotografías de automóviles y de conducción, e incluso con una serie de fotografías de policías de tráfico de California.

Por eso, el editor afirma que es “en muchos sentidos, una celebración de la vida en la carretera, de los ritmos frenéticos, los encuentros fortuitos y las oportunidades para la reflexión que todo ello brinda. Y con el meticuloso trabajo de archivo que hay detrás es también un homenaje a una época pasada, a unos años de cambios y a una Leibovitz que debutaba.”

‘Annie Leibovitz: The Early Years, 1970–1983’

El volumen se presenta en formato de 21,6 x 27 cm, con tapa dura y 180 páginas. La edición es plurilingüe (alemán, francés e inglés) y se puede conseguir en librerías especializadas o en la web de Taschen por un precio de 40 euros.

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Cinco libros para aprender a mirar y pensar como fotógrafos

Más información | Taschen

Con la noticia de la muerte de Peter Marlow en el día de hoy, le dedicamos una retrospectiva a una carrera de 40 años fotografiando el mundo tras los bastidores. Especialmente comprometido con la sociedad inglesa, entre sus proyectos más reconocidos se encuentran varios trabajos como fotorreportero en Líbano e Irlanda del Norte, un proyecto de 8 años en Liverpool y otros tantos viajando por el mundo como fotorreportero para Magnum.

Estudios y entrada a Sygma

Peter Marlow, nacido en 1952 en Inglaterra, se decidió por la psicología como profesión en la Universidad de Manchester, terminando sus estudios en 1974. Podemos especular que dedicarse a la fotografía de reportaje implica mucho acerca de la psicología, la sociología y la antropología ya que es un tipo de fotografía que no se basa sólo en el mero placer estético de una imagen, sino en capturar, documentar y preservar un pedacito de la historia.

Peter Marlow. Protestas en Lewisham. 1977

Fue a raíz de una publicación sobre el fotoperiodismo de guerra Telegraph Magazine cuando decidió que la fotografía era lo suyo, y realizó fotografías en un crucero tras lo cual pasó varios meses en Haití, lo que supuso el principio de una carrera centrada en el reportaje en países del tercer mundo con una incidencia en la relación de la gente y su entorno. Gracias a esta primera toma de contacto entró en la agencia Sygma de París en 1976.

Sus primeros trabajos

Entre sus primeros trabajos, se encuentra la cobertura al Conflicto de Irlanda del Norte y la Guerra del Líbano. El ambiente no fue el esperado, y Marlow decidió dejar de lado el fotoperiodismo bélico y a la Agencia Sygma para dedicarse a otra cosa. En una entrevista para Vice, describe su experiencia...

Hice algunas fotos muy buenas e hice muchos trabajos sobre conflictos, pero me di cuenta de que nunca, jamás, llegaría a ser como Don McCullin. De hecho, en algunas ocasiones, sentía mucho miedo. No me gustaba, no me importa admitirlo, no estaba hecho para eso. Cubriría terremotos y hambrunas y todavía lo hago; pero siempre he tratado de hacer trabajo entre bastidores. Como el reportaje que hice en Kosovo, estuve allí con la flota de los EUA, entre bastidores.

El contrato con Sygma significaba que si ellos te decían “Vete a Irán” o algo parecido, tenías que ir, no podías negarte, básicamente. Por eso me llamó la atención Magnum, porque me dio la impresión de que podías hacer lo que quisieras, de que nadie me iba a decir lo que tenía que hacer.

Con todo este genial currículum, no tardó en llamar la atención de la Agencia Magnum.

Magnum, la cúspide

Marlow entró a formar parte de la agencia más prestigiosa del mundo en 1981 y en 1986 sería reconocido como miembro de pleno derecho. Para calmar los nervios del fotoperiodismo bélico, dedicó ocho años a documentar la ciudad de Liverpool en un trabajo que se convertiría en un pilar esencial de su trabajo y que ha quedado recopilado en el libro 'Liverpool: Looking Out to Sea'.

Peter Marlow. Hoja de contactos de Margaret Thatcher. 1981

A partir de entonces estuvo realizando encargos de la agencia y trabajó en proyectos personales, por lo que contamos con un generoso y tremendo legado de uno de los fotógrafos más prolíficos y omnipresentes de la Magnum.

Uno de sus encargos principales de los años 90 sería una colección sobre la ciudad francesa de Amiens encargada por la Maison de la culture d'Amiens. También es durante estos años durante los que realizó fotografías a celebrities como Michael Schumacher, Tony Blair o David Beckham.

Trabajos tardíos

Peter Marlow no trabajó en color hasta un periodo profesional bastante tardío. Entre sus trabajos más recientes, se encuentra registrar los últimos días del Concorde en 2003. Le gustaba el spotting y además de fotografías del interior, también realizó fotos del aterrizaje y el despegue del Concorde que recopiló en el libro 'Concorde: The Last Summer' publicado en 2006.

Peter Marlow. Amiens. 1991

También pudo documentar el repentino cierre de la fábrica de MG-Rover en Longbridge en 2005. El fotógrafo documentó la fábrica hasta que quedó desmantelada.

En sus últimos años se dedicó a fotografiar a su familia y las catedrales anglicanas de Inglaterra, recopilando estas fotografías en el libro 'The English Cathedral'.

Sitio Oficial | Peter Marlow en Magnum

Miguel Pereira es una de esas personas que con esfuerzo, tesón y trabajo duro han conseguido transformar su pasión en su medio de subsistencia. Se dedica profesionalmente a la fotografía desde hace dos décadas, una carrera que le ha permitido cimentar una reputación sólida no solo en el mundo del retrato y el reportaje, sino también en el de la publicidad, la música y la moda. Las fotografías que ilustran este post no dejan lugar a dudas acerca de su bagaje, aunque os recomiendo que echéis un vistazo a su página web para descubrir con más detalle la obra de Miguel.

Si algo tiene claro este fotógrafo profesional es que la fotografía hoy en día está íntimamente ligada al desarrollo tecnológico en general, y a Internet y las redes sociales en particular. De hecho, su habilidad a la hora de sacar partido a las nuevas tecnologías y dispositivos ha provocado que Sony lo elija para formar parte de un selecto grupo de ocho fotógrafos profesionales seleccionados por la compañía japonesa para exponer fotografías tomadas con un smartphone Xperia M4 Aqua. Si quieres conocer mejor a Miguel Pereira, sigue leyendo.

Primeros pasos y formación

Miguel, ¿cómo nació en ti el interés por la fotografía? ¿Es innato o te has visto influenciado de alguna forma por alguien cercano?

Cuando tenía 10 años mi abuelo me regaló una cámara antigua, manual, de esas que tenían el objetivo con fuelle retráctil. En aquel momento yo no sabía usarla, por supuesto, pero eso disparó mi curiosidad por la fotografía y empecé a experimentar con esa cámara y con otras automáticas que había por casa. Aun así, en mi adolescencia mis pasiones eran el dibujo y la pintura, por encima de la fotografía. Me encantaba dibujar retratos y paisajes.

