A la hora de crear estilos de color, no siempre buscamos irnos por lo cálido y lo feliz. En algunas ocasiones viene bien encontrar un efecto más dramático, como es el caso de nuestro look de septiembre. Aquí os mostramos cómo buscar un efecto de color ‘grunge’ en Photoshop.

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Así se consigue un estilo Orton ácido nocturno utilizando Photoshop

El efecto de color grunge busca la incomodidad, ensuciar y llevar al límite los parametros de la imagen. Para ello, se busca reforzar el contraste de la escena, reducir el color y conseguir ruido sobre la imagen. Así que arranquemos.

En el laboratorio

Para trabajar este estilo, usaremos la imagen de abajo como ejemplo:

Lo primero que haremos es virar el color y darle un tinte general a la escena. Para ello, con una capa de ajuste de 'Curvas' podemos reducir el rango de brillos y sombras, y jugar un poco con cada canal para obtener un color inicial. En este caso agregamos cyan a la escena subiendo los niveles de azul y verde. Para no modificar el contraste de la escena, pondremos la capa de curva en modo de fusión de 'Color'.

Después, con una capa de ajuste de 'Blanco y negro', trabajaremos la luminancia de la escena y el contraste general. Para ello, pondremos la capa de ajuste en modo de fusión 'Luminosidad' y ajustaremos los tonos de la escena para oscurecer o iluminar aquellos elementos de mayor interés. En este caso, hemos oscurecido los cielos para reforzar la oscuridad en las nubes, y hemos subido los valores de los amarillos rojos y verdes para iluminar la flora de la escena.

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Qué son y cómo utilizar los modos de fusión de capa en Photoshop: Grupo de componentes

Tras trabajar estos valores de la escena, con una capa de ajuste de 'Corrección Selectiva' podemos reforzar o modificar el tinte general de la escena trabajando en los valores de blancos, negros y neutros. En este caso estamos reforzando el cyan en las sombras, sin embargo agregamos algo de amarillo a la escena general en los neutros y en las altas luces.

Finalmente podemos reforzar o modificar el contraste de la escena con una segunda capa de ajuste de 'Curvas'. En este caso hemos reforzado el contraste con una curva en S que rompe el punto de negro y blanco.

Abajo podéis ver el resultado final:

Este tipo de ajustes se puede aplicar a distintos tipos de imágenes, consiguiendo resultados llamativos. Cuando veamos que algo falla, podremos ajustar los valores de las capas de luminancia y de color. Incluso, si queremos buscar un estilo cálido y no tan frío, basta con solo modificar la primera capa de curvas para cambiar todo el conjunto de color de la escena.

Como siempre, lo mejor para dominar las herramientas es practicar y buscar cómo modificar los ajustes de cada valor para que se adapten mejor a nuestras fotografías.

Llega el verano y, con él, mucho sol y contraste. Esta época nos permite explorar mucho fuera del estudio, pero, al entrar al laboratorio, siempre podemos experimentar con nuevos estilos de color. Por ello, en esta ocasión os traemos uno que trata de emular un proceso del laboratorio químico y lo mezcla con un sistema fotográfico del pasado: un look de película fotográfica forzada a dos tiras.

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Cómo conseguir un estilo de contraste por color apagado en nuestras fotografías con Photoshop

Volviendo al pasado

En el pasado hemos trabajado cómo conseguir estilos de película y también os explicamos el sistema de color a dos tiras. Basados en estos principios, podemos experimentar a mezclar técnicas para conseguir nuevos estilos fotográficos. Pero no era suficiente para conseguir algo nuevo que se adapte a esta época del año.

Para complementar el estilo de hoy nos adentramos un poco en las propiedades que ofrecía el forzar las películas fotográficas en el laboratorio. Este proceso, también conocido como forzado de carrete, parte de utilizar una película de menor sensibilidad a la que se ajusta en cámara. Esto hace que subexpongamos nuestras tomas, para luego “recuperar” esa subexposición en el proceso de revelado del carrete.

Para esta recuperación, durante el proceso de bañar la película en el químico de revelado, dejaríamos más tiempo la emulsión en el líquido. Lo que generaría las siguientes propiedades:

• Más contraste en la película
• Grano exagerado
• Saturación de color (en película de color)
• Variación de los tonos

Para el estilo de hoy, mezclamos estas propiedades con el elemento llamativo del proceso a dos tiras: la reducción de canales de color. Esto nos permitirá conseguir un color más armónico y buscar tonos que nos suenan a verano.

