Yo soy más de RAW. Siempre disparo en este formato. Y rechazo cualquier cámara que no permita hacerlo. Se pierde mucha información dentro del cuerpo de la cámara. Pero hay veces que no queda más remedio que disparar en jpeg. Así que vamos a conocer cómo debemos configurar nuestra cámara para conseguir los mejores resultados posibles.

Con este tema hay mucha polémica. En muchos cursos me encuentro con gente que dice que dispara en uno o otro formato en función del destino de las fotografías o, lo que más sorprende y que me lleva a ponerme de rodillas para que me den la clave, cuando van a hacer fotografías buenas.

El formato jpeg es un archivo comprimido para ahorrar espacio en las tarjetas de memoria y en los discos duros. Hace tiempo esto podía tener sentido por el precio de las unidades de almacenamiento. Pero hoy en día no es una buena justificación.

El otro punto a favor que se esgrime cuando se apuesta por este formato es la rapidez. La fotografía ocupa menos espacio y todo lo que conlleva (pasar información al ordenador, o enviarlo rápidamente a las agencias) es un motivo de peso para olvidarse de algo como el RAW.

JPEG original

Pero no todos los fotógrafos tenemos necesidad de ir rápido. La fotografía es lenta. Luego hay que seleccionar y revelar. No es exactamente lo mismo, pero disparar en jpeg es como trabajar con las diapositivas de los tiempos químicos. Si el disparo no era bueno, la fotografía no se podía salvar.

Había algunos trucos, como arreglar un poco la exposición cuando pasábamos la copia a Cibachrome. Pero lo que conseguías era lo que tenías. Exactamente igual que el jpeg. Es un archivo comprimido y revelado por la cámara con una serie de parámetros que vienen de fábrica. Eso es lo que tenemos que cambiar para conseguir que nuestros jpeg tengan el mejor aspecto posible o el que más nos guste.

También hay otros motivos para disparar en jpeg, por supuesto, como no tener ningún programa de edición de RAW, no saber manejarlos o no querer gastar el tiempo en el mundo del revelado. Así que vamos a descubrir cómo configurar nuestra cámara.

Parámetros que debemos ajustar en nuestra cámara para conseguir el mejor archivo jpeg posible

En Xataka Foto

Canon Powershot G5 X Mark II, análisis: una buena compañera de viaje con algo de camino por recorrer

Si habéis llegado hasta aquí es que sois de los que disparáis en jpeg por algún motivo concreto. Perfecto. Los fabricantes ajustan los parámetros para conseguir que las fotografías sean lo más llamativas posibles. Por lo tanto los valores que introducen son muy altos para lograr esa saturación y esa nitidez que vemos en la pantalla LCD.

Directo de cámara

Lo que ves es lo que tienes. Pero lo podemos cambiar y configurar. Nunca hay que juzgar una cámara por la primera foto que haces con ella. Igual que nunca podemos elegir una televisión u otra por cómo se ve en la tienda. Todo depende de la configuración:

• Perfil de cámara: este quizás es uno de los más importantes ajustes que debemos hacer. Es el punto de partida. En este momento le decimos a la máquina la saturación, el contraste y el brillo que queremos para nuestros trabajos. En RAW elegiremos siempre el más neutro. Pero en esta ocasión tendremos que buscar cuál es el mejor en función de nuestros gustos. Y dentro del perfil es donde podemos, en muchas ocasiones, elegir el resto de parámetros que vamos a ver.
• Equilibrio de blancos: disparar en jpeg exige leer perfectamente la temperatura de color. Muchos apuestan por el AWB, pero creo que es un error pues modificar el color en un archivo comprimido puede suponer una mayor pérdida de calidad. Lo mejor sería disparar en función de la luz. Pero es un paso más que tendremos que dar en el momento del disparo.
• Nitidez: este parámetro depende del tamaño final de las copias. Depende de si las pasamos a papel o las dejamos en la pantalla. Personalmente apostaría por una nitidez media para evitar un aspecto poco natural.
• Contraste: un contraste más alto puede reventar las luces y las sombras, pero a cambio la imagen es más intensa y con una saturación mayor. Esto puede ser una ventaja, pero en muchas ocasiones intentar corregir un problema de color es complicado si partimos de un archivo comprimido, por decirlo suavemente.
• Saturación: a lo mejor nos gustan los colores más puros, más intensos. Siempre podemos subir este parámetro. Da lugar a fotos más impactantes. Pero como nos pasemos tendremos imágenes con colores sin detalles e insalvables.

