Como toda lista que se precie, esta que os vamos a presentar es tremendamente subjetiva. No está sujeta a hecho demostrables de forma científica. Y todos pueden opinar para llegar a conclusiones interesantes y prácticas. La idea de escribir este artículo surge de la necesidad de tener referentes claros para estudiar la historia de la fotografía y saber los caminos que podemos seguir para desarrollar nuestra pasión. Los fotógrafos aquí nombrados han marcado el trabajo de las generaciones futuras y muchos de ellos han animado a muchos a coger una cámara para empezar a hacer fotografías.

En muchos talleres y cursos algunos alumnos no conocen el trabajo de los grandes autores. Las referencias que tienen están limitadas a lo que ven en internet, que no es malo desde luego, pero es insuficiente. Hoy se pueden descubrir grandes autores en la red (Michael Kenna o Fan Ho los encontré al adentrarme por las páginas, por poner un ejemplo personal) pero en cualquier especialidad es importante tener una buena base para luego construir sobre la experiencia.

En este listado faltarán muchos fotógrafos. Pero entre todos podemos compartir y dar a conocer a fotógrafos que por algún motivo han motivado a las siguientes generaciones. Porque esta es la intención principal de este artículo, encontrar a aquellos que con su trabajo han marcado a otros por su forma de ver o de relacionarse con una cámara. Y que puede que haya alguna otra rama además de las que hablo en el árbol que voy a desarrollar. Y sin más dilación ahí vamos.

Hoy no vamos a escribir biografías ni publicar galerías extensas de los autores citados. Nada más que es una breve introducción para que nos empiecen a sonar sus nombres y comience un dialogo con ellos, como si fueran nuevos amigos o la posibilidad de compartir de nuevo viejas historias con ellos.

Los primeros que entendieron la fotografía

Es muy llamativo cómo la fotografía, presentada con todos los honores en 1839, alcanzó la mayoría de edad muy pronto. Los primeros maestros lograron sus mejores obras en apenas una década. Es verdad que se sentían deudores de la pintura. No tenían referencias y no se podía innovar más allá de la técnica (cómo me recuerdan estos tiempos a aquellos).

Autorretrato de Nadar

Pero el primero que nos enseñó el camino fue Gaspard-Félix Tournachon (Nadar). Desde su estudio de París inmortalizó a los más grandes personajes de la época con una intención claramente pictórica. Pero sus obras, con sus fondos neutros para no desviar la atención del espectador, sentaron las bases del retrato fotográfico, donde lo más importante es captar la personalidad del personaje.

Es difícil contemplar sus trabajos y no acordarse de su influencia en los trabajos de Richard Avedon o Irving Penn, por poner dos ejemplos. Les separan varias generaciones pero la forma de mirar viene de ese estudio parisino de luz natural que todos los grandes querían pisar.

Atget por Berenice Abbott

A mediados del siglo XIX nació Jean Eugène Auguste Atget. Tampoco iba para fotógrafo, pero las desgracias de la vida le llevaron a recorrer París con su vieja cámara. No veía la fotografía como un oficio pero tenía una forma de mirar, de componer y colocar la cámara que llamó la atención a los artistas de los años 20. Era capaz de dotar de vida hasta el elemento más insignificante. Ya no hacía falta ser hermoso, nuevo o grandioso para llamar la atención.

Esa forma de trabajar, la forma de evitar intervenir en la imagen, sin querer aportar un ápice de la personalidad, marcó a muchos fotógrafos desde París hasta que gracias a Berenice Abbott gran parte de sus negativos llegaron a los Estados Unidos, donde está considerado un gran maestro.

Las dos grandes corrientes de la fotografía

Antes de citar a los dos grandes innovadores no puedo evitar recordar al que muchos consideran el padre de la fotografía. Muchos autores lo citan continuamente como uno de los grandes referentes. Y destacan que fue el primero que hablo con la lengua de la fotografía, sin el lastre de las expresiones de otras bellas artes. Me refiero por supuesto a Walker Evans. Quizás es el mejor de todos, pero seguro que se podría discutir mucho sobre el tema. Y desde luego merece uno, dos o más artículos en exclusiva. Como todos los que estoy nombrando aquí.