En el laboratorio

Para mostrar el proceso utilizaremos la imagen de abajo como ejemplo:

Primero nos enfocaremos en todos los elementos de color de nuestra imagen. Así que comenzaremos a emular nuestro proceso de dos tiras. Creamos una capa de ajuste de ‘Mezclador de canales’. En el canal azul vamos a eliminar este tono llevando el azul a cero, y compensar el canal agregando 50% de azul al canal rojo y 50% al canal verde. Esto llevará a que nuestra imagen solo tenga dos componentes de color: Cyan y Magenta.

Ahora utilizaremos una capa de ajuste de ‘Tono/Saturación’ para ‘mover’ estos dos tonos a nuestro gusto. En este caso, el enfoque es conseguir un tono de piel que se sienta algo natural. Esto generará que al conseguir el tono cuasi naranja en los magenta, el complementario en el resto de la imagen tienda hacia el azul.

En el siguiente paso podemos salir de dos efectos en una sola capa: buscar emular un estilo vintage de película y afinar los tonos para que se sienta más natural la piel. Para ello crearemos una capa de ajuste de ‘Curvas’. Dentro de la curva general subiremos el nivel de negro y cortaremos el punto blanco, recuperando (y ajustando) contraste con puntos internos. En este caso, para recuperar la piel, en las sombras aumentamos el canal rojo y en los brillos agregamos cyan. En el canal azul ayudamos a reforzar agregando amarillo en las sombras y azul a los brillos. Lo que resulta en un tono de piel más acorde a la realidad.

Una vez tenemos nuestro color listo, podemos enfocarnos en el contraste de la imagen, buscando emular aquel producido al forzar una película fotográfica. Para hacerlo, podemos utilizar un par de ajustes de curva y con las propiedades de fusión ajustar las áreas donde queremos que afecten éstas. De esta manera podremos crear un contraste mucho más controlado.

Con los pasos anteriores ya tenemos nuestro estilo finalizado en cuanto a color y contraste. Los siguientes pasos son solo para exagerar el efecto vintage que podemos conseguir al aplicar este tipo de técnicas.

En este complemento, lo primero que haremos es crear un flare falso. Para ello, creamos una capa nueva, la rellenamos de negro y luego vamos a Filtro > Interpretar > Destello. Buscamos dónde queremos que se genere el ‘flare’. En este caso, ya que la esquina superior derecha es la más brillante, he elegido ese punto como fuente del destello.

Una vez generamos este efecto, asignamos que la capa quede en modo de fusión ‘Trama’. Controlamos su fuerza con la opacidad de capa y, si notamos que el efecto luce muy digital, podemos suavizarlo agregando un poco de desenfoque a la capa y ajustando su visibilidad con máscaras.

Este tipo de imágenes van bien con algo de suciedad y grano sobre la imagen. Para ello podemos conseguir texturas en internet, tanto del grano como de la suciedad que queremos agregar. Si la textura tiene un fondo negro utilizaremos el modo de fusión ‘Trama’; si la textura tiene fondo gris al 50% utilizaremos el modo de fusión ‘Superponer’.

En este caso, primero pondremos la textura de nieve sobre la imagen. La llevamos en modo de fusión ‘Trama’ y luego bajamos su opacidad. En este caso 5% de opacidad.

Para finalizar agregamos una textura de grano de negativo ISO 1600. Como es fondo gris, la colocaremos en modo de fusión de capa ‘Superponer’.

Abajo podéis ver el resultado final de la imagen.

Como siempre, explorar y variar las propiedades de estos estilos nos ayudarán a entender mejor las herramientas, cómo afectan al color y encontrar variaciones que nos den nuevos elementos. Así que a jugar, experimentar y practicar estos looks en Photoshop.

Las tendencias en redes sociales nos muestran cómo van evolucionando los estilos fotográficos. Si bien hace un año los 80’s cinemáticos dominaron la estética visual, este año parece que el estilo de contraste por color apagado está surgiendo como uno de los preferidos.

Como bien lo dice su nombre, la idea de este estilo es conseguir contraste opacando uno de los colores (usualmente el del fondo) y luego conseguir altos contrastes, tintes fuertes y aumento de detalle sobre el sujeto. Esto nos ayuda a tener una imagen que ayuda a destacar más nuestro sujeto principal en la foto. Le da tridimensionalidad y el tono apagado le da cierto aire “cinematográfico” (en un muy amplio sentido de este adjetivo).

En el laboratorio

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Aprendiendo a emular presets para mejorar nuestros procesos de revelado y edición fotográfica

Para ejemplificar el proceso, arranquemos con la imagen de abajo:

Lo primero que haremos es crear una capa de ajuste de ‘Curvas’ para plantear un contraste general en la imagen. En este caso darle profundidad a las sombras.