Primera fotografía en jpeg

Por supuesto no podemos dejar de recomendar que aprovechemos todos los millones de píxeles que ofrece la cámara y que comprimamos los menos posible el archivo. Todo para conseguir la mejor calidad posible. Es una forma arriesgada de trabajar. Si fallamos no hay margen de mejora.

En Xataka Foto

Profoto B10 plus, análisis: el pequeño flash profesional de 500W para el estudio y la calle

Eso sí, nos libramos de decidir si queremos exponer a la derecha o no. En este caso, hay que exponer lo mejor posible para conseguir que el disparo sea la toma final. ¿Qué pensáis?

Ahora con una tarjeta de memoria de buena capacidad podemos hacer más de mil fotografías en un viaje sin problemas... Y sin coste alguno. Así seguro que conseguiremos alguna imagen buena... es pura estadística. ¿De verdad? ¿Si hacemos más disparos conseguiremos más imágenes inolvidables?

Hace poco ha vuelto a circular por las redes una imagen que vale más que mil palabras. Viene a decir que con un daguerrotipo hacías una foto y era buena; probabas un carrete de seis exposiciones y las seis eran buenas. Si tirabas con uno de doce, seguías haciendo seis decentes. Con el carrete de 36 exactamente lo mismo. Y con una tarjeta de memoria tiras mil y de nuevo solo merecen la pena seis.

Es un chiste pero como los buenos, dice la verdad, porque a muchos les cuesta verla de otra forma. Muchas veces he escuchado decir que "hago muchas fotos porque seguro que una me sale buena". Y así se justifica la necesidad de llenar tarjetas por doquier. O eso de "hago varias desde distintos ángulos porque alguna será la buena"... Eso sí, luego enseña todas porque ya que las ha tomado...

O aquellos que muestran todas las fotografías de las vacaciones o llenan las foto revistas con imágenes minúsculas tamaño sello porque así le entran todas las que han hecho... A la hora de enseñar nuestras vacaciones hay que aprender a seleccionar, a editar, a ser capaces de distinguir lo bueno de lo malo.

¿Cuántas fotografías hay que hacer?

Uno de los problemas de la fotografía digital es precisamente el coste cero del disparo (aunque es algo que se podría discutir). Ya no cuesta apretar el disparador. Ya no hay plata de por medio. Todo depende de la capacidad de la tarjeta, del formato de archivo y de la compresión del mismo. He visto contadores que llegan a 999 porque no pueden registrar más por la capacidad de la tarjeta...

Esto es maravilloso, desde luego, pero solo desde el punto de vista económico. Porque para el fotógrafo se ha convertido en una maldición. Y más aún para los espectadores que tienen que ver mil fotografías de una sentada bajo el miedo de ofender al fotógrafo (lo he vivido, de verdad).

Mil veces vista

El fotógrafo digital confía más en la cantidad que en la calidad. El fotógrafo solo cree en la calidad. No por mucho disparar amanece más temprano, digo, no por mucho disparar conseguimos mejores resultados. Aunque queda mucho más claro decir que no por mucho disparar a lo loco conseguimos mejores resultados.

Hay que hacer muchas fotografías, desgastar el sensor. Pero con cabeza, con sentido. Seguro que podemos hacer algo más que las típicas fotos de Instagram...