Henri Cartier Bresson

En los años treinta, después de sus estudios de pintura (su verdadera vocación) decidió hacerse fotógrafo. Y con la ayuda imprescindible de una pequeña cámara, la conocida Leica, se convirtió en el fotógrafo con mayúsculas: Henri Cartier Bresson. Probablemente es el más conocido de todos y la principal referencia en las escuelas para hablar de un artista total.

Todos los que empezamos siempre hemos querido hacer las fotografías como las hacía él. Fotografías perfectas, medidas con ojo de cirujano, donde todo está donde debería estar. Tan bien hechas que parecen preparadas. Parecen decir que si sabes mirar el mundo es perfecto. Solo hay que saber mirar.

En las traducciones siempre se habla de su famoso instante decisivo. Realmente se refería a hacer fotografías a la carrera. Su forma de mirar marcó a varias generaciones. Y muchos han creído que es la única forma de fotografiar, que todo depende de la geometría. Quizás es el fotógrafo con el estilo más copiado o que más ha inspirado a los noveles.

Y en los años cincuenta, veinte años más tarde, surgió la figura de Robert Frank, que para mi abre la segunda rama de la fotografía. La segunda gran rama de ese árbol Walker Evans que nace de las raíces profundas de Nadar y Atget.

Robert Frank

Con su trabajo 'Los americanos' da un golpe en la mesa y desvía la mirada de aquellos que estaban cansados de la perfección y que saben que el mundo no es perfecto, que es imposible medir todo y que no se vive de fragmentos, sino de historias. Que nunca miramos de forma estática, que cuando nos desplazamos de forma totalmente erguida, que nos balanceamos cuando andamos. Que no hay un instante mejor que otro, que todo depende del ojo con el que se mire...

Desde entonces los fotógrafos eligen estas dos vías para expresarse. Ninguna es mejor que otra. Sería muy aventurado decirlo. Como fotógrafos podemos elegir un camino u otro: el cartierbressoniano o el frankiano (si se me permiten los neologismos). Ahora os propongo que conozcáis a estos artistas que os he presentado (o recordado) y que juguéis a situar a vuestros fotógrafos favoritos en un lado u otro... y todos se ajustarán perfectamente.

Por ejemplo Avedon es frankiano; Salgado es cartierbressoniano; Cristina García Rodero es cartierbressoniana; R. Depardon es frankiano; ¿Colom es frankiano?; ¿Masats es cartierbressoniano?... Como veis empieza un juego apasionante...

En Xataka Foto| Once puntos de inflexión que marcaron la historia de la fotografía

Hoy es el Día del Libro, una excusa más para comprar o regalar uno de esos dispositivos analógicos que tantas alegrías nos dan. Incluso podemos ir a la biblioteca de nuestro barrio y encontrar ese ejemplar que nunca hemos encontrado. Para ser buen fotógrafo ayuda mucho leer. Y el mejor destino de las imágenes son las hojas de los libros. Desde Xataka Foto nos unimos a la celebración recomendando una serie de joyas que podemos encontrar en librerías, tiendas de segunda mano o en el último estante de una biblioteca olvidado.

Reconocemos que nos encantan los libros. Sin ellos no podemos vivir. Es complicado encontrar la inspiración en otro lugar que no sea entre sus páginas. Es verdad que tenemos las exposiciones e Internet. Pero las fotografías se descuelgan de las paredes y en internet es difícil encontrar las secuencias ordenadas, respetando la gramática de la fotografía. Es como si viéramos las novelas con las páginas desordenadas. Con un libro entenderemos más fácilmente lo que el autor quiso decir.

Y lo bueno que tenemos los fotógrafos es que cualquier temática nos sirve. La unión entre la literatura y la fotografía es única. Son la mejor forma de conocer el mundo después de vivir intensamente. Por este motivo no solo vamos recomendar libros de fotografía. Serán difíciles de encontrar, otros los encontraremos un día que no los busquemos en librerías de viejo. Y alguno estará en todas las librerías que se precien. Así que vamos a empezar.