Cuando tenía 18 años me fui de viaje de Interrail por Europa con un buen amigo, que era una apasionado de la fotografía, y nos pasamos el viaje jugando con una vieja Olympus, documentando el viaje. Ese fue el punto de inflexión para mí. En aquel viaje me robaron la mochila justo al llegar de regreso a Madrid, así que desgraciadamente no conservo ni un solo carrete de aquel viaje inolvidable (décadas después aún me duele al recordarlo…), pero el caso es que no volví a dibujar y me entregué con pasión a la fotografía desde entonces.

¿Puedes resumir brevemente tu currículo y cuál es tu formación en fotografía?

Estudié por primera vez fotografía en la universidad, cuando estaba de Erasmus, en Dublin City University. Luego me fui a vivir a Los Ángeles y estudié en UCLA. Después, ya de regreso a España, estudié en EFTI. Hice el programa profesional avanzado, y luego varios programas especialistas (edición gráfica, iluminación avanzada, postproducción, vídeo, etc.), también en EFTI. Me encanta esa escuela, y aún hoy en día me paso por allí de vez en cuando a conferencias, exposiciones, etc.

Retrato de George Benson

¿Cuáles son las disciplinas fotográficas que practicas actualmente?

Siempre he hecho retrato y reportaje. Desde joven admiraba la capacidad de los grandes fotógrafos de reportaje de contar historias con imágenes, con una mirada particular. Y lo mismo con el retrato. Y yo quería emularlos, pero buscando mi estilo. No obstante, en los últimos años monté mi propia agencia creativa y productora audiovisual con otros socios, y el trabajo directivo me ha absorbido mucho tiempo. Ya no podía irme semanas de viaje con mi cámara. Y al mismo tiempo tenía justo delante de mí la industria publicitaria, así que en estos últimos años he hecho más trabajo comercial: publicidad, música, fotografía para bancos de imagen y algo de moda.

Pero con el tiempo me he dado cuenta de que lo que me gusta es precisamente la variedad y mezclar estilos. Aplicar estilo de reportaje a fotografía de moda, por ejemplo. O hacer retratos publicitarios para portadas de discos. Con la experiencia aprendes a aplicar una técnica concreta a otro territorio.

¿Qué pretendes capturar cuando miras a través del visor de tu cámara? ¿Cómo describirías tu fotografía?

Para mí la fotografía es un estado de ánimo. Cuando más disfruto es cuando sencillamente te dejas llevar y fotografías de forma totalmente intuitiva. Cuando consigues que las emociones salgan al exterior a través de la imagen. Eso es más fácil que ocurra cuando fotografías para ti mismo, o en géneros como el reportaje. Pero desgraciadamente, en otros géneros, como la publicidad o la moda, eso ocurre raras veces. En esos encargos intento trasladar al material la idea precisa que necesita el cliente.

En general yo diría que en fotografía de reportaje los principales ingredientes son la experiencia, la psicología y tus propias emociones. En la publicidad se requiere un nivel alto de conceptualización, combinado con la pericia técnica. En cualquier caso, el placer es enorme cuando consigues el resultado que buscabas. Otra cosa que busco siempre son las metáforas visuales; el valor narrativo de los símbolos. Me encanta cuando las fotos tienen una segunda lectura, cuando lo importante no es lo obvio, cuando hay más de un mensaje.

¿Puedes describir brevemente tu equipo de trabajo habitual (cámaras, objetivos, accesorios, etc.)?

A nivel profesional trabajo desde hace 20 años con cámaras y objetivos réflex. Desde 2006 trabajo en digital. Alguna vez, si el proyecto lo requiere, con una Hasselblad digital de medio formato, pero solo en contadas ocasiones. Y recientemente he trabajado con el smartphone Sony Xperia M4 Aqua, y me encantó la experiencia. Era la primera vez que usaba un móvil cómo cámara profesional y me sorprendió positivamente, tanto en la capacidad del sensor para captar información con bajas luces (en este sentido, el trabajo era especialmente exigente) como en la gestión de los degradados y fidelidad del color. También me impactó la calidad y el tamaño del display.

A nivel personal todavía disfruto sacando mi vieja Mamiya 7 para impresionar carretes caducados, por el puro placer de usar esa cámara y de ver el resultado en el laboratorio. Hay algo de fetichismo y algo de nostalgia en ese deseo de fotografiar con mi vieja cámara, pero me encanta.

La fotografía va de la mano de la tecnología

¿Qué opinión te merece desde un punto de vista profesional la fotografía con smartphones? ¿Para un fotógrafo profesional es solo una manera de estar presente en las redes sociales, o aporta algo más?

Los smartphones se han convertido en cámaras fotográficas. Quien niegue esto no entiende la evolución de la fotografía desde un punto de vista tecnológico. Es como cuando surgió el mundo digital y durante años muchos fotógrafos defendían que jamás iba a igualar la calidad de la fotografía química. Hoy en día casi nadie dispara en película a nivel profesional. La diferencia, creo yo, es que los smartphones no van a sustituir a las cámaras profesionales, sino que están posibilitando una fotografía distinta; más cotidiana, más ágil.

Pero la calidad de las imágenes que ofrecen los smartphones de última generación es altísima. Consiguen fotografías de nivel profesional. Por lo tanto, son una herramienta más, con la ventaja del peso y la portabilidad. Tienen otras limitaciones, pero también las cámaras de medio formato tienen limitaciones. Lo importante es entender qué tipo de fotografía quiere hacer cada uno, y elegir las herramientas adecuadas. Y entre ellas, ahora contamos con los smartphones.

¿Qué representa para ti haber sido seleccionado por Sony para exponer fotografías tomadas con un smartphone Xperia M4 Aqua?

Fue un orgullo. Lo viví como un privilegio. En primer lugar, porque solo le dieron ese encargo a ocho fotógrafos en el mundo. Y en segundo lugar, porque me encantan los retos, probar cosas nuevas. Y la historia que querían hacer era muy bonita. Se trataba de fotografiar de forma creativa el mismo amanecer, el mismo día, en ocho lugares distintos del planeta. Yo tenía que fotografiar el amanecer de Madrid.

Decidí incorporar el elemento humano, y me llevé a una modelo (Graziella Tozzi) a un sitio elevado en un lugar icónico en el centro de la ciudad, en la Gran Vía. Y desde ahí capturamos el momento exacto de la salida del sol, con la brisa del amanecer meciendo el pelo de la modelo, y el barrio de Chueca a sus pies, aprovechando la capacidad del Xperia M4 de gestionar las luces bajas y los degradados de color. Fue un momento mágico. Me encantó el encargo.

¿Qué consejos darías a una persona que pretende ganarse la vida en el mundo de la fotografía profesional? ¿Qué cualidades debe tener un buen fotógrafo?