Cómo conseguir buenas fotografías

El secreto mejor guardado no es llenar la tarjeta sin orden ni concierto. Todo consiste en pensar la fotografía. ¿Cómo? Muy fácil. Imagínate que cada disparo te cuesta 3€. Y que lo tienes que amortizar. O que en tu flamante tarjeta solo entran 36 fotografías.

Así conseguimos pensar cada disparo. Evitamos fotografías innecesarias y logramos una media lógica de buenos resultados. Antes de llevarnos la cámara al ojo hay que visualizar la imagen. Tener muy claro lo que queremos hacer. Medir la luz y disparar. Es la fotografía de nuestras vidas.

Algo distinto

Y solo después de ese instante preciso empezar a buscar otro punto de vista u otra forma de contar lo que estamos viendo. Cada disparo es único e irrepetible. Solo así lograremos librarnos de imágenes vacías y centrarnos en nuestro trabajo. Seguiremos logrando las seis buenas fotografías de las que hemos hablado al principio, pero con muchos menos disparos, aunque con más esfuerzo. Conseguir lo mejor no es fácil. Pero más gratificante.

En Xataka Foto| Los cinco pasos que hay que dar antes de disparar una buena foto

En el mundo de la fotografía hay varios frentes abiertos. Canon contra Nikon, sin espejo contra réflex, clásicos contra modernos... y fotografía directa contra revelada. O hecha en la cámara o en el ordenador... Desde hace tiempo muchos fotógrafos consideran que la fotografía debe quedar terminada en el momento del disparo porque si no se altera la pureza del disparo. Otros confiesan el revelado del archivo... Vamos a ver en qué termina este combate entre la fotografía directa contra la fotografía revelada.

La verdad es que es un tema que me llama mucho la atención. Es la defensa de la pureza de la fotografía. Decidir qué es fotografía realmente. Luchar contra los tiempos. Establecer barreras o delimitaciones claras para situarse en un lado u otro de la creación de imágenes. Y desde la era digital parece que los bandos están creciendo. Menos mal que en este caso valen los matices. No todo es blanco y negro afortunadamente.

Antes que nada vamos a presentar a los dos bandos. A la izquierda, con calzón blanco, tenemos a los fotógrafos que confían ciegamente en sus cámaras, objetivos y filtros. Ven la imagen, preparan todo para que sea perfecto y disparan para lograr un archivo sin retoque, directo de cámara como suelen apostillar. En el otro lado del cuadrilátero, con calzón negro, los fotógrafos que hacen sus fotos pensando en lo que le van a hacer cuando lleguen a casa y enciendan el ordenador. Vamos a conocerlos.

Fotografía directa

Los adalides de la fotografía directa nacieron con la fotografía. En los tiempos míticos de la daguerrotipia las imágenes solo servían si salían perfectas de la cámara. No valían las medias tintas. Si no era perfecta, si la luz del sol no impregnaba exactamente la materia argéntica, el esfuerzo no había servido para nada.

Pero si se lograba, el éxito era rotundo. Una copia única y perfecta de la realidad. Pero los tiempos cambian y empezó muy pronto la era de la reproductibilidad, la característica principal de la fotografía. El negativo hizo acto de presencia y con él la posibilidad de modificar la información en el laboratorio.

Incluso Ansel Adams formuló el sistema de zonas para diferenciar el momento de la toma del positivado. Todo un flujo de trabajo como decimos ahora para lograr la máxima calidad en la copia final, pero ya hablaremos de él...

Muy pronto presentaron la primera diapositiva, en los años 30 salió el Kodachrome. Y todo volvió a los orígenes. Si sabías disparar con diapositiva, eras un fotógrafo de verdad. Equipados con los fotómetros íbamos a la búsqueda de la luz y sabíamos que solo teníamos una oportunidad (bendito bracketing).

Por este motivo nos encontramos hoy en día con fotógrafos que ante todo y sobre todo practican el disparo directo. Hecho en cámara, sin ayuda alguna de un ordenador... todo lo que se ve estaba allí y no se ha cambiado nada... Seguro que os suena... Esta fotografía es un disparo directo con un filtro de 10 pasos y un degradado para compensar la diferencia de luz entre el cielo y la tierra... Sin ajustes en el ordenador... lo que ves es lo que había...