'España oculta' de Cristina García Rodero

Es uno de los libros fundamentales de la fotografía española. Con él cambió todo. Es el nexo perfecto entre los maestros del pasado y los nuevos autores. Es una forma distinta de concebir un libro. Más de diez años de trabajo, cientos de fines de semana invertidos, una consulta constante a todo lo publicado por entonces sin ayuda de internet y cientos de horas en el laboratorio.

El libro por excelencia

Exactamente lo contrario a lo que hoy se hace, cuando apenas se hace un fotolibro en unos pocos días a raíz de una idea brillante que no da para más que una revista. Este libro es pura vida, auténtica historia. Gracias a él las fiestas de nuestros pueblos se han convertido en una invasión de fotógrafos que buscan perpetuar la memoria. Muy difícil de encontrar hoy en día.

'Fotografía de viajes' de Tino Soriano

Parece ser que va a salir de nuevo en otra editorial. Pero hoy, donde tantos escriben y tienen poco que decir, hay un libro que descubre de una forma amena y aparentemente sencilla todo lo que hay que saber a la hora de viajar con una cámara. Es un libro pequeño y sin pretensiones. Es una guía para empezar. Todo empieza cuando viajas con la única compañía de tu cámara y da igual lo que hayas leído si no tienes práctica, algo que muchos olvidan.

Seguro que el nuevo libro de Tino Soriano que parece que va a salir es una revisión perfecta de esta joya, pero si lo encuentras tirado en uno de los puestos de las ferias que empiezan estos días, no dejes de comprarlo. Seguramente te llevarás más de una sorpresa. Y su forma de entender el color te hará cambiar tu fotografía.

Walker Evans

El catálogo de la retrospectiva de Walker Evans de la Fundación Mapfre es quizás el mejor que han hecho. Y es algo muy arriesgado después del cuidado que tienen a la hora de editarlos. El del gran maestro americano se ha convertido en el libro de referencia sobre su figura. Cualquiera que quiera conocer a uno de los fotógrafos fundamentales debería comprárselo o buscarlo en las bibliotecas.

La portada del catálogo

Porque no solo encontraremos ensayos sobre su vida y obra, sino una selección perfecta de sus trabajos impresos con una calidad y cuidado exquisitos. Si tienes dudas sobre cómo deberían ser las retrospectivas, solo hay que tener este ejemplar entre las manos.

'Sin miedo al flash'

Publicar un libro es difícil. Tienes que tener la total confianza de tu editor y saber que te apoyará en todo momento. Y debes conocer en todo momento qué es lo que quieren. Y ese grado de compenetración es el que se desprende en todo momento en Sin miedo al flash, el libro de José Antonio Fernández publicado por JdeJ Editores.

Solo falta el flash

No hace falta acudir a libros traducidos para encontrar a un fotógrafo que fuera capaz de explicar como nadie los fundamentos de la luz del flash. Ahora mismo no hay nada mejor para entender cómo funciona. Está explicado de forma clara y concisa y al que lo lea solo le faltará la práctica. Y un buen flash.

'Las ciudades invisibles' de Italo Calvino

¿Y qué hace un libro de relatos en esta ecléctica selección? Es uno de mis favoritos. Siempre lo recomiendo. Las fotografías no necesitan textos para ser entendidas. Pero no pueden vivir sin las letras, sin la imaginación de los escritores. Por este motivo creo que sería un reto fantástico para una escuela de fotografía proponer ilustrar a sus estudiantes un libro semejante.

Italo Calvino no es Cervantes. Pero su mundo no está tan saturado como el universo del Quijote. Por poner solo un ejemplo. Me encantaría ver en imágenes libros como 'Cien años de soledad', 'El Jarama' y tantos otros. Pero los mundos soñados de 'Las ciudades invisibles' son casi infinitos. Y un buen fotógrafo llamaría la atención. Y no es un camino trillado, el mejor reto para un fotógrafo.