En primer lugar, lo más importante es que tu pasión sea la fotografía en sí misma. Tienes que sentir la necesidad de hacer fotos para ti mismo, por encima del deseo de generar ingresos o de hacer de esto tu profesión. Hay que leer el poema de Bukoswki dedicado a aquellos que quieren ser escritores, y reinterpretar el texto para un fotógrafo. Es esencial que la pasión por ser fotógrafo te queme por dentro. Es un mundo extraordinariamente competitivo a nivel global, con millones de fotógrafos con talento y hambre luchando por unos pocos encargos. Por lo tanto, más vale que tengas unas dosis extraordinarias de pasión, porque sin esa pasión no podrás mejorar, y, además, no podrás gestionar las decepciones.

En segundo lugar, hay que cultivar un estilo propio; el que más te guste, el que te salga de dentro. Pero no intentes imitar los estilos que más se publican. Eso ya lo hacen los demás. Nadie te contratará porque haces los flares al contraluz que ahora hace todo el mundo. Tienes que conseguir sacar lo que tienes dentro de ti, aquello que te hace distinto. Yo todavía estoy trabajando en esto. Es lo más difícil.

En tercer lugar, tienes que absorber todo lo que puedas de los mejores. Al igual que un escritor tiene que leer miles de libros de los maestros antes de escribir unas líneas, un fotógrafo tiene que ver millones de fotos de grandes fotógrafos. Hay que conocer a los grandes del siglo XX, ver exposiciones, leer cientos de libros, buscar las referencias adecuadas. Esa cultura visual se va quedando en el fondo de tu cerebro, sin que te des cuenta, y pasará a formar parte de tus recursos subconscientes. Al principio querrás imitar a aquellos que más admiras, pero si tienes talento y lo trabajas bien, con el tiempo ese material será la inspiración para sacar lo mejor de ti mismo.

Retrato de Peret

Además, tienes que disparar mucho. Tienes que hacer cientos de miles de fotos. Tienes que experimentar, probar, forzar situaciones y ver los resultados. Tienes que interiorizar el comportamiento de tu principal herramienta (la luz) y de la cámara que uses (me da igual la que sea). Al igual que cuando aprendes a conducir llega un momento en el que no piensas en el embrague, las marchas y el volante, sino que simplemente diriges el coche hacia donde tu cerebro quiere, tienes que llegar a ese punto de pericia técnica en el que solo piensas en imágenes; no en los factores técnicos. Tienes que interiorizar la fotografía. Y eso solo se consigue con cientos de miles de disparos.

Recuerda también que el mercado de la fotografía es un mercado internacional, y su lenguaje es el inglés. Hoy en día es casi imposible abrirse camino en el mundo de la fotografía sin hablar inglés. Y un último consejo: la carta que le escribió el grandísimo fotógrafo chileno Sergio Larraín a su sobrino cuando éste le pidió consejos para ser fotógrafo. Es una carta inmensa y profunda, con grandísimos consejos.

¿Qué opinas acerca del futuro de la fotografía profesional? ¿La popularización de las herramientas fotográficas propicia el intrusismo en la profesión, o, por el contrario, la enriquece?

Estamos en un mundo donde cualquier persona con un buen móvil puede decir que es fotógrafo, y, de hecho, puede hacer imágenes de calidad profesional. Eso significa que en potencia todos podemos ser fotógrafos porque todos podemos hacer imágenes de alta calidad. Puesto que muchos clientes no valoran otros factores, la fotografía en cierto modo se ha comoditizado. Y para los fotógrafos profesionales se ha convertido en un territorio tremendamente competitivo, con precios a la baja, y competencia creciente.

Por eso mismo adquieren especial importancia dos factores clave para ser valorado como profesional. Por un lado, la mirada propia, el discurso que uno tenga, el estilo. Cualquiera puede disparar un móvil, pero no cualquiera puede mirar la cosas de una determinada manera. El ojo y el estilo del fotógrafo no se pueden reemplazar con tecnología. Y aún quedan muchos clientes que sí valoran estas cualidades.

Y en segundo lugar, la profesionalidad, entendida como una forma de trabajar, relacionarse con el cliente, cumplir compromisos, aportar experiencia, valorar el trabajo propio, entregar el material, ofrecer inspiración y cumplir con una ética profesional. En última instancia esto es lo que distingue un fotógrafo aficionado con talento de un fotógrafo profesional.

Y, para concluir, ¿qué papel juegan, en tu opinión, Internet en general y las redes sociales de fotografía en particular en el mundo actual?

Internet y las redes sociales juegan un papel extraordinario en la proyección y el marketing de cualquier fotógrafo. Son una herramienta que hay que saber usar en un entorno tan competitivo como en el que nos encontramos. Nadie va a venir a buscarnos y a preguntar qué tipo de trabajos hacemos; hay que proyectarse al exterior con inteligencia, y eso requiere usar Internet y las redes sociales. Es un componente más de la formación que debe tener un fotógrafo profesional de hoy en día.

El problema es que no todo aquel que tiene talento fotográfico tiene la inquietud o los conocimientos sobre Internet, y en ese caso es esencial buscar asesoramiento. Porque además el mundo de las redes sociales e Internet también entraña peligros enormes para un fotógrafo, particularmente en lo concerniente a la autoría y propiedad intelectual de las imágenes, y por lo tanto hay que entenderlo muy bien para operar en él. En mi caso, aparte de mi web, que la tengo alojada en Photoshelter, yo uso fundamentalmente las siguientes redes sociales en mi marketing como fotógrafo: Instagram, Twitter, Facebook y Pinterest.

Una última reflexión. Yo creo que en el futuro los mundos de la imagen y el vídeo irán muy de la mano, y, por lo tanto, aunque uno sea primordialmente fotógrafo, los conocimientos de vídeo serán tremendamente útiles tanto para la realización de ciertos trabajos, como para la edición de material de marketing. No hay que olvidar que en Internet y las redes sociales el vídeo es el formato estrella. Se estima que en 2017 el 80% del tráfico mundial de Internet será en formato vídeo. Y un fotógrafo profesional del siglo XXI debe comprender hacia dónde va la tecnología, porque se ha convertido en un elemento indivisible de nuestra profesión. Afortunadamente, la mayoría de smartphones de última generación, como el Xperia M4 Aqua, graba unos vídeos de excelente calidad.

Agradecimiento

Antes de dar por concluido el post nos gustaría aprovechar para dar las gracias a Miguel por dedicarnos el tiempo necesario para realizar esta entrevista. Si queréis conocer mejor su obra no dudéis en pasaros por su página web. Merece mucho la pena.

Más información | Miguel Pereira
En Xataka Foto | «Intento contar la historia de las personas que no tienen voz de una forma positiva», Rubén Salgado, fotógrafo de retratos del año en los SWPA 2015

Tanto si son las fiestas populares de nuestro pueblo como alguna otra a la que asistimos, realizar un reportaje para mostrar la tradición, las costumbres y la alegría de la gente puede ser una buena idea. En esta guía veremos cómo hacer un reportaje durante la celebración de unas fiestas populares, desde la preparación previa del equipo y recogida de información, hasta los trucos durante el disparo para conseguir las fotografías más frescas y que mejor describan la acción.