Esta es la carta de presentación de este bando de la fotografía directa. Una forma de entender la fotografía que no debería ser excluyente, sino otra forma de entender la toma fotográfica. No son mejores ni peores. Hacen lo que quieren como quieren. El problema es que hay que reconocer que han elegido una cámara y no otra, un objetivo más o menos angular con una nitidez y bokeh característicos, y unos filtros -con una coloración particular- que intentan igualar luminosidades para evitar los problemas inherentes de los fotorreceptores. Por no hablar de captar la realidad en una unidad de tiempo distinta... Nunca he visto el efecto seda en la realidad...

Fotografía tratada

En el otro bando tenemos a los seguidores de la fotografía tratada. La idea es hacer la fotografía y luego mejorar el resultado con la ayuda de los programas informáticos. Así de sencillo o de complicado. Desde que nació el concepto de negativo los fotógrafos han tratado la información disponible para dar forma a su estilo.

La imagen toma forma cuando se positiva. En el laboratorio todo cambia. En el negativo tienes la esencia. Es la partitura del fotógrafo que interpreta como quiere toda la información que está ahí latente. Y esta frase es de Ansel Adams, el creador del sistema de zonas, el sistema más avanzado de positivado.

Fue consciente, en uno de sus viajes por la montaña, de la visualización. Una cosa es la realidad y otra es la interpretación de la misma para comunicar a los demás cómo es. El negativo tiene unos valores que hay que conocer para dar tiempos de revelado, contraste del papel, etc...

No es cuestión de inventar la realidad, sino de dar tu propia visión de la misma. Es el momento de elegir los matices de grises, la tonalidad del color, la saturación, el contraste... No se puede decir que algo esté bien o mal si tienes todo el control. El resultado final es lo que cuenta.

El problema surge cuando el resultado empieza a ser distinto totalmente del original porque la realidad que captamos no nos gustó. Quitamos cables, papeles, personas, etc... porque en el momento que disparamos no nos fijamos o porque los cánones de la composición no entran en lo que disparamos. Entonces nos olvidamos de la realidad para quedarnos con nuestro mundo. Y caemos en el uso indiscriminado de los filtros estándar.

El resultado del combate

Si no vigilamos la luz, el momento exacto de la obturación y empezamos a modificar la información surge el otro bando, el que apela a la pureza del disparo. Creo que este es el origen de la pelea. Si algunos fotógrafos ven que otros defienden su fotografía en función de lo que pueden hacer con ellas en el laboratorio digital es cuando intentan la revolución de la fotografía directa como respuesta.

Ahora mismo nos encontramos con las dos formas de trabajar. Y ambas son válidas y falsas. Esa es la realidad de la fotografía. Es solo una interpretación que cada uno hace como quiere. Muchos somos equidistantes. Odiamos los bandos. El blanco y negro. Estás conmigo o contra mí. Todo es una cuestión de matices.

Personalmente creo que en la fuerza del momento. Pero defiendo exponer a la derecha. Intento que mis fotografías sean perfectas desde el punto de vista técnico. Y luego interpreto esa información para darle mi estilo. Que no depende solo de la técnica, desde luego.

En el momento del disparo he compuesto, he colocado los elementos como he juzgado necesario. Y sobre todo me he fijado mucho en la luz, lo más importante para mi en la fotografía. Y luego en el ordenador intento plasmar lo que vi bajo mi propio prisma. Y desde luego no quito cables o personas si no fui capaz de quitarlos en el momento. ¿Dónde estáis vosotros? ¿Sois de un lado o de otro? ¿O directamente hacéis fotos y os dejáis de estas cosas que no llevan a ninguna parte?