'Criterio fotográfico' de Xavier Miserachs

Uno de los grandes desconocidos de la literatura fotográfica española. Es un libro que puede generar polémicas. Quizás por este motivo no guste tanto. Pero no es un manual masticado y sencillo, sino una lectura que te obliga a pensar en fotografía.

Si lo ves te lo llevas

Son los apuntes transformados de un curso que daba el fotógrafo Xavier Miserachs en una escuela de Barcelona. Es un libro vivo, que se debería leer en grupo como ocurre en algunos clubs de lectura. Quien lo lee debe desarrollar una opinión e intentar quitar la razón al profesor. Por este motivo deberíamos buscarlo como fuera.

Quedan muchos libros por recomendar, desde los clásicos que recomiendan en todas las listas a pequeñas obras que pocos conocen. La fotografía se enriquece con su existencia y conocimiento. Este Día del Libro debería ser una fiesta continua de lectura, solo interrumpida por las salidas fotográficas. Esperamos recomendaciones bibliográficas de todos vosotros.

En Xataka Foto| 'Cien años de soledad', el libro inmortal de Gabriel García Márquez y su relación con la fotografía

Hace ya varias semanas que estuvimos en la presentación de uno de los libros más interesantes editados por La Fábrica en los últimos meses, el dedicado a las carreteras norteamericanas vistas desde una serie de fotógrafos imprescindibles en la historia de la fotografía, no sólo en EEUU sino internacionalmente: 'En la carretera. Viajes fotográficos a través de Norteamérica'.

En aquella ocasión tuvimos información de primera mano, especialmente de Bernard Plossu, uno de los fotógrafos incluidos en esta publicación, además de poder echar un vistazo a sus páginas y comprobar que estábamos ante un gran libro que no podíamos dejar de hojear más detenidamente. Y así lo hemos hecho, con la edición ya en nuestro poder, es hora de adentrarnos con más profundidad en sus páginas, repletas de fotografías, pero también para detenernos en sus textos.

La estructura del libro

Si hay un detalle el cual tenemos que tener en cuenta a la hora de hacer la disertación de un libro, es fijarnos en su estructura. En esta ocasión nos encontramos con un diseño muy sencillo, pero tremendamente eficaz en cuanto a contenido. Comienza con un prólogo de David Campany, que es quien ha coordinado todo el proceso, y donde nos da un panorama de lo que significa América para el viajero, así como una serie de anotaciones históricas en torno a la fotografía y los procesos fotográficos. Como bien dice es "un país hecho para los viajes largos". Cualquiera que haya pisado Norteamérica lo sabe. No en vano las escapadas que suelen hacerse comprenden por lo general la costa este, la oeste, o cruzando de este a oeste.

Se habla en este prólogo por tanto de esas grandes carreteras que comprenden EEUU, de cómo el automóvil dio origen a una forma de vida nómada, a un consumismo alimentado por moteles de carretera, cafeterías y gasolineras, una estructura que actualmente sigue vigente y que hace que viajar por los Estados de Norteamérica sea tan cómodo.

En uno de los sub apartados del prólogo se comenta uno de esos primeros libros que dieron origen a trabajos posteriores, hablamos de Walker Evans y sus "American Photographs", que como bien nos cuenta Catany, aunque no tuviese un orden geográfico, si vino a plasmar lo que significaba América en su conjunto gracias a esa aproximación a las nuevas formas del paisaje urbanístico, lo cual quedó grabado en la memoria de quienes posteriormente dijeron estar influenciados por su obra.

Tras el extenso prólogo, donde vemos que se hace una lectura historiográfica de la fotografía a través de las carreteras de EEUU, y donde además se habla de episodios en torno a fotógrafos que no tienen apartados propios en esta publicación, como el ya mencionado Walker Evans, o Dorothea Lange y Henri Cartier-Bresson, se procede a la sucesión de capítulos cada uno dedicado a un autor diferente precedido por un texto y una referencia a los años de producción de ese fotógrafo en relación con la idea de su viaje por Norteamérica.