Preparación del reportaje

Todo reportaje necesita de una preparación previa, tanto a nivel de equipo como a nivel de información, tenemos que conocer qué historia vamos a contar. Yo siempre empiezo un reportaje fijándome en un tema que me atraiga. Esa curiosidad hace que recabar información sobre lo que voy a fotografiar no sea un trabajo tedioso, sino algo enriquecedor.

En el caso concreto de las fiestas populares, me resultan atractivas la tradición y la alegría que demuestra la gente durante el evento. También es importante tener cuenta que estos eventos suelen tener mucha acción y mucho movimiento, suelen ser bastante coloridas, a menudo están relacionados con actos religiosos y casi siempre, tienen un lado más gamberro.

Conocer bien la fiesta que vamos a fotografiar es el primer paso para no perderse los momentos más espectaculares o álgidos, pero aunque nos parezca que conocemos bien la fiesta porque asistimos todos los años, lo mejor es documentarse un poco. Oficinas de turismo, lugareños o el propio ayuntamiento estarán encantados de contarnos lo que va ocurrir y porqué se celebra esa fiesta. Con estos datos podemos decidir dónde acudir y cuáles serán los momentos que debemos incluir en el reportaje.

Una vez sabemos lo que va a suceder, es más fácil preparar el equipo acorde a las necesidades. A parte de la cámara con las baterías cargadas y mucho espacio en la tarjeta, de manera general, podemos establecer que si la fiesta se celebra en la calle, el uso de angular será el más recomendado, si buscamos hacer retratos de los personajes de la fiesta, será interesante llevar un teleobjetivo corto y si la acción es peligrosa, como puede ser un encierro, el uso de teleobjetivo nos ayudará a acortar visualmente la distancia que debemos coger por seguridad.

Cuando salgo a hacer un reportaje, suelo montar en la cámara el 24-70 f 2.8 por lo versatil que me resulta, sin casi tener la necesidad de cambiar de objetivo. Si tenéis una cámara con sensor APS-C, me parece ideal el 18-105 ya que cubre las necesidades con un poco más de teleobjetivo, pero si solo tenéis el 18-55mm, no os preocupeis, la limitación hará que tengáis que acercaros haciendo las fotografías mejores, como decía Robert Cappa. En la bolsa, suelo llevar un 35mm fijo por si quiero reducir el tamaño de la cámara para no hacerme notar tanto. Sólo llevo el 180mm. o el 300mm. si sé seguro que lo necesito, no es cuestión de cargar con peso extra. Un flash puede ser un buen aliado, pero no es mi estilo por lo que no suelo incluirlo en mi equipo salvo que, al igual que los teleobjetivos, tenga la certeza de necesitarlo.

Consejos para hacer un reportaje

En primer lugar es importante decidir entre planificación o improvisación. La improvisación puede dar frescura a nuestro reportaje, pero también puede salir mal al no tener todo lo necesario para contar la historia. Mi recomendación es la planificación, con la puerta abierta a la improvisación. A la hora de planificar debemos decidir si va a ser un reportaje mostrando las generalidades de la fiesta o nos vamos a centrar en un aspecto en concreto o en un personaje. Centrarse en un personaje hará el reportaje más cercano, pero también puede ser más difícil por una necesidad de complicidad extra con el personaje para que actúe con naturalidad, tanto él como su entorno.

Acercarse, acercarse y acercarse, y cuando pensamos que estamos cerca, dar un paso más hacia adelante. Cuanto más cerca estamos de la acción, más introducimos al espectador en la fiesta y mejor se ven los detalles y las expresiones de la gente. Pero acercarse no es pasar por encima de la gente, hay que tener una estrategia que puede ser desde pedir permiso, que nunca está mal, hasta una enorme sonrisa e ir poco a poco hasta llegar al punto que queremos. Para acercarse es importante no tener vergüenza ni miedo, levantar la cámara en el momento justo y luego no huir despavorido para que la gente vea que formas parte de la fiesta. Una vez estas cerca, si permaneces en el sitio, es fácil que ocurran más cosas interesantes.

La composición es muy importante, pero cuando todo se mueve y tú también te estás moviendo, puede ser complicado. Mi consejo es que observéis y busquéis un punto de vista dónde la acción se vea bien, de manera clara y que, a parte, sea diferente a lo que está viendo el resto de la gente. Un vez estáis en ese punto, no busquéis composiciones extrañas o abstractas, que sea algo natural, usad la regla de los tercios, los fondos, lo más limpios posibles y fotografías sencillas con pocos elementos.

Serie completa de fotos realizadas y la elegida

Mi último consejo es no desanimarse. En el primer intento puede ser que no logres contar una historia, pero seguro que tendrás buenas fotos.

Fotografías | José Juan Gonzálvez

De vez en cuando solemos encontrar proyectos fotográficos que nos llaman la atención, ya sea por la idea original de su concepto, por la calidad técnica o por ambos factores. Son ese tipo de trabajos que nos dan cierta envidia porque querríamos haberlo pensado para nosotros. Es el caso de la serie "Sertanejos" del brasileño Alexandre Severo.

Afincado en Sao Paulo, este autor además de haber trabajado para medios como la Revista Time o seleccionado para el premio "Descubrimientos" de PHotoEspaña en 2009, es un fotoperiodista con otros tantos premios, algunos de ellos como el Save the Children en América Latina (2005) e incluso sus obras han sido expuestas en museos de todo el mundo, siendo la Tate Modern de Londres uno de los más significativos.

Su trabajo, con una tendencia clara hacia el reportaje social, es de una calidad excepcional, pero si hoy le nombramos aquí es por su crónica sobre los sertanejos. Porque también se puede hacer este tipo de trabajos desde una perspectiva original. Si os fijáis en las fotografías, que amablemente nos ha cedido Alexandre, vemos no sólo unos retratos de la gente que vive fuera de los núcleos urbanos, concretamente en la región de Sertão, sino también un despliegue de escenarios que otorgan al conjunto de fotografías un sentido lógico y personal.

Vemos como cada personaje ha sido retratado en su medio profesional en el cual se ha colocado material de estudio como fondo blanco, focos y paraguas. A modo de díptico se nos aparece primero el plano corto del representado junto a la otra imagen del plano general donde se le ve en su ambiente, pero posando en el estudio portatil. Son unas imágenes bien ejecutadas para un trabajo que respira coherencia y originalidad a partes iguales.

Esta serie pretende dar visibilidad a un pueblo desde la cercanía y la distancia de ellos frente al espectador. Esto se consigue gracias al material de estudio, puesto que interfiere entre quien posa y quien lo mira dando también protagonismo al propio fotógrafo, el cual une los dos mundos por medio de su puesta en escena fotográfica. Los personajes van desde los que representan la cultura tradicional (sacerdotes, vaqueros, etc.) a los que vienen a formar parte de lo contemporáneo (niños, travestis, contrabandistas, etc.).

Os invito, como siempre, a que naveguéis por el trabajo de este fotógrafo a través de su página web, para así conocer más sobre sus demás series. Pueden ser fuente de inspiración para aquellos que se dediquen al reportaje social y quieran darle un toque distinto a sus composiciones. Además, desde su canal de vimeo podéis acceder a más imágenes que no están en su portal, así como otras series cargadas de sensibilidad como "A flor de piel". No os lo perdáis.