En Xataka Foto| Los fotógrafos esenciales de la historia de la fotografía

Hacer una fotografía no es fácil. El otro día una profesora universitaria me dijo que solo hay que apretar un botón. Si fuera así de sencillo sería lo más aburrido del mundo. Por este motivo voy a enumerar todos los pasos que hay que dar para ver una buena imagen en la pantalla de nuestra cámara.

Aun a riesgo de resultar repetitivo, hacer una fotografía no es fácil. En absoluto. No se puede banalizar algo así. Por esa regla de tres escribir un libro es sencillo, tocar una canción es cosa de niños, hasta meter un gol en una final europea solo consiste en dar golpes a una pelota. Todo acto de creación requiere una técnica. Detrás están los años de formación, pero incluso los fabricantes hacen creer a sus clientes que si compran sus cámaras sus fotos sencillamente serán mejores fotógrafos. Lo triste es que es algo que la mayoría cree...

Por este motivo voy a señalar paso por paso, sin olvidarme de nada, todo lo que hay que hacer para conseguir un buen disparo. Que sea realmente inolvidable depende de los otros factores que he señalado antes, principalmente los años de formación, de miles de fotografías hechas, de no dejar nunca de tener curiosidad por las cosas, de no sentirse derrotado por la rutina de tu vida, encerrado en casa y culpando a los demás de la monotonía con la que obligas a convivir a todos los que te rodean simplemente porque consideras que es lo mejor, por no darte cuenta del miedo que tienes a ser mediocre... La fotografía no es otra cosa que pura vida, simplemente porque es algo que te relaciona con el mundo.

1.- Mirar

Este es el acto primigenio de la fotografía. Mirar no es lo mismo que ver. Ver es algo natural; mirar es algo consciente, como dijo el lingüista mexicano José Guadalupe Moreno de Alba:

Vemos todo lo que miramos, pero no miramos todo lo que vemos; basta tener los ojos abiertos para ver, pero para mirar necesitamos ejercer, en alguna medida, la voluntad

Mirar con ojo fotográfico es lo que nos lleva a encender la cámara. Es algo básico si queremos hacer una fotografía, y es algo más que un mero ejercicio mecánico, que se escapa de lo hoy quiero contar aquí. Es el momento de encender la cámara y empezar a comprobar todos los parámetros que vamos a ir señalando.

El paseo de @ferfotopunotes

Da igual que estemos ante una fotografía de acción o un paisaje o un bodegón. En ese momento hay algo que ha llamado nuestra atención y hemos sentido la necesidad de preparar todo. Elegimos un punto de vista (el punto desde el que hacemos la fotografía) y un encuadre (el hecho subjetivo de la fotografía). En este momento también decidimos la distancia focal que vamos a utilizar. No es lo mismo la sensación de un angular que la de un teleobjetivo.

2.- Buscar el punto de interés

Si hemos elegido el encuadre, tendrá que estar supeditado a un punto de interés, aquel objeto, persona o animal que queremos que el futuro espectador mire. No tiene sentido disparar sin un punto de interés. Si en el encuadre no hay nada que mirar o hay cientos de puntos posibles, la fotografía no servirá de nada. Algo en concreto tiene que destacar sobre lo demás.

La Real de @ferfotopuntoes

Y lo que es más importante y a muchos se nos olvida: todo lo que rodea a ese punto de interés tiene que estar a su servicio. Tienen que dirigir la mirada del espectador exactamente a ese objeto, persona o animal que hemos elegido. No tiene que haber nada discordante en nuestro objetivo final.

3.- La exposición

Ya podemos empezar a pensar en la exposición. Si queremos simplificar nuestro trabajo podemos tirar del modo Programa (P) de nuestra cámara. Es perfectamente lícito utilizarlo, nadie debería vernos mal por aprovecharnos de sus virtudes, pero en cierta manera nos estaríamos perdiendo muchas cosas.

Todo depende de la luz que tengamos en el momento del disparo. Y sobre todo de cómo incida en el punto de interés.