Nuestro siguiente paso es mantener control sobre el sujeto y opacar el color que lo rodea. Para ello usaremos una capa de ajuste de ‘Tono/saturación’. Con la herramienta de mano buscamos dónde se encuentra nuestro fondo y disminuimos la saturación y la luminosidad de ese tono. En este caso, el pájaro y el fondo tienen un color similar, por lo que habrá que realizar una máscara separando sujeto y fondo.

Ya que el estilo se enfoca en destacar a un sujeto, podemos utilizar una segunda capa de ‘curvas’ para crear un viñeteado centrando el personaje. Este método de viñeteado puede realizarse de la manera que más os quede cómoda.

Para esta imagen, los ojos son un elemento clave. Así que iluminaremos los ojos con un par de ajustes de curva, tal y como os mostramos en una guía anterior.

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Cómo darle vida y detalle a los ojos en nuestras fotografías utilizando Photoshop

Antes de acabar le daremos tinte a la imagen para reforzar y contrastar los tonos en ella. Con una nueva capa de ajuste de ‘curvas’, a la escena general podemos subirle el punto de negro para que el tinte sea más notorio. En el canal de azules podemos subir el tono en las sombras, generando un ambiente frío; compensamos en las altas luces bajando el punto blanco del azul (lo que nos añade un tinte amarillo a los brillos). Para no perder calidez sobre el sujeto, en el canal rojo aumentamos un poco el punto sobre los medio tonos, y si queremos generar un tono cian en la sombra podemos reforzar bajando el tono rojo sobre las sombras.

Finalmente, podemos mezclar el proceso en una capa nueva (Ctrl+Alt+Shift+E) y aplicar algún método de búsqueda de detalle (como separación de frecuencias, mapa de normales o contraste de bordes). En este caso fue realizado con separación de frecuencias.

Abajo podéis ver el resultado final:

Como véis, el efecto del estilo se encuentra en dar un aire algo dramático que nos centra sobre un sujeto. Los tonos opacados ayudan a resaltar más nuestro punto de atención y el darle un tinte que contraste con el tono general del sujeto ayuda a que destaque desde un primer vistazo.

Este estilo puede ser aplicado a una gran variedad de imágenes. Es particularmente popular en la fotografía callejera. Pero, como siempre, lo mejor es experimentarlo sobre vuestras imágenes para buscar cuáles son las que le sacan más provecho.

Usualmente los looks y presets que aplicamos sobre nuestras imágenes vienen de controles y ajustes globales. En el pasado os hemos mostrado cómo crear ciertos estilos utilizando este principio. En esta ocasión entraremos a jugar con ajustes locales y cómo crear un estilo de imagen de contraste de color.

Máscaras y colores

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Cómo crear un estilo de control de contraste en nuestras imágenes utilizando Photoshop

Para ejemplificar el proceso utilizaremos la imagen de abajo como ejemplo.

Lo primero que haremos es acentuar el contraste general de la escena. Oscurecer esa área de la estación que está oscura y sacar mucho más brillo del área iluminada. Para ello utilizaremos la herramienta de ajuste de ‘Curvas’. Crearemos una capa, disminuimos el brillo bajando el punto de blanco y, para crear un contraste más natural en esa transición, le pondremos barriga a esa curva.

Veréis que la imagen se oscurece del todo, pero como solo queremos afectar el lado izquierdo de la imagen, crearemos una gradiente de izquierda a derecha sobre la máscara de ‘Curvas’. Como podéis ver arriba.

De manera similar, para aumentar los brillos, con una segunda capa de ajuste de ‘Curvas’ podemos mover el punto blanco dentro de la información de la imagen. Aplicamos una gradiente sobre la máscara de ‘Curvas 2’, esta vez de derecha a izquierda.

Si los brillos quedan muy clipeados, podemos controlar el recuperar información en las propiedades de capa de esta curva (click derecho opciones de fusión). En la parte inferior (‘Fusionar si es’, barra de ‘Capa Subyacente’), movemos el controlador y buscamos un punto donde consigamos la información deseada. Luego separamos el controlador (Alt + Click sobre la palanca) para darle suavidad a la transición.

Estos dos ajustes nos han creado el contraste general de la imagen, además de las máscaras sobre las cuales aplicaremos el color. Para colorear utilizaremos la herramienta de ajuste de 'Corrección Selectiva'.