Fotógrafo | Alexandre Severo

Vale, no te lo cuento yo, sino David Ellis, fotógrafo británico especializado en el mundo editorial, publicidad o moda. En este “cómo se hizo”, de un reportaje para la revista Men’s Health, David nos da los detalles de como simular un espectacular efecto de gotas de agua o lluvia cayendo con gran intensidad sobre nuestro modelo. Eso sí cógete una toalla porque te van a salpicar.

Bromas aparte, velocidad de obturación rápida, sincronizar los flashes así como la buena disposición de los mismos junto la oportuna y medida colocación de una cortina de lluvia artificial son las claves de éxito de estas fotografías. Así consigue este joven fotógrafo un estilo cargado de tensión, velocidad, impacto, momento y una gran fuerza en cada una de sus imágenes.

El trabajo de David resulta muy interesante, podéis ver algún vídeo más en su canal en vimeo. Realiza un interesante uso de la iluminación y su enfoque conceptual de la composición le ha llevado a conseguir un estilo propio en todos los géneros en los que se mueve, desde el retrato, a los reportajes y la moda.

Ya sea en el estudio con Justin Timberlake y una escultura de hielo, con la preparación del material gráfico para Fatboy Slim o esquivando balas en la guerra en Kosovo, sus fotografías se distinguen por su dinamismo. Y si no echa un ojo a su trabajo para Batman. Sí, Batman. También fotografía para superhéroes. ¿Por qué no?

En Xataka Foto | Fotografiar la lluvia: algunos consejos para sacarle partido

Más información | David Ellis

Luis Beltrán nace en Valencia el 28 de febrero de 1973. Con 10 años marchó a Gijón en donde ha vivido 21 años. Por dicha razón siente que pertenece un poco a cada sitio. Sin embargo, desde hace 8 años reside y trabaja en Puerto de Sagunto, Valencia. Es licenciado por la Universidad de Gales en Bachelor in Business Administration.

Un día buscando algo por casa, ya no recuerda el qué, cayó en sus manos “Sombras en Combate” de Javier Baúluz. Un reportaje fotográfico dedicado principalmente al conflicto árabe-israelí. Nos cuenta que pocas cosas en esta vida le han conmocionado tanto como aquel libro. Ese reportaje le dejó en un estado de shock y desde aquel mismo instante descubrió el poder de la imagen para comunicar, para trasmitir emociones, para hacerte reír o llorar… para enamorar. De esto hace ya más de 15 años…

Desde entonces ha tenido una estrecha relación con la fotografía. Empezando en el cuarto oscuro como se hacía entonces nos relata que aquello tenía su encanto, pero que la era digital ha abierto un mundo entero de posibilidades. Antes soñábamos con hacer ciertas cosas, ahora podemos hacerlas. Muy a su pesar, nunca ha estudiado nada relacionado con el mundo de la fotografía. Todo lo que sabe, lo ha aprendido a base de la generosidad de los demás y de la experiencia que da el pasar muchas horas delante de la pantalla, según nos ha contado.

Luis Beltrán ha expuesto para Mediadvanced, en Gijón, Primera Impresión Gallery y O+O Gallery en Valencia, en la feria ESTAMPA en Madrid y la galería Ultravioleta así como actualmente expone en Agora Gallery en Nueva York desde Abril de 2011.

XF: Bienvenido Luis.

LB: Igualmente.

XF: ¿ Fotógrafo, ilustrador, pintor? Tal vez mucha gente considere que no es fotografía estrictamente hablando, al haber bastante edición digital. ¿Qué les contarías?

LB: Cuando me pongo delante de cualquier fotografía, trato de hacerlo sin ningún tipo de prejuicio. Lo que le pido a una imagen es que me transmita, me comunique y me transporte. La técnica utilizada no es importante para mi.

Es cierto que en mi trabajo hay una mezcla de varias disciplinas y técnicas. Trato de usar todos mis conocimientos en conseguir lo que persigo. Por otro lado, las foto-composiciones me permiten llevar a cabo todo aquello que pasea por mi mente. De otra forma me resultaría imposible.
Siempre he dicho que lo importante no es la cámara sino el ojo con el que se mira….

XF: Eso último que comentas anteriormente me suena ligeramente. Otra pregunta: En tus montajes son todas imágenes tuyas, libres de derechos o las compras?

LB: Principalmente uso fotografías que he tomado yo, me siento mucho mejor al hacerlo. Pero a veces tengo que recurrir a bancos de imágenes para conseguir algún elemento que me es imposible localizar y fotografiar.

XF: ¿Cuál es tu equipo de trabajo?

Mi Canon 400 D y Nikon D7000. Con la Nikon suelo trabajar con el nikkor 16-85.

XF: ¿Cómo definirías tus fotografías en 3 palabras?

Amor, pasión y entrega.

XF: ¿Cómo es tu flujo de trabajo desde que tienes una idea hasta que la plasmas?

Lo más importante es “visualizar” lo que quieres hacer, es decir tener una imagen muy clara en tu mente del trabajo terminado. Esto te permite orientar todo tu flujo de trabajo en la dirección correcta. Normalmente planifico toda la escena. Busco localizaciones, modelos y demás elementos que necesite y trato de encajar todas las piezas tal y como tenía pensado. Hay veces que no todo sale como quieres y necesitar improvisar sobre la marcha, pero si tienes las ideas claras, más temprano que tarde todo encajará.

Un elemento vital al que hay que dedicar un tiempo adecuado es la iluminación de la escena. En este sentido un par de flashes corrientes pueden hacer maravillas y marcar la diferencia entre lo normal y lo extraordinario. También es fundamental implicar a todo el mundo que colabora contigo en el proyecto. Hay que saber transmitirles lo que quieres para que se impliquen de lleno y se contagien de tu pasión en lo que están haciendo.

Una vez que tienes un número de tomas suficiente, es hora de sentarse delante de la pantalla. Esta parte es igual de apasionante que la primera. Mediante el uso de diferentes programas, modifico aquellas partes de la imagen que lo requieran para llegar al resultado final que busco. Por supuesto todo mi flujo de trabajo está basado en el uso de capas. Te dan un control total sobre todo lo que haces.

Por último si el trabajo va a ser impreso, dedico bastante tiempo a hacer pruebas sobre diferentes tipos de papel hasta encontrar el más adecuado. En este sentido es importante trabajar con laboratorios profesionales y establecer una relación estrecha de colaboración. Todo el esfuerzo invertido en un proyecto puede ser en vano, si no consigues una impresión de la máxima calidad.

XF: Cuéntanos algún pequeño truco para los que comienzan en la edición creativa.

Máscaras de capa. Aprender a utilizarlas te permitirá acceder un mundo entero de posibilidades creativas. Al principio puede ser que resulte un poco complejo entender su funcionamiento, pero realmente son muy sencillas de utilizar y te prometo que darás un salto cualitativo en la edición de tus trabajos.