En primer lugar debemos elegir el diafragma. Así decidimos la profundidad de campo que queremos en nuestra fotografía. Que queremos enfatizar el interés en el punto de interés enfocándole solo a él o que preferimos una nitidez extrema en todos los planos con la ayuda de un diafragma cerrado o de la famosa hiperfocal.

Castillo de @ferfotopuntoes

En segundo lugar debemos controlar la velocidad de obturación. Podemos acudir a esa regla que dice que tiene que ser como mínima la inversa de la distancia focal de nuestro objetivo. En cristiano, si llevamos un 50 mm, la velocidad de obturación debe ser como mínimo 1/50, así de sencillo. Y si nuestro sensor es más pequeño que un FF, entonces debemos multiplicar la focal por el factor de recorte. Es un cálculo muy conservador, pero para empezar esta bien. Todo cambia si tenemos alguna función de estabilización o llevamos un trípode.

En tercer lugar debemos tener en cuenta la sensibilidad. Es tan importante que es capaz de modificar los otros dos parámetros. Sería ideal trabajar siempre con el ISO nominal, pero siempre hay cosas que nos lo impiden, como ya hemos visto.

Los valores de exposición podrían ser más sencillos, pero realmente es lo que le da cierta vida al acto fotográfico. Pero si quieres disparar en P con ISO automático, eres muy libre de hacerlo. Y que nadie te juzgue por ello. Y si el histograma no te convence, habrá que repetir todo este paso de nuevo.

4.- Enfocar

El enfoque automático, lo que la gente llama autofocus o autoenfoque por falta de expresiones en nuestra lengua común sin lugar a dudas, es una bendición. Cada vez los sistemas funcionan mejor. Llamadme clásico, pero prefiero utilizar solo el punto de enfoque central.

Mi técnica, siempre y cuando el enfoque no sea crítico como puede suceder en un macro, consiste en situar el punto de interés en la zona central, pulsar hasta la mitad el disparador, y finalmente recomponer la imagen como habíamos pensado en el segundo punto sin soltar el disparador. Así consigo un 90% de mis imágenes. Es verdad que podemos jugar con el joystick que llevan algunas cámaras actuales para evitar perder el encuadre, pero cada uno tiene sus manías.

5.- Disparar

Es el momento del disparo. No hay vuelta atrás. Todos los pasos anteriores deberían haber sido rápidos para no perder el momento. Solo queda apretar hasta el fondo y esperar una alineación de los planetas para que esa foto sea perfecta.

El museo de @ferfotopuntoes

Por supuesto la cámara tiene que estar correctamente sujeta. Nada de hacerlo con una sola mano como si fuéramos turistas, o con las dos manos desplegadas, o con los brazos como alas... Así evitaremos imágenes trepidadas y trasmitiremos la sensación de que sabemos lo que estamos haciendo con semejante artilugio entre las manos.

Cinco pasos para conseguir una fotografía correcta. Para obtener una imagen inolvidable tendrán que pasar unos cuántos años. Y para ser fotógrafo deberíamos poder contar historias con nuestros disparos, pero eso es otra historia.

En Xataka Foto| "Tú sabes usar una cámara, no sabes hacer fotos"

Jeroen Oerlemans era un fotógrafo holandés independiente que cubrió varios conflictos: Afganistán, Haití, Pakistán y casi todos los países del Cercano Oriente, actualmente trabajaba en Libia para el semanario belga Knack.

Pese a que iba con chaleco los informes dicen que murió a consecuencia del disparo de un francotirador que le impactó en el pecho. Los restos del fotógrafo "se encuentran actualmente en el hospital" de Misrata, Libia.

Oerlemans no parecía ser de esas personas que se dejaban amedrentar por el miedo, en 2012 ya sabía había sido secuestrado por los yihadistas en Siria, en aquella ocasión tanto él como el fotógrafo británico John Cantlie, fueron liberados, aunque este último recibió un disparo cuando intentó escaparse.