La selección de los fotógrafos seleccionados no deja de ser muy interesante en cuando nos habla de diferentes maneras de involucrarse con el terreno americano. Por ello cada uno nos conduce a un viaje diferente y a una forma también distinta de conocer los paisajes aunque el denominador común sea el mismo. Aquí sí me gustaría no obstante únicamente hacer mención a todos ellos, porque la revisión más extensa de cada uno nos ocuparía demasiados párrafos.

Pero quiero nombrar a Robert Frank y su indispensable "Los americanos"; a Ed Ruscha" con sus "Veintiséis gasolineras"; Igne Morath y la "Carretera a Reno"; Garry Winogrand y "1964"; "Los Álamos" de William Eggleston; "El monumento americano" de Lee Friedlander; Joel Meyerowitz y "Aún en marcha"; Las "Fotos americanas" de Jacob Holdt; "Lugares poco comunes" de Stephen Shore; El "Adiós" de Plossu; Victor Burgin con "US77"; Joel Sternfeld y "Perspectivas americanas"; Shinya Fujiwara con "Ruleta americana"; Alec Soth, "Durmiendo a orillas del Mississippi; "Una carretera olvidada" de Todd Hido; "El viaje es el destino" de Ryan McGinley; Justine Kurland con "Tipo autopista" y Taiko Onorato junto con Nico Krebs para "El gran irreal".

Por el contrario, sí me gustaría detenerme a nivel estructural en los capítulos de Jacob Hold e Inge Morath, ya que junto a algunas de las fotografías incluidas en el libro, aparecen también textos que hacen referencia a esas imágenes. En el caso de Victor Burgin también aparecen textos, pero es una traducción de lo que aparece incrustado en las instantáneas.

El carácter cronológico que tiene este libro, nos conduce también a través de un viaje temporal donde al mismo tiempo vemos la progresión en la manera que hemos tenido de ir haciendo fotografía en la historia. Si bien el fondo nos sigue pareciendo el mismo, los contenidos y los discursos se afinan o simplemente se transforman, pero plásticamente vamos notando una evolución.

Como conclusión, uno de los aciertos del libro sobre todo para aquellos fotógrafos más viajeros o para los más curiosos, es que se han incluido los mapas por autor donde se hace una estimación de los puntos en el mapa que debieron habitar los autores que aparecen en la publicación. Una forma divertida de terminar las páginas y una manera de no cerrar las tapas sino hacer que la lectura se prolongue aún más en el tiempo, quizá con la consulta en internet o la nostalgia de quienes han visitado territorio americano.

¿A quiénes está dirigido este libro?

Por descontado es un libro dirigido a los amantes de la cultura americana. La visión que tenemos de Estados Unidos vino marcada por el cine pero también por la fotografía que se trajo de allí. Está especialmente enfocado a quienes la fotografía conceptual les hace tilín, pero más allá de ello podrán conocer la obra de autores desconocidos o tener acceso a cierto tipo de información que David Catanay ha sabido desarrollar muy bien en todas las páginas.

Un libro que está pensado para detenerse, observar, ir al mapa, querer conocer más, inspirarse, crecer. Muy recomendable para quienes hacen discursos fotográficos a través de la idea de viaje. Iniciático muchas veces, como se suele decir de las películas. Con marcado acento indie, pero regado de todo ese sabor que nos abrió las puertas a América desde el Viejo Continente.

'En la carretera. Viajes fotográficos a través de Norteamérica'

• Editorial: La Fábrica
• Precio: 49,00 euros (Disponible en Web de La Fábrica, también en Amazon, Casa del libro, FNAC o El Corte Inglés)
• Encuadernación: Tapa dura
• Páginas: 336 a todo color
• Tamaño: 250x290mm
• ISBN: 978-84-15691-82-2

Hablar de Walker Evans son palabras mayores en la historia de la fotografía. Conocido principalmente por sus fotografías del proyecto Farm Security Administration, con las que documentó durante 18 meses las comunidades rurales en el periodo de depresión americana, su fotografía se caracterizó por mostrar el mundo de forma directa, representando a los retratados de las clases más bajas con absoluta dignidad. Tanto es así que recopiló las fotografías tomadas en una granja de Alabama durante seis semanas en un libro bajo el título “Conozcamos a los hombres ilustres”.