XF: ¿Qué proyecto fotográfico te ha brindado mayor satisfacción? ¿Por qué?

Cuando empiezas tu camino en el mundo de la fotografía, como en tantas otras cosas, eres un mar de dudas. La técnica y experiencia las vas adquiriendo progresivamente, esto no es problema. Lo realmente difícil es llegar a creer en uno mismo. Yo empecé a hacerlo en mi primer proyecto fotográfico “Apología de Presente o el Eterno Paisaje”.

Cuando recibes correos de gente que te agradece de todo corazón el haber creado imágenes con un mensaje tan especial para ellos, es cuando te das cuenta que tu trabajo llega y transmite. Lo que tu sientes al crear lo perciben otros al contemplar. Fue entonces cuando empecé a creer en lo que hacía. Es muy importante aprender a valorar como se merece tu trabajo. Si no te quieres tú, los demás tampoco lo harán…

XF: Tu galería está llena de imágenes oníricas. De dónde sacas la inspiración.

Es difícil contestar a eso. Siempre me ha gustado soñar despierto. La vida a veces es difícil, otras no tanto, pero lo que sí es seguro es que cada día es una fuente de inspiración distinta. Me siento cómodo situándome en la delgada línea que separa conceptos totalmente opuestos: vida y muerte, alegría y tristeza, realidad y ficción…. trato de tomar esta línea como punto de partida en mis trabajos.

Lo mejor de todo es que no siempre encuentras la inspiración que buscas, a veces simplemente no está, se ha ido, pero en tu interior sabes que un día u otro volverá ... o no… por eso es tan maravillosa.

XF: Tengo un familiar que trabaja como ilustradora de cuentos infantiles y ella siempre me dice que no teme enseñar, pero que hay otros compañeros que se guardan las técnicas de edición bajo 7 llaves, cosa que no comparte porque me recuerda siempre que lo importante realmente es lo que muestras y transmites. Cuál es tu opinión al respecto.

Estoy totalmente de acuerdo. Si no compartiésemos conocimientos, todavía seguiríamos en la edad de piedra. Hay que facilitar las cosas a la gente que viene por detrás. Cuando adquirimos un cierto nivel de edición y empezamos a destacar en nuestro trabajo a menudo nos volvemos egoístas y recelosos de mostrar nuestros “secretos”. Hay que vencer esa barrera y compartir lo sabemos hacer.

En este sentido he empezado a impartir cursos en donde enseño todo lo que he aprendido durante este tiempo que llevo entregado a la fotografía. Es muy reconfortante ver la ilusión y entusiasmo con que la gente acude a mis clases. Pocas cosas te llenan tanto como esta….

XF: Tus referentes fotográficos son …

Uff! hay mucha gente por ahí con mucho talento y de muy diversos estilos. Un fotógrafo que me impacto cuando vi su trabajo fue Gregory Colbert. Me impresionó mucho la serie realizada para la Fundación Rolex titulada Ashes and Snow. Es una gran fuente de inspiración y de técnica. Nick Brandt es otro fotógrafo que deja su huella en ti cuando ves su obra. Nunca antes había visto la vida salvaje en África retratada con tanta personalidad. Otro gran fotógrafo que es mi referente: Michael Kenna. También acordarme de otros muchos no tan conocidos pero que hacen que ames este arte cada día un poco más…

XF: Sin la fotografía serías …

La misma persona pero sin parte de esa ilusión y esperanza con la que me levanto todos los días….

XF: Danos algún enlace donde encontrar un buen tutorial sobre edición, otro sobre fotografía fantástica y otro fotografía en general que sean tu cabecero de cama.

Gracias al libro de Jose María Mellado aprendí un flujo de trabajo organizado, una manera de trabajar de principio a fin. Vale cada euro que cuesta… (Mil gracias Jose María por compartir tus conocimientos)

Si queréis aprender algo sobre foto-manipulaciones os recomendaría una colección de videos muy buena. El único problema es que está en inglés pero una gran referencia para mí es http://www.photoshoptopsecret.com/ . Yo aprendí y aprendo mucho viendo el trabajo de los demás. Una web con imágenes magníficas, en donde también puedes subir los tuyos es http://www.artlimited.net/

XF: Muchas gracias Luis, ha sido un placer tenerte con nosotros.

LB: A vosotros por vuestro interés.

Más información | Luis Beltrán

José María Martinez, es uno de esos muchos compañeros fotógrafos aficionados que hace de la fotografía parte de su vida. La vida quiso que naciese en París al comienzo de la maravillosa década de los 70. Ya con 10 años su familia se trasladó a Valladolid. Actualmente reside en La Cistérniga a pocos kilómetros. Estudió Delineación Industrial pero antes de acabar se cruzó en su camino el apasionante mundo de la música electrónica. En gran medida, influenciado por Depeche Mode, Jean Michel Jarre, Mecano, etc… formó un grupo de pop electrónico llegando a grabar un CD a finales de los 90. Poco después descubrió el mundo del Ilusionismo y así, entre estudiar magia y practicarla, se subió a los escenarios durante unos años.

En el 2001 decidió probar el emergente mundo de la fotografía digital y dejar en el armario su querida Nikon F80 que le había acompañado hasta entonces. La asistencia a eventos, espectáculos y conciertos le ha permitido aprender a moverse en un terreno en el que te puedes encontrar de todo. Mala luz, mucha luz, prisas, poco espacio, son características habituales de ese mundillo. Aunque ya llevaba años haciendo fotos de todo tipo sin un estilo definido, como el propio José María confiesa, es a raíz de colaborar con emisoras musicales como Los 40 Principales, M80, Cadena Dial, ... en la que se da cuenta que ése es su sitio dentro de la fotografía.

Xatakafoto: Hola, José María. Bienvenido.

Jose María: Hola, gracias por esta oportunidad.
XF: Comencemos con tu equipo fotográfico. Que consta de …

JM: Pues principalmente uso la Canon 5D II, algún otro cuerpo Canon, una compacta y el equipo básico de strobist.

XF: ¿Porqué esa marca? ¿Crees que te aporta alguna ventaja? ¿Es simplemente una preferencia personal?

JM: Reconozco que he llegado a ser “marquista” pero la ventaja inicial de Canon en la gestión del ruido ha pasado a mejor gloria. Me encantan algunos modelos de Nikon pero decidí, con muchas dudas, seguir con Canon por el tema de objetivos. La GF1 funciona de lujo para viajes e ir poco cargado. Para la A720IS tengo metido un firmware que me permite hasta disparar en RAW y hacer time lapse.

XF: ¿Cuáles consideras que son las cualidades que definen a un buen fotógrafo?

JM: Ante todo y como apreciación personal diría que respeto y humildad. En el apartado técnico, lo primero para mí es el encuadre. No dudar y poder ser muy rápido. El ordenador te permite recortar fácilmente, pero yo tengo una manía de la época analógica: El encuadre al hacer la foto. El equipo ayuda, pero un buen fotógrafo te puede hacer una grandiosa foto con un móvil. Lo que llamamos “ojo fotográfico”.