Ruben Espinosa asesinado por el narco mexicano, David Gilkey asesinado junto con su intérprete en Afganistán, Leila Alaoui por Al Qaeda en Burkina Faso cuando hacía un reportaje sobre mujeres, Osama Jumaa que cayó en Aleppo o el vídeo que dio la vuelta al mundo con la ejecución de James Foley son algunos de los profesionales que en poco más de un año han engosado la lista de los fotoperiodistas muertos por ejercer su trabajo.

Fuente | Semanario Knack

Cuando adquirimos nuestra primera cámara, generalmente no sabemos nada de fotografía y vamos aprendiendo poco a poco, ya sea por medio de internet, libros o cursos.

Dependiendo de como hayamos aprendido, quizás haya cosas que nos parezcan obvias, y en otros casos, no conozcamos aún. Ya que generalmente cuando aprendemos por nuestros propios medios, no se suele llevar un orden concreto (aunque después de un tiempo todos llegamos al mismo sitio). Todos los caminos llevan a Roma, y la fotografía no iba a ser una excepción.

La mayoría de las cámara suele venir con una rueda en su parte superior, con varios modos, ya sean manual, semi-automáticos, automáticos o prefijados.

Dentro de estas opciones están los modos de escena, que tienen fijados unos valores por defecto para disparar en determinadas condiciones. Sería una pena que los usárais.

Ese modo se basa en fijar los valores de apertura, ISO, velocidad de obturación y balance de blancos, generalmente, para conseguir unos resultados más o menos óptimos en las condiciones indicadas. Aunque por experiencia propia, os puedo asegurar que los resultados dejan mucho que desear.

Aparte de esos modos inservibles en la mayoría de los casos, nos encontramos con tres modos más, que son el pan nuestro de cada día.

Aunque también tenemos el modo automático (AUTO), que no llega a ser tan inservible como los modos de escena, pero no se lleva mucho. Y por ello, no aconsejo usar. Este modo simplemente se encarga de fijar los valores adecuados para que la foto no salga trepidada.

El resto de modos son, Prioridad de apertura (A), Prioridad de velocidad (S) y Manual (M). Los tres son igual de útiles dependiendo de las circunstancias y más os vale aprender bien a manejarlos, porque de ellos dependerán en gran medida nuestras fotos.

Ahora os comentaré que modos uso yo, y por que.

Generalmente uso el modo manual, porque me gusta tener el control absoluto de todo lo que hago. Suelo usarlo en fotos de paisajes, en fotos en los que la rapidez no es necesaria y la escena va a permanecer allí, invariable durante los próximos minutos.

Con el modo manual y en algunos casos ayudado por el mítico botón AEL (para bloquear la exposición), podremos conseguir la iluminación apropiada de la escena en casi todas las ocasiones. Al fin y al cabo, es la parte elemental en lo que se basa una foto.

Si la luz fuera escasa, fijo de antemano unos valores de apertura, ISO y velocidad de obturación, que me permitan hacer fotos sin trepidación y que me den la luz necesaria (que no la óptima), aunque luego tenga que corregirla mediante el revelado del RAW.

Ni que decir tiene, que para usar el resto de modos, lo fundamental es conocer el manejo de la cámara en manual.

Como segunda opción, suelo usar el modo prioridad de apertura en la mayoría de las ocasiones en las que no hay tiempo para pensar. En fotos callejeras, que necesitan un rápido movimiento para encuadrar y disparar, y no hay tiempo para corregir la exposición. En fotos de animales, y generalmente cualquier foto en la que sólamente dispongamos de segundos, no habrá tiempo para manualidades.

Por eso, generalmente en este modo, suelo llevar una apertura de diafragma fija, y el enfoque automático (AF) activado. No hay tiempo para errores, y lo único que busco es mirar,apuntar y disparar.

El modo prioridad de velocidad lo he usado muy poco. Ya que con el modo prioridad de apertura y manual tengo suficiente.

¿Y vosotros? ¿Qué modos usais?

Fotos | Herzeleyd