Lo primero que haremos es copiar la selección de la máscara de los brillos (Ctrl + Click sobre el cuadro de máscara). Teniendo esa selección activa, crearemos una capa de ajuste de ‘Corrección Selectiva’. En el canal de blancos agregaremos un poco de amarillo y el en canal de neutros ajustaremos el tono cálido de la área luminosa. Acá ya podemos ver cómo adquiere algo más de fuerza la imagen.

De la mísma manera crearemos una segunda capa de ‘Corrección Selectiva’ utilizando la máscara de gradiente de negro. En este ajuste solo trabajaremos sobre los negros, agregando un poco de cyan y azul a la escena.

Con estas dos capas de color ya tenemos listo nuestra base de color en la escena. Para finalizar la imagen aplicaremos un ajuste global que termine de fusionar estos cambios locales que hemos realizado. Esto lo lograremos utilizando una capa de ajuste de ‘Curvas’.

Dependiendo de cómo ajustemos la curva se conseguirán distintos resultados. Una Curva en S de alto contraste generará sombras muy oscuras y brillos muy altos, dando una sensación como de película forzada.Una S invertida lavará la imagen, pero dará un estilo de película de bajo contraste.

A mi me gusta lo mejor de ambos mundos, por lo cual he realizado una curva en S de bajo contraste. Subiendo el punto de negro, bajando el punto de blanco y consiguiendo recuperar contraste perdido en esta acción modificando la curva.

Finalmente, como gusto personal, siento que el hombre al lado del carril está un poco apagado, por lo cual adicioné un último ajuste de curvas para iluminar un poco el sujeto. Pintando una pequeña máscara sobre él.

Abajo podéis ver el resultado final de la imagen.

El explorar ajustes locales mediante máscaras nos ayudará a un nivel de personalización del estilo más allá de lo que logran los presets y las LUT. Los cambios realizados pueden ajustarse a distintos tipos de imágenes tan solo ajustando las máscaras a la nueva composición.

Pero, sobre todo, lo más importante es la práctica. Así que a jugar con vuestras imágenes. ¡Hasta la próxima!

Estamos en un momento fotográficamente con una infoxicación de imágenes importante, y cuando ocurre esto las fotografías vintage suelen ser algo que triunfan en gran medida. Si a todo esto le añadimos un poquito de aquí y otro de allí encontramos un sin fin de sentimientos encontrados que gusta más aún.

El colorear fotografías en blanco y negro no es para nada nuevo, y de hecho lleva muchos años dentro del mundo fotográfico. Un concepto que puso muy de moda en España Ouka Leele y que a día de hoy, con los avances digitales en postproducción es algo muy sencillo.

Hoy, coincidiendo con los últimos día del año, os traigo esta pequeña recopilación de imágenes históricas que fueron sacadas en su día en B/N y que hoy nos vuelven coloreadas. Una bonita colección, sin duda, y con personajes ilustres o momentos importantes en la historia... sobre todo de Estados Unidos.

Washington DC Filling Station en 1924

Albert Einstein en Long Island Beach en 1939

Soldados americanos habían perdido a un compañero en Alemania del Oeste en 1945

Alfred Hitchcock

Un Ojibwe nativo americano pescando, Minnesota en 1908

Un granjero de Oklahoman durante la Gran Dust Bowl en 1939

Un piloto de la RAF cortándose el pelo

Niño fumando en Baltimore, 1938

Vendedor de almejas en Mulberry Bend , New York 1900

Curb Market en New York, 1900

Clint Eastwood trabajando en su Jag Xk 120 del 58 en 1960

Dick Winters y su compañía (Band Of Brothers) en la residencia de Hitler

Punto de venta de Harley Davidson en Washington DC, en 1925

Henry Ford, 1919

Vacaciones en Atlantic City, New Jersey, 1905

Indio jefe Klamath rezando a los espiritus en el Crater Lake, Oregon, 1923

Madison Square Park, New York, 1900

Mark Twain en la Casa del Parlamente, Londres, 1907

Judíos llegando al Campo de Exterminio Auschwitz, 1944

Operación Overlord, Junio 1944

Gente en la cola, Louisville, Kentucky 1939

Presidente Lincoln con el Major McClernand y Allan Pinkerton en Antietam, 1862

Times Square, New York, 1947

Dos boxeadores durante una pelea

Soldados de la Unión, 1863

Winston Churchill,1941

Accidente de coche, Washington DC, 1921

Foto portada | "WH Murphy probando un chaleco antibalas, 1923"

En la actualidad, usamos el blanco y negro en nuestras fotografías por placer, pero hubo un tiempo en que no había más alternativa. Seguro que alguna vez os habéis parado a mirar los álbumes de fotos de vuestros padres o abuelos y habéis tenido curiosidad de cómo se vería todo ello en color.