Como no, su obra fue expuesta en el MOMA en una exposición monográfica publicándose el libro “American Photographs”. Trabajó también como articulista y fotógrafo de la revista Fortune para después trabajar como profesor de fotografía en Yale, siendo maestro de grandes autores como Robert Frank.

Su libro “Many are called”, fue el recopilatorio de una serie de fotografías tomadas de un modo distinto a las que hacía con su cámara de 15 × 20. Para esta ocasión, con su Contax de 35 mm escondida bajo el abrigo, se dedicó a tomar instantáneas de los pasajeros del metro de Nueva York. Sin duda, una forma de hacer street photography que nos puede parecer revolucionaria para los años 60. Con ello pretendía retratar los rostros de la manera más natural, sin poses ni intimidaciones. Más tarde, hacia el final de sus días, con una delicada salud, encuentra en la Polaroid SX 70 su mejor aliada por la inmediatez del revelado. De ese modo, retrató los iconos de la ciudad siguiendo sus patrones de siempre pero con imágenes en color.

En España tuvimos la suerte de disfrutar de su obra gracias a la Fundación Mapfre en una exposición a comienzos de 2009. Si queréis conocer más sobre este fotógrafo, no dejéis de visitar la web de dicha fundación donde se recopilaron numerosos datos y enlaces donde ver su obra, como el archivo de Walker Evans en el Metropolitan de Nueva York, uno de los lugares donde poder admirar sus más de 10.000 fotografías online así como textos inéditos entre otra mucha información de interés.

De momento y para abrir boca, os dejo con el vídeo que abre este post, para que disfrutéis de este fotógrafo sumergiendo vuestra mirada a ritmo de jazz a través de su visión de la América profunda.

Vídeo | Youtube
Fotógrafo | Walker Evans
En Xataka Foto | 10 fotógrafos clásicos que no te puedes perder

Desde el pasado 15 de enero y hasta el próximo 22 de marzo de 2009 se puede visitar en la sala de exposiciones de la Fundación Mapfre, una completa retrospectiva del fotógrafo americano Walker Evans (1903-1975), considerado como uno de los grandes referentes de la fotografía contemporánea.

Esta exposición está compuesta por más de un centenar de extraordinarias fotografías vintage, realizadas en gelatina de plata, que proceden de los fondos de la que sin duda es la principal colección particular de obras del fotógrafo, y documenta ampliamente todas las etapas de la trayectoria artística de Evans.

Su obra está lejos de los que se consideraba arte en fotografía, estatus por el que sin embargo los fotógrafos llevaban décadas luchando, aunque por el equivocado camino del sentimiento y la belleza evidentes. La imagen que encabeza esta entrada representa al aparcero Floyd Burroughs, y es copyright del Walker Evans Archive de The Metropolitan Museum of Art.

Precisamente es la obra de Evans la que culmina esa evolución formal mediante la ruptura, con un estilo que vino a llamarse documental, que miraba a los hechos directamente, y estaba pensado para representar las cosas en relación a sí mismas, aparentemente sin intervención, de una manera precisa, sin emociones ni tendencia a la idealización.

La exposición la componen más de un centenar de fotografías impresas en la época en que fueron tomadas, por eso son llamadas vintage. Realizadas desde 1928 a 1975 muestran como Evans captó en imágenes concisas, contundentes y sobrias todas las caras de una sociedad capitalista que se presentaba al mundo como brillante ejemplo de desarrollo.

El recorrido comienza con una generosa selección de sus primeras fotografías, tomadas con una Leica en nueva York en 1928 y termina con fotografías tomadas con Polaroid SX-70, que ofrecía al artista la posibilidad de seguir creando sin la necesidad de trabajar en el cuarto oscuro, ya que su salud se debilitaba.

La exposición se puede visitar en la sala de exposiciones de la Fundación Mapfre en la Avda. General Perón, 40 de Madrid, con los siguientes horarios de visita: Lunes de 14 a 21 horas. Martes a Sábado de 10 a 21 horas. Domingos y festivos de 12 a 20 horas.