XF: Vas por la calle, tienes la cámara en la mano, y tienes la oportunidad de hacer la foto de tu vida. ¿Cuál sería?

JM: Pues no lo dudo, encuadro y disparo. No siempre llevo conmigo una cámara pero cuando voy por la calle no voy simplemente paseando. Todo lo que veo son encuadres, fotogramas y voy haciendo fotografías virtuales con los ojos. Cualquier cosa y con la lente apropiada es bello o llamativo. Hay gente muy buena en esto de la “fotografía callejera”.

XF: ¿Qué proyecto fotográfico te ha brindado mayor satisfacción? ¿Por qué?

JM: Podría decirse que es el proyecto que tengo en marcha actualmente. Se llama “Miradas Cómplices”.

XF:  Tu galería esta llena de retratos de gente conocida y desconocida, así como también reportajes de eventos musicales. ¿Qué evento o qué personaje de los que has retratado te ha costado más? ¿En qué ocasión te has sentido más satisfecho?

JM: Pues con un lagrimón cayéndome diré que no conseguí acreditarme para Depeche Mode. Eso fue una gran decepción. Aunque, por ejemplo el retrato que le pude hacer a Antonio Vega (2 meses antes de su desaparición) me emociona especialmente. Aunque técnicamente no estoy satisfecho. He de confesar que es la única vez que han temblado las piernas al hacer fotos. También tuve la suerte de poder estar casi media hora con la grandiosa Gloria Gaynor en su camerino y me resultó encantadora, con su perfecto español.

XF: Recuerdo aquel día que …

JM: Estando en Cuenca me di cuenta ya por la noche que había disparado todas las fotos a 1600iso, demasiado para la Nikon D70 y recorrí 200km extras para repetir toda la serie. Y algo curioso; estando en El Louvre, en París, la vigilante de la Gioconda en vez de evitar el abusivo uso del flash me recriminó que yo estuviese haciendo fotos a esa muchedumbre con sus cámaras.

XF: Sin la fotografía serías …

José MaríaJMMúsico? Ah no, que eso ya lo doy por perdido. Imagino que trabajando como asalariado como hago ahora.

XF: Tienes pareja. ¿Cómo lo lleva ella?

JM: Es una santa. La fotografía no le apasiona y soporta que le dedique muchas horas tanto en nuestros viajes como en casa frente al ordenador.

XF: ¿Qué piensas que ha supuesto internet para la fotografía actual?

JM: Como positivo diría que la posibildad inmediata de mostrar tu trabajo o el fruto de tu afición al mundo entero. Como parte negativa diría que es un arma de doble filo. La creatividad u originalidad se ve inmediatamente copiada por los miles de fotógrafos que pululamos por la red. Creo que está todo muy saturado y además hay mucha gente que se ofrece para trabajar a cualquier precio y a cualquier condición. Y tu trabajo está más expuesto a ser usado sin permiso. Es un tema que daría para un largo debate.

XF: ¿Cómo editas tus fotografías?

JM: Pues en principio soy un animal de costumbres. Revelo con Camera Raw y hago los ajustes finales con Photoshop. A veces uso algunos plug-ins para reducir ruido o mejorar el aspecto de la piel y tengo creadas acciones para algunas de mis fotos. No suelo usar procesados complejos ni se me dan bien las máscaras de capa.

XF: Danos tu opinión, un buen fotógrafo, ¿nace o se hace?

JM: Yo considero al fotógrafo un artista. Y por ello creo que nace y se desarrolla. En mi caso por ejemplo, está claro que he debido nacer con cierta debilidad hacia el mundo del espectáculo. ¿Se puede crear un fotógrafo? Depende, no creo que mi novia por mucha técnica que le enseñe o que le intente contagiar mi pasión llegue algún día a hacerlo con las ganas que lo hacemos los demás. Por eso digo que se nace, se nace con una sensibilidad especial hacia determinadas cosas en la vida. Ya lo dijo Concha Velasco: “Mamá, quiero ser artista”.

XF: ¿Estás a favor o en contra de la edición de fotografías? ¿Pondrías límites en los concursos?

JM: Estoy a favor, por supuesto, como opción para definir o marcar nuestro propio estilo fotográfico. Y en el caso de la fotografía de prensa, del todo en contra. Niveles, saturación, viñeteo y poco más. De lo contrario perdería la objetividad y se rallaría lo artístico. En los concurso lo más importante es crear unas buenas bases. Algo que no siempre se consigue y crea controversias. Si todo está bien delimitado no debería haber problema. Pero hay concursos que no deberían llamarse de Fotografía, más bien de Infografía o de Estilo Libre.

XF: Ahora mismo estás trabajando en un proyecto fotográfico solidario llamado: “Miradas Cómplices”, cómo surge la idea.

JM: Se han unido varios factores.Está claro que mi vocación musical y mi preferencia por la fotografía de espectáculos me ha llevado a ello. También me apetecía colaborar con alguna ONG o que mi trabajo pudiera servir para ayudar a otras personas. Todo había surgido al ver los retratos de Ricky Dávila en su obra Ibérica y me dije que me gustaría intentar algo parecido. Me marcó. Como hilo conductor me marqué el uso de una lente muy luminosa, mirada a cámara, no usar iluminación extra y procesado en ByN.

Me reuní con Cruz Roja Valladolid y les comenté mi proyecto. La idea les gustó y encajaba con diferentes actividades que estaban realizado. El proyecto inicial iba a ser realizar retratos a todo tipo de personajes nacidos o reacionados estrechamente con Valladolid. Pero se decidió no delimitarlo geográficamente. Posteriormente, las obras se revelarían, enmarcarían y se expondrían en una sala para su venta y donación a la entidad. Todo sigue su curso y esperamos poder tener cerradas fechas y sala en breve.

XF: En Miradas Cómplices participa gran cantidad de gente conocida ¿Cómo consigues esa relación tan cercana que muestran tus fotografías?

JM: Quiero pensar que sobre todo el máximo respeto con el que les trato siempre. Para algunos retratados recurro a intemediarios que me facilitan el contacto pero en general lo hago directamente con sus representantes. En otros casos se lo comento en persona a ellos mismos. Durante la sesión se suele establecer cierta compliciad, a pesar del poco tiempo. Recuerdo el caso de Pablo Carbonell al que dejé sin siesta y eso le dió un toque especial a la foto. Luis Eduardo Aute, que sin saberlo ni él ni yo iba ser la primera foto del proyecto. O Juan Antonio Quintana, el primer personaje oficial y de Valladolid.

XF: Mencionabas antes que estás colaborando en este proyecto con Cruz Roja.

JM: Agradezco a Cruz Roja Valladolid su implicación y valoración de mi trabajo, es algo que me ayuda mucho cuando contacto con las artistas. Me gustaría que el proyecto tuviera continuidad, pero eso ya se verá.

XF: ¿Quién te gustaría que partipase en tu proyecto y que aún no lo haya hecho?

JM: Lo tengo claro, porque estaban en nuestra lista inicial de personajes ligados a la ciudad: Concha Velasco y Patricia Conde. Me encantaría contar con Miguel Ríos, en su día no pude desplazarme a Madrid.