Hay distintas formas de colorear una foto en blanco y negro mediante Photoshop, y éste es sólo uno de los métodos posibles. Me llamó la atención que no fuera el clásico de ir pintando con el pincel y borrando sobrantes, y tras probarlo, considero que es un método algo más rápido, bastante sencillo, y tiene buenos resultados.

Podéis partir de cualquier foto en blanco y negro. Yo escogí una foto tomada orignalmente con una película en blanco y negro y escaneada después. Esta fue mi foto original:

Primer paso: preparar la foto

Antes de ponernos a colorear, debemos deshacernos de los pequeños defectos que probablemente tenga la foto escaneada. La mía tenía unos cuantos arañazos, por ejemplo. Para ello nos valdremos principalmente de la herramienta de tampón de clonar, y con el pincel en un tamaño pequeño, iremos rellenando poco a poco las zonas de la foto dañadas. En ocasiones es posible que tengamos que utilizar también el pincel corrector (popularmente conocido como “tirita”) para mantener la textura adecuada.

Seguidamente, tenemos que ir a los niveles (imagen> ajustes> niveles, o directamente podemos pulsar Ctrl+L). Cuando los tengamos abiertos, arrastramos las flechitas de los extremos izquierdo y derecho hacia el interior, hasta que lleguen al histograma, y damos a “ok”. Estos serían el antes y el después de los niveles:

Tras limpiar la foto y ajustar los niveles, así quedaba la mía:

Ahora, debemos cambiar la imagen a modo CYMK (Imagen> Modo> Color CYMK), y podemos pasar al siguiente paso.

Segundo paso: seleccionar una zona de color

Toca ahora lo más aburrido: seleccionar una de las zonas de color. Podemos comenzar con la piel, por ejemplo. Para llevar a cabo una selección lo más exacta posible lo mejor es la herramienta de lazo poligonal, aunque es posible que podáis ir más rápido seleccionando con el lazo magnético y corrigiendo posteriormente las inexactitudes con el lazo poligonal. Iremos seleccionado las distintas partes que tengan el mismo color, sumando cada nueva selección a lo anterior.

Una vez terminada la selección, debemos suavizar los bordes de ésta para que sea más natural. Para ello, pulsamos Q en el teclado para entrar en modo de máscara rápida, y se nos quedará toda la fotografía en rojo menos las partes que habíamos seleccionado. Algo parecido a esto:

Aplicamos ahora un desenfoque gaussiano (Filtro> Desenfocar> Desenfoque gaussiano). Dependiendo del tamaño de vuestra fotografía, hará falta un radio de más o menos píxeles. Mi foto era más bien pequeña, así que con 2 píxeles fue suficiente.

Tercer paso: Colorear cada zona

Volvemos a pulsar Q para salir del modo de máscara rápida, y la foto volverá a la normalidad, con la zona seleccionada correspondiente, sólo que ahora los bordes de la selección se habrán suavizado. Entonces vamos a Capa> Nueva capa de ajuste> Curvas, y en el cuadro que nos sale, ponemos el nombre que corresponda según la zona seleccionada (en mi caso, “piel”), y marcamos la casilla “usar capa anterior para crear máscara de recorte”. Damos a OK.

Ahora es el momento de jugar con las curvas para conseguir el color deseado. A través del menú despegable del cuadro de curvas de la capa de ajuste, iremos modificando el cian, el magenta y el amarillo para obtener el tono que queramos. Este era el aspecto de mi foto con la piel coloreada:

Para conseguir dicho tono, mis curvas quedaron así:

Pero dependiendo de la imagen y de los gustos personales, esto será completamente variable.

Y esto es todo. Claro, que ahora toca repetir los pasos dos y tres con el resto de zonas de color, que en mi caso fueron el mar, el cielo, los labios, etc. De nuevo seleccionaremos, luego suavizaremos los bordes con el desenfoque gaussiano, y por último crearemos una nueva capa de ajuste y conseguiremos el color jugando con las curvas.

El resultado es una foto con unos tonos más bien “vintage”, un toque bastante acertado si la foto es antigua, como la mía.

Animaros a seguir el tutorial. Si es vuestra primera colorización seguro que os sorprenderéis con los resultados, y si no, podéis comprobar si preferís esta modalidad a otras que ya hayáis probado. ¡Suerte!

Vía | Worth1000