XF: Para terminar, danos algunas recomendaciones técnicas para no fallar a la hora de hacer un retrato.

JM: No siempre dispongo de mucho tiempo y por eso trato de llegar a la cita con las ideas claras: sobre el encuadre, el fondo, la localización. El tiempo que tengo trato de aprovecharlo al máximo para empatizar lo más posible con el retratado para que se relaje lo más posible y lograr esa sensación de complicidad. En cuanto a la técnica suelo utilizar un 50mm f/1.4, con una apertura de f/2 o f/2.2. No utlizao ningún tipo iluminación adicional y suelo aprovechar la iluminación de la propia localización.

XF: Gracias por dedicarnos tu tiempo. Un placer hablar contigo.

JM: Gracias a vosotros por interesaros en mi trabajo. Un abrazo.

XF: Te agradecemos José María el tiempo que nos ha dedicado. También os deseamos a ti y Cruz Roja Valladolid mucho éxito  con “Miradas Cómplices”.  Que sea esta entrevista nuestro pequeño grano de arena para dar a conocer este proyecto fotográfico solidario.

Fotografías | José María Martínez

Miradas Cómplices: Un proyecto solidario

Cruz Roja Valladolid

No, no somos Motorpasión, pero si nos puede ocurrir que estemos cansados de los paisajes, los retratos, de hacerle fotos a la novia y al perro o de dar paseos fotográficos por los mismos sitios. Queremos cambiar de tema, así que un día nos planteamos variar un poco y lanzarnos a una aventura fotográfica distinta, ¿Porqué no?

Pues como es una magnífica idea, en Xataka Foto vamos a intentar daros algunos consejos, desde un punto de vista amateur, para afrontar, por ejemplo, un reportaje de un coche, ya sea por gusto, porque os acabáis de comprar un coche que os encanta, o simplemente porque queráis venderlo y necesitáis que las fotos digan algo más que las típicas fotos de aquí te pillo aquí te mato.

Yo lo hice y quiero compartir con vosotros las cosas que tuve en cuenta a la hora de hacer las fotos:

El coche, como una patena

Es evidente, si queremos hacerle un reportaje de fotos a un coche es fundamental que este impecable, perfectamente limpio, así que o le haces el reportaje nada más sacarlo del concesionario o bien te pegas una buena mañana dándole a la bayeta.

Y cuando digo limpio no quiero decir que echéis un euro en la manguera del Elefante azul y le quitéis el polvo, hay que limpiarlo a conciencia, carrocería, plásticos, ruedas, llantas, interior, etc. Si podemos sacarle brillo, mejor que mejor.

Buscar localizaciones adecuadas

Vale, ya tenemos el coche impecable pero tampoco vamos a ponernos a hacerle fotos en el garaje, que menos que nos vayamos a algún sitio interesante.

E interesante pueden ser muchos sitios, desde una nave o una escena con ruinas donde el coche contraste y destaque, a un paisaje interesante o reconocible que nos ayuden a componer la foto. Tampoco hay que descartar un fondo neutro, donde sólo destaque el coche y nada distraiga la atención.

Por último no te conformes con sólo una localización. Si buscas dos o tres sitios distintos el reportaje será mucho más completo y te encontraras con muchas más opciones para encuadrar.

Tomas generales

Ya tenemos una localización chula, ahora sólo hace falta estudiar los encuadres. Las tomas generales son indispensables, principalmente el perfil. Normalmente tenderemos a encuadrar horizontalmente, pero no tiene porqué ser así, un encuadre vertical puede darnos mucho juego y nos aleja de la típica foto que todo el mundo hace.

Un buen consejo es ponerse a una distancia considerable, de esta forma intentamos, en la medida de lo posible que se vea el perfil lo más limpio posible, lo que no conseguiremos si estamos demasiado cerca.

Busca encuadres distintos

Pero las fotos generales son muy aburridas, tenemos que intentar dar una vuelta de tuerca más, jugar con los reflejos, por ejemplo, es una buena idea. Intenta componer la foto con elementos del coche y con elementos de la escena, te quedarán fotos más originales:

Otra buena idea es jugar con las lineas, con los contrastes de color, la composición. Fotos “minimal” pero muy resultonas:

No te olvides de los detalles

Vale, ya hemos cubierto las tomas generales, e incluso hemos ido más allá buscando encuadres distintos, pero la cosa no debe quedar ahí, los coches tienen muchos detalles, que descontextualizados, pueden ofrecernos muchas buenas fotos. Por ejemplo, las llantas suelen dar mucho juego para fotos simétricas:

O el interior, que normalmente puede darnos mucho juegos a poco que busquemos un encuadre original y juguemos con la profundidad de campo:

No desprecies el interior

Un coche no es sólo exterior, el interior también puede darnos mucho juego como acabamos de ver. Aparte de los detalles, en el que incluso podemos echar mano de un objetivo macro, podemos intentar una toma general.

Pero normalmente nos encontramos con un problema, tenemos poca luz dentro y mucha luz fuera, y pocos sensores, por no decir ninguno, son capaces de captar ese rango dinámico. Una buena opción es hacer un par de tomas, siempre desde el mismo punto y con la misma focal, y después fusionarlas en nuestro programa de retoque favorito. Nos quedaran tomas mucho más atractivas que si sólo nos quedamos con el interior o el exterior.

Recuerda, de nuevo, buscar una buena localización, que haga la foto atractiva. Si tenemos delante una pared, como que pierde un poco la gracia.

La Luz, tu mayor aliada

Estamos hablando de fotografía, donde la luz es siempre lo más importante. Si quieres hacer fotografías únicas no te queda otra que jugar con ella. ¿Quien ha dicho para hacerle fotos a un coche tiene que verse el coche?

Dispara en RAW

Es un consejo general que siempre ponemos, pero es que no queremos que se os olvide que las posibilidades del RAW son mucho mayores que las del JPG. Nada mejor que tener toda la información en bruto, por si cometemos algún pequeño error de exposición, por ejemplo, o no hemos conseguido el balance de blancos que queriamos, poder corregirlo posteriori.

En las fotos interiores por ejemplo nos vendrá muy bien poder tener un rango donde poder movernos. Yo cuando hice el reportaje disparé en JPG (aun era novatillo) y después me di cuenta de que podía haberle sacado mucho más partido a las fotos si lo hubiera hecho en RAW.

Aun así tampoco las fotos tienen que estar perfectamente expuestas. Jugar con la sobreexposición o la subexposición (como hemos visto antes) puede ofrecernos imágenes que no tenemos por qué descartar.

Experimenta y disfruta

Mi consejo personal es que experimentes y no tengas miedo a arriesgar, llévate la cámara al ojo e intenta buscar encuadres distintos, originales, crea tu propia fotografía, que hacerle fotos a un coche sabe todo el mundo, pero nosotros tenemos que darle ese plus, que para eso leemos Xataka Foto ;)

Fotos | Manolo Toledo – Set BMW en flickr